Фигуративная живопись. Marie-Blanche Giannorsi

Фигуративная живопись. Marie-Blanche Giannorsi

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Слишком откровенные классические картины, способные смутить кого угодно

Мы привыкли обвинять современное искусство в безыдейности и склонности к порнографии. Но так ли невинные старые классические картины, милые сердцу эстетам и ценителям целомудрия? При детальном рассмотрении среди полотен известных гениев живописи можно найти шедевры с откровенными сюжетами, способными заставить краснеть современных, видавших виды ценителей «клубнички». (Осторожно! Обнаженная натура).

«Леда и лебедь»

Если говорить о наиболее нескромном классическом сюжете, то заслуженную пальму первенства получит античная история о близости бога Зевса и прекрасной Леды. Согласно легенде, житель Олимпа явился к девушке инкогнито, в облике лебедя, но тем не менее умудрился вступить с ней в связь и даже завести потомство.

Ранее предложил свое видение ситуации великий Микеланджело, который хоть и избежал излишней детализации, но все же не смог удержаться и изобразил пару прямо во время противоестественного межвидового соития.

На фоне всего этого картина Леонардо да Винчи кажется просто иллюстрацией к сказкам Пушкина для школьников младших классов. На его полотне все уже свершилось и Леда со скучающим лицом наблюдает, как из снесенных ею яиц вылупляются вполне здоровые годовалые малыши.

Нам эта идиллическая сцена кажется вполне приличной, но так было не всегда. Картины мастеров эпохи Возрождения были уничтожены в начале XVIII столетия престарелой фавориткой Людовика XIV маркизой де Ментенон как неприличные. Сегодня мы можем видеть весь этот разврат только благодаря поздним копиям.

«Брошенная кукла»

Французская художница Сюзанна Валадон творила в начале XX века. Она известна как автор множества замечательных картин, в основном воспевающих красоту женского тела в самых рядовых жизненных ситуациях. Несмотря на обилие обнаженных тел на полотнах художницы, лишь одно из творений Валадон вызывает у моралистов серьезные споры.

Картина «Брошенная кукла» в наши дни могла бы принести автору серьезные проблемы с педофилоборцами, но Валадон посчастливилось умереть в 1938 году, благодаря чему мы можем считать ее творение классикой. На картине изображена обнаженной совсем юная особа с начавшей формироваться грудью и детской прической с бантом.

История не сохранила для потомков описание этого полотна, но принято считать, что на нем изображено прощание с детством. Женщина с полотенцем, скорее всего, содержательница борделя, а ребенка готовят к встрече с первым в жизни клиентом. Название картине дала валяющаяся на полу кукла, очевидно, символизирующая сломанную судьбу. Впрочем, есть добряки, которые утверждают, что изображена мать, вытирающая дочь-подростка после купания.

«Похищение дочерей Левкиппа»

Великий голландец Питер Пауль Рубенс, известный своими прекрасными полотнами с тяжеловесными красавицами, в 1618 году представил зрителям свое «Похищение дочерей Левкиппа». На первый взгляд, между героями картины происходит удалая потасовка без всякого сексуального подтекста.

Но для тех, кто знаком с греческим мифом о братьях Диоскурах, совершенно очевидно, что раздетым блондинкам вовсе не до шуток. Второе название шедевра «Изнасилование дочерей Левкиппа» точнее отображает действие на картине.

Читать еще:  Уникальная школа рисования в Москве

В античной истории сыновья Зевса и Леды (смотри историю их странного рождения выше) , Кастор и Поллукс , похитили дочерей царя Левкиппа Гилаиру и Фебу и по старой доброй традиции, завещанной отцом, надругались над ними. Закончилось все вроде плохо — все умерли.

«Монах в кукурузном поле»

Если от Рубенса и Буше можно ожидать чего угодно, то сдержанный и склонный к религиозным сюжетам Рембрандт удивил. Хотя, в принципе, его небольшой, но мастерски выполненный рисунок «Монах в кукурузном поле» все же перекликается с духовной тематикой.

В центре композиции изображены католический монах и некая дама, предающиеся греху в миссионерской позе где-то среди сельскохозяйственных угодий. Пикантность сюжета даже не в том, что монах нарушает свой обет целомудрия, а в приближающемся слева человеке с серпом, благодаря которому вечер вот-вот перестанет быть томным.

«Неосторожность Кандавла»

Картина Уильяма Этти, носящая скромное нейтральное название, «Неосторожность Кандавла», изображает совершенно неприличную историю из « Истории» Геродота. Полное название этого полотна, написанного в 1830 году, раскрывает всю неоднозначность изображенной на ней сцены: «Кандавл , царь Лидии , украдкой показывает свою жену Гигу одному из своих слуг , когда она ложится в кровать».

Сложно сказать, почему «отец истории» решил описать эту полупорнографическую историю в своем труде, но благодаря ей мы получили трудно выговариваемый даже опытными сексопатологами термин кандаулезизм. Суть этой сексуальной девиации заключается в потребности демонстрировать своего обнаженного партнера посторонним людям.

Именно такой момент изображен Этти на картине. Царь Кандавл решил тайком показать свою супругу Нису телохранителю Гигу, но его замысел был раскрыт женщиной. Ниса потребовала у Гига, чтобы тот убил или ее, или мужа-извращенца, после чего Кандавла цинично зарезали прямо в его спальне.

«Авиньонские девицы»

С полотна «Авиньонские девицы » гениальный художник Пабло Пикассо начинает свой переход к кубизму. Известно, что на создание картины художника вдохновил Поль Сезанн своей работой « Купальщицы». Изначально Пикассо назвал картину «Философский бордель» и многие считают, что на ней маэстро изобразил сценку из публичного дома в барселонском Готическом квартале.

Картина изображает пятерых обнаженных дам, которые в развязных позах ожидают своих клиентов. Мы долго думали о том, стоит ли включать эту работу в список пикантных полотен. Проще говоря, если изображенные на полотне геометрические распутницы будят в вас нескромные фантазии, то у нас для вас плохие новости. Но слова из песни не выбросишь и сюжет картины, для 1907 года, все же очень вызывающий.

«Арабский рынок наложниц»

Отличная картина французского классика живописи Жана-Леона Жерома, написанная в 1866 году, изображает сцену на восточном невольничьем рынке. Группа мужчин в богатых одеждах прицениваются к обнаженной рабыне, проверяя, судя по всему, правильность ее прикуса.

Сам Жером, вне всякого сомнения, знал толк в невольничьих рынках и их завсегдатаях, так как обожал Восток и не раз путешествовал в тех краях в поисках вдохновения. Современники находили «Арабский рынок невольниц » очень вызывающей работой и называли картину гимном похотливого доминирования мужчины над женщиной.

«Великий мастурбатор»

Великий сюрреалист Сальвадор Дали обожал неприличные картины и от его эротоманства нас спасает лишь манера написания его картин, знатно искажающая сюжет. Вот и с работой «Великий мастурбатор » не все так однозначно. Более того, если бы не название, никто бы и не понял о чем эта прекрасная картина.

Но, как бы там ни было, явно выраженный сексуальный подтекст в этом полотне есть. Лицо женщины в правой части картины, почти упирающееся в мужской гульфик, раздражало современников Дали и вызывало даже осуждение. Хорошо никто не знает, что изобразил мастер сюрреализма в центре полотна — возможно, там творится самый разнузданный разврат.

«Происхождение мира»

Созданная в 1866 году Гюставом Курбе картина с незамысловатым бытовым сюжетом не выставлялась более 130-ти лет из-за излишней анатомической достоверности. Более того, даже сейчас, когда удивить посетителей музея, в принципе, сложно, к этой картине приставлен отдельный охранник.

В 2013 году в СМИ появилось радостное известие — была найдена вторая часть картины, на которой видно лицо натурщицы. Тщательное изучение биографии автора и его ближайшего окружения позволило выяснить личность дамы. Так, небритая промежность оказалась собственностью Джоанны Хиффернан, любовницы одного из лучших учеников Курбе, Джеймса Уистлера. Вот такая вот трогательная история воссоединения.

Это далеко не единственные в истории живописи работы с ярким сексуальным подтекстом — во все времена классики любили завернуть что-нибудь эдакое, вполне в духе нашего раскрепощенного времени.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Мари Лорансен

Автор — Парашутов. Это цитата этого сообщения
ЖЗЛ (МАРИ ЛОРАНСЕН. АВТОПОРТРЕТ НА ФОНЕ ЭПОХИ Часть 2.)

Мари Лорансен
Marie Laurencin

31 октября 1883, Париж – 8 июня 1956, Париж

Marie Laurencin Self-Portrait. 1927 г.

Французская художница, гравер и книжный иллюстратор.

Возвращение в Париж

Вернувшись на родину, Мари Лоренсен решает продолжить строить независимую карьеру художницы, для этого художница даже «обзавелась» личным арт-дилером. Им стал Поль Розенберг (Paul Rosenberg, 1881-1959), который был также агентом Пабло Пикассо, Жоржа Брака и Анри Матисса. Свою карьеру торговца произведениями искусства Поль начал в антикварном магазине своего отца. Уже в 1911 году он открыл свою художественную галерею в Париже, в 1935 году – в Англии, а в 1940 году – в США, куда переехал после оккупации гитлеровцами Франции.

Мари Лоуренсен и Поль Розенберг.

Художница активно участвовала в артистической жизни Парижа не менее бурных двадцатых годов. Мари обожала шумные компании высшего общества, которое собиралось в очень известном ресторане на Елисейских полях с оригинальным названием «Бык на крыше» (Le Boeuf sur le Toit). Этот, кстати, сохранившийся до сих пор ресторан заслуживает того, чтобы сказать о нем пару слов.
«Быка на крыше» историки называют «славным вместилищем жажды жизни между двумя мировыми войнами, храмом передовых идей и убежищем торжества радостной свободы», местом, где «пело и билось сердце модного Парижа». Открыт ресторан был 10 января 1922 года, несколько раз переезжал, прежде чем вернулся по первому адресу на Елисейских полях.

The restaurant, 28 rue Boissy d’Anglas.

A gala dinner at restaurant «Le Boeuf sur le Toit». 1922 г.

Ресторан по субботам посещала веселая компания художников, писателей, музыкантов, актеров, модельеров, меценатов и миллиардеров. Лидерами этой компании были композитор – экспериментатор Дариус Мийо (Darius Milhaud, 4 сентября 1892 – 22 июня 1974) и писатель, художник и режиссёр Жан Кокто (Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, 5 июля 1889 — 11 октября 1963), друг Мийо, пианист и композитор Жан Винер (Jean Wiener, 19 марта 1896 – 8 июня 1982) и молодой пианист Луи Мойзес (Louis Moysès).

Амедео Модильяни Портрет Жана Кокто. 1916 г.
Jean Cocteau.

Читать еще:  Современная греческая художница. Katia Varvaki

Darius Milhaud. 1926 г.
Louis Moyses. 1928 г.

Они устраивали сногсшибательные музыкальные и художественные вечера, и это были фейеричные шоу, замешанные на джазе и дадаизме. Кстати, историки пишут, что название ресторану дал одноименный балет Дариуса Мийо, написанный в 1919 году. Часто художественное общество, собиравшееся в «Быке» называли «бандой Кокто», поскольку именно Жан был вдохновителем этих театрально-музыкальных вечеров, писал сценарии, подбирал и режиссировал номера, часто конферировал.

Federico de Madrazo de Ochoa Portrait de Jean Cocteau. 1910-12 г.
Лев Бакст Портрет Жана Кокто. 1911 г.

Кроме того, Кокто был художником, причем очень талантливым.

Жан Кокто Рисунок из альбома его эротической графики.

Jean Cocteau Série Innamorati (Влюбленные). 1961 г.

В ресторане «Бык на крыше» Мари Лоуренсен завела много интересных знакомств, она общалась с арт-дилером Полем Гийомом (1891 — 1934) и основательницей косметических линий в США, Франции и Великобритании Элен Рубинштейн (Helena Rubinstein, 25 декабря 1872 — 1 апреля 1965), которая создала для женщин первую водостойкую тушь. Среди знакомых художницы были законодательница моды Коко Шанель и баронесса Гурго, чьи портреты написала в 1923-24 годах.

Marie Laurencin Portrait de Mademoiselle Chanel. 1923 г.
Marie Laurencin Baronesse Gourgaud with a black Hat (Баронесса Гурго в черной шляпе). 1924 г.

К концу 1920-х годов Лорансен стала модной художницей, ярко воплощающей эстетику арт — деко.
Индивидуальный стиль художницы сформировался уже около 1910 года. Кроме станковой живописи Мари занималась книжной иллюстрацией и театральным оформлением, гравюрой и резьбой по дереву, испытав влияние африканской скульптуры, благодаря Андре Жиду.
Художницу часто, наряду с Соней Делоне, Марией Воробьевой и Франциской Клаузен (Franciska Clausen, 7 января 1899 — 5 марта 1986), причисляют к художницам стиля кубизма. Но, хотя ее работы и показывают влияние кубистов Пикассо и Брака, Лоуренсен не использовала это направление в чистом виде, а сосредоточилась на использовании пастельных тонов и криволинейных форм.

Marie Laurencin Femme et enfant à la Raquette.1920 г.

Marie Laurencin Marie de Médicis. 1926 г.

Мари плодотворно занималась книжной иллюстрацией, она активно сотрудничала со многими поэтами и писателями, для произведений которых художница создала около 30 иллюстративных циклов. Среди известных «соавторов» художницы можно назвать Андре Жида, Марселя Жуандо, Жана Кокто, Сомерсета Моэма и Макса Жакоба.
Знакомство со многими театральными звездами дало Лорансен возможность поработать и для театра. Мари создала эскизы декораций и костюмов для «Русского балета» Сергея Дягилева (1924), спектаклей «Комеди Франсез» (1928), ранних балетов Ролана Пети в Театре на Елисейских полях.

Marie Laurencin La Pianiste.
Marie Laurencin La danseuse espagnole.

В 1925 году художница экспонировалась на Международной выставке декоративных искусств в Париже, и ее работы вызвали восхищение публики.

Marie Laurencin Mon portrait. 1924 г.

Marie Laurencin La Barque.1920 г.

Marie Laurencin La vie au château.1925 г.

Но известность художнице, конечно же, принесли ее многочисленные портреты женщин и детей в светло-розовых и голубых тонах, которые кто-то из историков назвал «созданиями страны фей». Искусствоведы отмечают, что в творчестве Мари Лоуренсон тонко сочетаются мотивы стиля рококо XVIII века и стиль персидских миниатюр еще более раннего времени.

Marie Laurencin Valentine. 1924 г.
Marie Laurencin Ruban bleu (Голубой бант). 1938 г.

Даже на многих автопортретах, особенно раннего периода, Мари предстает перед нами «восточной красавицей с миндалевидным разрезом глаз восторженной лани».

Marie Laurencin Autoportrait. 1906 г.
Marie Laurencin Autoportrait. 1908 г.

После экономического кризиса 1929 года, Мари Лоуренсен по приглашению своего бывшего учителя гравирования Лабурера стала преподавать в Академии живописи XVI.

Marie Laurencin and students. 1932 г.

Marie Laurencin. 1932 г.
Marie Laurencin Self-Portrait.

Предполагаю, что шестнадцатый номер 16 в названии академии обозначал количество этих учебных заведений в Париже, подобно тому, как парижский университет Сорбонна реорганизован в 13 отдельных университетов, различающихся по направлениям обучения и имеющих порядковые номера.

Биографические источники умалчивают, где художница жила и чем занималась во время второй мировой войны. Ее последние работы, которые можно найти в интернете, датированы 1953 годом.

Marie Laurencin L’enfant à la trompette.1950 г.

Marie Laurencin Trois jeunes femmes.1953 г.

В 1948 году Лоринсен создала эскиз этикетки для винодельческого хозяйства Шато Мутон-Ротшильд (Château Mouton-Rothschild), расположенное в коммуне Пойяк и производящее вина Бордо.

Этикетка «Мутон Ротшильд» с рисунком М.Лоуренсен.

Отмечу, что в 1924 году просьбе Филиппа Ротшильда художник-кубист Жан Карлю создал первую в XX веке этикетку для Шато Мутон-Ротшильд, на которой изобразил голову барана (название хозяйства переводится с французского как «баран»), символическое изображение замка с синими окнами и стрелы. На этикетках Шато Мутон-Ротшильд в разные годы появлялись рисунки Жана Кокто (1947), Жоржа Брака (1955), Сальвадора Дали (1958), Марка Шагала (1970), Василия Кандинского (1971), Пабло Пикассо (1973), Энди Уорхола (1975) и Фрэнсиса Бэкона (1990).

Этикетки «Мутон Ротшильд» с рисунками Дали, Шагала и Пикассо.

В последние годы жизни у художницы резко ухудшилось зрение.
Умерла Мари Лорансен в собственном доме в Париже 8 июня 1956 года и была похоронена на кладбище Пер-Лашез недалеко от могилы Аполлинера. Похоронили художницу в белом платье, в одной руке у нее была роза, в другой – одно из сохранившихся любовных писем Гийома Аполлинера.

Marie Laurencin.1949 г.
Dick Frizzell Apollinaire At 21 From An Age When Art Seemed Much More Fun. 1978 г.

Художник Дик Фрицель, написавший этот портрет Аполлинера в 1978 году, прямо на картине сделал надпись «Аполлинер в возрасте 21 года, когда искусство казалось гораздо больше удовольствия».

Согласно завещанию, свое имущество, творческое наследие и дом художница оставила своей приемной дочери Сюзанне Моро-Лорансен. Часть денег была выделена для Фонда сирот парижского округа Отей (Fondation des orphelins d’Auteuil).

Marie Laurencin Suzanne Moreau en Bleu. 1940 г.

Во Франции помнят и любят Мари Лорансен, ее картины выставлены в самых лучших музеях современного искусства, значительная коллекция работ художницы находится в США, в музее Бирмингема (штат Алабама), но самую большую любовь к ее творчеству испытывают почему-то японцы. В 1983 году, к столетию со дня рождения Мари Лорансен, японский промышленник Масахиро Такано открыл музей ее имени в префектуре Нагано, через два года такой же музей появился в Токио. В музее Мари Лорансен собрано более ста ее картин, множество рисунков и акварелей, проиллюстрированные книги и гравюры – всего около пятисот экспонатов.

Marie Laurencin Autoportrait au chapeau. 1927 г.

Marie Laurencin Lady Clown.

Marie Laurencin La jeune fille au palmier.1915 г.

Marie Laurencin Femme au collier.1935 г.

Marie Laurencin Mme Charlie Delmas. 1938 г.

Источники – Википедия, электронные энциклопедии, сайты 1 , 2 , 3 , 4 .

katyalisich

Катя Лисич

Человек-сканер в действии ♥

Первый художник, послуживший Miss Dior

Удивительно, но почему-то именно этот художник прошел мимо меня. И вот только недавно я узнала о прекрасных линиях Рене Грюо 🙂 За это отдельное спасибо книге «100 лет в иллюстрации», которую я получила в подарок вместе с альбомом VOGUE ПЛАТЬЯ. Про книгу, кстати, сделаю отдельный пост.

Читать еще:  Фотореалистичные картины. Raphaella Spence

Немного справки
Рене Грюо — величайший иллюстратор французской моды, гений лаконизма, создавший прекрасные образы рекламных компаний Dior, Balenciaga, Yves Saint Laurent и других модных Домов. Модные иллюстрации Рене Грюо, не просто рисунки, а произведения искусства, верх элегантности в модной иллюстрации и настоящий гимн женщине.

Сегодня рисунки Рене Грюо продаются на аукционах, по цене 2000, 5000, 10.000 английских фунтов и иногда дороже.

Его настоящее имя весьма сложно для запоминания русскоязычного читателя, полное имя художника звучало так — Ренато де Дзавальи Риччарделли Каминате граф Делла Каминате.

Грюо – фамилия его матери Мари. Именно этой фамилией подписывался художник на тысячах листах с рисунками и эскизами, изящно исполненными черной тушью и красной гуашью, рядом с нарисованными им гламурными светскими львицами и джентльменами в смокингах, которые рекламировали модные товары и роскошный образ жизни.

Художник родился в семье итальянского аристократа и французской графини, поэтому детство у него было счастливое и беззаботное, но потом его счастье омрачил развод родителей. А когда Рене Грюо исполнилось 15 лет, он вместе с матерью приехал в Париж и сразу влюбился в этот город. Ему было комфортно в атмосфере, где тон задавали Дома моды. В двадцать лет он уже работал модельером, а затем решил посвятить себя модной иллюстрации, где весьма быстро добился успехов.

Журнал L’Officiel первым опубликовал модные рисунки Рене Грюо, и с этого момента у него не было недостатка в заказах. Но настоящий успех пришел к художнику после предложения великого Кристиана Диора, который доверил ему создание модных иллюстраций для рекламной компании Miss Dior.

В течение всей жизни Рене Грюо занимался любимым делом, творил красоту и гламур посредством своих модных иллюстраций, но в последние годы, мода перестала его вдохновлять. Вернее сказать, ему не нравилась мода последних лет. Художник печалился и говорил – «И зачем женщины так себя уродуют?».

В этот момент он нашел утешение в живописи и расписал замок Laura Biagiotti, с которой он дружил более тридцати лет.

Вскоре после этого, в возрасте 95 лет Рене Грюо умер. Согласно последнему желанию художника, о его смерти объявили лишь после погребения.

Дальше большая подборка работ Грюо. Решила не разбивать всю эту красоту на два поста. Просто не пожалейте времени и просмотрите все, уделив внимание каждой работе 🙂

Полевое разнотравье на картинах Mary Dipnall

Добрый день, дорогие друзья!

Все в нашем мире имеет свой порядок – вслед за холодной зимой приходит юная весна, радуя нас первыми теплыми лучами солнца. Плавно и незаметно весна сменяется знойным летом, наполненным тысячами ярких, незабываемых мгновений.

Но даже природа нуждается в отдыхе – поэтому рано или поздно наступает время осенних листопадов. И именно в этот период мы особенно остро чувствуем ностальгию по уходящим солнечным денькам…

И как же нам хочется сохранить в душе легкую атмосферу непринужденности и легкости летних месяцев!

К счастью, искусство – один из самых действенных инструментов, способных наполнить наше сознание позитивными мыслями и настроениями – всегда приходит на помощь.

И в эти хмурые ноябрьские дни я предлагаю вам окунуться в струящийся водопад ярких летних красок, воссозданных на картинах британской художницы Мэри Дипнолл.

Никогда не поздно что-то изменить…

Mary Dipnall родилась в городе Портсмут, Англия, в 1936 году. Годы детства будущей художницы пришлись на военные годы – большая часть портового города была разрушена во время бомбардировок, семье пришлось пережить сложное время.

Этот период жизни наложил определенный отпечаток на решения Мэри – серьезных планов стать деятелем искусства у нее не было. Напротив – она решила получить достаточно прозаичную профессию секретаря, закончив Коммерческую школу Дейли. И это не удивительно – стабильная работа была основой для хорошей жизни в то время (как, собственно, и всегда).

Что касается семьи, то Мэри – счастливая супруга и мать двоих сыновей.

Но, как это часто бывает, наше призвание рано или поздно дает о себе знать… Не обошла эта участь и Мэри Дипнолл. Будучи уже в зрелом, сознательном возрасте, состоявшись к этому времени в качестве жены и матери, получив признание на работе, Mary Dipnall вдруг проявляет неумолимую тягу к живописи.

В отличие от большинства живописцев, Мэри не получила профессионального художественного образования. По сути она – художник-самоучка, завоевавший народное признание, а также получивший наивысшие оценки от известных художественных критиков.

История живописи полностью подтверждает – обучение в профессиональных школах, колледжах и академиях искусств совершенно не единственный путь к созданию невероятно красивых произведений.

Умение рисовать – это талант, который либо есть, либо нет. Если его нет, то можно потратить десятилетия, изучая направления живописи, разбираясь в техниках, применяя на практике особые приемы, но при этом писать весьма посредственные картины.

Ну а если он есть – все двери мира живописи с легкостью открываются!

Цветочные фейерверки на картинах Mary Dipnall

Все без исключения работы Мэри, как и каритны многих других британских художников (например, английского живописца Cecil Kennedy ) – наполнены бесконечным множеством цветов! Невозможно найти хотя бы один холст, где не красовались бы нежные полевые цветочки.

Творчество Мэри, безусловно, заслуживает того, чтобы о нем говорили, им любовались и восхищались:

  • Впервые картины с цветами, написанные Мэри Дипнолл, были выставлены на публике в 1980 году. На этот момент художница уже отпраздновала свое 44-летие. Зрелые, полные глубины и прелести произведения принесли Дипнолл популярность и успех.
  • В дальнейшем ее картины стали активно продаваться в частные коллекции, а художественные критики оценили по достоинству талант художницы.
  • Примечательно, что все известные картины Мэри посвящены исключительно полевым цветам – простым, нежным, милым макам, колокольчикам, ромашкам, кувшинкам. Никаких пышных королевских роз, пионов, орхидей…

Мэри, не будучи профессионалом, выработала свой собственный стиль рисования. Ее живопись четко выделяется на фоне произведений других художников. Взгляните на любую картину – полевые цветы всегда играют на ней ведущую роль.

Спокойный пейзаж – всегда выступает в качестве фона, и дает возможность любоваться полевым разнотравьем.

Знаете, словами передать прелесть произведений Мэри Дипнолл просто невозможно…

Поэтому предлагаю вам хоть на пару мгновений снова вернуться в яркое лето, и с головой окунуться в этот радостный мир деревенского раздолья, насладиться настоящим фейерверком красок.

Очень надеюсь, что эта заметка была по-настоящему интересна для вас – любителей и почитателей цветов в живописи и искусстве.

Не забывайте подписываться на наши обновления и читать статьи блога одними из первых!

Спасибо за внимание!

С уважением, Алла Макарова.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector