Элементы графического дизайна. Bridget Baldwin

Элементы графического дизайна. Bridget Baldwin

Правила интерьера по Билли Болдуину

Билли Болдуин – признанный мэтр нью-йоркских декораторов, известный безупречным стилем и тягой к яркой «экспрессионистской» палитре. Работам Болдуина присущ ошеломляющий шик, который ничего общего не имеет с вульгарностью – эффект, которого и сейчас стараются добиться дизайнеры, вдохновляясь интерьерами Болдуина.

Декорирование – это о цвете

Билли Болдуин родился 30 мая 1903 г., детство и юность прошли в Балтиморе, штат Мэриленд. Первое впечатление, которое имело отношение к искусству, Билли получил в десятилетнем возрасте, случайно встретившись в театральной ложе с художником-фовистом Анри Матиссом. Работы Матисса поразили мальчика живой, эмоционально заряженной палитрой. Билли принял, впитал ее и позже эти краски ожили в его собственных работах.

Mid-century modern: что это и как его «собрать»

Прошлое и будущее гармонично соединились в этом интерьерном стиле из середины прошлого века. Как в 2019 году ему удается выглядеть современным? Познакомимся с mid-century поближе и посмотрим, как воссоздать эту обстановку на базе российского интерьера.

«В конце концов, декорирование — это все о цвете. Подумайте о ярких бутонах на ослепительно белом хлопке, о букете живых, свежесрезанных цветов – это буйство красок и эмоций».

Работая на отца, владевшего страховым агентством, Билли больших успехов не делал, и мать попросила своего давнего друга, декоратора CJ Benson, нанять ее сына. Под руководством Benson Болдуин учился основам работы декоратора, изучая отделку и драпировку, отвечая за каждый лоскут ткани при создании интерьера.

В 1930-м Руби Росс Вуд, самый востребованный декоратор Нью-Йорка, посетила апартаменты, обставленные Болдуином. Она написала ему, называя его «лучом света среди мрачных громадин», и пригласила приехать в город.

Руби брала молодого ассистента на приемы и вечеринки, рекомендовала его клиентам и способствовала тому, чтобы работы Болдуина появлялись в журналах уровня Vogue.

«Сад в аду» для Дианы Вриланд, обозревателя в Harper’s Bazaar и Vogue

Болдуин оформлял аппартаменты для Жаклин Кеннеди Онассис, Греты Гарбо, создал дизайн для парикмахерской Уильяма С. Пейлиса, парикмахерской Кеннета и клуба Round Hill в Гринвиче.

За «искрящуюся ясность» произведений Болдуина люди были готовы платить большие деньги. К 1960-м годам работать с ним хотела вся американская элита.

Заветы и изобретения Болдуина: персонально, удобно, ново

Его вкус был эклектичным: «Я не признаю домов в совершенно английском, совершенно французском, совершенно испанском стиле», — говорил Болдуин. Он бросал вызов устоявшимся «европейским» тенденциям и делал ставку на независимый американский стиль.

Любимыми материалами мэтра были хлопок и деним, его влекли наслоения принтов и темные стены. Частым элементом интерьера гостиных становилась плетеная мебель (солома, ротанг и бамбук).

Приступая к работе, декоратор старался включить в новую интерьерную композицию часть мебели клиента, чтобы сделать обстановку более индивидуальной.

Стены столовых и гостиных Болдуин предпочитал украшать творениями современных художников, а не репродукциями или антиквариатом. Планируя обстановку, мастер создавал и собственные произведения. Культовыми стали такие как трубчатый латунный стеллаж, вдохновленный Директорией, «кресло-тапочек» без подлокотников и банкетки со скрещенными ножками («X-benches»).

Интерьер «по Болдуину»: простые правила

Качество прежде всего

«Если вы тратите большую часть денег на стол «чиппендейл» или китайскую лакированную ширму, не заполняйте пробелы посредственностью. Оденьте мебель в чехлы одного красивого цвета. Позже вы сможете приобрести другие хорошие вещи, по цвету и качеству подходящие к уже имеющимся. Позвольте комнате достичь совершенства постепенно».

Используйте чехлы для мебели

«Комната никогда не будет уютной, если повсюду мы видим слишком много обнаженных ножек стульев»

Не забывайте о книгах

«Самое красивая комната в мире – это комната, полная книг…»

Латунный стеллаж и «кресло-тапочек» в интерьере однокомнатной квартиры Билли Болдуина на Манхеттене

Используйте узнаваемые элементы

Используйте в интерьере авторские находки Билли Болдуина: латунный стеллаж, стулья из ротанга, принты в экспрессионистских тонах, икс-банкетки, стены, окрашенные шоколадной глянцевой краской.

«Кресло-тапочек одинаково удобно как для миниатюрной леди, так и для футбольного полузащитника»

Учитывайте личные пристрастия: любимые вещи добавляют интерьеру индивидуальность.

«Тот интерьер создан со вкусом, который отражает образ жизни владельца»

С чего начать строить дом?

Дом с большой буквы. Как к нему подступиться? Даём несколько ориентиров для начала строительства загородного дома.

Собрать свое уникальное пространство вам помогут в салонах ТК «Ланской».

Швейцарский стиль: принципы, шрифты и дизайнеры

Если вы дизайнер 21-го века, то, скорее всего, вы изучали интернациональный типографический стиль оформления (более известный как «швейцарский стиль»). Давайте рассмотрим работы некоторых популярных дизайнеров, которые зародили эту центрально-европейскую тенденцию.

Принципы:

Чистота. Читабельность. Объективность.

Для начала поговорим о движущей силе швейцарского стиля.

19-й век ознаменовал собой появление так называемой «черты» между дизайном и изобразительным искусством, а вместе с этим и рождение грид-дизайна (дизайна с использованием математических сеток).

Плакаты в швейцарском стиле, созданные Майком Джойсом.

Книга «История графического дизайна» Питера Мэггса объясняет, что международный типографический дизайн начинается с математической сетки. Эти «сетки» считаются «наиболее понятным и гармоничным средством для структурирования информации». Веб-дизайн подразумевает собой использование сетки для проектирования, которая позволяет значительно упростить создание иерархии контента. Почему так много веб-сайтов разбиты на «сетки»? Ответ прост. Сетки гибкие и последовательные. Они четкие и хорошо работают с коэффициентами (Правило третей, Золотое сечение и т.д.). В дополнение к сеткам, швейцарский стиль обычно использует асимметричную компоновку, шрифты без засечек, а также предпочитает фото иллюстрациям.

Новаторы этого движения объединили элементы других художественных направлений, чтобы создать красоту и простоту швейцарского стиля, который мы знаем сегодня. Элементы взяты из дизайнерских разработок школы Баухаус, группы Де Стейл и Новой типографики, что и отобразилось во всех работах Эрснта Келлера, Макса Билла, Йозефа Мюллера Бракмана и Армина Хофманна — пионеров швейцарского стиля.

Шрифты

Понять Швейцарский стиль — значит понять особенности шрифтов, с которых все началось. Эта система сеток не имела бы такого значения, если бы не классические шрифты без засечек, которые являются основой новой тенденции. Основатели швейцарского стиля, утверждали, что дизайн должен фокусироваться на содержании, а не на декоративных дополнениях. Уделяя меньшее внимание декору, Швейцарский стиль устраняет отвлекающие факторы для зрителя и позволяет воспринимать и изучать сложный информационный дизайн, а не просто смотреть и восхищаться им. Из-за этого шрифты используемые в швейцарском стиле заточены под решение описанных выше задач:

Акциденц-Гротеск

Самый популярный шрифт этого направления, Акциденц-Гротеск, был выпущен Литейным цехом Бертольда в 1896 году и, возможно, был первым в своем роде. Вскоре он стал одним из наиболее широко используемых шрифтов и даже был продан в США под названием «Стандарт» или «Основной коммерческий».

Универс

Адриан Фрутигер, один из самых влиятельных дизайнеров шрифтов 20-го века, создал Юниверс в 1954 году. Фрутигер создал один из первых шрифтов, который впоследствии сформировал целое семейство ( использование данного шрифта позволяло создавать текст различных размеров в красивой и простой форме). Первоначально выпущенное компанией Данберрии Пьенот в 1957 году, «семейство» прошло через словолитни Хаас, прежде чем было куплено Монотайпом в 2007 году (вместе со всем Линотайпом).

Читать еще:  Современный китайский художник. Paul Cheng

Гельветика

Когда Макс Мидингер и Эдуард Хоффман создавали Гельветику в 1957 году, знали ли они, что их работой станет шрифт без засечек, который будет самым распространенным в мире? Возможно, нет. Неужели они думали, хоть на мгновение, что их шрифт сможет вдохновить кого-то на создание фильма? Опять же, вероятно, нет. Но вот мы видим, почти 60 лет спустя, рейтинг с показателем 88 % на «Руттен томейтос» (Гнилых помидорах), а также видим отношение Саймона Гарфилда к Гельветике: «он очень распространенный, потому что одновременно выполняет много требований современного шрифта».

Дизайнеры

Возможно, они не спроектировали удивительно недорогую мебель, которую сейчас многие студенты с удовольствием используют, но они определенно имели какое-то влияние. ИКЕЯ зародилась в Швейцарии (IKEA была основана в Швеции, а не в Швейцарии* прим. пер.), поэтому вероятно, швейцарский стиль оказал влияние на развитие их бренда. Но как насчет сотен (или же тысяч?) других предприятий, театров, школ, художников и т. д., которые используют швейцарский стиль каждый день?

В то время появился Эрнст Келлер, широко известный как «отец швейцарского дизайна». В 1918 году Келлер только получил преподавательскую должность в Kunstgewerbeschule (в переводе «школа декоративно-прикладного искусства») в Швейцарии. Его учение знаменует собой начало систем сеток, среди которых также фигурирует швейцарский стиль. Он был убежден в том, что дизайн должен адаптироваться к содержанию, и сосредотачивал свое внимание на важности шрифтов. Немногие знали Келлера, но некоторые из его учеников стали лидерами в создании Международного движения типографского стиля. Можно ли их назвать «сыновьями швейцарского стиля»?

Работы Эрнста Келлера / Изображения MoMa

Армин Хофманн вместе с Эмилем Рудером основали в 1947 году школу дизайна (Schule für Gestaltung). Тогда Хофманн начал преподавать, и его взгляды на искусство часто считали неортодоксальными. Большая часть его работ была сосредоточена на элементах графической формы, оставаясь простой и объективной. Его работы, под влиянием учений Эрнста Келлера, часто возвышали типографику над иллюстрацией. Учебная программа Гофмана была несколько адаптирована, но до сих пор преподается в школе дизайна в Базеле, Швейцария.

Работы Армина Хофманна / Изображения MoMa

Йозеф Мюллер-Брокманн, еще один студент Келлера, в значительной степени сосредоточил свою работу на сетке и шрифте Акциденц-Гротеск. Получив должность преподавателя Келлера в Kunstgewerbeschule, а затем открыв собственную дизайнерскую фирму, Мюллер-Брокманн помог распространить швейцарскую эстетику далеко за пределы Европы, создав журнал Neue Grafik (Новый графический дизайн) – трёхъязычный журнал, который он редактировал совместно с Франко Виварелли, Гансом Нойбергом и Рихардом Паулем Лозе.

Работы Йозефа Мюллера-Брокманна / Картинки из Истории дизайна

Около 125 миль к северо-востоку от Гофмана и школы дизайна Рудеров, Макс Билли и Отл Айхер открыли собственную школу в Ульме, Германия. Билл известен не только своими теоретическими трудами, работой в качестве дизайнера, а также широким использованием современных идей. Часто считают, что он произвел наиболее «решающее влияние на швейцарский графический дизайн». Его школа в Ульме включает курсы семиотики, изучение знаков и символов. Эти учения также описывают принципы объективности и читабельности международного типографского стиля, направленного на создание контента, который будет легко узнаваем и понятен любому человеку.

Работы Макса Билла / Кадры MoMA

Сетки, рубленые засечки и фото – ничего себе…! Швейцарский стиль проложил путь по всему миру и продолжает вдохновлять художников и дизайнеров каждый день. Все еще не верите мне? Просто спросите Сайруса Хайсмита, который пытался провести день без Гельветика в Нью-Йорке, и понял, что это практически невозможно. Использование Гельветика может и не определять Международный типографский стиль, но его присутствие во всем мире является постоянным напоминанием о влиянии швейцарцев в нашей повседневной жизни. Спасибо вам, ребята, за то, что делаете нашу жизнь более организованной.

Развитие графического дизайна и модернизм начала ХХ века

1. Модернизм. 10-30гг ХХ века.

2. “Хороший дизайн”. Графический дизайн 40-50гг ХХ века.

3. Поп-арт. Графический дизайн 60-х годов ХХ века.

4. Графический дизайн 70-80хх годов ХХ века.

5. Графический дизайн 90хх годов ХХ века.

6. Современный графический дизайн.

Модернизм начала ХХ века.

В начале прошлого века особо выделяются несколько направлений.

Модерн доминирует в дизайне и рекламе до 1914 года. Ар-нуво, при помощи модерна, постепенно усложняется и пересекается с китчем. Появляются художники которые представляют новый модерн. Остаётся эстетичность и чёткость пятен, но это уже совсем другой модерн. Он относится более к ХХ столетию, чем к ХIХ.

Модернизм и авангард ещё не приняли какой-то конкретной формы. Появляется целый ряд художников и творческих объединений: “Синий всадник”, “Мост”, кубизм, фовизм, орфизм, конструктивизм, футуризм, дадаизм, супрематизм. Стремительное развитие графического дизайна толкает художников на экспериментаторство. Идёт поиск нового художественного языка, поиск средств выражения и диалога со зрителем. В 1919 году открывается первая школа дизайна – Баухаус. Основной принцип в школе того времени это функционализм.

Китч не является целенаправленной, стилистически обдуманной концепцией. Это нагромождение факторов повлиявших на дизайн того времени. а) Отсутствие дизайнерского образования как такового и как следствие отсутствие квалифицированных кадров. б) Невысокий технологический уровень развития типографского оборудования того времени. в) Дизайн начала ХХ века носит более информативный характер, где эстетика уходит на второй план.

Арт-деко это целый набор стилей сочетающих в себе: модерн, кубизм, функционализм, отголоски древнего изобразительного искусства Африки, Египта, Америки, Востока. Основные черты стиля это этнические геометрические узоры, строгая закономерность, шик, мотивы прошлого, роскошные материалы и декор. На первое место становиться эксклюзивность и орнамент, а функциональность носит второстепенный характер.

Вторым этапом в развитии графического дизайна можно выделить 20-30гг ХХ века. Это время когда арт-деко сформировлся окончательно и вобрал в себя новейший функционализм раскрашенный различными элементами из других культур и дополняющий к тому времени наскучивший модерн. Среди основных стилистических тенденций того времени можно выделить:

1. Функционализм, модернизм. Модернизм сливается с арт-деко. Не без участия школ дизайна (БАУХАУС, ВХУТЕМАС) арт-деко перетекает функционализм. Хороший пример арт-деко и модернизма – работы иллюстратора Эдуардо Гарсиа Бенито (1891-1981) и Мигеля Коваррубиаса (1902-1957).

2. Модерн постепенно уходит, опять-же, трансформируясь в арт-деко.

3. Китч. Это особый китч полученный под влиянием голливудского образа жизни и своеобразным прочтением арт-деко в Америке. Параллельно зарождается Пин-ап. Образец китча и пин-апа можно увидеть в работах Еноха Боллза.

4. Реализм. Реалистические изображения никогда не уходили до конца из графического дизайна. 20-30гг на них накладывается стилистика арт-деко.

Графический дизайн 20-30х годов ХХ века в меру декоративен (изыски модерна сглажены арт-деко), более массовый, простой и смелый. Дизайн и реклама теряют яркие черты одного стиля и становятся более повсеместными, менее элитарными.

Американская промышленная графика

После закрытия Баухауса в 1933 г. в США оказались многие преподаватели этого учебного заведения. Г. Байер занялся архитектурой и графикой в Колорадо, Л. Мохой-Надь организовал «Новый Бау-хаус» (художественный институт в Чикаго), В. Гропиус преподавал архитектуру в Гарвардском университете, а Й. Альберс основал факультет графического дизайна при Йельском университете, который многие годы оставался самым влиятельным в США. Этот факультет позднее воспитал лучших представителей американского графического дизайна — последователей модернизма: Поля Рэнда, Альвина Ластига, Бредбери Томпсона.

Читать еще:  Чувственные и нежные женщины Ira Tsantekidou

Идеи функциональности и швейцарского интернационального стиля в Америке обогатились индивидуальностью и молодой фантазией, не отягощенной многовековыми культурными традициями. Американцы, в отличие от европейцев, не старались понять и объяснить весь мир, поэтому американский дизайн, выстраивавший гораздо менее элитарную образную систему, оказался ближе и понятнее массам.

Самой сильной стороной американского графического дизайна стала разработка корпоративного стиля и всеобъемлющих программ корпоративной идентичности. Первыми к этому жанру графического дизайна обратились дизайнеры Р. Лоуи, У. Д. Тиг, Г. Дрейфус.

Так, Раймонд Лоуи (1893—1986), эмигрировавший в США (1919) из Парижа, первоначально создавал рисунки мод для журналов Harper’s Bazar и Vogue, оформлял витрины магазинов. В 1929 г., получив заказ на рестайлинг копировальной машины Гештеттнера, он впервые начал заниматься промышленным дизайном. Именно Лоуи впервые осуществил программу комплексного дизайна для Пенсильванской железной дороги, начав с проектирования стандартной железнодорожной станции. Дизайнер сумел доказать руководству компании необходимость последовательной модернизации всего железнодорожного хозяйства — от локомотива и кассового автомата до дизайна фирменного стиля и железнодорожных билетов.

На протяжении всей своей творческой деятельности в промышленном дизайне Лоуи продолжает активно заниматься корпоративной графикой. Философия его дизайна состояла в том, чтобы находить самые «продвинутые» решения, но при этом оставаться доступным и понятным.

Под его руководством в 1940—1970-е гг. была выполнена масса престижных заказов — логотипы для British Petroleum, Shell и других корпораций.

Рис. 4.6. Лоуи Р. Дизайн упаковки сигарет Lucky Strike. 1940 [97]

Рис. 4.7. Лоуи Р. Знак компании Shell [98]

При выполнении заказа Lucky Strike на рестайлинг упаковки самых популярных в Америке сигарет перед Лоуи стояла задача найти такое решение, чтобы, приобретая новых потребителей, не потерять старых, что ему удалось сделать таким образом, что его дизайн остается работающим по сей день.

Лоуи хорошо понимал, что часто для выполнения поставленных перед дизайнером задач просто не существует объективных

методов решения. Однажды он выразил сущность по-настоящему профессиональной дизайнерской деятельности, охарактеризовав знаменитую фирму «Липпинкот энд Маргулиес» как гигантское агентство добрых услуг. В итоге его творческой деятельности имя Р. Лоуи в США стало обладать таким обаянием, что привлекло общественное внимание к профессии дизайнера.

Легендарной личностью в американском дизайне стал также Уолтер Дорвин Тиг (1883—1960), создавший фирменный стиль автозаправочных станций компании «Тексако», остававшийся неизменным вплоть до 1980-х гг., и цветографическое решение интерьеров самолетов авиакомпании «Боинг» (1940-е гг.).

Американский дизайнер Генри Дрейфус (1904—1972) известен как специалист в области эргономики и визуальных коммуникаций. В качестве одного из основателей Общества промышленных дизайнеров Америки Дрейфус считал необходимым бороться за серьезный и профессиональный дизайн, за развитие общественного вкуса. Он полагал, что влияние дизайнера на общество значительно и в том случае, если он аргументированно отказывается работать, когда не может решить проблему на предлагаемых ему условиях. Одна из задач дизайнера — убедить заказчика в том, что продукция с его участием будет рентабельной и высококачественной.

В последние годы жизни он занимался разработкой универсального языка визуальных символов, который был бы понятен людям разных национальностей, для чего изучал базовые формы символов и знаков.

Одним из первых американских дизайнеров, полностью занимавшихся проблемами графического дизайна, был Лестер Билл (1903—1969). Изучив динамические визуальные формы европейского авангарда, он синтезировал свой собственный стиль, к которому хорошо подходят определения адекватный, смелый и образный.

Своей карьерой Л. Билл доказал американскому бизнесу, что графический дизайнер — это профессионал, который может творчески решать проблемы маркетинга и бюджета. Как отмечал Л. Билл, роль дизайнера в развитии, применении и защите торговой марки может быть описана как предтворческая, творческая и посттворческая.

Билл считал, что дизайнер должен уметь скомпоновать графические элементы таким образом, чтобы полученное изображение в

[1] . Еще одним важным элементом дизайна Л. Билла была фотография, с которой он экспериментировал почти с начала своей карьеры дизайнера в Чикаго (он был знаком с экспериментальной фотографикой Г. Байера, Эля Лисицкого и Л. Мохой-Надя).

К наиболее интересным работам этого периода относится серия плакатов для Сельской администрации по электрификации Правительства Соединенных Штатов. Всего Билл разработал три

серии плакатов в 1937—1941 гг., цель которых состояла в привлечении сельских жителей к электрификации своих домов и формировании общественного понимания необходимости электрификации. Плакат, созданный для Павильона Свободы на Всемирной выставке 1939 г., — еще один пример динамичного дизайна этого времени, в котором он использовал композиционный прием столкновения и расхождения модулей («thrust and counter-thrust»).

Рис. 4.9. Билл М. Плакат Администрации по электрификации. 1937 [100]

Рис. 4.10. Билл М. Знак International paper trademark. 1958 [101]

В течение 1950—1960-х гг. дизайн-бюро Билла расширилось за счет привлечения штата дизайнеров, при этом также увеличились и возможности по проектированию полномасштабных программ корпоративной айдентики для крупных заказчиков — Caterpillar Tractor (Гусеничные тракторы), Connecticut General Life Insurance Company, (Генеральная компания страхования жизни штата Коннектикут), International Paper Company (Международная бумажная компания). Корпоративный дизайн Л. Билла для Международной бумажной компании (1958) сделал образ этой компании узнаваемым.

После смерти Билла в 1969 г. исследователь Л. Вилд в работе по истории американского дизайна охарактеризовала его как лидера дизайнеров 1930—1950-х гг., а другой американский историк дизайна Э. Фереби назвала его «совестью американского дизайна».

Рис. 4.11. Рэнд П. Обложка книги Т. Манна «Скрижали завета» [102]

Пол Рэнд (1914—1996) оставался первой фигурой в американском графическом дизайне на протяжении семи десятилетий. Он был арт-ди-ректором журнала «Эсквайр», разрабатывал обложки для журнала Direction (1940-е гг.), работал в рекламном агентстве Weintuaub (1941 — 1954), создал логотипы компании IBM, службы доставки UPS, телеканала АВС, школы English First. При создании дизайна он использовал выразительные средства конструктивистов — коллаж, фотографию, силуэт и игру шрифтом, но на новом уровне, задействуя прямые и косвенные ассоциации, символику, зрительный каламбур, метафору, цитаты из других зрительных источников. Большое значение в становлении его как дизайнера имели работы А. Кассандра и Л. Мохой-Надя.

В 1956 г. он выполнил рестайлинг логотипа для компании IBM. Помимо логотипа П. Рэнд разработал документ под названием IBM Design Guide — правила по применению логотипа, цветовых сочетаний и прочих элементов корпоративного стиля — первый документ подобного рода в истории графического дизайна. Более привычным названием подобных документов для европейцев является брендбук. После этого логотип IBM претерпел только одно изменение: в 1972 г. он был «порезан» белыми полосами, что придало ему, по мысли П. Рэнда, скорость и динамичность, как символ передовых компьютерных технологий. Знаки, разработанные П. Рэндом, соответствовали принципам простоты, удобства, абсолютного соответствия формы и содержания. Многие из них используются уже несколько десятилетий и не претерпевали никаких изменений.

Читать еще:  Турецкий художник. Eser Afacan

Хотя разработка корпоративного стиля была любимым жанром графического дизайна для П. Рэнда, наиболее удачным из всего сделанного им он считал дизайн книги Томаса Манна «Скрижали завета». Именно в ней он сумел достичь «высокой цельности и пьянящей поэтичности» [2] и продемонстрировал возможности и приемлемость интернационального стиля в передаче библейской поэтики.

Базовые принципы графического дизайна

Базовые принципы графического дизайна являться основой любой проекта независимо от сферы. Это — построение форм, цвет, пространство общий баланс и множество других аспектов.

1. Точка, линяя и фигура

Базовые принципы графического дизайна начинаются с основных строительных элементов независимо от области и применения.

С их помощью вы можете создавать все, что хотите, от простых значков до очень сложных иллюстраций, все это всегда создается с помощью комбинации этих простых элементов. В геометрии точка представляет собой комбинацию координат x и y, добавьте ось z, и вы находитесь в 3D, но давайте придерживаться двух измерений для этой статьи.

Если вы соедините две точки, вы получите линию. Линия, образованная суммой точек, немного похожая на атомы, которые образует молекулы, а они являться основой всех объектов вокруг нас . Затем, если вы добавите третью точку и соедините с другими, у вас получится форма, в данном случае треугольник. Но, как говорилось выше, вы можете использовать эти базовые элементы для создания почти всего, что вы хотите.

Человеческий глаз может различать более 10 миллионов разных цветов в спектре от красного до фиолетового, а с раннего возраста мы все учимся приписывать определенные ценности или значения конкретным цветам.

Представьте, например, светофоры. Они отображают просто цвет, но мы узнаем, что красный означает «остановись», зеленый означает «идти», а желтый означает внимание, поскольку цвет скоро сменится. Это говорит о том, что мы принимаем очень разные решения только на основе цвета, иногда даже не думая об этом.

Это происходит просто потому, что мы изучаем, как применяется этот цвет и вкладываемое в него соответствующие значение, а не потому, что цвет сам по себе несет неотъемлемый смысл. Это верно, если учесть, что эти значения будут меняться в зависимости от культуры и социального опыта.

Все это, чтобы сказать, что принципы графического дизайна помогут добавить смысл, эмоции и настроение, просто выбрав правильный цвет, но вам нужно убедиться, что вы хорошо понимаете, для какой аудитории разрабатываете дизайн.

3. Типографика

Принципы графического дизайна и успешность их применения во многом основываются на типографике. . Дело не только в том, что вы пишете, но и в том, как вы это представляете. Типографика — это то, как выглядят ваши слова.

С правильным шрифтом вы можете преобразовать банальный фрагмент текста и дать ему эмоциональный заряд, но это не так просто сделать. Типографика, а также цвет, позволяют вам определить эмоциональный тон содержимого.

Большинство шрифтов разработаны с определенной целью, вам просто нужно узнать это узнать, и использовать их в свою пользу.

Некоторые шрифты отлично подходят для больших блоков текста, некоторые отлично работают для заголовков. Некоторые из них просто функциональны и легкочитаемы, а другие просто предназначены для декоративных целей.

Существуют тысячи разных шрифтов, но если вы пытаетесь сделать что-то очень конкретное, лучше придерживаться классики. Однако, если вы достаточно смелый, вы даже можете создать свой собственный шрифт, хотя я считаю, что это одна из самых сложных вещей для дизайнера.

4. Базовые принципы графического дизайна — пространство

Также принципы графического дизайна во многой строятся на использования пространства и его балансировке. Плохая балансировка способна разрушить весь дизайн, особенно это касается типографики.

Вам нужно рассмотреть, как каждый элемент / буква относится друг к другу, дать им пространство, в которой они нуждаются, это обычно называют отрицательным пространством (положительное пространство — это сами составляющие текста буквы, слова и абзацы).

Вы должны принять отрицательное пространство как часть дизайна и уметь использовать его, так пространство может помочь вашему будущему посетителю перемещаться по вашему дизайну. Главное найти баланс: слишком много места, и ваш дизайн будет выглядеть незавершенным, слишком мало места, и ваш дизайн будет казаться переполненным.

5. Баланс, ритм и контраст

Баланс, ритм и контраст позволяет организовать множество простых элементов во что-то интересное и привлекательное. Старайтесь балансировать все элементы вашего дизайна, учитывая их визуальный вес.

То, как вы размещаете элементы на странице, имеет решающее значение, поэтому некоторые элементы, более тяжелые, чем другие, помогут создать контраст и ритм, что даст привлекательный облик вашему дизайну.

Масштаб помогает вам создавать не только ритм, контраст и баланс, но и иерархию. Не все элементы в вашем дизайне должны иметь одинаковую важность, и один из лучших способов передать это — размер.

Например, возьмите газетную страницу. Что самое важное на странице? Заголовки. Таким образом, вы можете быстро просмотреть страницу и посмотреть, есть ли что-то интересное для вас. Сами статьи с наименьшим размером шрифта, но это и наиболее удобная форма для чтения длинного фрагмента текста. Все дело в том, чтобы с пользой использовать размер для удобства чтения и навигации.

7. Сетки и выравнивание

Сетка незаметна глазу, но она структурирует ваш дизайн и сделает его более приятным и более легким для чтения. Даже если вы делаете хаотичный дизайн целенаправленно, в нем также должен содержаться определенный порядок.

Выравнивание особенно важно в тексте, есть несколько способов выравнивания, но основное эмпирическое правило — выровнять по левому краю. Принципы графического дизайна всегда зависят от того, для кого вы разрабатываете, тоже и с выравниванием, как правило, люди читают слева направо, сверху вниз, что делает текст, выравненный по центру или по правому краю, более трудным для чтения.

8. Композиция

Композиция ключевая концепция в фотографии, но она также применяется в визуальном дизайне. Используете ли вы изображение, иллюстрацию или что-то еще, композиция имеет значение.

Постарайтесь направить взгляд на то, что важно, чтобы подчеркнуть ваш объект или укрепить сообщение. Все дело в том, чтобы рассказывать правильную историю и сделать это хорошо.

9. Текстуры и узоры

Текстуры и узоры, не обязательны к использованию, но иногда они могут, придать интерес вашему дизайну. Текстуры не так модны, как раньше, но с ними вы можете добавить еще одно измерение в свой дизайн, делая его более трехмерным и осязаемым.

Узоры в основном используются как способ придать ритм и динамизм плоскому дизайну и способ компенсировать избыток отрицательного пространства.

В заключении, необходимо напомнить, что базовые принципы графического дизайна должны применяться исходя из общий концепции проекта. А концепция проекта складывается из двух основных вещей: его цели и аудитории на которую он ориентирован.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector