"Nabis" и декоративная роспись

«Nabis» и декоративная роспись

«Nabis» и декоративная роспись

Недовольные фигуративными методами живописи, Боннар и Денис объединились с другими единомышленниками, чтобы сформировать братство «Nabis»

Недовольные жесткими фигуративными методами живописи, преподаваемыми в Академии Юлиана, Боннар и Денис объединились с другими единомышленниками осенью 1888 года, чтобы сформировать братство под названием «Nabis», еврейское слово, означающее «пророки». Группу возглавлял Поль Серюзье, который летом посетил Поля Гогена в Пон-Авене и теперь распространял эстетическое послание, основанное на его интерпретации символизма Гогена. Серюзье стремился освободить форму и цвет от их традиционных описательных функций, чтобы выразить личные эмоции и духовные истины.

В качестве доказательства освободительных возможностей символизма он предложил почти абстрактный набросок, сделанный под руководством Гогена. «Nabis» придавали этому произведению необычную силу — небрежно написанному, ярко раскрашенному изображению Буа Д’Амур в Пон-Авене, нарисованному на крышке коробки из-под сигар — оно стало известно как «талисман» (1888; Музей Орсе, Париж), приписывали мистические свойства. В 1890-х годах группа расширилась, включив в себя Вуйяра и нескольких его сокурсников из Школы изящных искусств, а также датских, голландских, венгерских и швейцарских художников. «Nabis» оставались слабо связанными и участвовали в персональных и групповых выставках во Франции и по всей Европе до 1899 года.

The Checkered Tablecloth

«Nabis» отвергли ренессансный идеал станковой живописи как окна в вымышленный мир. Отказавшись от иллюзий глубины, они отказались и от линейной перспективы, и от моделирования. Подобно многим импрессионистам и постимпрессионистам, они были вдохновлены широкими плоскостями несвязанного цвета, толстыми контурами и смелыми узорами, которые характеризуют японские гравюры. В отличие от принтов, однако, картины Наби часто имеют текстурированные поверхности, созданные различными мазками кисти. По словам Мориса Дени, полученные результаты напоминают нам, что живопись «по существу представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке».

Как в своей художественной продукции, так и в своих теоретических трудах «Nabis» подчеркивали преемственность между искусством и дизайном. Хотя они продолжали использовать традиционные опоры, такие как холст и панель, они также разветвлялись, чтобы рисовать на различных плоских поверхностях, включая бархат, картон, мебель, стены домов и отдельных помещений: комнаты, приёмные, банкетные и другие залы. Подобно членам английского движения «Искусств и ремесел», «Nabis» поддерживали эгалитарное отношение к материалам и сотрудничали с меценатами, дизайнерами, издателями и дилерами в декоративных проектах, начиная от декораций до обоев, текстиля, керамики и витражей. Несколько художников создали плакаты, иллюстрации, афиши и другие гравюры, используя относительно новый метод цветной литографии, который воспроизвел их характерное плавное рисование для массовой аудитории.

The Children’s Meal

Многие из этих художников разработали масштабные декоративные схемы для конкретных интерьеров. Пювис де Шаванн, чьи классицистические фрески украшали некоторые из самых известных общественных зданий того времени, обеспечил важный прецедент. На Серюзье и Дениса особенно повлияли фризоподобные композиции Пювиса, поставленные на фоне уплощенных пейзажей, написанных в приглушенных тонах. Такие работы, как «Springtime» Дениса (ок. 1894-99) также применяют особый подход Пувиса к исторической живописи, который передает абстрактные идеи, а не действия или события, через идеализированные группы статических фигур.

Альбомная серия Вюйяра 1895 года адаптирует крупномасштабную живопись к потребностям внутреннего интерьера. В соответствии с эклектикой меценатов Таде и Мизии Натансон, издателей авангардного журнала «La Revue Blanche», эти пять картин различаются по размеру, мотиву и цвету и связаны только общей темой женщин и цветов. В отличие от фресок Пювиса, внутренние серии Вюйяра не были написаны непосредственно на стенах. И все же иногда их выставляли без рамы, приколотыми прямо к узорчатым обоям, что подчеркивало неразрывность с окружающей обстановкой.

The Terrace at Vernonnet

Однако, как отмечает Николас Уоткинс в каталоге выставки «за мольбертом“, интерес этих художников к интерьеру не сделал их «культурными бунтарями».»Скорее, Набис и Пуви принадлежат к традиции художников, украшающих интерьеры, которая восходит, по крайней мере, к фрескам и гобеленовым карикатурам, которые Рафаэль создал для Ватикана. В девятнадцатом веке такие выдающиеся художники, как Энгр и Делакруа, соперничали за заказы на украшение общественных зданий Франции крупномасштабными фресками, изображающими классические или религиозные повествования.

После распада Набис в 1899 году Боннар и Вуйяр продолжали развивать “Интимистский” стиль декоративной живописи. Их небольшие работы изображают друзей и семьи художников в тесных, домашних пространствах, заполненных узорами. Отказавшись от перспективы и подчеркнув текстуру поверхности, картины сливают фигуру и землю в единую плоскость, так что различение независимых форм становится перцептивной задачей.

Художники-декораторы девятнадцатого века предвосхищают важное направление искусства двадцатого века, которое рассматривает внутренние пространства и внутренние мысли и переживания художников как убежище от современного мира. Например, большие картины с водяными лилиями, которые Моне создал в свои последние десятилетия, разделяют желание Набис создать всеобъемлющую среду, которая окружает их зрителей. Анри Матисс, возможно, является истинным наследником этой традиции, поскольку он наполнил грандиозное украшение колористической абстракцией, чтобы создать новый стиль, который полностью принадлежал его собственному историческому моменту.

Les Nabis — Les Nabis

Наби (французский: Наби , французское произношение: [ле наби] ) не было группой молодых французских художников активных в Париже с 1888 до 1900 года , который играл большую роль в переходе от импрессионизма и академического искусства в абстрактное искусство , символика и другие ранние движения модернизма . Среди участников были Пьер Боннар , Морис Дени , Поль Рансон , Эдуард Вюйар , Кер-Ксавье Руссель , Феликс Валлотон и Поль Серюзье . Большинство из них были студентами Académie Julianв Париже в конце 1880-х гг. Художники разделяли общее восхищение Полем Гогеном и Полем Сезанном и решимость обновить искусство живописи, но сильно различались в своих стилях. Они считали, что произведение искусства — это не изображение природы, а синтез метафор и символов, созданных художником. В 1900 году художники провели заключительную выставку и разошлись.

Читать еще:  Eduardo Urbano Merino. Майя

Содержание

Происхождение термина

Наби получили свое название от еврейского термина, который происходит от слова nebiim или пророк. Термин был придуман в 1888 году лингвистом Огюстом Казалисом, который провел параллель между тем, как эти художники стремились оживить живопись (как «пророки современного искусства»). ) и то, как древние пророки обновили Израиль.

Наби были группой молодых художников Академии Жюлиана в Париже, которые хотели преобразовать основы искусства. Один из художников, Поль Серюзье , побывал в Пон-Авене в октябре 1888 года, где под руководством Поля Гогена он нарисовал небольшую картину порта на дереве, состоящую из пятен ярких цветов, собранных так, чтобы создать ощущение порта. . Студенты назвали эту первую картину Наби «Талисман» , и со временем она стала иконой искусства ХХ века.

В 1889 году, в год Парижской международной выставки и открытия Эйфелевой башни , группа провела свою первую скромную выставку в Café des Arts, которое располагалось за пределами территории выставки. Он назывался « Группа импрессионистов и синтезаторов» и включал в себя работы двух известных художников, Поля Гогена и Эмиля Бернара .

В августе 1890 года Морис Дени , которому тогда исполнилось восемнадцать, изложил группе более конкретную философию. Писавший под именем Пьер Луи, он написал статью в журнале Art et Critique под названием «Определение нео-традиционализма» , которая стала манифестом движения. Знаменитая вступительная фраза эссе гласила: «Помните, что картина, прежде чем стать боевым конем, обнаженной женщиной или каким-то анекдотом, по сути представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке». Эта идея не была оригинальной для Дениса; эта идея была выдвинута незадолго до этого Ипполитом Тэном в «Философии искусства» , где Тэн писал: «Картина — это цветная поверхность, на которой различные тона и различные степени освещения помещены с определенным выбором; в этом ее интимность. существо » Однако именно выражение Дениса привлекло внимание художников. Как объяснил Денис, он не имел в виду, что форма картины важнее предмета. Он писал: «Глубина наших эмоций проистекает из достаточности этих линий и этих цветов для объяснения самих себя . все заключено в красоте работы». В своем эссе он назвал это новое движение «неотрадиционализмом» в противовес «прогрессивизму» неоимпрессионистов во главе с Сёра .

В следующем году, в 1891 году, трое из Наби, Пьер Боннар , Эдуар Вюйар и Морис Дени, сняли студию на улице Пигаль, 28 в Париже. Его часто посещали другие ранние Наби, в том числе Кер-Ксавье Руссель и Поль Серюзье, а также журналисты и деятели театрального и литературного мира.

В 1892 году Наби занялись театральным миром и декоративным искусством. Поль Рансон, которому помогали Серюзье, Боннар и Вюйар, разработал декорации для театрализованного представления « Бато ivre» поэта Артура Рембо . Морис Дени сшил костюмы и декорации для другой театральной постановки, Трилогии Антуана в Театре Модерн, а также расписал потолок в резиденции коллекционера произведений искусства и художника Генри Лероля .

Наби провели групповую выставку в Тулузе в июне 1894 года, а в следующем году представили свои работы в Maison de l’Art Nouveau Зигфрида Бинга , знаменитой галерее, давшей название движению ар-нуво .

На протяжении всего своего существования Наби были чем-то вроде полусерьезного полусекретного общества, использовавшего юмористические прозвища и частную лексику. Даже название группы было секретным до 1897 года. Они называли студию «ergasterium» и заканчивали свои буквы инициалами ETPMV et MP , что означало En ta paume, mon verbe et ma pensée («В твоей ладони мое слово и мое мысли «).

Японское влияние

Графическое искусство Японии, известное как японизм , особенно гравюры на дереве, оказало большое влияние на наби. Этот стиль популяризировал во Франции арт-дилер Зигфрид Бинг, который отправился в Японию, чтобы собирать гравюры Хокусая и других японских художников, и публиковал ежемесячный художественный журнал Le Japon Artistique с мая 1888 по апрель 1891 года, в котором предлагались цветные иллюстрации. В 1900 году он организовал выставку из семисот гравюр в Школе изящных искусств .

На Пьера Боннара особенно повлиял японский стиль; его прозвище среди наби было «Le plus japonard». Для одной серии из четырех картин, созданных в 1890–1891 годах, «Женщины в саду» , которая сейчас находится в Музее Орсе , Боннар адаптировал японский формат под названием камемоно с узким вертикальным холстом. Модели — его сестра Андре и двоюродная сестра Берта Шедин. Четыре фигуры представлены в изогнутых змеиных позах, как на японских гравюрах. Лица женщин отворачиваются от художника; смелые узоры их одежды и листва позади них доминируют на картинах. Первоначально он задумал работу как японскую ширму, но в конце концов решил разделить ее на четыре картины и, чтобы подчеркнуть декоративный аспект, добавил нарисованную рамку вокруг полотен.

Читать еще:  Kasra Kiai. Современные художники Ирана

Тема женщины в саду, стилистически адаптированная из японских гравюр, появилась в работах других Наби, включая Мориса Дени и Поля Серюзье. Денис использовал тему женщин в саду в картинах и декоративных панно. Серюзье адаптировал тот же формат в своей книге «Женщины у источника» (1898), стилистически изображая женщин, спускающихся с холма за водой из источника.

Пьер Боннар, « Женщины в саду» (1890–91), в японском стиле камемоно

Наби /Nabis

/фр./ Nabis, от /др.-евр./ «нави» — «вестник», «пророк», «избранный» (1888-1890)

Французская художественная группа, основана Полем Серюзье. Группа состояла из молодых художников — Мориса Дени, Поля Серюзье, Жана Эдуарда Вюйяра, Пьера Боннара, Поля Эли Рансона, Феликса Валлотона и других. Название группе предложил Огюст Казалис, общий приятель молодых живописцев. Летом 1888, во время каникул, проведенных в Бретани, в Понт-Авене, Серюзье учился у Поля Гогена упрощать и многократно усиливать в живописи впечатление от красок и форм, увиденных в природе. Под диктовку Гогена в понт-авенском «Лесу Любви» Серюзье написал на небольшой дощечке этюд: осенние деревья, взятые обобщенными красочными пятнами, отражаются в пруду. Картину Серюзье назвал «Талисман» (Музей Орсэ, Париж), она стала программой для наиболее одаренных учеников Академии Жюлиана (Боннара, Дени, Русселя, Вюйара, Ибеля, Рансона), которые, объединившись первоначально вокруг Серюзье, стали тесно общаться за пределами класса и, осознав себя кругом единомышленников, взяли себе общее имя – «Наби». В 1889 г. начались встречи членов группы в маленьком парижским кафе. По субботам они устраивали еженедельные собрания в мастерской Рансона на бульваре Монпарнас, называя её «Храмом Наби». В мастерскую приходила большая компания, здесь бывали не только художники, но и театральные режиссёры, редакторы модных журналов, писатели и поэты; здесь, выставлялись новые работы и обсуждались волновавшие всех проблемы искусства. Каждому из группы было присвоено особое имя: Серюзье называли «Наби со Сверкающей Бородой», Дени за его увлечение религиозной живописью именовали «Наби Красивых Икон», Боннара, преклонявшегося перед восточным искусством, — «Очень Японский Наби».

Группа «Наби» объединяла очень разных по мировосприятию и творческой манере художников. Можно выделить два основных направления в их живописи, от которых зависел и творческий почерк художников. К одному из них принадлежали — Морис Дени, Сезюрье, Рансон — они стремились выразить в символах волнующие их мистические идеи; Боннар, Руссель — были ближе к искусству импрессионистов, их живопись основывалась на наблюдениях окружающей жизни. Среди любимых сюжетов Русселя и Боннара – сценки домашней жизни, живописные уголки парков, их называли «интимистами». Если для художников первого направления (для творчества Мориса Дени в частности), были характерны чистые раздельные цвета, крупный формат картин, символизм, четко прорисованные человеческие фигуры, то для «интимистов» были типичны малоформатные картины, человеческие фигуры на их полотнах словно бы растворялись в окружающем их свето-воздушном пространстве. Поэтому не удивительно, что к концу 90-х годов девятнадцатого века группа «Наби» распалась. Художники выбрали каждый свой путь, но распад группы произошел без ссор и взаимных обид, все члены «Наби» сохранили между собой прекрасные отношения. Просто творческие поиски, игра и задор молодости остались позади, впереди каждого из художников ожидала своя творческая стезя.

Художники: Поль Серюзье ( Paul Serusier) , Морис Дени ( Maurice Denis) , Пьер Боннар ( Pierre Bonnard) , Поль Элье Рансон (Paul-Elie Ranson), Феликс Валлотон ( Felix Vallotton) , Жан Эдуар Вюйар ( Jean-Edouard Vuillard ), Аристид Майоль ( Aristide Maillol) , Кер-Ксавье Руссель ( Ker-Xavier Roussel) , Ян Веркаде ( Johannes Sixtus Gerhardus (Jan) Verkade) .

Тексты: М.Дени «Определение неотрадиционализма», 1890; П.Серьзье «Азбука живописи», 1921.

Описание некоторых произведений:

Пьер Боннар «Сумерки, или Партия в крокет», 1892. Холст, масло. Париж, Музей д’Орсе. От живописи на шелке или бумаге «какемоно» и от гравюр «укиё-э» он заимствует приемы построения изображения, которые совершенно не совпадают с каноническими закономерностями «правильной» композиции. В этой работе две группы фигур изображены в саду дома в Гран Ланс. Боннар использует несколько точек зрения, отказывается от перспективы и делает плоскими и похожими на вырезки фигуры первого плана. Смысл их существования исчерпывается орнаментом платьев, который оптически соперничает со стилизованным изображением растений и листвы.

Пьер Боннар «Сумерки, или Партия в крокет», 1892

Морис Дени «Музы», 1893. Холст, масло. Париж, Музей д’Орсе. Реальный лес Сен-Жермен-ан-Ле воссоздает в картине любимый мотив «священной рощи». Персонажи античной мифологии, вдохновительницы искусств и наук Музы, пребывают в роще каштанов. Ни у одной нет атрибутов, поэтому три фигуры в платьях XIX века на переднем плане воспринимаются, скорее, как аллюзия этой темы. Музы — характерный пример стилистики Дени с его тяготением к двухмерности и волнистым линиям, соединяющим воедино все элементы композиции, к декоративным элементам — более сдержанным в одеждах и превращенным в стилизованные арабески в ковре опавших листьев.

Читать еще:  George Morton-Clark. Борец с действительностью

Our editors will review what you’ve submitted and determine whether to revise the article.

Nabis, group of artists who, through their widely diverse activities, exerted a major influence on the art produced in France during the late 19th century. They maintained that a work of art reflects an artist’s synthesis of nature into personal aesthetic metaphors and symbols.

The Nabis were greatly influenced by Japanese woodcuts, French Symbolist painting, and English Pre-Raphaelite art. Their primary inspiration, however, stemmed from the Pont-Aven school, which centred on the Post-Impressionist painter Paul Gauguin. Under Gauguin’s direct guidance, Paul Sérusier, the group’s founder, painted the first Nabi work, Landscape at the Bois d’Amour at Pont-Aven (1888; also called The Talisman), a small, near-abstract landscape composed of patches of simplified, nonnaturalistic colour.

Armed with his painting and the authority of Gauguin’s teachings, Sérusier returned to Paris from Pont-Aven and converted many of his artist friends, who received his aesthetic doctrines as a mystical revelation. Assuming the name Nabis (from Hebrew navi, meaning “prophet,” or “seer”), the original members of the group were the French artists Maurice Denis (who with Sérusier was the group’s main theoretician), Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Henri-Gabriel Ibels, Ker-Xavier Roussel, and Paul Ranson. Later, the Dutch painter Jan Verkade, the Hungarian artist Josef Rippl-Ronai, and the Swiss-born Félix Vallotton joined the group, as did two French sculptors, Georges Lacombe and Aristide Maillol.

In 1891 the Nabis held their first exhibition, attempting in their works to illustrate Denis’s dictum: “A picture, before being a war horse, a nude woman, or some anecdote, is essentially a flat surface covered by colours in a certain order.” Although there was no unified Nabis style, the artists emphasized the flatness of the painting surface by using simplified areas of colour, patterned designs, and contours that were often stylized and decorative. For instance, Vuillard typically painted interiors with rich wallpaper and fabric designs; Bonnard was known for his interest in Japanese prints, which inspired his bold compositions and use of striped and checked patterns; and Denis favoured graceful arabesques.

The Nabis were known for their involvement in other media; they created such varied works as posters, stained glass, theatre sets and programmes, and book illustrations. Dissensions within the group and desertions from it occurred quickly, however, and it finally disbanded in 1899. Only Vuillard and Bonnard, who were called Intimists because of their predilection for painting scenes of domestic interiors, and Maillol continued to produce major works of art. Although the achievements of the Nabis were overshadowed by the many avant-garde movements that dominated Western art in the decades that followed, their ideas helped pave the way for the early 20th-century development of abstract and nonrepresentational art.

This article was most recently revised and updated by Kathleen Kuiper, Senior Editor.

Пьер Боннар — тонкий художник и выдающийся колорист

Пьер Боннар — французский художник, тесно связанный с группой «Наби». Боннара называли Японцем или «самим японским набидом» за его пристрастие к японской гравюре и восточной орнаментальности. Впоследствии художник отошел от принципов «Наби», его палитра стала более насыщенной, а цветовые контрасты сменило сияние света.

Терраса с видом на Вернон

Терраса в Верноне

Столовая на даче

Главными жанрами Боннара стали семейные портреты, ню, пейзажи. Цвет, цветовые сочетания и контрасты — вот главные герои произведений Боннара, к какому бы жанру они ни относились.

Собор Сакре-Кер на бульваре Клиши в Париже

Сена близ Вернон

Пьер Боннар родился 3 октября 1867 года в Париже. Сын высокопоставленного чиновника военного министерства и знатной дворянки, он привык к благоустроенной жизни, счастливой семейной атмосфере и гармоничному укладу. За плечами у Боннара несколько престижных лицеев, в том числе, Луи-де-Гран. Отец надеялся сделать из сына юриста. Отстаивать со скандалами право стать художником Боннар не пожелал, и пошел на юридический факультет, но параллельно поступил в художественную Академию Жюлиана. Там собралась компания: Поль Серюзье, Морис Дени, Эдуар Вюйяр, Поль Рансон. В своём творчестве они ориентировались на Поля Гогена. Сюрезье даже ездил к нему в Бретань и был так впечатлен встречей, что по возвращении организовал группу «Наби» (фр. Nabis — пророк), в которую вошел и Пьер Боннар. Название подразумевает особый мистический опыт, доступный участникам, их посвященность в некие тайные знания. Набиды искали в живописи абсолют, сложный символизм, возможность выражать внутренний мир посредством ярких цветов. Художники этого направления отдавали предпочтение декоративному началу и плоскостной стилизации.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector