Фигуративная и абстрактная живопись. Rosaria Onotri

Фигуративная и абстрактная живопись. Rosaria Onotri

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Читать еще:  Современное искусство: из галерей на улицы и обратно

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

Фигуративная и абстрактная живопись. Rosaria Onotri

Советское искусство нельзя разделить на «официальное» и «неофициальное», и классический пример тому – художник Александр Ситников. В 1972 году он закончил знаменитый московский Суриковский институт, где учился на отделении графики в мастерской политического плаката у Николая Пономарева и Олега Савостюка; до сих пор он успешно использует в своем творчестве полученные здесь художественные и технические навыки. Приобретя солидную академическую подготовку, научившись наблюдать и реалистически передавать увиденное, первые годы после окончания учебы художник зарабатывает на жизнь рисованием плакатов. Одновременно, как и многие его современники, он «блуждает» от одного направления к другому, ищет себя в разных стилях.

Становление художника приходится на 1970-е годы. Его картина «Студентки», появившаяся в 1972 году, в полной мере выразила творческий потенциал Ситникова. Изображены три женские фигуры, которые символизируют музы живописи, архитектуры и поэзии. Таким образом, уже в ранней работе заявлена характерная особенность его живописи – художник как бы подчеркивает ее внутреннюю связь с литературой и музыкой (на нарисованном мольберте – скрипка).

В 1975 году Ситников становится членом Союза художников и благодаря этому получает возможность принимать участие в выставках. В то время самыми важными выставками были зарубежные, в рамках которых Советский Союз представлял своих художников и их произведения сначала в странах Восточного блока, а потом на Западе и в Америке. Участие в этих выставках было единственным способом выхода художника на международный уровень.

В это же время Ситников участвует в московских выставках, представляющих в основном официальное искусство (справедливости ради следует отметить, что на таких выставках экспонировались также работы, умеренно отклоняющиеся от официального курса). Так, в 1976 году в Третьяковской галерее была организована всесоюзная выставка «Автопортрет в русском и советском искусстве», в Центральном Доме художника состоялась выставка «Произведения московских художников: живопись, графика, скульптура».

Одна из последних значительных выставок художника прошла в московской галерее М’АРС, где его произведения показывались вместе с картинами Ольги Булгаковой. Выставка носила символичное название «Знаки жизни», которое прочитывается как метафора, обобщающая смысловое содержание его работ, как фигуративных, так и абстрактных.

До того, как Ситников обратился к абстракции, основной темой его картин были фантастические фигуры и театральные композиции, выражавшие его эстетические и философские представления. В этих образных композициях, выполненных яркими, светящимися красками, соединяются одухотворенная древнерусская живопись, наивный фольклор, классический модерн и русский авангард. Сочетание традиционного и новаторского превращает работы художника в поистине волшебный мир. Его фантазия не знает границ, о чем свидетельствуют множество сюжетов, в которых мастер воплощает свои мечты, воспоминания и тайные мысли.

Постоянное противостояние прекрасного и уродливого, страшного воспринимается художником как драматическое действие, даже трагедия, имеющая, однако, жизнеутверждающий исход. Он занят не столько изображением трагедии как таковой, сколько поиском трагичного в карнавальном воплощении, в кульминации цветового перехода «от красной розы к смертельной ране», в напряжении между цветами.

«Я рассматриваю пространство, в котором находятся мои герои, – говорит он, – как всеобъемлющую материю, из которой образуются планеты и человечество с его мироощущением». В картинах Ситникова часто появляются животные – через их образы он передает весь спектр страстей и переживаний человека. В этом смысле показательны работы «Триумф красного быка» (1979), «Пир хищников» (1979), «Бремя» (1980).

В 1979 году появляется картина «Слепые» В ней – отражение личного страха художника перед миром без красок и звуков, попытка понять этот мир. Стилистически это полотно перекликается с картиной «У моей дочки красивая мама» (1980). Фигуры женщины и ребенка, держащего в руках голубя, представлены в типичной для того периода творчества Ситникова упрощенной форме.

В работе «Сияющие звезды (памяти погибшего космонавта)» (1980) художник затрагивает две важные для русского искусства темы: связь с космическим началом и полет человека в космос. Первый человек в космосе, Юрий Гагарин, стал национальным героем, а полеты в космос – как и дальние авиаперелеты начала XX века – олицетворяли собой достижения коммунизма. Космонавт – символ «нового человека» и, кроме того, живой свидетель того, что космос – пустое пространство, и Бога там нет. Советская атеистическая пропаганда получила, таким образом, эффективное подспорье. Космонавт изображен как летящая над землей фигура, словно сошедшая с полотен Марка Шагала. Слева и справа от него – три женщины, представленные также в достаточно условной манере.

Примерно в это же время появляется серия «Укрощение» (1979–1980), а вслед за ней, между 1980 и 1990 годами, – цикл абстрактных работ под общим названием «Инстинкты». В этих полотнах, относящихся к романтическому экспрессионизму, Ситников впервые удаляется от предметности изображения, хотя полностью от нее он никогда не отказывался. Развитие Ситникова как художника далеко не линейный процесс: нельзя сказать, что он от изображения конкретного предмета через абстракцию приходит к нефигуративному искусству. Скорее, это постепенное возвратно-поступательное движение. Сила воздействия на зрителя таких произведений, как «Дуэт» или «С днем рождения», – в явственном соединении фигуративного и абстрактного.

Несколько ироничную картину «Третий Рим» можно также отнести к стилистике «Инстинктов». Здесь четко прослеживается соединение классического или, если угодно, повествовательного сюжета и инновационной формы. Содержательная сторона этой картины – историческая параллель между основанием Рима Ромулом и Ремом, вскормленными волчицей, и Москвой, шире – Россией периода большевизма, о чем свидетельствуют звезды, серп и молот. Что касается формы, то это фигуративная композиция с четкими контурами, пронизанная абстрактными, почти супрематическими элементами, которые можно трактовать как аллегорию советской символики.

Если в «Третьем Риме» абстрактное было частью фигуративной картины, то в других произведениях, напротив, фигуративное является частью абстрактного. Примерами таких произведений являются «Concerto» (1998) и «Шнитке». На абстрактном фоне этих полотен угадываются фрагменты музыкальных инструментов. Еще одна особенность ситниковских работ – введение в них слова. Начертание его становится полноправным элементом изображения. В качестве таких элементов можно назвать такие слова, как, например, ПОЭЗИЯ, МАЯКОВСКИЙ или ШНИТКЕ.

И все-таки самое сильное влияние на творчество художника оказало не слово, а музыка – тот вид искусства, который сильнее всех проникает в душу человека и затрагивает его чувства. В произведениях Ситникова часто появляются темы, возникающие из музыки пианиста и композитора Альфреда Шнитке, – и не в последнюю очередь благодаря тому, что Шнитке известен полистилистической манерой сочинения, что душевно роднит его с художником. Важнейшим современным композитором для него, наряду со Шнитке, был Шостакович. С ним связан, в большей или меньшей степени, ряд работ живописца.

Читать еще:  Симбиоз реального и сказочного миров. Lotte Teussink

Абстрактные произведения Ситникова по форме отмечены влиянием супрематических и/или конструктивистских течений русского авангарда начала XX века. Особенно четко это видно в «Шнитке» (2000–2006). Но в содержательном плане Ситников ставит другие акценты: его интересует не столько беспредметность искусства, которую проповедовал Малевич, сколько выразительные формы в абстрактном искусстве, а также абстрактные понятия и феномены. Его фигуративным картинам присущи абстрактные черты, а абстрактные композиции зачастую имеют конкретно-материальные элементы, которые не являются исключительно предметами или деталями предметов; это objets trouvés другого рода. Такого рода находки – геометрические знаки-символы: круг, треугольник, звезда Давида, превращающиеся из изобразительного элемента в значимые – и наоборот.

В разных вариантах произведения «Эрос. Филос. Агапе» художник, ссылаясь на древнегреческую мифологию, представляет разные виды любви, о которых говорил еще Платон: Эрос – плотская любовь, Филиа – скорее дружба, чем любовь, и Агапе – духовная и одновременно метафизическая связь между людьми, которая проявляется в познании другого с помощью угадывания, раскрытия и увеличения потенциала познающего.

С 2000 года художник работает над конструктивистско-пластической серией, которая очень удачно соединяет методы, истоки и мотивы его искусства. Хотя в самом названии ее – «Родная речь» – снова видна связь со словом, художник прибегает к целому ряду других способов воздействия на зрителя, в частности, использует нефигуративно-конструктивистскую стилистик. Вводятся и геометрические знаки, чаще всего советской атрибутики (красные звезды, серп и молот); прошлое страны часто присутствует в работах художника, которому вообще свойствен углубленный, ретроспективный взгляд на то, что он показывает.

В 2000–2006 годах Ситников создает цикл «Пиктроглифы», облекая исконную языковую игру между поэзией и философией в изобразительную форму. Так, в серии «Афоризмов», входящих в этот цикл, он пытается сформулировать осколки мыслей, которые нельзя однозначно отнести ни к литературе, ни к философии. Эта тема придает его творчеству интеллектуальную глубину и находится в неразрывной связи с его ранними картинами – вспомним «Студенток», где тогда еще молодой художник заявил о своей приверженности музам поэзии, музыки и архитектуры…

Барбара M. Тиманн
историк искусства, фонд Петера и Ирены Людвиг, Аахен

Фигуративная и абстрактная живопись. Rosaria Onotri

Абстракционизм — направление в искусстве начала XX в., в рамках которого художники отказываются от изображения реальных предметов и явлений, их произведения представляют собой сочетание геометрических форм, цветовых пятен и линий.

Удивительно, но именно абстракционизм стал способом достижения гармонии: в начале XX вв. привычный материальный мир стремительно менялся, и художники вызывали ощущение полноты, комфорта и достаточности у зрителя лишь с помощью цвета, геометрических форм и законов композиции.

Отказ от предметности – не прихоть двоечников художественных школ, а закономерный этап развития искусства. Принцип «пиши что видишь» сформировался лишь в эпоху Возрождения, когда истинным творцом считался художник, способный максимально правдоподобно изобразить материальный мир и его элементы. Ранее, в Древнем Египте, художник должен был рассказать зрителю все, что известно о предмете (отсюда неестественные ракурсы тела). Античное искусство придало этим формам пластичности и грациозности, дабы, например, продемонстрировать красоту человеческого тела. В средневековой Европе искусство служило на благо церкви, повествуя о библейских сюжетах и житиях святых, а также вызывая трепет у зрителей своей монументальностью и каноничностью.

После эпохи Возрождения художники достигли совершенства в изображении ангелочков и таинственных женщин, поэтому нуждались в новых ориентирах. Они не заставили себя долго ждать: в XIX-XX вв. Европа была потрясена чередой революций, в результате чего появилась необходимость в создании нового языка искусства, равно интерпретируемого и доступного всем слоям общества от буржуазии до рабочих и крестьян. Живопись стремилась избавиться от всего лишнего, чтобы наладить контакт со зрителем. Многочисленные общественные потрясения, а также стремительная индустриализация, электрификация, автоматизация и прочие пугающие «-ации», до неузнаваемости изменившие материальный мир, провоцировали художников на поиск ускользающей гармонии. Более того, с изобретением и широким распространением фотографии у них пропала необходимость изображать материальный мир подробно и узнаваемо.

Все эти причины стали кирпичиками в фундаменте нового направления в искусстве, называемого абстракционизмом.

Это спорный вопрос. Некоторые художники, такие как Василий Кандинский, намеренно изображали фигуры, отдаленно напоминающие привычные вещи, цифры символы и т.д., однако их значение не играло никакой роли в интерпретации картины в целом. Джексон Поллок своей абстрактной живописью выражал эмоции и ощущения, импровизировал и играл с материалами, поэтому искать в его зрелых работах человеческие фигуры или объекты бессмысленно.

Тем не менее, ответ на данный вопрос зависит от конкретного художника и его работы. Цветовая палитра, композиция, линии и образованные ими углы – все это позволяет зрителям увидеть или не увидеть конкретные материальные объекты, согласно замыслу художника. Также всегда стоит обращать внимание на название полотна, которое порой указывает на наличие данного объекта или его схожести с изображением.

Спешим вас расстроить: нет, если вы не обладаете навыками живописи и не имеете за плечами десятилетия практики. Прежде чем уйти в абстракционизм, многие художники десятилетиями оттачивали свое мастерство портретами, натюрмортами, пейзажами. Занятия нефигуративной живописью требуют знаний основ колористики и композиции. Именно грамотная сочетаемость цветов и детально выверенное расположение линий и точек на полотне позволяют достичь визуальной гармонии даже без изображения ублажающих взор объектов.

По мере развития абстрактной живописи многие художники и вовсе отказались от предварительных эскизов, доверяя своему внутреннему ощущению гармонии и нанося краску на холст автоматически. За такой техникой стоят годы художественной практики, поэтому ребенок вряд ли сможет повторить шедевр Джексона Поллока и Марка Ротко.

Знаменитый искусствовед Эрнст Гомбрих, автор знаменитого труда по истории искусств, дает универсальный рецепт, как отличить истинный шедевр от рядовой картины.

Итак, находясь перед загадочными линиями и пятнами в музее или изучая картину в Интернете или книге, обратитесь к своему чувственному восприятию. Задавайте вопросы: что вы чувствуете, глядя на данную картину? Какие эмоции, ассоциации, воспоминания она вызывает? Позитивные или негативные ощущения вы испытываете, и почему?

Как правило, во втором случае зритель заканчивает свое знакомство с картиной, ставя клеймо «ерунда» — и совершает роковую ошибку. Даже если вам неприятно смотреть на картину или вы вовсе ничего не испытываете, продолжайте зрительно блуждать по полотну, изучайте его умственно. Что вы видите здесь? Какие цвета использует художник: теплые или холодные, яркие или тусклые? Как он располагает линии и точки, и как считаете, почему именно так? Какой материал он использует: масло, карандаш, ручка, или вовсе делает полотно похожим на коллаж из стекла, металла и картона?

Далее обратитесь к всезнающему экскурсоводу, другу-искусствоведу, аудио- или текстовому гиду или к небезызвестной поисковой системе, дабы узнать: кто этот художник? В какую историческую эпоху он жил и работал? Когда было создано конкретное полотно? Какова история его создания и что случилось с ним после?

Читать еще:  Художник-самоучка. Lynn Fraser

Подобный скрупулёзный анализ поможет вам получить удовольствие от самой, казалось бы, провокационной мазни, позволит увидеть красоту в привычных линиях и цветовых пятнах, а также научит интуитивно отличать выдающуюся работу от рядовой.

Основоположниками данного направления считаются русский художник Василий Кандинский (1866 — 1944) и нидерландский художник Пит Мондриан (1872 — 1944). Они никогда не работали вместе и состояли в разных художественных обществах, и, тем не менее, каждый из них внес свой существенный вклад в развитие абстракционизма в начале 20 века.

После того, как в 1910 г. Василием Кандинским в Германии была нарисована первая абстрактная картина, данное художественное направление начало свое уверенное шествие по Европе. Одним из первых его оценил художник Казимир Малевич, однако, в отличие от соотечественника, он не создавал визуальную гармонию и не служил духовным идеям, а развивал концепцию «чистого творчества» и избавлял живопись от лишних элементов. Таким образом родился супрематизм – одно из ведущих художественных направлений начала 20 в. – и его икона – минималистичный «Черный квадрат» (1915 г.).

Группа нидерландских художников, дизайнеров и архитекторов заставила идеи абстракционизма служить обществу. Организовав сообщество «Стиль», они поставили своей задачей изменение человека внутри и его быта снаружи, а сами провозгласили идеал нового творца на службе общества. Архитектурные проекты группы отличались радикальностью, строгостью, и простотой, а дизайнерские решения для дома – удобством, при этом члены группы в качестве основных инструментов использовали прямой угол и лишь три цвета — синий, красный, желтый, зачастую позволяя себе роскошь в виде фонового белого и контурного черного.

Во время Второй Мировой Войны европейские художники массово мигрировали в США, познакомив местных творцов с абстракцией. Радикальные идеи и новый взгляд на окружающий материальный мир оказали колоссальное влияние на молодых и перспективных, позже основавших абстрактный экспрессионизм – одно из главных художественных направлений в американском искусстве. Его основоположник – Джексон Поллок – ныне гордость Америки и один из самых дорогих художников современности.

Как таковых «чистых» абстракционистов выделить сложно. Из наших соотечественников стоит упомянуть Наталью Гончарову, Михаила Ларионова, Евгения Михнова-Войтенко. Идеи нефигуративной живописи оказали влияние на Александра Родченко, Лазаря Лисицкого, Любовь Попову, а также таких европейских художников и скульпторов, как Константин Бранкузи, Умберто Боччони, Пауль Клее и т.д.

К сожалению, в XX в. огромное количество абстрактных полотен покинуло нашу страну. Тем не менее, некоторые институции могут похвастать чудесной коллекцией нефигуративного искусства — например, Государственный Русский музей, Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Московский музей современного искусства. Разумеется, есть работы абстракционистов и в Эрмитаже, а также, других музеях – но их концентрация там ниже чем в вышеупомянутых.

Также всем поклонникам абстрактного искусства рекомендуем к посещению следующие европейские музеи: Центр Помпиду во Франции, коллекция Пегги Гуггенхайм в Италии, галерея Тейт Модерн в Великобритании, Центр искусств королевы Софии в Испании.

А счастливым обладателям американской визы советуем не упускать свой шанс и при следующей поездке в США взглянуть на шедевры абстракционистов в музее Соломона Гугенхайма и музее современного искусства MoMa.

репрезентативное и абстрактное искусство, фигуративное искусство

ФигуративизмФигуративное искусство, описывает произведения искусства(в частности, художественные картины и скульптуры), которые явно заимствованы из источников реальных объектов и поэтому по определению являются репрезентативными. Данный термин часто противопоставляется абстрактному искусству.

Термин «фигуративизм» часто используется, чтобы обозначить искусство, которое представляет человеческое тело или даже фигуру животного, хотя бывают и исключения.

С момента появления абстрактного искусства термин фигуративный используется для обозначения любой формы современного искусства, которая сохраняет сильные ссылки на реальный мир.

Поэтому живопись и скульптуру разделяют на категории образного, репрезентативного и абстрактного, хотя, строго говоря, абстрактное искусство происходит (или абстрагируется) из образного или иного природного источника. Однако «абстрактное» иногда используется как синоним для нерепрезентативного искусства и беспредметного искусства, то есть искусства, которое не имеет производных от фигур или предметов.

Фигуративное искусство не является синонимом фигурной живописи (искусства, которое представляет человеческую фигуру), хотя человеческие и животные фигуры являются частыми предметами.

Формальные элементы
Формальные элементы, те эстетические эффекты, создаваемые дизайном, от которых зависит изобразительное искусство, включают линию, форму, цвет, свет и темноту, массу, объем, текстуру и перспективу, хотя эти элементы дизайна могут также играть роль в создании других типов образов—например, абстрактных, непредставительных или беспредметных двумерных произведений искусства. Разница в том, что в изобразительном искусстве эти элементы развертываются для создания впечатления или иллюзии формы и пространства, и, как правило, для создания акцента в изображаемом повествовании.

Эволюция Фигуративное искусство

Фигуративное искусство само по себе основано на молчаливом понимании абстрактных форм: фигуральная скульптура греческой античности не была натуралистической, ибо ее формы были идеализированными и геометрическими. Эрнст Гомбрих ссылался на строгость этой схематической образности, на приверженность тому, что уже было известно, а не тому, что рассматривается как «Египетский метод», намекая на основанную на памяти ясность образности в египетском искусстве. В конце концов идеализация уступила место наблюдению., а фигуративное искусство, которое уравновешивало идеальную геометрию с большим реализмом, было замечено в классической скульптуре к 480 году до н. э. греки называли опору на визуальное наблюдение мимесисом. До времен импрессионистов изобразительное искусство характеризовалось попытками примирить эти противоположные принципы.

Начиная с раннего Ренессанса, маньеризма и барокко, через живопись 18-го, 19 — го и 20-го веков фигуративное искусство неуклонно расширяло свои параметры. Важной вехой в развитии изобразительного искусства является первая известная картина Джорджоне «Спящая Венера» (1510), изображающая Лежащую обнаженную женщину.Он представил женскую обнаженную натуру в качестве объекта и положил начало длинной череде знаменитых картин.

Николя Пуссен (1594-1665), французский живописец в классическом стиле, чья работа преимущественно отличается ясностью, логикой и порядком, а также предпочитает линию цвету, служил альтернативой более повествовательному стилю барокко 17-го века. Он был главным вдохновителем для таких классически ориентированных художников, как Жак-Луи Давид, Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Сезанн. Расцвет неоклассического искусства Жака-Луи Давида в конечном счете породил реалистические реакции Гюстава Курбе и Эдуарда Мане, приведшие к многогранному фигуративному искусству XX в.

В ноябре 2018 года ученые сообщили об открытии самой древней из известных фигуративных картин, возрастом более 40 000 (возможно, 52 000) лет, неизвестного животного, в пещере Лубанг Джериджи Салех на индонезийском острове Борнео.

Архитектура, городской пейзаж
Основная статья: архитектура живопись

Альбрехт Дюрер (1494) двор замка Инсбрук
Ян ван дер Хейден (1652) церковь в вере
Каналетто (c. 1737) вид на Пьяцетту и бассейн Сан-Марко в Венеции

Читайте другие материалы и статьи по теме

  • Абстрактное искусство
  • Художественная иллюстрация
  • Повествовательное искусство
  • Нео фигуративное искусство
  • Реализм (искусство)
  • Стакизм
Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector