Kurt Anderson. Портреты и пейзажи

Kurt Anderson. Портреты и пейзажи

LiveInternetLiveInternet

Рубрики

  • Художники (5852)
  • импрессионисты (318)
  • Кулинарные рецепты (16)
  • Рукоделие (14)
  • Схемы для оформления дневника (14)
  • Латвия (6)
  • Венгрия (5)
  • Армения (5)
  • Сайт знаменитых художников (3)
  • Мексика (3)
  • Дизайн помещений (3)
  • Египет (2)
  • Дания (2)
  • Абхазия (2)
  • Саудовская Аравия (1)
  • Индонезия (1)
  • Финляндия (1)
  • Кипр (1)
  • Колумбия (1)
  • Сербия (1)
  • Княжество Лихтенштейн (1)
  • Исландия (0)
  • Люксембург (0)
  • Австралия (9)
  • Австрия (21)
  • Азербайджан (3)
  • Актеры кино и театра (844)
  • Антиквариат (88)
  • Архитектура (113)
  • Белоруссия (4)
  • Бельгия (7)
  • Бразилия (2)
  • Великобритания (110)
  • Вьетнам (4)
  • Германия (31)
  • Голландия (1)
  • Графика (722)
  • Греция (8)
  • Декоративно-прикладное искусство (157)
  • Достопримечательности Канады (28)
  • Достопримечательности Франции (206)
  • Париж (45)
  • Европейская готика (4)
  • Зарубежные звезды (435)
  • Звезды балета (59)
  • Из жизни знаменитостей (243)
  • Израиль (7)
  • Индия (9)
  • Интерьеры помещений (36)
  • Испания (27)
  • Италия (80)
  • Картинки (15)
  • Кино (60)
  • Китай (39)
  • Классическая живопись (1136)
  • Конкурсы красоты (10)
  • Корея (6)
  • Короли спорта (13)
  • Коста-Рика (1)
  • Культура, искусство (7734)
  • Ландшафтный дизайн (53)
  • Литва (3)
  • Литература (202)
  • Мастера фотографии (237)
  • Мир животных (90)
  • Мир моды (122)
  • Монако (4)
  • Мудрые мысли (8)
  • Музыка (разных жанров) (276)
  • Нидерланды (12)
  • Новая Зеландия (5)
  • Норвегия (7)
  • Опера (26)
  • Открытки (84)
  • Пакистан (1)
  • Польша (15)
  • Португалия (10)
  • Природа (251)
  • Путешествия (743)
  • Разное (37)
  • Россия (271)
  • Города (58)
  • Храмы (23)
  • Румыния (1)
  • С Ш А (89)
  • Сингапур (3)
  • Скульптура (114)
  • Словения (5)
  • Советские и российские актеры (404)
  • Современная живопись (4439)
  • Таиланд (4)
  • Театры, библиотеки, музеи (60)
  • Турция (3)
  • Украина (10)
  • Хорватия (10)
  • Цветы (127)
  • Черногория (4)
  • Чехия (24)
  • Швейцария (21)
  • Швеция (10)
  • Эстония (1)
  • Ювелирные изделия (50)
  • Япония (41)

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Статистика

Американский художник Kurt Anderson

Американский художник Kurt Anderson

Курт Андерсон, американский художник, известность ему принесли цветочные натюрморты и фигуративные картины. В качестве объекта рисования его особенно привлекают цветы, поскольку они позволяют использовать все возможные цвета и оживляют, созданные кистью, образы. Эти, написанные маслом, картины принесли ему множество высших наград и признание от Ассоциации Художников Америки, Международного Салона и Открытого Национального Рынка. Он также выиграл Гран-при в 2004 году, учрежденный журналом «Floral Painting Challenge» в категории лучший художник цветочных картин.

Андерсон начал писать маслом в возрасте 12 лет, в то время он брал уроки у профессионального художника в местном центре отдыха, в его родном городе Сидар-Фоллс, штат Айова. В общей сложности Андерсон четыре года обучался в студии художника Ричарда Лэка в Миннеаполисе. Там он изучал секреты живописи мастеров 19-го века, таких, как Жак-Луи Давид.

Курт провел девять лет в Миннесоте, работая в бухгалтерской фирме, и одновременно продолжая развивать навыки художника. За это время он стал получать заказы портреты, в том числе официальный портрет главного судьи Верховного суда штата Миннесота и президента Университета штата Айова. Андерсон также продолжал писать более личные работы, в основном цветы и пейзажи, и начал продавать их художественным галереям по всей стране. С 2001 года он живет в Тусоне, штат Аризона, где пишет целыми днями. В 2004 году он женился и теперь у него двое детей, Генри и Ада.

«Методы Андерсона представляет собой коллективную мудрость поколений мастеров — художников, которые потратили свои жизни на то, чтобы научиться видеть, понимать то, что увидели и потом изобрести способ описать увиденное в двух измерениях. Это клад, найденный в середине, иногда запутанного, мира искусства, в котором мастерство художника отходит на второй план перед причудами природы»- Майкл Уорд, редактор в The Artist’s Magazine.

Пейзаж в голландской живописи

Пейзажный жанр Голландии XVII века особенно интересен. Это не природа вообще, некая общая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж. который мы узнаем и в современной Голландии: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны, каналы со скользящими по ним лодками летом и с конькобежцами — зимой. Воздух насыщен влагой. Серое небо занимает в композициях большое место.

Именно такой изображает Голландию

Ян ван Гойен (1596 — 1656)

Вид на сельскую дорогу с мельницей

Лодки у замка

Причал у замка

Мельница

Вид на гавань с лодками

У двух дубов

Зима

Зимний пейзаж

Катанье на льду на реке

Зимний пейзаж

Вид на Емерих

Якоб ван Рейсдал (1628/29 — 1682)

Расцвет пейзажной живописи в Голландии относится к середине XVII века. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал. Это был художник неистощимой фантазии. Его произведения обычно наполнены глубокого драматизма, изображает ли он лесные чащи («Лесное болото»), ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж(!Еврейское кладбище»).

Природа у Рейсдала всегда в движении, в вечном обновлении. Даже самые простые мотивы природы приобретают под кистью художника монументальный характер.

Еврейское кладбище

Пейзаж леса, реки с пастухом и овцами

Вид на Эгмонд-ан-Зее

Переправа через реку

Лесной пейзаж

Пейзаж с водопадом

Ян Порселлис (ок.1584 — 1632)

Ян Порселлис был прекрасным маринистом, писал только морские пейзажи.

Лодка и фрегат в штормовом море

Корабли в бурном море

Кораблекрушение

Военные и рыболовные корабли

Альберт Кейп

Широкое распространение в голландском пейзаже было соединение пейзажа с анималистическим жанром. Так, излюбленным приемом Альберта Кейпа было включение в пейзаж коров, лошадей, собак, домашних птиц.

7 главных работ Герхарда Рихтера с выставки в Еврейском музее

«Впервые работы Рихтера я увидел, когда был сокуратором галереи Тейт. Это был 1995 год, и к тому времени Рихтер уже получил свое признание — стал одним из главных художников мира. Я тогда подумал, до чего это выдающийся мастер — не из тех, кто продолжает традицию, но в корне меняет ее. С одной стороны, это удивительно сильный живописец, с другой — ему так много есть что сказать о нашем отношении с окружающим миром, реальности, эмоциях и даже музыке.

Меня очень интересовали две темы его работы: с одной стороны, развитие абстракции, с другой — фотографические картины Рихтера, которые всем известны. Герхард говорил, что реальность невозможно познать, но в нашей голове есть образ реальности, и это философское понятие в некотором смысле стало его путеводной звездой — он работал над этой темой всю жизнь. Мы живем в мире, где доминирует медиа: только подумайте, какими мы помним исторические события, например, 9/11. Многие из нас не видели этого, но помнят картинки из медиа — и наша связь с реальностью становится все более сложной и опосредованной».

Читать еще:  Jen Ray

Биркенау, 2014. Холст, масло

«Эти картины связаны с самым страшным эпизодом истории XX века. Рихтер смотрел на фотографии лагеря 1944 года — где люди бегут через леса, где происходят ужасные вещи, где мир как будто бы перевернулся. Он задал себе один вопрос: можно ли нарисовать картину по мотивам этих событий? Он взял эти фотографии и создал черно-белые фигуративные рисунки. Но потом понял, что они совершенно не передают смысла того кошмара, который случился. И нарисовал сверху абстрактную композицию. А потом сделал это снова и снова. И форма, которую теперь приняла картина, — это память о Биркенау. Я задал ему вопрос: почему ты сначала попытался нарисовать реалистическую картину? Он мне ответил: чтобы доказать самому себе, что это невозможно. Ни одна картина не может показать реальность Биркенау. Тогда я его спросил, что же означает тот результат, который получился? И он сказал: это беззвучная эмоция. Ни одна картина, ни одна фотография не покажет, что случилось. Это самое близкое из того, что можно сделать, чтобы помнить об этом».

Биркенау, 2015. 93 фрагмента книги «Биркенау». Бумага, цифровая печать

«Он разобрал свою картину на 93 фрагмента, перетасовал их и разложил в новом порядке. Новая композиция показывает то, как работает наша память с прошлым, — она делит его на фрагменты и раскладывает по-новому».

Биркенау, 2014. Фотография. 4 работы

«Не знаю, получится ли у вас понять сразу, но это на самом деле фотографии. Вам кажется, что вы смотрите на настоящие картины, но вы смотрите на самом деле на репродукцию. Зачем было делать это? Рихтер говорит, что есть историческое событие, и на него наслаивается наше восприятие, наша память — уровень за уровнем. В своих работах он двигался от фотографии и репрезентации к абстракции, шаг за шагом. А когда вы смотрите на картины Рихтера, которые он разобрал на части или сфотографировал, и размышляете о них, то заново переосмысливаете его работы — точно так же, как мы сегодня заново осмысливаем события, которые лежат в их основе».

Посещение музея, 2011. Цветная фотография, лак

«У Рихтера есть две любимые темы: картины, основанные на фотографиях, и абстрактные работы. Для большинства художников эти направления противоречат друг другу, ты как будто бы не можешь быть всем: либо ты фигуративный художник, либо абстрактный. А Рихтер знаменит тем, что ему удается совместить все и сразу. Он занимается образом — тем, что напоминает реальность, но ей не соответствует. А вот в этой работе он использует свои собственные фотографии, а надо сказать, что он постоянно фотографирует. Если вы присмотритесь повнимательнее, то увидите, как в этих работах под абстрактными пятнами краски скрывается фотография. Обычно фотографии и живопись художники используют отдельно, но здесь происходит что-то новое: они становятся чем-то единым и целым. А лично у меня от этих работ возникают собственные ассоциации: я вспоминаю тот момент, когда чистое ощущение цвета и формы вдруг приобретает значение — как будто мы смотрели на расплывчатые тона и не могли понять, что это. А потом вдруг что-то щелкает в голове, и образ принимает форму. И вы понимаете, что это, например, человек — или стул. В целом вся выставка — об этом моменте».

Аггада, 2006. Холст, масло

«Это, как мне кажется, самая прекрасная картина на выставке. Еще один реверанс месту, где все происходит, Еврейскому музею. Аггада — текст, который рассказывает историю еврейского народа, а именно про тот момент, когда евреи покинули Египет. Это случилось так давно, что мы даже не можем представить, как это было в действительности, но теперь у нас есть картина, которая рассказывает об этом. Я помню, как Рихтер однажды сказал мне удивительную вещь. Он атеист, но много думает о вещах, которые невозможно познать, — а что это такое на самом деле, как не вера. И вот он говорит мне, что нужно потерять Бога, чтобы обрести веру. А чтобы писать картины, нужно потерять для себя искусство».

Аладдин, 2010. Стекло, акрил

«Все свои знаменитые работы он пишет малярной кистью или валиком, создавая плотную живопись, уровень за уровнем: слои краски как следует проникают друг в друга. А недавно он поступил совершенно наоборот — предоставил краске полную свободу. Вместо масла он выбрал акрил, то есть ту краску, которую непросто удержать на месте, — и позволил ей жить своей жизнью на стекле. А потом зафиксировал результат — покрыл его сверху другим стеклом и тем самым остановил движение краски, как будто бы его заморозил. Он остановил момент и тем самым как будто бы создал фотографию: попытался действовать как камера — как машина, которая не делает суждений, не решает, что рисовать, а просто обладает удивительной способностью останавливать время, когда вы нажимаете на кнопку».

Эльба, 2012. Бумага, художественная печать

«Это самая ранняя работа из тех, что представлены здесь, — 1957 года. Рихтеру тогда было 15 лет. Он учился в художественной школе в Дрездене, чтобы получить традиционное образование в области живописи. И вот однажды он создал серию этих картин, часть из которых достаточно фигуративна, — видите маленькие человеческие фигурки, луну, ландшафт? Но чем дальше он над ними работает, тем более абстрактными они становятся. Мне кажется удивительным, что в самом начале своей карьеры он уже пытался понять то, чем занимался всю дальнейшую жизнь. Как будто бы он родился с этим размышлением о границе фигуративной живописи и абстракции.

XX век выдался в этом смысле очень скучным: художники либо копировали окружающий мир, либо создавали ему альтернативу, абстракцию. А он вобрал в себя все. А та работа, на которую вы смотрите сейчас, — одновременно и самая ранняя, и самая поздняя. Вы не смотрите на реальные рисунки, но на недавно оцифрованные работы. Это маленькая хитрость, с помощью которой, как я думаю, Рихтер хотел сказать, что вы никогда не смотрите на реальность».

deankorrl


[Jean-Michel Basquiat – «Cabra», 1981-82]

Корявенький мой перевод любопытной статейки сайта culture.pl. Хотя в самой вербальной части статейки ничего интересного нет — переливание из пустого в порожнее. Зато какие крутые молодые художники! Поглядим же на новых Моне, Ренуаров, Босхов, Дюреров, Пикассо, Магриттов, Бексиньских, Матиссов, Хопперов и Уайетов. В основном, польских:)

Читать еще:  Jason Levesque. художник-самоучка

«Международное жюри отобрало художников, о которых мы обязательно услышим в будущем. Мы предвещаем хорошие времена для живописи и представляем вашему вниманию подборку из десяти самых интересных среди предлженной сотни художников.
Английский куратор и владелец галереи Курт Бирс в октябре 2014 года опубликовал солидное издание «100 художников будущего» в сотрудничестве с издательским домом Thames & Hudson. Жюри из выдающихся деятелей мира искусств, таких как Сесили Браун, Юко Хасегава и Сюзанна Хадсон, отобрало самых многообещающих художников XXI века из колоссального списка предложенных кандидатур, коих насчитывалось 4300 человека. В финальную сотню вошли 53 мужчины и 47 женщин.

Любой, кто увлекается живописью, может подать заявку, без каких-либо возрастных или географических ограничений. По просьбе организаторов конкурса несколько десятков художественных школ также выдвинули своих выпускников.»

По словам Курта Бирса, живопись сейчас переживает значительный ренессанс. Многие художники возвращаются к этой среде после эпохи доминирования цифровых медиа. Альбом «100 Artists of Tomorrow» не только предвещает хорошие времена для живописи, но и представляет собой полезный навигатор по современным тенденциям искусства. Репродукции высокого качества являют нам реалистичную и сюрреалистскую живопись, абстракционизм, концептуальные художества и инсталляции с использованием смешанных техник.»

Далее 10-ка лучших по мнению culture.pl художников начала 21 века; польское издание естественно для своего топа избрало максимум своих, польских бишь, художников, таковых в «сотне избранных» набралось 5 человек.


[«Не спрашивай II», 2011, холст, масло]

Кристина Алисаускайте (родилась в 1984 году) — единственная литовская художница, вошедшая в список «100 художников завтрашнего дня». Ее минималистские работы изображают застывшие моменты реальности, лики тоски и одиночества. Алисаускайте создает беспокойные видения пустоты, помещая человека на батуте на поле пустого пространства картины, подвешивает безликие фигуру в небытие и водружает посреди холста стол с пропавшей посудой.


[Matka, na podstawie Dürera (Мать, по мотивам Дюрера), холст, масло, 120 x 90 см, 2012 г.]

Ева Юшкевич (рожденная в 1984 году) стала широко известной в Польше в 2013-ом, когда выиграла престижный конкурс 41-го международного биеннале художественного творчества молодых в Бельске. Её самые известные работы — сюрреалистские портреты женщин с фантастическими деформированными головами, превращенными в разрастающиеся полипоры, гигантские тела насекомых, букеты, племенные маски и драпированные гобелены. Картины Евы Юшкевич вдохновлены фламандскими мастерами. Художница уделяет много внимания своему ремеслу. Она изучает различные способы изображения женщин в разные эпохи, исследуя феномены сдвигов эстетических норм и различных канонов портретной живописи. Совмещая клаассическую портретную тещнику с внедрением чуждых элементов, она ставит зрителя перед вопросом: где грань между уродливым и прекрасным?

Г.Л. Брирли (GL Brierley)


[«Fud», 2012, холст, масло, 46 х 53 см]

Г.Л. Брирли родился в Великобритании в 1965 году, является одним из старейших художников в этой книге. Он был активен на международной арене более десяти лет и много раз выставлялся в Европе и США. Его необарочная живопись, очень напоминающая скульптуру, по словам художника, «подобна наряженной кукле». Краска высыхает, трескается и причудливо складывается, создавая объект, напоминающий то ли портрет, то ли натюрморт, то ли абстракцию. Многочисленные дополнительные дивные материалы выглядывают из краски — кружево, мех, глазурь, дерево и даже сахар.

Кинга Новак (Kinga Nowak)


[«Поездка», 2013, холст, масло, 60 х 40 см]


[Instrument | Kinga Nowak, 2011]

Кинга Новак (род. в 1977 году) представитель краковского поколения художников-традиционалистов. Она связана с парижской и лондонской средой, будучи выпускницей ENSBA и лектором в Университете Искусств Лондона. Ее ранние картины, написанные в реалистической манере, навеяны воспоминаниями о ее собственном детстве. В разговоре с Culture.pl художница уточнила, что ранние работы «…это взгляд в прошлое и попытка понять себя, вспоминая то, что меня, как личность, сформировало». В своих последних работах Новак исследует способы построения образов мира. «Эти картины — плоды ассоциаций, чувств и интуиции, подобно сну, реальность этих картин — нечто символическое, заслуживающее доверия и все же невозможное и ирреальное», — добавляет автор


[«Голова, напоненнная клеем», 2014, холст, масло, 50 х 60 см]

Карла Бусуттил — британская художница, родившаяся в Йоханнесбурге в 1982 году. В своих картинах изображает карикатурный портрет общества, часто с присутствием видных общественных деятелей. В своих «Великой британской улыбке», «Wake up Rod» и «Alles Ist Schwindel» являет нам образ Маргарет Тэтчер таким, каким он представляется в коллективной памяти — типичная прическа Тэтчер, широкие плечи и нитка жемчуга. Работы Бусуттил, представительницы British Art Now — часть коллекции Saatchi.


[«Большие кусачки» (Large Biters), 2011]

Павел Сливинский (род. 1984) — из тех художников, что черпают вдохновение изнутри, из воображаемого мира, создавая фантастические вымышленные вселенные, населённые странными существами и невероятными историями. Экспрессионистская манера живописи, балансирующая на грани абстрактного и образного, — характерная черта его стиля, что отражается и на самой природе живописи. По словам польского искусствоведа и критика Якуба Банасиака (Jakub Banasiak), «Даже если б мы разглядели и узнали на картинах Сливинского сарай, луг или дерево, они были в первую очередь представлениями о структуре краски и, что еще важнее, — о процессе рисования. сам ». В сотрудничестве с другим молодым варшавским художником Tymek Borowski Сливинский основал галерею «Герострат» (Herostrates).


[«Auto Tone (необъяснимые вещи, которые говорят хипстеры)», 2012, холст, акрил, 60,5 x 45,5 см]

Этот новозеландский художник (род. 1981) творит на стыке между живописи и цифровых медиа. Его абстрактные работы — продукты смешивания цифровых изображений с традиционной живописью. Хемер является автором дизайн-проектов городских ландшафтов Кореи, Новой Зеландии и Австралии, где художник живёт и работает.


[Wywiad z wampirem (Интервью с вампиром), 2012, холст, масло, 30 x 40 см]

Вдохновленный поп-культурой, Стоклоса (1986 г.р.) создает картины в стиле нуар. Романтические и декадентские образы, пустынные интерьеры величественных дворцов, меланхолия зимних пейзажей и пламенная грусть портретов переплетаются в его работах с мотивами гомосексуальной романтики и эротики.


[Andrew Sendor, A view of the installation : (left) Performance with The Grand Master Cryptologist; (right) Onora Afua, Un-thinkable, 2033, video projections, 52:55, 2012, oil on linen, 53.3 x 58.4 cm, photo: courtesty of © Andrew Sendor / Collection of Sheri and Paul Siegel, San Francisco, California / Courtesy Sperone Westwater]

Cередина 19-го века с её изобретениями породила новую дискуссию: можно ли достичь в живописи того, чего нельзя получить в фотографии? Спустя 200 лет выпускник престижного Нью-йоркского Института Пратта и отделения анатомии Колумбийского Университета Эндрю Сендор (род. 1977) решил принять участие в этой дискуссии. Его гиперреалистичные работы содержит рисованные маслом оцифрованные, пиксельные изображения, обычно монохроматические с образами воображаемых изобретений.

Читать еще:  James Thornbrook. Портреты цветов

Якуб Юлиан Циолковски


[Jakub Julian Ziółkowski, Bestiariusz (Бестиарий), 2013, холст, масло, 220 x 310 см]

Из пяти польских художников, отобранных для 100, Якуб Юлиан Циолковски (род. 1980) пользуется наибольшим международным успехом. Циолковски принимал участие в самых разных крупных, значимых событиях современного искусства, включая 55 Арт-биеннале в Венеции. В его эклектичной живописи встречаются сюрреализм с абстракцией, кубизм, оп-арт, конструктивизм и Босх.
Ziółkowski берёт все сюжеты картин «с головы». Картины изображают кажущийся хаотичным микрокосм, дивные миры, населенные фантастическими тварями, растениями, невероятными насекомыми, иногда — и полулюдьми с двумя головами.

Ханс Андерсен Брендекильде (часть-1)

Ханс Андерсен Брендекильде

Hans Andersen Brendekilde (Danish, 1857-1942)

Ханс Андерсен Брендекильде (7 апреля 1857 г., Брандекильде, муниципалитет Оденсе — 30 марта 1942 г., Юлинге ) был датским художником, иллюстратором, керамист.

Ханс Андерсен Брендекилде вырос в Браендекильде, небольшой деревне недалеко от Оденсе на острове Фюн. Он был дальним родственником Ганса Христиана Андерсена, известного писателя сказок. У него было очень плохое детство. Отцы обоих были лесниками. В возрасте 4 лет Брендекилде оставил своих родителей и жил с бабушкой и дедушкой до 10 лет, когда он зарабатывал на жизнь как пастух, получая питание и жилье. В школе учитель обнаружил у него способность вырезать животных из дерева, и с 1871-74 гг. стал учеником у резчика по дереву и каменщика Вильгельма Хансена в Оденсе.

В 1877 году Ханс был принят в Королевскую датскую академию изящных искусств в Копенгагене.

Его учителями были скульпторы Йенс Адольф Иерихау и Харальд Конрадсен (1817-1905). В академии он нашел много друзей, которые оставались верными друг другу до конца своих дней. В 1881 году Ханс Андерсен Брендекильде закончил академию с отличием. Получив образование скульптора, он сразу же начал работать художником.

Брендекильде и Л.А. Ринг — первые датские художники, которые выросли среди бедных людей в сельской местности и изобразили истинные условия жизни в сельской Дании в период с 1880-1920 гг. Они соцреалисты под открытым небом с изображением бедных людей, работающих на полях или в их домах, с изображением трагических сторон жизни. В этом смысле они относятся к так называемому современному прорыву или, скорее, популярному прорыву.

Влияние Х.А. Брендекильде было не только на общество, но и на его многочисленных друзей среди художников и гончаров. Среди живописцев особенно на LA Ring. В свои юные и бедные годы они жили в одной комнате со студией в Копенгагене. Они рисовали схожие темы, у обоих была фамилия Андерсен, и поэтому их часто путали друг с другом. Поэтому в 1884 году они изменили свои фамилии Андерсен на названия своих родных деревень, Брендекильде и Ринг.

Брендекильде всегда был в хорошем настроении, у него был гений для живописи, он всегда был глубоко предан живописи жизни в маленьких деревнях и, кроме того, пылкий социалист. Ринг имел более депрессивный характер, и Брендекильде поощрял его продолжать рисовать и участвовать в выставках. Брендекилде также представил Ринг Ларсу Эббесену, у которого была ферма «Петерсминде» в «Раагелунде» недалеко от Оденсе. В 1883 году Лос-Анджелес Ринг жил в крайней нищете в Копенгагене, но знакомство с Ларсом Эббесеном означало, что он мог жить и рисовать, не беспокоясь о стоимости аренды и еды в течение долгих периодов.

И Брендекилде, и Ринг подружились на всю жизнь с владельцем фермы Эббесеном. Некоторые из картин Брендекильде стали очень известными и завоевали медали, например, на Всемирных выставках в Париже 1889 года, в Чикаго 1893 года и на «Jahresausstellung» im Glaspalast в Мюнхене 1891 года. Он также вдохновлял таких художников, как его друзья Юлиус Паулсен, Педер Монстед, Ханс Смирст, Пол Фишер, Сорен Лунд [да] и HP Карлсен.

Брендекильде является первым художником, который привел движение декоративно-прикладного искусства в Данию, когда примерно с 1884 года он разработал и изготовил интегрированные рамы вокруг своих картин, которые стали частью картин и их истории. Некоторые кадры были символическими, а другие — более декоративными.

Многие из его картин, очевидно, связаны с картинами Анны и Михаэля Анчеров, П.С. Кройера и шведских художников Карла Ларссона и Андерса Цорна. Все они выставляли свои картины на международных выставках в Копенгагене 1888, Париже 1889, Мюнхене 1891 и Чикаго 1893.

Брендекильде проиллюстрировал некоторые романы Генрика Понтоппидана. Понтоппидан использовал Брендекилде в качестве образца для художника Йоргена Халлагера — социалиста и героя — в своем знаменитом романе «Наттевагт», «Ночной дозор» (1894). Брендекильде также проиллюстрировал Вильгельма БергсоеКнига Ниссена (1889). Он считается первым художником, работающим со стеклом в Дании, который создает декорации и формы для стекольного завода Фюн в Оденсе в 1901-1904 годах.

Он также является первым художником, работающим на знаменитую гончарную мастерскую Германа Келера в 1885-1907 годах. Он представил несколько друзей Келеру, и они продолжали работать над глиняной посудой в течение многих лет. Среди прочих Карл Ове Джулиан Лунд (1857-1936), который внес важный вклад в керамическую отрасль. Лунд и Брендекильде также представили своего общего друга, Карла Хансена Рейструпа (1863-1929), и он стал самым важным и продуктивным из всех известных гончаров.

Помимо того, что Брендекильде был художником-социалистом, он также писал портреты. Кроме того, он один из немногих художников-импрессионистов в Дании. Позже он стал все больше осознавать идиллические стороны жизни в деревне, рисовать людей, детей и цветы.

Он построил большой дом в Юлинге и вырастил более 3000 видов цветов в своем знаменитом саду, который во многом напоминает сад Клода Моне в Живерни.

Картины Брендекильде обсуждаются и воспроизводятся в нескольких важных книгах по истории датской культуры. Его картины цветов и животных упоминаются среди лучших картин, иллюстрирующих материальную и духовную связь между растительностью, животными и датчанами. Он считается выдающимся художником детей.

Работы Ханса Андерсена Брендекильде были выставлены ​​на аукционах многократно, при этом цена реализации варьировалась от 369 до 56 250 долларов США. С 2002 года рекордная цена для этого художника на аукционе составляет 56 250 долларов США для картины ниже «Wooded Path in Autumn, 1902″/»Лесная тропа осенью 1902 года», проданной на Sotheby’s New York в 2011 году.

Wooded Path in Autumn, 1902/Лесная тропа осенью 1902 года

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector