Чешско-канадский художник. Rudy Karel Schneeweiss

Чешско-канадский художник. Rudy Karel Schneeweiss

Альфонс Муха

Альфонс Муха (1860 – 1939 гг.) – самый известный чешский художник в мире, один из самых главных представителей стиля «ар нуво». Он прославился как автор афиши «Жисмонда» для французской актрисы Сары Бернар в 1894 году. Муха стал популярным художником-модернистом во Франции и США. Он не только рисовал картины, но и проектировал дизайн украшений, мебели и предметов интерьера. Именно Муха – автор первых чехословацких марок и денежных купюр.

Большой популярностью пользовались графические серии Мухи «Времена года» и «Месяцы года»

В конце жизни Альфонс Муха создал цикл из 20 огромных полотен в духе славянского единства, известных как «Славянская эпопея». Каждое полотно отражает значимые, по мнению автора, события из жизни славянского народа. Величина картин составляет 6 на 8 метров. В настоящее время цикл полотен выставлен в Национальной галерее Праги. Произведения Альфонса Мухи входят в коллекции крупнейших мировых музеев и галерей. В его честь даже назвали астероид № 5122.

Большая выставка произведений Мухи до 31 декабря 2017 года проходит в пражской галерее GOAP.

Славяне на исконной Родине (чеш. Slované v pravlasti, 1912), из цикла «Славянская эпопея»

Франтишек Купка

Франтишек Купка (1871 – 1957) – чешский художник и график, один из основателей абстрактного искусства. Большую часть жизни Купка прожил по Франции, где сначала зарабатывал на жизнь как рисовальщик и карикатурист. После 1900 года в его творчестве стали появляться абстрактные элементы, а позже он от реализма перешел на чистый абстракционизм. Произведения Купки того времени теперь продаются на аукционах за миллионные суммы. Картина Купки «Форма синего» стала самой дорогой проданной в Чехии картиной (55 млн крон). Крупнейшая коллекция произведений Купки представлена в музее Kampa в Праге, избранные работы хранятся в Национальной галерее в Праге. До 22 мая в галерее Kampa проходит временная выставка Купки «Веющая синева».

«Форма синего», Франтишек Купка, 1925 г.

Эмиль Филла

Эмиль Филла (1882 — 1953) – чешский художник и скульптор, один из главных представителей чешского кубизма. Соединял тенденции кубизма и немецкого экспрессионизма, находился под влиянием Пабло Пикассо. Картины Филлы также продаются на аукционах за рекордные суммы для Чехии и высоко ценятся среди коллекционеров. Например, кубическую картину «Художник» продали за 18 миллионов крон. Произведения Эмиля Филлы можно увидеть в Национальной галерее Праги, а также на большой выставке чешского кубизма в Доме у Черной Божьей Матери.

Эмиль Филла, «Художник»

Тойен

Эксцентричная художница Мария Черминова (1902-1980), более известная под псевдонимом Тойен, который для нее выдумал чешский поэт Ярослав Сейферт, является одной из представительниц чешского и мирового сюрреализма. Тойен считается наиболее значимой женщиной-художником Чехословакии ХХ века. Большую часть жизни она прожила в Париже, где была членом сюрреалистического кружка наряду с поэтом Полем Элюаром и основоположником сюрреализма Андре Бретоном. Тойен прославилась, кроме прочего, своими рисунками эротического содержания, которые она подписывала буквой «Т» или «ХХ». Для своего времени это был весьма смелый шаг, который характеризовал художницу как прогрессивную нонконформистку. Полотна Тойен выставляют в музее Kampa в Праге.

К артина маслом «Спящий», которую написала Тойен, была продана в 2009 году за 20 миллионов крон на аукционе. До сих пор она удерживает авторский рекорд.

Вацлав Холлар

Вацлав Холлар (1607-1677) – барочный художник, гравер и картограф, один из самых известных графиков в европейской истории. Родился в Праге, но вынужден был уехать в период 30-летней войны. Жил в Германии, а большую часть жизни – в Англии, где прославился как Венцеслав Холлар Богемус (Холлар с гордостью заявлял о своей принадлежности к чешскому народу).

Холлар стал известен благодаря своим гравюрам пейзажей, карт, натюрмортов и портретов. Особенно знамениты его изображения Праги, Лондона и других городов. Холлар работал в технике офорта, выпускал иллюстрированные серии. Всего художник создал около 3000 гравюр на самые разные темы. Виды городов и архитектуры, которые писал Холлар, отличаются топографической точностью, хотя в них и присутствует художественный замысел.

Прага, Вацлав Холлар

Широкая коллекция работ Холлара представлена в Британском музее, а также в библиотеке Виндзорского замка. Выставки гравюр Вацлава Холлара регулярно проводят в Национальной галерее в Праге и других чешских музеях.

В Чехии есть Средняя художественная школа и университет Вацлава Холлара, в котором изучают художественную графику.

Одна из самых известных гравюр Холлара называется «Хороша кошка, которая не лакомится» (1646 г.).

«Монументальная гомосятина в Третьем Рейхе».

Заголовок этого поста все же не совсем верный (зато веселый!).
Во-первых скульпторы о которых пойдет речь придерживались самой обычной сексуальной ориентации (а за необычную в нацистской Германии полагалось трудовое перевоспитание за колючей проволокой, что дает современным пидорам геям повод считать тогдашних пидаров геев не больше не меньше, чем героями Сопротивления), во-вторых помимо нацизма и расизма эти изображения голых мужиков пропагандируют и вполне здравые вещи — «в здоровом теле здоровый дух», «бегом от инфаркта», «бросай курить, вставай на лыжи». Короче, жри меньше сосисок с пивом, больше занимайся спортом и будешь таким же как эти парни. Ну, а кроме того, голых баб нацистские скульпторы тоже ваяли. Правда, такое изобилие голых мужиков все же навевает некоторые сомнения :-). У нас, кстати, пропаганда в те годы, тоже была помешана на здоровом образом жизни, но спортсмены и спортсменки работы советских скульпторов были, хотя бы, в спортивной одежде и те же спортсмены не выставляли на всеобщее обозрение свое, скажем так, хозяйство.
В подборке, предлагаемой вашему вниманию, представлены работы двух самых знаменитых скульпторов Рейха — Арно Брекера (1900-1991) и Йозефа Торака (1889 – 1952). Арно Брекер признан придворным скульптором Гитлера, после смерти своего главного заказчика и окончания войны успешно прошел денацификацию (отделался статусом «попутчика» и штрафом в размере 100 марок, о какая суровая «денацификация». ) и так и остался самым востребованным и высокооплачиваемым скульптором Западной Германии. Умер в преклонном возрасте состоятельным и уважаемым человеком. Йозеф Торак специализировался по (простите за тафтологию) по монументальным монументам. Ему, например, достался заказ на изготовление полсотни огромных статуй, которые должны были украсить имперские автобаны. Для выполнения этого заказа пришлось строить здание мастерской с очень высоким потолком. После войны спрос на огромные монументы упал до нуля, делать всякую мелочь было неинтересно и Торак в 1952 году скончался (по всей видимости от огорчения).

Начнем с Арно Брекера. Фюрер доверил ему украсить статуями двух голых мужиков вход в главное здание Рейха — рейхсканцелярию. Один мужик изображает Партию, другой — Вермахт.

Вот такая она — нацистская Партия.

А это как нетрудно догадаться Вермахт

А это главный заказчик сего разврата. Ежели кто не узнал, то это Адольф Алоизыч Гитлер он же в просторечии великий фюрер германской нации, он же пожиратель половичков, он же главный нехороший мудак человек 20-го века.

Читать еще:  Современные художники Америки. Zoey Frank

А это (опять же ежели кто не узнал, а узнать мудрено) его подельник Йоська Геббельс.

Называется сей барельеф просто и незамысловато: «Два товарища». Уж как они там дружат меж собой это второй вопрос.

А это кто тут? Это Александр Македонский. Без комментариев

А теперь перейдем к творчеству Торака.

Наверное многим известно, что на Всемирной Выставке в Париже в 1937 году павильоны СССР и Германии стояли друг против друга. Что вылилось в том числе в эпическое противостояние монументов Мухиной и Торака. Творчества Торака на этой картинке не видно — оно находится у самого подножия немецкой башни и скрыто деревьями. Там две композиции «Товарищество» и «Семья»

Вот вход немецкого павильона поближе в кадре кинохроники

А вот его фотография с крыши советского павильона.

Семья. Если что, поясняю — справа арийская баба, а не то что вы подумали.

Мастерская Торака — картинка из газеты Berliner Zeitung Illustrierte.

А вот сам Торак работает над моделью «Монумента Труду» — одной из циклопических скульптур для имперских автострад.

Вот так это мегалитическое (не побоюсь этого слова) сооружение с булыжником и группой голых мужиков. должно было выглядеть на месте своей установки

Ну и весьма скромно на этом фоне смотрится «Боксер», одна из статуй украшавших олимпийский стадион в Берлине в 1936 году.

ВЫДАЮЩИЕСЯ ХУДОЖНИКИ ЧЕХИИ. МАРИНА РИХТЕРОВА.

Известная чешская художница Марина Рихтерова является ярким представителем современного постмодернизма. Ее уникальные графические работы и акварели можно отыскать в галереях и центрах искусства Европы, Америки и Японии. Коллеги именуют Рихтерову «королевой поп-литографии», а искусствоведы сравнивают ее работы с картинами самых знаменитых художников Чехии. Большинство людей считает картины автора гениальными. И, как это зачастую случается с гениями, путь Рихтеровой к мировому признанию оказался довольно тернистым.

Биография Марины Рихтеровой

Марина Рихтерова родилась в Москве, 21 июня 1962 года. Её отцом был академический художник, профессор Олег Павлович Филатов, который возглавлял мастерскую монументальной живописи при Академии искусств и ремёсел (Строгановское). Пойдя по стопам отца, Марина посещала Французский лицей и школу декоративного искусства, изучала иконопись и миниатюру, училась в московском Колледже Искусств. Казалось, поддержка отца и природные способности гарантировали девушке успешную карьеру. Но на втором году обучения в Строгановском институте Марина выходит замуж за чешского врача Яна Тесаржика (Jan Tesarík) и вместе с ним переезжает в Прагу, где с трудом поступает в Академию Искусств и Дизайна: комиссия, принимающая решение о ее переводе, после долгих прений все-таки зачисляет к себе выпускницу «советского вуза».

Многие ее современники, наблюдавшие процесс становления выдающейся художницы, отмечали упорные старания студентки Тесаржиковой постичь волшебный мир искусства. В этом ей не смогли помешать ни беременность, ни плохое знание чешского языка, ни предвзятое отношение к себе многих чехов, включая родственников и преподавателей, для которых она была представительницей «русских», войска которых не так давно вторгались в Чехословакию. Жители «демократической западной Чехословакии» косились на ортодоксальный крест на ее шее, а руководство часто обсуждало ее либеральное поведение.

Марина обижалась на несправедливость такого отношения, но «русский дух» едва ощутимо присутствовал в ней и его импульсы проявлялись в первых студенческих работах. Сказывалось византийское вдохновение и первоначальное влияние ее известного отца. Об этом упоминает в своих воспоминаниях архитектор Богумил Халупничек, который 40 лет назад был ее преподавателем. В то далекое время он читал студентам лекции по сопутствующей дисциплине: «Перспектива — космическая наука».

Как-то раз, на втором курсе, она принесла мне «набросок», полностью отражающий ее русскую душу. Это был фасад полуразрушенного православного храма, исполненный в неожиданно сильной выразительной манере я был глубоко взволнован и не знал, что об этом думать. Ее рисунок разительно отличался от невзрачных работ других студентов; в работе Марины присутствовала масса цветов и невероятных линейных решений, которые были чрезвычайно стеснительными и вызывающими одновременно …».

Мотивы графических работ Рихтеровой

Обиды и проблемы девушка заглушала навязчивой идеей выучиться и начать осуществление своих творческих фантазий в области графического рисунка. Ее страстное увлечение искусством сказалось на личной жизни — в 1992 году Марину оставляет муж и она остается без денег, с двумя детьми на руках. (Вторым супругом Марины позже стал актёр Иван Рихтер, который умер в 2000 году).
Очевидно, что графика известной художницы отражала ее личные жизненные переживания и страдания – большинство рисунков Рихтеровой выглядят мелодраматично и печально. Они словно проникнуты духовным дуализмом — депрессивным настроением, и в тоже время, невероятным мастерством рисунка и композиции. За гримом нарочитого гротеска, в большинстве женских образов узнается едва уловимое сходство с портретными чертами автора.

Оказавшись в стране с богатейшим культурным наследием, творчество Рихтеровой абсорбировало в себя живописные элементы таких известнейших чешских художников, как Иозеф Навратил (1798—1865) — мастера маленьких бытовых сцен, пейзажа и натюрморта, отличающихся гармоничностью колорита. Навратил умел красками так передавать цвета, что его стиль граничил с импрессионизмом.

Используя другие материалы, Рихтерова добивалась в своих работах почти того же эффекта.

Натюрморт в смешанной технике, Марина Рихтерова

В некоторых произведениях чешкой художницы можно усмотреть отдаленное влияние Альфонса Мариа Мухи (1860 -1939) — чешско-моравского живописца, одного из наиболее известных представителей стиля «ар нуво». И, возможно, великолепного чешского графика Миколаша Алеша (Mikoláš Aleš; 1852 -1913). Находясь на рубеже XIX и XX столетий, Микулаш намного опережал свое время. Он авангардно комбинировал технику масляной живописи с элементами графики, а его акварели «смазывались» от динамики, словно движущиеся объекты на цифровых фото. В некоторых графических работах Рихтеровой присутствует не меньшая экспрессия.

Многие известные чешские художники были мастерами иллюстрации. Рихтерова пополнила их прекрасную половину. Теперь ее имя упоминают наряду со всемирно известными художницами-иллюстраторами: классиком детской иллюстрации начала XX века — Зденкой Браунеровой (Zdenka Braunerová; 1858—1934) и книжным иллюстратором Аленой Ладовой (Alena Ladová; 1925—1992), рисунки которой часто печатались в газетах и журналах, в календарях, на пасхальных и рождественских открытках.

Иллюстрации Марины Рихтеровой

Марина Рихтерова проиллюстрировала ряд книг для детей и взрослых. Ее иллюстрации зачастую не ограничиваются содержанием и обладают независимым художественным форматом. Иллюстрации как бы передают ее впечатление от прочитанной книги. При их создании, она работает в смешанной технике — может использовать карандашный рисунок и акварель, сталкивая четкость и текучесть.
Среди них — иллюстрации к произведениям Э. Т. Гофмана «Щелкунчик» и «Черная курица» А. Погорельского, а также целый цикл иллюстраций к произведениям Шекспира «Ромео и Джульетта», «Король Лир» и «Сонеты».

Читать еще:  Я люблю рисовать. Frank Bruckmann

В жизни Марины был период, когда она восторженно увлеклась произведениями японского, китайского и корейского изобразительного искусства. Она начала изучать китайский и корейский языки, историю, обычаи, этикет и даже восточную архитектуру. Но даже под таким сильным воздействием, Рихтерова сохранила индивидуальность своих графических работ.

Рассказ о известной чешской художнице, можно завершить выводом: Марина Рихтерова обогатила чешскую живопись своим неординарным мышлением, новой концепцией, композицией и тайной творческой фантазии. Как и в музыке, основная тема у Рихтеровой всегда сопровождается другими тонами, тем самым создавая целую симфонию. Ее работы сравнимы с либретто Верди: каждая история начинается задолго до того, как поднимается занавес, каждая часть является символической, и значение может быть понято лишь при соединении частей головоломки. Люди любой национальности ощущают этот посыл и с удовольствием вступают в игру, предложенную художником.

«Таинственный танец», Марина Рихтерова, 2007

7 главных работ Герхарда Рихтера с выставки в Еврейском музее

«Впервые работы Рихтера я увидел, когда был сокуратором галереи Тейт. Это был 1995 год, и к тому времени Рихтер уже получил свое признание — стал одним из главных художников мира. Я тогда подумал, до чего это выдающийся мастер — не из тех, кто продолжает традицию, но в корне меняет ее. С одной стороны, это удивительно сильный живописец, с другой — ему так много есть что сказать о нашем отношении с окружающим миром, реальности, эмоциях и даже музыке.

Меня очень интересовали две темы его работы: с одной стороны, развитие абстракции, с другой — фотографические картины Рихтера, которые всем известны. Герхард говорил, что реальность невозможно познать, но в нашей голове есть образ реальности, и это философское понятие в некотором смысле стало его путеводной звездой — он работал над этой темой всю жизнь. Мы живем в мире, где доминирует медиа: только подумайте, какими мы помним исторические события, например, 9/11. Многие из нас не видели этого, но помнят картинки из медиа — и наша связь с реальностью становится все более сложной и опосредованной».

Биркенау, 2014. Холст, масло

«Эти картины связаны с самым страшным эпизодом истории XX века. Рихтер смотрел на фотографии лагеря 1944 года — где люди бегут через леса, где происходят ужасные вещи, где мир как будто бы перевернулся. Он задал себе один вопрос: можно ли нарисовать картину по мотивам этих событий? Он взял эти фотографии и создал черно-белые фигуративные рисунки. Но потом понял, что они совершенно не передают смысла того кошмара, который случился. И нарисовал сверху абстрактную композицию. А потом сделал это снова и снова. И форма, которую теперь приняла картина, — это память о Биркенау. Я задал ему вопрос: почему ты сначала попытался нарисовать реалистическую картину? Он мне ответил: чтобы доказать самому себе, что это невозможно. Ни одна картина не может показать реальность Биркенау. Тогда я его спросил, что же означает тот результат, который получился? И он сказал: это беззвучная эмоция. Ни одна картина, ни одна фотография не покажет, что случилось. Это самое близкое из того, что можно сделать, чтобы помнить об этом».

Биркенау, 2015. 93 фрагмента книги «Биркенау». Бумага, цифровая печать

«Он разобрал свою картину на 93 фрагмента, перетасовал их и разложил в новом порядке. Новая композиция показывает то, как работает наша память с прошлым, — она делит его на фрагменты и раскладывает по-новому».

Биркенау, 2014. Фотография. 4 работы

«Не знаю, получится ли у вас понять сразу, но это на самом деле фотографии. Вам кажется, что вы смотрите на настоящие картины, но вы смотрите на самом деле на репродукцию. Зачем было делать это? Рихтер говорит, что есть историческое событие, и на него наслаивается наше восприятие, наша память — уровень за уровнем. В своих работах он двигался от фотографии и репрезентации к абстракции, шаг за шагом. А когда вы смотрите на картины Рихтера, которые он разобрал на части или сфотографировал, и размышляете о них, то заново переосмысливаете его работы — точно так же, как мы сегодня заново осмысливаем события, которые лежат в их основе».

Посещение музея, 2011. Цветная фотография, лак

«У Рихтера есть две любимые темы: картины, основанные на фотографиях, и абстрактные работы. Для большинства художников эти направления противоречат друг другу, ты как будто бы не можешь быть всем: либо ты фигуративный художник, либо абстрактный. А Рихтер знаменит тем, что ему удается совместить все и сразу. Он занимается образом — тем, что напоминает реальность, но ей не соответствует. А вот в этой работе он использует свои собственные фотографии, а надо сказать, что он постоянно фотографирует. Если вы присмотритесь повнимательнее, то увидите, как в этих работах под абстрактными пятнами краски скрывается фотография. Обычно фотографии и живопись художники используют отдельно, но здесь происходит что-то новое: они становятся чем-то единым и целым. А лично у меня от этих работ возникают собственные ассоциации: я вспоминаю тот момент, когда чистое ощущение цвета и формы вдруг приобретает значение — как будто мы смотрели на расплывчатые тона и не могли понять, что это. А потом вдруг что-то щелкает в голове, и образ принимает форму. И вы понимаете, что это, например, человек — или стул. В целом вся выставка — об этом моменте».

Аггада, 2006. Холст, масло

«Это, как мне кажется, самая прекрасная картина на выставке. Еще один реверанс месту, где все происходит, Еврейскому музею. Аггада — текст, который рассказывает историю еврейского народа, а именно про тот момент, когда евреи покинули Египет. Это случилось так давно, что мы даже не можем представить, как это было в действительности, но теперь у нас есть картина, которая рассказывает об этом. Я помню, как Рихтер однажды сказал мне удивительную вещь. Он атеист, но много думает о вещах, которые невозможно познать, — а что это такое на самом деле, как не вера. И вот он говорит мне, что нужно потерять Бога, чтобы обрести веру. А чтобы писать картины, нужно потерять для себя искусство».

Аладдин, 2010. Стекло, акрил

«Все свои знаменитые работы он пишет малярной кистью или валиком, создавая плотную живопись, уровень за уровнем: слои краски как следует проникают друг в друга. А недавно он поступил совершенно наоборот — предоставил краске полную свободу. Вместо масла он выбрал акрил, то есть ту краску, которую непросто удержать на месте, — и позволил ей жить своей жизнью на стекле. А потом зафиксировал результат — покрыл его сверху другим стеклом и тем самым остановил движение краски, как будто бы его заморозил. Он остановил момент и тем самым как будто бы создал фотографию: попытался действовать как камера — как машина, которая не делает суждений, не решает, что рисовать, а просто обладает удивительной способностью останавливать время, когда вы нажимаете на кнопку».

Читать еще:  Шотландский художник. Caroline Duncan

Эльба, 2012. Бумага, художественная печать

«Это самая ранняя работа из тех, что представлены здесь, — 1957 года. Рихтеру тогда было 15 лет. Он учился в художественной школе в Дрездене, чтобы получить традиционное образование в области живописи. И вот однажды он создал серию этих картин, часть из которых достаточно фигуративна, — видите маленькие человеческие фигурки, луну, ландшафт? Но чем дальше он над ними работает, тем более абстрактными они становятся. Мне кажется удивительным, что в самом начале своей карьеры он уже пытался понять то, чем занимался всю дальнейшую жизнь. Как будто бы он родился с этим размышлением о границе фигуративной живописи и абстракции.

XX век выдался в этом смысле очень скучным: художники либо копировали окружающий мир, либо создавали ему альтернативу, абстракцию. А он вобрал в себя все. А та работа, на которую вы смотрите сейчас, — одновременно и самая ранняя, и самая поздняя. Вы не смотрите на реальные рисунки, но на недавно оцифрованные работы. Это маленькая хитрость, с помощью которой, как я думаю, Рихтер хотел сказать, что вы никогда не смотрите на реальность».

Carel Weight (1908 – 1997) – ХУДОЖНИК НАМБО ТУ или ИСТОРИЯ ДЖЕНТЛЬМЕНА И СНОБА

A Scene in Athens 1944,
oil on canvas,
50 x 40 cm.

Карел Уэйт — английский художник близкий к МР и неореализму.

  1. Учился в школе искусств Хаммерсмит и Королевском колледже искусств. Во время WWII был военным художником. Побывал в Брюсселе и Риме. Называл этот период «стипендией от войны». После войны всю жизнь преподавал в альма-матер. Профессор. С 1982-го почетный доктор Эдингбургского университета. Картины Уэйта находятся во всех ведущих музеях, собраниях и коллекциях Англии.

На мой взгляд — один из наиболее значительных английских художников XX-го века.

The World We Live In ZOOM

Daisy in the garden. ZOOM

The Silence, 1965 Oil on board, 915 X 1220 mm. ZOOM

Albert Bridge ZOOM

Interior, 1950’s, oil, 91.5 x 101.5cm. ZOOM

Clapham Junction 1978, Oil on canvas, 708 x 908 mm.

The Friends 1968, Oil on canvas, 1524 x 2030 mm.

The Passer-By, Oil on canvas, 76.2 x 101.6 cm.

The Rendezvous 1953, Oil on canvas, 860 x 1110 mm.

The Departing Angel, 1961, Oil on canvas, 915 X 915 mm.

Garden at Spencerrd 1982

Pre-raphaelite Tragedy 1950.

Recruit’s progress- medical inspection, 1942, Oil on canvas 50.8 x 81.2 cm.

The Dogs 1955-6, Oil on board, 1226 x 2438 mm.

Ladbroke Square, Early Morning, Oil on board, 129 X 179 mm.

Ryslip Quay, 1949, oil on canvas, 11 1/2 x 23 3/4 in.

Sienese Landscape 1960-3, Oil on canvas, 762 x 635 mm.

The River at Watermans

Sunday go to meeting, Oil on Canvas, 75 x 62 cm.

Portrait of the Artist’s Father, 1927 Oil on board, 460 X 377 mm.

Miss Orovida Pissarro 1956, Oil on canvas, 914 x 711 mm.

Portrait of Gordon Russell

The Old Woman in the Garden No. 2, 1970, oil on hardboard, 120.5 x 90cm

    История Карела Уэйта — чисто английская история джентльмена и сноба. Не такая, как подобные истории видятся со стороны, а такая, как это понимается в среде коренных жителей Челси.
    В этом ключ к пониманию истории его искусства.

Возьмем три наиболее значительные (и примерно равнозначные) фигуры в английском искусстве двадцатого века: Спенсер, Фрейд и Уэйт.
Окажется, что Уэйт занимает второе место. За Стенли Спенсером, но до Люсьена Фрейда. Обосную:

    За Спенсером, потому что «английский джентльмен и сноб» это в значительной степени вопрос крови.
    Спенсер, наверное, сильней, как художник, но ведь это, и во-первых и в-десятых — кому как и «дело вкуса». Посему можно пренебречь «техникой фехтования» и обратится к объективному.

В смысле безупречного поведения и снобизма Уэйт мог бы быть первым.
Отдал всего себя «служению» и «милость к падшим призывал» и другие бла-бла-бла. И по времени Уэйт это и есть !ВЕСЬ! двадцатый век.

Еще Уэйт учительствовал всю жизнь. Это его достоинство и недостаток одновременно. Ученики, как пиявки высасывают из художника все идеи, силы и энергию, не давая ничего взамен, кроме морального удовлетворения. Отсюда малое, в сравнении со Спенсером, количество и качество.

НО, тем не менее, Стенли Спенсер больше заслужил и номер один.
В своем джентльменстве, Спенсер, как и Уэйт так же органичен и нигде «не сплоховал», но Спенсер еще и «плоть от плоти». Поэтому у него больше прав на высказывание от лица «джентльменов и снобов» и поэтому он намбо ван.

    Уэйт носился со своим «бедным» Южным Лондоном и его образами, как с писаной торбой, а ему (им) это, похоже, ни в одно место это не уперлось.
    Забавно ведь, что на очень неплохие пейзажи Уэйта эстимейт £4000-6000. Даже сегодня — спустя 10 лет после его смерти.

В этом месте (барабанная дробь) на сцену выходит намбо сри — другой натурализованный англичанин и вечный кандидат в рыцари — Фрейд с эстимейтом £ 10 000 000 — 20 000 000 🙂
Почему он намбо сри?

Фрейд, как и Спенсер «служил меньше», НО в отличие от Спенсера — Фрейд «инородец».
Уэйт !ДА! «инородец» тоже, как и Фрейд, НО Карел Уэйт от «джентльменства и снобства» не отрекался и с «актуальными трендами» не заигрывал ни разу и в этом вся фишка.

Фрейд же свою плебейскую (материковую) суть перестал таки в итоге считать постыдной.
Окончательно как бэ поборол, как бэ все комплексы… Дак теперь ему и ветер в спину 🙂
Вопрос — справедлив ли такой расклад – чисто риторический. Да справедлив!
Мир и история искусства – солидная фирма. Английская история и английский мир — не исключение.
За все приходится платить, НО и за все получать свой гонорар.
Именно поэтому Карел Уэйт, хоть и идет ЗА Спенсером, но зато ДО Фрейда и это их соотношение теперь уже не изменится никогда.

    А эстимейты Уэйта «это очередной случай так называемого вранья» и непроходимого идиотизма вкладчиков – обычные дела. Со временем все встанет на свое место.

Релакс, бедный Карел:)

источник — lufer_lj
[1 ссылок 91 комментариев 1130 посещений]
читать полный текст со всеми комментариями

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector