Marco Busoni. Современный итальянский художник

Marco Busoni. Современный итальянский художник

Сверхреалистичные портреты с щепоткой потустороннего от художника Марко Грасси

30-летний итальянский художник Марко Грасси рисует замысловатые портреты так реалистично, что они похожи на фотографии. Еще примечательнее его работы делают маленькие неординарные детали, которыми он награждает своих персонажей. Из-за этого Грасси балансирует на тонкой грани между гиперреализмом и сюрреализмом, мастерски запутывая воображение своих зрителей.

«Моя цель — вызывать сильные эмоции, попытаться сделать людей более восприимчивыми. Мне хочется совместить реальность и сюрреализм, чтобы исследовать человеческую природу и мысли людей в более индивидуальной манере», — объясняет художник.

Время работы над одним портретом зависит от его размера и сложности, но обычно Грасси посвящает картине несколько месяцев: «Это очень долгая работа, которая требует чрезвычайного внимания на всех этапах».

Добавляя в портреты сюрреалистичные элементы (вместо того чтобы просто изображать реальные черты), Грасси стремится подчеркнуть двойственный характер жизни: «Наш внутренний мир, сокровенный и крайне чувствительный, в противоположность нашему интересу к внешней стороне вещей — таких как вазы, горшки, раковины. Они красивые и дорогие, но пустые».

«Самая главная моя задача — всегда поддерживать высочайшее качество портретов, и в человеческих чертах, и в дополнительных элементах; постараться создать однородную во всех аспектах работу, а также превозмочь идею живописи, которая всего лишь имитирует фотографию», — объясняет Грасси.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Марко Бравура:
«Я верю в человечество»

ИНТЕРВЬЮ С ЭКСПЕРТАМИ РЫНКА

— Я пробую разные идеи и сочетания, использую не только драгоценные, но и совсем простые материалы, на которые не смотрят другие мастера: цветное и золотое стекло, осколки зеркала, ракушки из Оки. Все они дёшевы, но в мозаике смотрятся так декоративно.

В моей мастерской много смальты из Челябинска. Это небольшое производство поставляет хороший материал, качеством не уступающий петербужскому. Я попросил друга, работавшего там, собрать всё, что считалось браком и шло на выброс. Он привёз мне целый мешок смальты, которая не подошла бы для традиционного классического панно. Я также использую смальту Орсони и индустриальных производителей. Люблю смешивать разные материалы: керамику, мрамор, стекло, керамогранит.

— Это плод нашей коллаборации с архитектурным бюро «SPEECH» Сергея Чобана и Сергея Кузнецова. Мне рассказали об идее этой скульптуры и спросили, что я думаю насчет того, чтобы полностью покрыть её мозаичным полотном.

Инсталляция получила название «Золотая река» и была представлена на Milan Fuori Salone (выставка Hybrid/Metissage Architecture & Design). Во время выставки одну часть скульптуры установили на мощеной дороге, а вторую — на траве. Два элемента почти соприкасались друг с другом, но все понимали, что они принадлежат к разным зонам и территориям.

Мы создали нечто вроде реки, в которой движется и материя, и камни. Цветные вставки которые вы видите — муранское стекло, отбракованное в процессе производства. Обычно его выбрасывают. Поскольку я люблю использовать то, что не имеет применения, я сделал так, чтобы они выглядели драгоценностями. Внутри находятся светодиоды. Ночью, когда зажигается свет, вставки начинают светится и сиять, как бриллианты. Меня привлекли эти куски стекла, и я решил придать им особенную ценность и вторую жизнь.

Золото, которое здесь использовано, тоже ненастоящее. Это не золотая смальта, а более доступное золотое зеркало. Сами по себе эти элементы не представляют большой ценности, но если их соединить вместе, можно создать нечто особенное. Я люблю так играть. Вот — концепция этой вещи.

Я создал Ardea Purpurea в Бейруте 20 лет назад. Это первое произведение искусства, построенное там после войны. Я хотел использовать в качестве материалов камни из руин — интегрировать их в постамент, чтобы развить идею возрождение феникса из пепла. Но там её не приняли. Они, наоборот, хотели скорее забыть войну.

Скульптура насквозь символична. Это два крыла, которые складываются в знак бесконечности. Вся поверхность декорирована разными символами — в Бейруте одними, в Равенне — другими. Я хотел донести свое восприятие менталитета человечества, чей удел — уничтожать и создавать культуру снова и снова.

К примеру, я взял фрагменты платья Теодоры и лабиринт из церкви Сан-Витале. Это единственный в мире лабиринт, который ведет не внутрь, а изнутри наружу. Я использовал санскрит, японский, греческий и арамейский алфавиты, чтобы написать название культурных столпов, добродетелей, на которых строилась цивилизация: Достоинство, Свобода, Знание и Правда (Virtue, Freedom, Knowledge, Truth).

Эта книга рассказывает о том, как мы создавали скульптуру. Сначала я сделал макет из полистирола. Создавая скульптуру для города, вы должны предусмотреть риски и убедиться, что она сможет противостоять землетрясениями. Так что я привлёк своего друга, который производит лодки по уникальной технологии с применением качественных материалов и эпоксидных составов.

— Да. Потому что движение — это отпечаток Бога. Движется всё — галактики, вода… В вихрях, в завитках рогов, в раковинах — во всём это потрясающее движение.

Читать еще:  Julien Legars. Недостатки

На выставке вы видели скульптуру, в которой угадывается раковина в разрезе. Я воспроизвел движение воды, которое создавало её изнутри. Год за годом она росла по пропорции золотого сечения. Это потрясающе.

— Здесь много символов. В центре — хан, по краям — синяя, чёрная, золотая и белая орда: Север, Юг, Запад, Восток. Движение всё соединяет и приводит в центр.

Это была игра между Исмаилом Ахметовым и мной. У итальянского писателя Итало Кальвино, классика ХХ века, есть книга «Невидимые города». Это воображаемый роман про беседы Марко Поло с татарским ханом, который правил Китаем в XIII веке. Хан отправил Марко Поло в путешествие и тот, вернувшись, рассказывает о разных городах, каждый из которых в итоге оказывается Венецией.

«Невидимый щит» — декоративное произведение, в котором читаются восточные азиатские черты. Материалы кажутся драгоценными, но кроме золота здесь есть и промышленные элементы и ракушки.

— В 2010 году состоялась выставка «Доисторическая архитектура». Я исходил из идеи, что самыми первыми архитекторами были птицы и воспроизвел в мозаике их гнёзда. В реальности они меньше, все разные и в то же время похожие.

Птицы очень умны. В одном из гнёзд, например, два входа. Потому что по деревьям, где живут птицы, ползают змеи. Заметив змею, они покидают гнездо через запасной выход. Другие вьют 5-6 гнезд, но живут в одном. Если им будет угрожать опасность, они смогут спрятаться в запасном гнезде, которое заранее подготовили.

— Раньше я использовал его очень много, в том же фонтане Ardea Purpurea, который каждый час меняет цвет из-за естественного освещения. Утром — оно холодное, в полдень — яркое, на закате — красное как огонь. Техника мозаики и золото отлично сочетаются. Только золотая мозаика производит такое впечатление, это ей под силу создавать игру отражений. Я люблю золото, но главное — знать меру, чувствовать баланс. Сейчас стараюсь работать с белым цветом.

В 2013 году в Средиземном море произошла трагедия: на корабле с 350 беженцами вспыхнул пожар, и судно затонуло у города Лампедузы, очень-очень близко к берегу. Я увидел по телевизору репортаж про сицилийских рыбаков, один из которых плакал даже не над телами людей, а над куклой, которая кому-то из них принадлежала.

На берег вынесло обувь, шляпы, бутылки, игрушки, щетки, ложки. Людей здесь нет, мы не можем продолжать общение с мёртвым телом. Нам остаются только предметы. Меня это поразило, и я запечатлел трагедию в виде предметов, покрытых траурной белой пеленой из мозаики.

— Для японцев, мексиканцев и ряда других культур траурный цвет — именно белый.

Я могу использовать разные цвета. К примеру, у меня есть скульптура с одной стороны черная, с другой золотая: это ардезия и золотая смальта. Мне нравится комбинировать материалы.

Марко Дзанузо: la linea Italiana

Архитектор Марко Дзанузо (Marco Zanuso, 1916-2001) — одна из ключевых фигур итальянского послевоенного дизайна. Проектировал дома, мебель, бытовую технику. Один из тех, кто поднимал экономику Италии и дал итальянскому дизайну оптимизм, авангардность и новое дыхание.

Его вещи элегантны и практичны. Именно благодаря таким предметам и авторам, использовавшим новые технологии и материалы, Италия стала мировым лидером в области дизайна. Его метод проектирования состоял в том, чтобы простую функцию облекать в скульптурную форму. Среди самых известных моделей — портативный акриловый радиоприемник 1963 года, TS-502, спроектированный вместе с Ричардом Саппером для компании Brionvega — оригинальная двухчастная конструкция.

Радиоприемник, наряду с несколькими другими предметами Марко Дзанузо, находится в коллекции нью-йоркского Музея современного искусства. Подход дизайнера высоко ценит Паола Антонелли, куратор отдела дизайна MoMA: «Марко всегда умел, используя новые технологии и понимая, что именно нужно бренду, создать абсолютно новый, невиданный раньше предмет».

Марко Дзанузо, миланец, родился 14 мая 1916 года. В 1939 году получил диплом архитектора, отучившись в миланском Политехе. Отслужив во на флоте в период Второй мировой войны, он в 1945 году открыл собственную студию. Женился, впоследствии у них с женой Биллой Дзанузо родились три дочери Федерика, Лоренца и Сусанна. В конце 1940-х Дзанузо работал редактором культовых итальянских журналов Domus и Casa Bella. На страницах обоих изданий он активно пропагандировал современный итальянский дизайн и собственные эксперименты с новыми материалами, например, вспененным латексом.

Дзанузо любил удобные кресла. Одно из самых знаменитых, популярных в итальянских семьях и любимых декораторами всего мира, — кресло Lady (производилось Arflex) — проект 1951 года, сделано из поролона и эластичной ленты Nastrocord. Именно это кресло считается прорывом в области современной мягкой мебели. Lady вместе с диваном Triennale в том же году Марко Дзанузо выставил на IX Триеннале дизайна в Милане и получил две золотые медали. Переиздают знаменитые кресла Дзанузо топ-бренды итальянской мебельной индустрии — Cassina (в новых обивках от фэшн-дизайнера Рафа Симонса) и Zanotta.

Читать еще:  Basistka. Автопортреты

С 1955 по 1957 Марко Дзанузо работал в должности архитектора в компании Olivetti, проектируя заводы в Сан-Паулу и Буэнос-Айресе. Позже он объединился для проектной деятельности с Рихардом Заппером, молодым талантливым немецким дизайнером, жившим в Милане. С ним Дзанузо проектировал вместе до 1977 года. Вдвоем они придумали стул Lambda для Gavina, телефон Grillo для Siemens (1966), кухонные весы для французской фабрики Terraillon (1970) и множество бытовых приборов для Brionvega. Эта пара вырабатывала дизайн для передовой итальянской электроники, итальянский ответ на стиль, которой формировали Германия и Япония.

Среди удач дуэта Заппер-Дзанузо — стул модели 4999, 1964, произведенный Kartell. Ярко-красный детский стул со снимающимися цилиндрическими ножками и ребристой спинкой — ребра нужны для того, чтобы снизить вес стула при сохранении устойчивости. Это был первый стул, полностью сделанный по технологии литья пластмассы под давлением.

В 1972 году нью-йоркский Музей современного искусства заказал архитектору Марко Дзанузо, наряду с другими классиками: Этторе Соттсассом, Марио Беллини, Гае Ауленти, — авторские инсталляции для культовой выставки «Италия: Новый домашний ландшафт» («Italy:The New Domestic Landscape»). «Практический разум» Дзанузо представил фургон-амбулаторию, которая превращалась в жилую комнату. Тогда же увидел свет диван Lombrico, известный как «бесконечный» диван, одна из популярных моделей 70-х. Составленный из модулей стеклопластика с сидениями из поролона (пенопласта), он напоминал гигантскую гусеницу и был выпущен фабрикой B&B Italia.

Умберто Боччони

Umberto Boccioni

Умберто Боччони

Umberto Boccioni

  • Дата рождения: 19 октября 1882 г. ; Reggio Calabri, Italy
  • Дата смерти: 17 августа 1916 г. ; Verona, Italy
  • Национальность:итальянец
  • Направление:Футуризм
  • Школа/группа:Миланская футуристическая группа , Лачерба (Lacerba)
  • Сфера:живопись , скульптура
  • Оказал влияние:Давид Альфаро Сикейрос
  • Друзья и коллеги:Марио Сирони
  • Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Боччони,_Умберто

Заказать
репродукцию

Умбе́рто Боччо́ни (итал. Umberto Boccioni; 19 октября 1882, Реджо-ди-Калабрия — 17 августа 1916, Верона) — итальянский художник, скульптор и теоретик футуризма.

Отец — Раффаэле Боччони, мать — Чечилия Форлани.

В 1897 году Боччони посещал технический лицей, после получения диплома сотрудничал с местными газетами.
В 1901 году переехал в Рим, обучался живописи в Scuola Libera del Nudo (вольная школа обнажённой натуры) при Академии изящных искусств в Риме. Одновременно вместе с Джино Северини изучал технику пуантилизма у Джакомо Балла (1898—1902). В 1901-1902 годах Балла знакомит Северини и Боччони со своей, развитой из дивизионизма техникой живописи и составляет с ними два манифеста футуризма (в 1910 году). Посетил Париж (1902), Берлин и Петербург (1903—1904). В 1906 году изучал импрессионизм и постимпрессионизм в Париже. В конце 1906 — начале 1907 года посещал курсы рисования в Академии изящных искусств (Венеция).
В 1907 году поселился в Милане, где познакомился с представителями футуризма. Особое влияние на Боччони оказал Филиппо Маринетти — основоположник и теоретик футуризма в европейской литературе, автора «Манифеста футуризма» (1909). Боччони адаптировал идеи Филиппо Маринетти к визуальному искусству, выпустив в 1910 году «Технический манифест футуристической живописи».

Боччони стал одним из главных теоретиков движения. Он также решил заняться скульптурой в 1912 году после посещения парижских студий Жоржа Брака, Александра Архипенко, Константина Брынкуши, Раймона Дюшан-Вийона и, вероятно, Медардо Россо. В том же году он вместе с другими футуристами выставил свои работы в галерее Бернхайма-младшего, в 1913 году была организована выставка скульптур. Работы, созданные под влиянием увиденного в Париже, в свою очередь оказали влияние на творчество скульпторов-кубистов, особенно Раймона Дюшан-Вийона.

После начала Первой мировой войны Боччони был призван в армию, в артиллерийский полк близ Вероны. 16 августа 1916 года он случайно упал с лошади во время тренировочных упражнений кавалерии и, получив смертельную травму, умер на следующий день.

Скульптура Умберто Боччони «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913) изображена на итальянской монете номиналом в 20 центов.

Боччони был одним из авторов «Технического манифеста футуристической живописи» (итал. Manifesto tecnico della pittura futurista, 1910), автор «Технического манифеста футуристической скульптуры» (итал. Manifesto tecnico della scultura futurista, 1912).

В статье Анатолия Луначарского «Сверхскульптор и сверхпоэт» дается довольно резкая характеристика скульптурных работ Боччони:

Главные произведения Боччони: живопись — «Город встаёт» (1910, Национальная галерея современного искусства, Рим), серия картин «Состояние души»; скульптура — «Развитие бутылки в пространстве» (бронза, 1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (бронза, 1913, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Марко Бравура: мастер-класс по мозаике

7 сентября 2013 года в ВЗ «Манеж» в рамках выставки прошел благотворительный мастер-класс по искусству мозаики всемирно известного художника-мозаичиста Марко Бравура.

В «Манеже» с 5 июля 2013 года экспонировалась часть выставки «Мозаики Musivum в Казанском Кремле», организованной Фондом Исмаила Ахметова и музеем-заповедником «Казанский Кремль». Несколько мозаичных панно было размещено на территории казанского кремля, под открытым небом. Они радовали глаз и вызывали неподдельный интерес у посетителей. Думаю, что мало кто из туристов или жителей города, побывав на прогулке в кремле, прошел мимо, не заинтересовавшись.

8 сентября выставка была закрыта. Накануне, посетив мастер-класс Марко Бравура, я еще раз полюбовалась творением итальянского мастера. Еще раз увидела экспонаты выставки «Иконостас».

Короткий 10-и минутный фильм, показанный перед началом мастер-класса, поведал о большой работе итальянского художника-мозаичиста с детьми. Марко Бравура разработал методическую программу в сфере искусства, которая представляет собой инновационный педагогический подход к обучению детей.

Программу М.Бравура изучают в четырех университетах Италии. Издаются книги и руководства по этому курсу.

Основывается программа на изучении масштабных общественных памятников, созданных Марко Бравура. Дети изучают скульптуру, символы, используемые Марко в работе, историю народа от которых эти символы пришли и пр. В процессе занятий дети приобщаются к мировой культуре и истории, знакомятся с этапами творческого процесса, которые привели Марко Бравура к созданию скульптуры. К концу курса (учебного года) создают совместное произведение.

Марко Бравура

Марко Бравура (р. 1949 в Равенне, Италия) окончил Венецианскую Академию изящных искусств. Созданные им памятники расположены по всей Италии и на Ближнем Востоке. Его произведение «Ardea Purpurea» включено в список адриатического наследия, охраняемого ЮНЕСКО.

Выбор профессии

Марко Бравура:
— Когда мне было 18 лет, в нашем городе заканчивались реставрационные работы в соборе Sant’Apollinare Nuovo. Я ехал на велосипеде и сам, не знаю почему, остановился возле собора. Внутри не было практически никого. Зашел и обомлел. В тот момент снимали леса, и передо мной предстало всё величие и мощь мозаики, всполохи цвета, золота. Я потерял дар речи. В моей памяти запечатлелось ощущение от мозаики. И когда пришло время выбирать путь, я знал, что мне не интересна ни математика, ни химия, ни физика. Меня привлекло искусство, и я выбрал мозаику.

После Венецианской академии 20-25 лет я создавал живописные полотна. Вернувшись в Равенну, обратился к мозаике.

Я заметил, что в современном искусстве мозаика почти не используется. Это был определенный вызов: «Можно ли используя древнюю технику, выражать себя, оставаясь человеком современным, занимаясь современным искусством?».

К разговору подключилась Анна Маполис, арт-директор MUSIVUMGALLERY.

— В интервью Марко всегда подчеркивает, что для современного художника выражение в мозаичной технике — это вызов самому себе.

— Анна, Равенна — колыбель античного искусства. Как сегодня там обстоят дела с мозаикой?

А.М.:
— В Равенне созданы самые первые, самые древние крупные памятники мозаичного искусства. Итальянцы очень трепетно к этому относятся, поддерживают и развивают. Равенна — сердце мозаики и в современном мире тоже. Там самая большая концентрация школ мозаики, художественных студий. В Равенну со всего мира едут учиться.

Мастер-класс

Пока Марко Бравура дает интервью, его помощники грунтуют поверхность деревянной коробки, наносят 5 мм. слой клея для керамики. Такие коробочки, стекла и камушки раздаются участникам мастер-класа: Зарине, Юли, Зульфату, Ландыш, Диане, Аделе, Элине.

Марко объясняет суть процесса. Раздаются карандаши и листы бумаги.

Дети разрабатываю эскизы будущих мозаичных панно. Нарисовали то все быстро. А вот как выложить камушки и стеклышки на клейкую поверхность и не исказить рисунок?

Марко Бравура делится своим оптом.

На клейкой поверхности процарапывается рисунок.

Камушки подбирают по цвету. Необходимый размер достигается раскалыванием камушков с помощью щипцов. Начинается выкладывание мозаики по наброску.

Работать надо быстро, клей застывает. Процесс творческий и интересный.

Мастер-класс продлился более 3-х часов. В результате у каждого участника получилось свое неповторимое мозаичное панно.

  • Войдите, чтобы оставлять комментарии
  • Версия для печати

Весть о том, что в художественной галерее г. Зеленодольска открылась выставка Гурама Доленджашвили — заслуженного художника Грузии, почётного академика Российской академии художеств, лауреата международных конкурсов, стрелой долетела до Казани.

В воскресение, 20 июня 2010 года, в Художественном фонде РТ, в мастерской Рашида Аскаровича Гусманова, прошел мастер-класс.

22 октября 2010г. в выставочном зале Дома — музея В.И. Ленина известный казанский художник и дизайнер Александр Нарциссович Лопаткин провел мастер-класс для студентов Казанского художественного училища.

14.02.2015. В Национальной художественной галерее «Хазинэ» в День всех влюбленных прошел мастер-класс по Аргентинскому танго.

21 ноября 2013 года в Выставочном зале «Манеж» открылась выставка Наили Кумысниковой «Кожаная мозаика. Театр. Живопись».

29 августа 2014 года в Выставочном зале «Манеж» состоялась церемония открытия выставки «Репортаж из мастерской «Туран Арт», приуроченной к 20-летию деятельности фонда.

2 апреля 2013 года в Выставочном зале «Манеж» Музея-заповедника «Казанский Кремль» состоялась церемония открытия выставки «Скрытая сокровищница. Классическое турецкое искусство».

С 29 по 30 августа 2015 года на территории Музея-заповедника «Казанский кремль» проходит IV Всероссийский фестиваль духовых оркестров «Фанфары Казани».

27-28 октября 2012 года в Центре «Эрмитаж-Казань» прошел первый мастер-класс по песочной анимации Елены Ермолиной.

5 апреля 2011 года в 16.00 в Кремлевском выставочном зале «Манеж» открылась выставка «Марк Шагал. Библейские сюжеты». В экспозиции представлены 76 листов одной из самых значительных графических серий великого художника — иллюстрации к Библии.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector