Aaron Coberly. Современный ипмрессионист

Aaron Coberly. Современный ипмрессионист

Восхитительно — яркая подборка работ современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом

Вашему вниманию предлагается подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Цвятко Кинчев

Работы болгарского художника Цвятко Кинчева в стиле импрессионизма — это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчёркивают красоту и яркость окружающего мира.

Вильям Хенритс

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения — это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всём мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Овик Зограбян

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.

Линда Вайлдер

Линда Вайлдер — канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин — один из любимых её инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии — картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Кен Хонг Лунг

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя. Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели

Йохан Мессели живёт и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Мэрилин Симандл

Леонид Афремов

Леонид Афремов — всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Читать еще:  La vendedora de Ciclos. Eduardo Urbano Merino

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Испанский импрессионизм.
Часть 1

Мы уже говорили ранее о немецком, русском и итальянском направлениях импрессионизма. Каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности: вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Но, пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников.

Многие из них долгие годы жили и работали в Париже и, в отличие от итальянцев, много путешествовали – разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами. Многие художники использовали более интенсивные цвета, чем французы: любили яркий белый, насыщенный красный, а также «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде и солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах отражался воздух Испании.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Диего Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании, Карлосу де Хасу (Carlos de Haes). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико и Ортега (Martín Rico y Ortega), родившийся в артистической семье и получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал рисовальщиком и гравером. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием работ которого его пейзажи становились более «очеловеченными». Путешествия по Европе и знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняли Мартина к импрессионизму.

Он очень много времени проводил в Англии, Франции, Швейцарии. Любимым и последним местом в его жизни стала Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах, получивших признание зрителей и критиков и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Теперь мы переходим к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, дух и ландшафты в своих картинах очень по-разному.

Лауреано Барро (Laureano Barrau) родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем обучаться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он спустя два года получил Римскую премию (Prix de Rome) в Барселоне. Она дала ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Лауреано приобрел известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвовал в выставках Парижского салона изящных искусств. В 47 лет Барро поселился с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой. Там он написал свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остался в этом месте до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывала в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин. Эти работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Дарио де Региос и Валдес (Darío de Regoyos y Valdés) родился в Барселоне в семье известного архитектора, детство провел в Мадриде, был учеником Карлоса де Хаса в Академии Сан-Фернандо. В 1879 году по совету своего учителя Дарио отправился в Бельгию изучать европейское искусство. Там он поступил в Королевскую школу изящных искусств Брюсселя, участвовал в создании нескольких художественных кружков (например, «Десять»), проводил выставки и концерты, все больше отходил от натурализма, с которого начинал, а также выступал с антиакадемическими заявлениями.

Читать еще:  Hope and fullness. Eduardo Urbano Merino

В 1883 году вместе с друзьями-художниками он совершил большое турне по Марокко и Испании, восхищаясь природой, и вскоре поселился там, продолжая свои путешествия по Европе. Большое влияние оказали на него работы Сера, Синьяка и Писсарро, что можно увидеть в картинах того периода, носящих характерные признаки пуантилизма.

Большая часть его работ написана на пленэре и посвящена природе Испании. Она изображается в ярких сине-фиолетовых и зеленых тонах, а здания часто окрашены в розовые и желтые цвета рядом с ультрамариновой сверкающей водой. Художник не был избалован славой при жизни. После его смерти была проведена большая ретроспективная выставка, а сегодня его картины есть не только в музеях Испании, Европы и США.

И мпрес­сио­низм

Пред­став­ляем интер­ак­тив­ную бро­шюру об импрес­си­о­низме в живо­писи. Читайте, как импрес­си­о­ни­сты изме­нили искус­ство; в чём раз­ница между глав­ными геро­ями импрес­си­о­низма — Мане и Моне; и чем харак­терны работы пост­им­прес­си­о­ни­стов — Ван Гога, Гогена и Сезанна.

Оглавление

Импрес­си­о­ни­сты и ака­де­ми­сты: цвет и свет 4

Импрес­си­о­ни­сты и пред­ше­ствен­ники 29

Импрес­си­о­низм и пост­им­прес­си­о­низм 83

и ака­де­ми­сты: цвет и свет

сио­ни­сты и ака­де­ми­сты: цвет и свет

сио­ни­сты и ака­де­ми­сты: цвет

Импрессионисты и академисты: цвет и свет

Что такое импрессионизм

Импрес­си­о­низм — направ­ле­ние фран­цуз­ской живо­писи «Пре­крас­ной эпохи». Это время, когда улицы запол­нили авто­мо­били, желез­ные дороги уско­рили путе­ше­ствия, появи­лись кино и фото­гра­фия, а Париж стал цен­тром мира и самым дина­мич­ным мегаполисом.

Именно здесь совре­мен­ность, акту­аль­ность, теку­щее время стали цениться больше, чем про­шлое. Искус­ство на это живо отклик­ну­лось. Худож­ники стали искать сред­ства, чтобы выде­лить момент «здесь и сей­час» из потока стре­ми­тельно меня­ю­щейся жизни.

Когда появился импрессионизм

Пер­вая выставка импрес­си­о­ни­стов про­шла в 1874 году в Париже. Худож­ники устро­или её за свой счёт, без под­держки Ака­де­мии худо­жеств, и уже этим бро­сили вызов устоям. Живо­пись импрес­си­о­ни­стов выгля­дела ярко, совре­менно, смело и была не похожа на под­ход более кон­сер­ва­тив­ных худож­ни­ков, чьи пра­вила не при­зна­ва­лись импрес­си­о­ни­стами — Кло­дом Моне, Эдга­ром Дега, Ками­лем Пис­сарро, Огю­стом Рену­а­ром, Аль­фре­дом Сис­леем и другими.

В чём новаторство импрессионистов

Импрес­си­о­ни­сты пол­но­стью пере­вер­нули мир ака­де­ми­че­ской живо­писи. Раз­бе­рёмся, в чём состоял «импрес­си­о­ни­сти­че­ский бунт» в искусстве.

Работа на пле­нэре. Импрес­си­о­ни­сты рабо­тали на откры­том воз­духе. Этот приём при­вёл худож­ни­ков к чистым ярким крас­кам, свет­лым тонам в кар­ти­нах и эффек­там есте­ствен­ного сол­неч­ного света. Ака­де­ми­сты рабо­тали в мастер­ской, поэтому у их кар­тин тём­ные фоны и искус­ствен­ные, при­ду­ман­ные све­то­вые эффекты. Люби­мые ака­де­ми­стами корич­не­вые, серые, чёр­ные тени сме­ня­ются у импрес­си­о­ни­стов цвет­ными, синими и фиолетовыми.

Исклю­че­ние: Эдгар Дега, кото­рый пред­по­чи­тал писать сцены в интерьере.

Импрессионизм и мода

Колонка Илектры Канестри на Buro 24/7

Dans la Serre, Поль-Альбер Бартоломе, 1881

В названии грандиозной выставки, с огромным успехом проходящей с конца сентября в парижском Музее д’Орсэ, термины «импрессионизм» и «мода» используются как равнозначные по смысловой важности. Оказавшись среди тех, кому повезло на ней побывать, я попытаюсь доказать, почему экспозицию «Импрессионизм и мода» (оригинальное название — Impressionnisme et la Mode) было бы более уместно озаглавить «Мода благодаря импрессионизму». Но сначала о том, почему она выделяется даже среди самых успешных выставок, в той или иной степени связанных с модой, прошедших в последние годы в крупнейших музеях мира.

Платья, выставленные в Музее д’Орсэ

Организованная совместно Музеями д’Орсэ и Метрополитен, чикагским The Art Institute и музеем Galliera (Парижский музей городской моды), экспозиция собрала вместе более семидесяти полотен Эдуарда Мане, Пьера-Огюста Ренуара, Клода Моне, Эдгара Дега, Густава Кайботта, Фредерика Базиля и других художников-импрессионистов и современных им мастеров, написанных в период с 1860 по 1885 год, и такое же количество женских и мужских туалетов и аксессуаров того периода из музейных и частных коллекций Парижа. А еще — журналы мод этого времени и множество фотографий. Экспозиция разделена на несколько частей — повседневная мода, вечерний «дресс-код», туалеты для прогулок на природе, интимная мода. Отдельные залы посвящены мужскому костюму и женским аксессуарам — шляпкам, перчаткам, зонтикам, веерам. Каждая тема иллюстрируется соответствующими полотнами художников и потрясающе сохранившимися — некоторые выглядят как новые — портновскими шедеврами эпохи. Выставка дает уникальную возможность увидеть один и тот же туалет в подлиннике и изображенным художником — а это сегодня большая редкость! В экспозиции портрет Проспери, жены художника Поля-Альбера Бартоломе, в изящном летнем платье стиля «принцесс» (копировавшем стиль эпохи рококо), сочетающем горох и полоску в белой и фиолетовой гамме, соседствует с самим платьем, свидетельствующим о том, что хозяйка была не просто очень изящной и обладающей вкусом, но и миниатюрной женщиной. Отстоять огромную очередь в музей (мне удалось попасть на выставку лишь с третьего раза, заказав в итоге билет по интернету) стоит также ради ее сценографии, автором которой является знаменитый Роберт Карсен — художник-постановщик спектаклей театра Ла Скала, Парижской оперы и Лондонской королевской оперы. Его удачные находки — такие как имитирующее газон ковровое покрытие и звучащие голоса птиц в зале, посвященном моде для выходов на природу, выставленные рядами стулья с табличками, на которых написаны имена знаменитых представителей парижского света и творческой элиты (от Жюля Верна и Эмиля Золя до Сары Бернар) в зале, посвященном балам и бальным туалетам, — помогают зрителю окунуться в эпоху и каждую описываемую посредством экспонатов мизансцену. В качестве своеобразного «путеводителя» посетителя по выставке сопровождают удачно подобранные тематические цитаты из современников импрессионистов — Бодлера, Флобера, Малларме.

Читать еще:  Ileana Hunter. Рисунки карандашом

La cercle de la rue Royale, Джеймс Тиссо

Оставим в стороне особую магию импрессионистской живописи, красоту и неповторимую «интимность» представленных батистовых и бархатных платьев, хрупких шляпок из итальянской соломки и шелковых чулок (наблюдая эти экспонаты, как не представить себе реальных женщин, высоких и статных, хрупких и миниатюрных, которые их носили), вернемся к вопросу: так о чем же все-таки эта выставка? По свидетельству куратора и одного из ее вдохновителей, специалиста чикагского The Art Institute Глории Грум, на мысль организовать подобную экспозицию ее вдохновило осознание того, что импрессионисты были восприимчивы к моде как ни одна другая художественная группа до них. «Дега, Моне, Мане находились под впечатлением от современной модной индустрии — как и от других новых явлений общественной жизни, набиравших силу в ту эпоху (промышленности, железных дорог, сферы развлечений)», — подчеркивает Грум. Собственно, именно во времена импрессионистов начала складываться та совокупность явлений, под которыми мы и сегодня понимаем «модную индустрию» — более массовое производство модного платья, ставшего доступным для буржуазии, тогдашнего среднего класса, и первые универмаги, в которых его можно было приобрести. Например, в магазинах, подобных парижскому Le Bon Marche, во второй половине XIX века можно было купить не только ткани и фурнитуру, для того чтобы сшить туалет на заказ, но и своеобразный «полуфабрикат» платья — собственно сам туалет определенного фасона, но без декоративных элементов, который потом покупательница украшала по собственному вкусу бантами, кружевами и другими деталями.

«Танец в городе», Огюст Ренуар, 1883

Главным сюжетом для импрессионистов стали буржуа и их жизнь во всех своих бытовых проявлениях — времяпрепровождение с детьми, музицирование за роялем, прогулка по городу, поход в магазин, в цирк или на ипподром, поездка на природу, выход в свет и многое другое. Бытовые сюжеты, интерес к подлинной жизни, желание отразить не идеальные ситуации, а именно это пресловутое «здесь и сейчас», изменили и подход к композиции полотен — это уже не статичные фигуры, а люди в движении, динамике, в естественных позах, соответствующих моменту. Так появились «Мюлен де ла Галетт», «Женщина за клавиром» и «Танец в городе» Пьера-Огюста Ренуара, «Дама с зонтиком» и «Дамы в саду» Клода Моне, «Завтрак на траве» и «Балкон» Эдуарда Мане, «Продавщица» Джеймса Тиссо и «Парижская улица в дождливый день» Гюстава Кайботта. А вместе с ними — бесчисленные свидетельства моды того времени: все эти отображенные в мельчайших подробностях, изящные батистовые белые платья с пышными юбками, шелковые черные дневные туалеты с турнюрами, наряды для балов нежных оттенков с украшенным лентами и бутоньерками корсажем и длинным шлейфом. Причем, заметьте, моды парижской. Именно импрессионисты воспели и «растиражировали» образ парижанки как законодательницы мод. Так что и сегодняшние жительницы Парижа своей непоколебимой репутацией женщин с врожденным чутьем к стилю во многом обязаны героиням «Октября» и «Женщин Парижа. Любительниц цирка» Джеймса Тиссо, «Парижанки» Эдуарда Мане и «Ложи» Пьера-Огюста Ренуара — знатным дамам, женам и дочерям буржуа и красавицам парижского полусвета 1860-1880-х годов.

«У модистки», Эдгар Дега, и Louis Vuitton осень-зима 2012

«За чтением», Эдуард Мане, и Francesco Scognamiglio

Трудно себе представить современную моду без «цитат» из стилей, которые были популярны в эпоху расцвета импрессионизма. Они читаются как в драпированных бархатных туалетах со шлейфом L’Wren Scott, в эффектном облегающем серо-черно-синем длинном платье Peter Pilotto с комбинированными трехмерными принтами, в черном бархатном пальто с поясом-бантиком Burberry Prorsum из осенне-зимних коллекций сезона 2012-2013, так и в длинных платьях-робах Acne, белых шелковых платьях Francesco Scognamiglio, украшенных на груди воланами и вышивками, хлопковых, сочетающих кружева и клетку платьях с заниженной линией плеча в бежево-розовой гамме и летних пальто Rodarte, предложенных на весну-лето 2013 года. Но это, конечно, самое незначительное из того, что импрессионисты сделали для моды. Прежде всего они раскрыли в ней подлинный, полноправный и безграничный для интерпретаций объект живописи и высокого искусства. Столь же интересный, как и сам человек. Об этом как раз и рассказывает выставка «Импрессионизм и мода» в Музее д’Орсэ.

Jeune dame, Эдуард Мане, и Acne весна-лето 2013

«Балкон», Эдуард Мане, и Jil Stuart, Acne, Francesco Scognamiglio

Jeune dame, Эдуард Мане, и Lanvin pre-fall 2012

Текст: Илектра Канестри
Коллажи: Дуня Захарова

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector