Энергичные и выразительные мазки. Santiago Panichini

Энергичные и выразительные мазки. Santiago Panichini

ХУДОЖНИК ПО ИНТЕРЬЕРУ И ЭКСТЕРЬЕРУ

ART статьи: истоки импрессионизма

Истоки импрессионизма

Это сейчас импрессионизм считается одним из самых популярных течений, но в свое время художников-импрессионистов причисляли к бунтарям и выскочкам.

Из всех течений живописи, возможно, импрессионизм оказался самым популярным. А все потому, что импрессионисты искали и находили радикально но­вые способы отражения действи­тельности.

Отвергая приглушенные оттенки и застывшие сюжеты, характерные для традиционной живописи, они использовали яркие цвета и пол­ные оптимизма резкие, стреми­тельные отдельные мазки, переда­ющие игру света. Они изображали современную парижскую жизнь — обычные шумные улицы и безза­ботные пикники парижан на по­бережье.

Самым существенным оказалось то, что они писали принципиально с натуры на открытом воздухе, на­блюдая при этом мимолетные из­менения световоздушной среды и спеша запечатлеть их на полотне.

Истоки импрессионизма следует искать в начале XIX в., когда Дж. М. У. Тёрнер (1775-1851) и Джон Констебл (1776—1837) в Ан­глии, а Камиль Коро (1796-1875) и Гюстав Курбе (1819—1877) во Франции, работая на пленэре, нача­ли развивать новую технику нало­жения цветов. Однако они еще про­должали доводить свои полотна до совершенства в мастерской.

Дж. М. У. Тёрнер. Аббатство Tintern, 1820

Продолжателями борьбы за свобо­ду в живописи стали представители нового поколения художников па­рижской школы — Эдуар Мане (1832—1883), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917) и Клод Моне (1840—1926).

Эдгар Дега. красные танцовщицы. 1884

Нарушение импрессионистами су­ществующих канонов живописи привело к серьезному конфликту, с очень консервативной Французской академией. Этот влиятельный инсти­тут строго контролировал сюжеты картин и технику нанесения масля­ных красок. Приемлемыми счита­лись только религиозные и героиче­ские сюжеты, а цвета должны были быть тщательно подобраны и поло­жены только в том стиле, который признавала академия.

Первая выставка импрессионистов

Пьер Огюст Ренуар на своем полотне «Торс, эффект солнечного света» (1875- 1876) использует два типа мазков — длинные размашистые для фона и более короткие и плотные для изображения человеческой фигуры.

Пьер Огюст Ренуар «Торс, эффект солнечного света» 1875

Разочарованные тем, что их работы не были приняты в официальный Са­лон, где члены Французской акаде­мии проводили свои ежегодные вы­ставки, художники-импрессионисты в 1874 г. организовали свою первую независимую выставку. Это был громкий провал. Публика того вре­мени, привыкшая к сюжетно завер­шенным работам с «внутренним со­держанием», была потрясена и озада­чена картинами, складывающимися из нагромождения ярких точек и от­личающимися нетрадиционно про­стыми сюжетами.

Небольшое полотно Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» стало для одного враждебно настроенного критика символом всей выставки, которую он презрительно заклей­мил «импрессионизм», подразуме­вая под этим нечто грубое и неза­конченное. Термин закрепился и в конечном итоге был принят самими художниками как отражающий их основную задачу — передавать пер­вое впечатление от увиденного.

Клод Моне «Впечатление. Восход солнца»1872. Музей Мармоттан, Париж

Назад к природе

Несмотря на враждебность, с кото­рой их встретили, импрессионисты не собирались отступать. Они созда­вали свои пейзажи прямо с натуры, выбирая открытые, красивые места. На их полотнах зачастую вовсе не было теней, а если и были, то худож­ники наполняли их отраженным све­том — цветовыми рефлексами, кото­рые казались лишь незначительно темнее освещенных солнцем облас­тей. Вода и снег, способные отра­жать цвета неба и окружающих предметов, были излюбленными объектами импрессионистов. Стремясь передать движение об­лаков, легкую рябь на воде, траву на ветру и пестроту теней, они исполь­зовали технику нанесения энергич­ными отдельными мазками чистых цветов, смешивающихся оптически в глазу зрителя.

Отдельные мазки

Мазки импрессионистов, казалось, дышали светом, придавая пейза­жам восхитительную свежесть и не­посредственность. Художники час­то использовали почти сухие цвета, смешанные с большим количест­вом белил, получая при этом блед­ные, пастельные тона, которые идеально подходили для передачи бликов и рефлексов в природе.

Для передачи мимолетных изме­нений световоздушной среды очень большое значение имеет скорость работы живописца, поэтому им­прессионисты предпочитали рабо­тать на маленьких холстах. Отвергая традиционную технику живописи маслом на тонированной основе, они предпочитали писать на белом холсте или грунтовке белого цвета, поскольку они лучше всего отража­ют свет, увеличивая яркость цветов.

Если тонированная грунтовка и использовалась, то как цвет, эконо­мя таким образом драгоценное вре­мя. Грунтовка в некоторых местах либо совсем не закрашивалась, ли­бо сильно просвечивала сквозь тон­кий слой краски. Молочного цвета грунтовка, видная сквозь написан­ное легкими размашистыми мазка­ми голубое небо и белые облака, со­здает впечатление яркого летнего неба.

Живые вибрирующие цвета

Импрессионисты были потрясены научными открытиями о природе света и цвета, сделанными химиком Эженом Шеврёлем (1786-1889). Он открыл законы одновременного и последовательного контрастов, по которым какой-либо цвет будет ка­заться более ярким, если он распо­ложен рядом со своим дополнитель­ным цветом, и что предмет любого цвета отбрасывает тень, окрашен­ную своим дополнительным цве­том.

Он обнаружил, что расположен­ные рядом точки чистых цветов оп­тически смешиваются с образова­нием в глазу зрителя производных цветов. Поэтому импрессионисты писали траву отдельными мазками желтого и синего, которые смешива­лись оптически и воспринимались зрителем как зеленый тон — более яркий, чем просто зеленый цвет.

Непонятым в свое время импресси­онистам пришлось вынести немало лишений. В 1860-х и 1870-х гг. состоя­тельный поклонник живописи им­прессионистов и сам художник этого направления Гюстав Кайботт (1848— 1894) был одним из немногих, кто по­купал их картины и поддерживал ма­териально.

Оставленное наследие

Тем не менее к 1890-м гг. импрессио­низм стал общепризнанным направ­лением в живописи, и его влияние ощущается до сегодняшнего дня. Бросив вызов канонам традицион­ной живописи, импрессионисты вдохновили последующих художни­ков на борьбу с любыми границами, навязанными извне, проложив тем самым путь к новым эксперимен­тальным стилям живописи XX в.

Учитесь у природы

Картина Клода Моне «Вокзал Сен- Лазар» (1877) иллюстрирует привержен­ность импрессионистов к воспеванию простой городской жизни и световоз­душных изменений.

Клод Моне «Вокзал Сен- Лазар» в Париже. 1877

Одно из самых значительных дости­жений импрессионистов состоит в том, что они наглядно продемонстрировали преимущество живописи на пленэре. Если вы начинающий художник, вам, конечно, подойдет что попроще — копировать работы известных мастеров, срисовывать с фотографий и выполнять пошаго­вые упражнения. Но вы получите гораздо большее удовольствие, рисуя с натуры.

Экспериментируйте

Если вы еще не пробовали рабо­тать на пленэре, почему бы не на­чать с небольшого пейзажа? Под­ражая импрессионистам, наклады­вайте только те цвета, которые вы действительно видите, а не те, кото­рые «должны» быть по определен­ным канонам. Поначалу это пока­жется сложнее, чем рисунок по фо­тографии, но вы испытаете истинное наслаждение от работы, и ваша картина будет выглядеть свежей и живой.

ХУДОЖНИК ПО ИНТЕРЬЕРУ И ЭКСТЕРЬЕРУ

ART статьи: истоки импрессионизма

Истоки импрессионизма

Это сейчас импрессионизм считается одним из самых популярных течений, но в свое время художников-импрессионистов причисляли к бунтарям и выскочкам.

Из всех течений живописи, возможно, импрессионизм оказался самым популярным. А все потому, что импрессионисты искали и находили радикально но­вые способы отражения действи­тельности.

Читать еще:  Французский художник. Maude Ovize

Отвергая приглушенные оттенки и застывшие сюжеты, характерные для традиционной живописи, они использовали яркие цвета и пол­ные оптимизма резкие, стреми­тельные отдельные мазки, переда­ющие игру света. Они изображали современную парижскую жизнь — обычные шумные улицы и безза­ботные пикники парижан на по­бережье.

Самым существенным оказалось то, что они писали принципиально с натуры на открытом воздухе, на­блюдая при этом мимолетные из­менения световоздушной среды и спеша запечатлеть их на полотне.

Истоки импрессионизма следует искать в начале XIX в., когда Дж. М. У. Тёрнер (1775-1851) и Джон Констебл (1776—1837) в Ан­глии, а Камиль Коро (1796-1875) и Гюстав Курбе (1819—1877) во Франции, работая на пленэре, нача­ли развивать новую технику нало­жения цветов. Однако они еще про­должали доводить свои полотна до совершенства в мастерской.

Дж. М. У. Тёрнер. Аббатство Tintern, 1820

Продолжателями борьбы за свобо­ду в живописи стали представители нового поколения художников па­рижской школы — Эдуар Мане (1832—1883), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917) и Клод Моне (1840—1926).

Эдгар Дега. красные танцовщицы. 1884

Нарушение импрессионистами су­ществующих канонов живописи привело к серьезному конфликту, с очень консервативной Французской академией. Этот влиятельный инсти­тут строго контролировал сюжеты картин и технику нанесения масля­ных красок. Приемлемыми счита­лись только религиозные и героиче­ские сюжеты, а цвета должны были быть тщательно подобраны и поло­жены только в том стиле, который признавала академия.

Первая выставка импрессионистов

Пьер Огюст Ренуар на своем полотне «Торс, эффект солнечного света» (1875- 1876) использует два типа мазков — длинные размашистые для фона и более короткие и плотные для изображения человеческой фигуры.

Пьер Огюст Ренуар «Торс, эффект солнечного света» 1875

Разочарованные тем, что их работы не были приняты в официальный Са­лон, где члены Французской акаде­мии проводили свои ежегодные вы­ставки, художники-импрессионисты в 1874 г. организовали свою первую независимую выставку. Это был громкий провал. Публика того вре­мени, привыкшая к сюжетно завер­шенным работам с «внутренним со­держанием», была потрясена и озада­чена картинами, складывающимися из нагромождения ярких точек и от­личающимися нетрадиционно про­стыми сюжетами.

Небольшое полотно Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» стало для одного враждебно настроенного критика символом всей выставки, которую он презрительно заклей­мил «импрессионизм», подразуме­вая под этим нечто грубое и неза­конченное. Термин закрепился и в конечном итоге был принят самими художниками как отражающий их основную задачу — передавать пер­вое впечатление от увиденного.

Клод Моне «Впечатление. Восход солнца»1872. Музей Мармоттан, Париж

Назад к природе

Несмотря на враждебность, с кото­рой их встретили, импрессионисты не собирались отступать. Они созда­вали свои пейзажи прямо с натуры, выбирая открытые, красивые места. На их полотнах зачастую вовсе не было теней, а если и были, то худож­ники наполняли их отраженным све­том — цветовыми рефлексами, кото­рые казались лишь незначительно темнее освещенных солнцем облас­тей. Вода и снег, способные отра­жать цвета неба и окружающих предметов, были излюбленными объектами импрессионистов. Стремясь передать движение об­лаков, легкую рябь на воде, траву на ветру и пестроту теней, они исполь­зовали технику нанесения энергич­ными отдельными мазками чистых цветов, смешивающихся оптически в глазу зрителя.

Отдельные мазки

Мазки импрессионистов, казалось, дышали светом, придавая пейза­жам восхитительную свежесть и не­посредственность. Художники час­то использовали почти сухие цвета, смешанные с большим количест­вом белил, получая при этом блед­ные, пастельные тона, которые идеально подходили для передачи бликов и рефлексов в природе.

Для передачи мимолетных изме­нений световоздушной среды очень большое значение имеет скорость работы живописца, поэтому им­прессионисты предпочитали рабо­тать на маленьких холстах. Отвергая традиционную технику живописи маслом на тонированной основе, они предпочитали писать на белом холсте или грунтовке белого цвета, поскольку они лучше всего отража­ют свет, увеличивая яркость цветов.

Если тонированная грунтовка и использовалась, то как цвет, эконо­мя таким образом драгоценное вре­мя. Грунтовка в некоторых местах либо совсем не закрашивалась, ли­бо сильно просвечивала сквозь тон­кий слой краски. Молочного цвета грунтовка, видная сквозь написан­ное легкими размашистыми мазка­ми голубое небо и белые облака, со­здает впечатление яркого летнего неба.

Живые вибрирующие цвета

Импрессионисты были потрясены научными открытиями о природе света и цвета, сделанными химиком Эженом Шеврёлем (1786-1889). Он открыл законы одновременного и последовательного контрастов, по которым какой-либо цвет будет ка­заться более ярким, если он распо­ложен рядом со своим дополнитель­ным цветом, и что предмет любого цвета отбрасывает тень, окрашен­ную своим дополнительным цве­том.

Он обнаружил, что расположен­ные рядом точки чистых цветов оп­тически смешиваются с образова­нием в глазу зрителя производных цветов. Поэтому импрессионисты писали траву отдельными мазками желтого и синего, которые смешива­лись оптически и воспринимались зрителем как зеленый тон — более яркий, чем просто зеленый цвет.

Непонятым в свое время импресси­онистам пришлось вынести немало лишений. В 1860-х и 1870-х гг. состоя­тельный поклонник живописи им­прессионистов и сам художник этого направления Гюстав Кайботт (1848— 1894) был одним из немногих, кто по­купал их картины и поддерживал ма­териально.

Оставленное наследие

Тем не менее к 1890-м гг. импрессио­низм стал общепризнанным направ­лением в живописи, и его влияние ощущается до сегодняшнего дня. Бросив вызов канонам традицион­ной живописи, импрессионисты вдохновили последующих художни­ков на борьбу с любыми границами, навязанными извне, проложив тем самым путь к новым эксперимен­тальным стилям живописи XX в.

Учитесь у природы

Картина Клода Моне «Вокзал Сен- Лазар» (1877) иллюстрирует привержен­ность импрессионистов к воспеванию простой городской жизни и световоз­душных изменений.

Клод Моне «Вокзал Сен- Лазар» в Париже. 1877

Одно из самых значительных дости­жений импрессионистов состоит в том, что они наглядно продемонстрировали преимущество живописи на пленэре. Если вы начинающий художник, вам, конечно, подойдет что попроще — копировать работы известных мастеров, срисовывать с фотографий и выполнять пошаго­вые упражнения. Но вы получите гораздо большее удовольствие, рисуя с натуры.

Экспериментируйте

Если вы еще не пробовали рабо­тать на пленэре, почему бы не на­чать с небольшого пейзажа? Под­ражая импрессионистам, наклады­вайте только те цвета, которые вы действительно видите, а не те, кото­рые «должны» быть по определен­ным канонам. Поначалу это пока­жется сложнее, чем рисунок по фо­тографии, но вы испытаете истинное наслаждение от работы, и ваша картина будет выглядеть свежей и живой.

Мазок в живописи

Для понимания сути изобразительных процессов мы знакомим наших учеников с дополнительными понятиями и тонкостями, возникающими в процессе обучения живописи.
Знание составных частей и так называемых «технических мелочей» усиливает понимание искусства в целом и живописи, в частности.
Мазок в живописи это один из ярчайших примеров того, как небольшая техническая особенность влияет на произведения художников и формирует целые стили.

Читать еще:  Честность и любовь. Juliano Lopes

Мазок — это маленькая часть живописной работы, его можно сравнить с кирпичиком, из которого собирается целый дом, а из мазков, сложенных в определенной последовательности, получаются настоящие произведения искусства.

Сам мазок – это не просто механическое движение кисти с краской, а трансляция мыслей и чувств художника.
Посредством кисти художник определяет, как будет ложиться краска на плоскость картины, как будет выглядеть конечный результат, какое будет от работы впечатление.

На других языках слово Мазок пишется как — Stroke (англ.), Touche (франц.), Pinselstrich (нем.) и переводится как «след кисти» на поверхности красочного слоя.

Владение техникой мазка — это составная часть живописной грамоты, такая же незаменимая как понимание гармоничных цветов, работа с тонами и распределение планов.
Из мазков лепится форма, и предметы материализуются на холсте. От того, каким видом мазка будет пользоваться художник, зависит не только внешний вид изображенного объекта, но и смысловое наполнение, которое он в себе несет.

Виды живописных мазков.

Как и любой технический метод, мазок имеет различные виды.

Гладкий (скрытый) – используется при гладком ровном письме, когда нужно подчеркнуть текстуру изображаемого материала. Хорошим примером служит живопись XVIII века: при совершенно ровной поверхности вся работа состоит из небольших мазков, просто их края настолько сглажены, что различимо только при тщательном рассмотрении. Для того, чтобы рассмотреть практически «под лупой» любое произведение искусства хоть в Третьяковской галерее, хоть в Ватикане или Флоренции, появился уникальный сервис от Google под названием – Googleartproject. В этом проекте представлены практически все знаменитые музей мира, созданы виртуальные панорамы, где можно рассмотреть любую картину с фантастическим увеличением, так как все работы отсняты в сверхвысоком разрешении – 14 млрд. пикселей. Рекомендуем.

Пастозный (фактурный) – мазок, интенсивность которого зависит от замысла автора, изображаемой натуры или сюжета. Суть этого вида передает происхождение слова, «pastoso» по-итальянски обозначает «тестообразный». Работа ведется плотными, не просвечивающимися слоями, в некоторых случаях толщина слоя может достигать нескольких мм (!), благодаря этому создается определенный рельеф, с помощью которого можно подчеркнуть форму предмета.

Лессировочный (жидкий, прозрачный) – такой вид не является мазком в чистом виде, однако, с помощью него создается красочная фактура. Это постепенное накладывание полупрозрачных легких мазков до получения необходимого цвета или тона.

Как пользоваться мазком.

Мазок — это главный инструмент живописца. То, насколько вы освоите его технику, повлияет на разработку собственного стиля и манеры, а это, в свою очередь, будет выделять вас среди других художников.

Как пользоваться мазком в процессе обучения живописи.

  • Менять вид и форму мазка. Хорошим заданием в работе над учебным натюрмортом является смешивание видов и форм мазков. Можно опробовать их на деле, понять, какими свойствами обладают, попытаться сделать цельную композицию из разных мазков.
  • Располагать мазок по форме предмета. Моделировать предмет с помощью мазка, представлять структуру предмета и располагать на ней мазки так, чтобы они подчеркивали и проявляли конструкцию, менять направление мазков в зависимости от положения плоскостей.
  • Для передачи пространства. Использовать мазок для изображения передних и задних плоскостей. Передние планы решать более фактурными и плотными мазками, задние планы, наоборот, прозрачными легкими. За счет этого будет появляться глубина и пространство.

Почему важно углубляется в такие детали? Ответом является то, что позволяло учить многие поколения живописцев – копирование достойных образцов. Правильное копирование подразумевает точное повторение техники, а этого можно достичь только «разобрав» работу на составные части, которыми является мазки. Точное копирование мазков может в итоге привести к целой картине. Если удалось сделать хорошую копию, то это — важный шаг в постижении техники художника, а значит, повышении своего мастерства.

Наши Уроки живописи проходят в Москве, расписание, цены, адрес вы можете найти в соответствующих разделах сайта, если останутся вопросы, звоните по телефонам: 8 903 669-66-79 или 8 903 668-69-36.

Мастер-класс по ИЗО «Техника живописи с помощью художественного мазка»

Выбранный для просмотра документ Мастер-класс.docx

РМО учителей ИЗО 16.12.2019г. МОУ «Школа нового века»

Автор: Литвинова Татьяна Владимировна

учитель изобразительного искусства МБОУ»СОШ№1» ЭМР

высшей квалификационной категории.

Тема: Техника живописи с помощью художественного мазка.

Глядя на картины известных художников, невольно восхищаешься их творчеством, умением изобразить в ярких красках окружающий мир.

Рисование красками — увлекательное занятие, которое поможет развить воображение, воспитать чувство прекрасного, подарить положительные эмоции. Речь пойдет о технике одного мазка, которая достаточно проста в использовании.

Несмотря на ее простоту, она используется многими великими мастерами, в частности эту технику мы видим на картинах Ван Гога, где прекрасно видно направление и цвет мазка.

Слайд 5. Мазок это след, оставляемый кистью на картинной плоскости.

С помощью мазка, используя только форму кисти, за считанные минуты можно изобразить то, что зачастую требует долгого и трудоемкого вырисовывания .

Мазки – это цветовая мозаика, когда каждый мазок (пятнышко цвета) укладывается отдельно от других, не смешиваясь с ними. Плавные переходы складываются из цветных пятнышек. Рисунок, сделанный таким способом, похож на витраж или мозаичное панно.

Если кистью двигать по-разному, оставляемые его следы тоже могут быть разные (вытянутый мазок, конусообразный, прямоугольный) .

Кисть может оставлять и многоцветный мазок, если на кисти несколько оттенков краски. Основная идея заключается в том, что на кисточку набирают две краски любого цвета, обычно один темнее, другой светлее. Проведя кистью по поверхности бумаги или другой основы, вы получите двухцветный объёмный мазок, который является основой рисования. На кисточку также можно набрать несколько красок любого цвета.

Чтобы овладеть техникой одного мазка ребенку не обязательно иметь выдающиеся способности, уметь рисовать. Э та техника доступна и решает не только учебную задачу, но и приближает ребёнка к успеху, дает возможность поверить в себя. Потому что мазок не может не пучиться, и его легко исправить.

Техника рисунка одного мазка идеальна для создания картин: натюрморты, пейзажи и др. Роспись в технике одного мазка украсит фотографии, шкатулки, вазы, стеклянные тарелки, рамки для фотографий и даже мебель.

Чтобы усвоить технику рисования гуашью, необходимо иметь для работы:

Набор гуашевых красок.

Пару плоских кистей из свиной щетины.

Палитру и посуду с водой.

Рассмотрим самый простой вариант изображения техники одного мазка.

Предлагается нарисовать морской пейзаж. Рисование мазками тренирует твердость руки, развивает творческую фантазию, позволяет, не прорисовывая мелких деталей получить интересную яркую картину.

Открываем краски для рисования и начинаем творить. Подберем голубой цвет, перемешивая синюю и белую краски. Размашистыми мазками по ширине закрашиваем бумагу, не оставляя белых пробелов.

Читать еще:  Техника "Десяти кистей". Serge Feeleenger

Чуть выше середины листа карандашом проводим линию горизонта.

Рисуем солнце. Солнышко прячется за морем и похоже на полукруг.

Изображаем лучики. Смешиваем желтую и красную гуашь, получая оранжевый колер. Совершаем мазок отделяющий солнце от моря.

Разбавляем белую краску с оранжевой и рисуем солнечные лучи. Делаем короткие мазки между нарисованными лучами.

Подбираем голубой цвет, перемешивая синюю и белую краски. Размашистыми мазками по ширине закрашиваем бумагу.

Разбавляем синюю краску белой и рисуем небо. Мазки должны являться продолжением направления лучей.

Рисуем горизонтальные мазки синей краской. Более светлым оттенком синей гуаши, рисуем короткие мазки. Они могут находить на другие, это не страшно. Помните, для получения красивого рисунка, необходимо каждый последующий мазок наносить среди нарисованных. Для ощущения легкости делайте их разными.

Добавляем фиолетовые мазки, они располагаются довольно близко, местами задевая соседей. Рисуем пару мазков на солнце темно-оранжевой краской и один лучик.

Обводим «светило» белой гуашью и рисуем маленькие лучики. Дорисовываем окончательный вид красными мазками.

Рисуем отражение света под солнцем.

Желтой гуашью рисуем, чередуя различной длинны, лучики. Мазки частично покрывают белую обводку солнца.

Над горизонтом с обеих сторон от солнца рисуем два желтых длинных мазка, остальные распределяем как на рисунке. Теперь наш рисунок оживает, солнышко отражается в голубой воде. Сделаем ряд оранжевых мазков для яркости. Ближе к солнцу их будет больше, а к низу рисунка всего парочка.

Красной гуашью делаем заключительный шаг, ставя немного коротеньких мазков по всему рисунку.

Рассмотрим второй вариант выполненный гуашью:

Синей, белой и бордовой краской рисуем небо. Смешиваем ее прямо на листе, добавляя воду.

Пока эта часть рисунка сохнет, вымоем кисть. Ею нужно нарисовать деревья, расположенные на заднем плане и землю. Темно-коричневой краской изображаем ствол дерева, а тонкой кисточкой — веточки.

Но какой деревенский пейзаж без сельских домиков? Их изображаем на заднем плане, используя оранжевый, черный и коричневый цвет.

Листву создаем следующим интересным методом. Возьмите кисть с круглой щетиной, обмакиваем ее в желтый, бордовый, зеленый цвета и, постукивая по бумаге, таким образом, рисуем листву.

Цветочки изображаем таким же образом, но при помощи краски красного, желтого, розового цветов.

Получился красочный деревенский пейзаж.

Испробовав различные варианты рисования мазком, можно с уверенностью сказать, что в отличие от традиционной техники рисования – техника мазка многофункциональна и многообразна. Здесь нет жестких рамок ни в форме элементов, ни в задействованных цветах. Конечно, существуют правила, но они скорее касаются самой техники. Все остальное в руках художника.

На слайде представлены работы моих учеников.

Дивизионизм /divisionnisme

от техники «раздельного мазка» — diviser /фр./ – делить (1891-1920)

Живописный метод, основанный на целенаправленном разложении сложного цветового тона на спектрально чистые цвета, которые точками различной конфигурации наносятся на холст, а затем при восприятии картины зрителем с определенного положения оптически сливается в нужный художнику цвет. Дивизионизм противопоставил беспорядочности и хаотичности мазков импрессионистов четкую систему вычисления и наложения точек, что делало работу художника очень сложной и трудоемкой, а способ письма строгим и сухим, но в тоже время привел к эффекту создания более интенсивных цветов, тонов и света в живописи. Итальянский дивизионизм родился одновременно с французским неоимпрессионизмом. Он разделял с ним оптическую теорию, но пользовался ею более свободно и эмперически. Дивизионизм питали почвенные традиции, в частности колористические и атмосферные поиски ломбардской Скапильятуры и натурализм тосканских макьяйоли (школа живописи «Macchiaioli»). Первым стал использовать раздельные мазки Джованни Сегантини в 1886 году, побуждаемый Витторе Грубичи. Триеннале 1891 года в галерее Брера — принятая дата начала дивизионизма. Марбелли писал: «С разделением цвета мы видим не собственный цвет материи, а окрашенные лучи, и с этой переменой, живопись становится более одухотворенной». Позитивистская концепция, породившая живописную технику, стала опорой иного, идеалистического видения. Построение формы мелкими точками (Морбелли и Пелицца) или тончайшими линиями (Превиати и Сегантини) — это ductus, живописный прием, который позволяет вызнать тайны устройства реальности и создать ее заново — уже преображенной и свободной от материальной тяжести. Картины дивизионистов всегда кажутся некими видениями: и в том случае, когда их сюжеты связаны с натурой, и тогда, когда когда приближаются к тематике символистов, как у Сегантини, и тогда, когда обращены к социальным проблемам, как у Пелицца.

Художники: Джованни Сегантини ( Giovanni Segantini) , Джакомо Балла ( Giacomo Balla) , Эмилио Лонгони ( Emilio Longoni) , Анджело Морбелли (Angelo Morbelli), Плинио Номеллини (Plinio Nomellini), Джузеппе Пелицца да Вольпедо ( Giuseppe Pellizza da Volpedo) , Гаэтано Превиати ( Gaetano Previati) .

Выставка: 1891, Милан, Триеннале ди Брера.

Тексты: Дж.Пелицца «Дивизионизм, как техника», 1896; Г.Превиати «Научные принципы дивизионизма», 1906.

Описание некоторых произведений:

Джванни Сегантини «Дурные матери», 1894. Холст, масло. Вена, Австрийская галерея. Тема материнства, которая у Сегантини была тесно связаня с природой, здесь представлена негативно. Эта работа посвящена теме абортов. Изображены вечные муки женщин, сделавших аборт. Дурные матери (они таковы, потому что бездетны) с младенцами, приникшими к груди, привязаны к засохшим деревьям в пустынном и ледяном пейзаже.

Джванни Сегантини «Дурные матери», 1894

Гаэтано Превиати «Материнство», 1891. Холст, масло. Новара, Банко Пополаре ди Новара. Картина была выставлена на Триеннале в галерее Брера в 1891 году, а год спустя в Париже в салоне Роз-Круа. «Материнство» соединяет эмоциональное напряжение с живописными средствами, которые отводят реальность на второй план ради бестелесной и почти абстрактной прозрачности. В процессе работы над картиной Превиатти писал: «На холсте не должно быть ни красок, ни форм (неба, луга, женских или мужских фигур), а лишь возглас — fiat (божье слово, да будет): «поклонитесь матерям». Движения ангелов, которые окружают Мадонну с младенцем, передаются направленными движениями кисти. Формы тел моделируются нитевидными мазками — яркими и цветоносными, — что делает картину более похожей на легкий рисунок.

Гаэтано Превиати «Материнство», 1891

Джузеппе Пелицца да Вольпедо «Четвертое сословие», 1898-1901. Холст, масло. Милан, галерея современного искусства. Первоначальное название картины «Рабочие». Картина показывает авангард пролетариев. Крупный формат холста позволяет написать фигуры почти натуральной величины. Знаток трудов по оптике, Пелицца пользовался методом дивизионизма скорее как своеобразным техническим приемом. «Фактура, — писал он в 1898 году, — не должна состоять только из черточек, точечек, или просто быть красочным месивом; она не должна быть совершенно гладкой или слишком грубой, но изменяться в соответствии с разнообразием поверхностей реальных предметов и составлять «красноречивую гармонию» с формой и цветом.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector