Фигуративная живопись. Stephen Mitchell

Фигуративная живопись. Stephen Mitchell

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Читать еще:  Собственный мир. Katerina Bodrunova (Фотограф)

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

фигуративная живопись — Самое интересное в блогах

“Моя философия, проста: искусство должно быть доступным…, доступным и удивительным”- Mahnoor Shah

УДИВИТЕЛЬНЫЕ РАБОТЫ ОТ ХУДОЖНИКА MAHNOOR SHAH .

“Моя философия, проста: искусство должно быть доступным…, доступным и удивительным”- Mahnoor Shah

Эмилия Кастанеда Мартинес (Emilia Castaneda Martinez) — испанский художник.

*******
Эмилия Кастанеда Мартинес (Emilia Castaneda Martinez) — испанская художница. Родилась 7 ноября 1943 года в Мадриде, но будучи совсем ребенком, вместе с семьей переехала в Барселону. Изучать изобразительное искусство начала в 1956 году, в академии художника Виктора Стефана Рипо и продолжила учёбу в школах Ллотджа в 1959 году, и Массана в 1969 году. В начале 70-х годов Эмилия завершила свое обучение и полностью посвятила себя живописи.
С момента окончания учёбы она много раз принимала участие в различных выставках. Тематика её картин, в большинстве своём, ориентирована на изображения обнаженных женщин и предметов в фигуративном, атмосферном стиле, сравнимом с тем, в котором творили модернисты Густав Климт, Англада Камарасы и художники французской школы символистов. Эмилия работает, в основном, с маслом, но также уверенно себя чувствует в пастельной и акварельной среде. Часть произведений Мартинес содержат сильный эротический заряд, поэтому несколько галерей отказались выставлять её картины.

Одну любовь, терзающую души. Марк Ариан (Mark Arian)

Бог протянул в ладонях мне любовь,

— большую, светлую, неудержимую.

приправил медом. сверху ссыпал соль.

на Душу легкую, счастливую.

И кто-то в небе звезды запустил

и мир объял светящейся тропою.

О,как любила. и как ты любил.

когда нас было в мире только двое.

И вот теперь. в прошествии времен.

Читать еще:  Сюрреализм в изобразительном искусстве. Peter van Oostzanen

я греюсь светом тех воспоминаний,

благодарю за чувство, что открыл,

и вереницу лучших ис

стихи о любви и фигуративная живопись* худ. Эмилии Вилк.

Эмилиа Вилк (Emilia Wilk), современная польская художница, родилась в небольшом городке Волч-Конти, Польша. Рисовать начала еще в раннем детстве, по воспоминаниям самой художницы, шестилетнем возрасте она скопировала картину с мужчиной. Это был ее первый настоящий, «взрослый» рисунок. С тех пор любовь Эмилиа к живописи только крепла. После завершения учебы в средней школы поступила в художественное училище живописи в Гданьске, которое, спустя некоторое время окончила с дипломом в области изящных искусств.
Будущий характер ребенка с именем Эмилия нельзя назвать очень уравновешенным. Когда вырастет, женщина по имени Эмилия станет несколько конфликтной (в рамках), нетерпимой к своим и чужим недостаткам и требовательной к людям, способная однажды начать жизнь с нуля. Её отличает уверенность в себе, граничащая с самоуверенностью, из-за чего Эмилия постоянно будет идти наперекор тому, что не сочетается с её взглядами на жизнь.

Мечтал я о тебе так часто, так давно,
за много лет до нашей встречи,
когда сидел один, и кралась ночь в окно,
и перемигивались свечи.

И книгу о любви, о дымке над Невой,
о неге роз и море мглистом
я перелистывал, и чуял образ твой
в стихе восторженном и чистом.

Дни юности моей, хмельные сны земли,
мне в этот миг волшебно-звонкий
казались жалкими, как мошки, что ползали
в янтарном блеске по клеенке.

Я звал тебя, я ждал. Шли годы. Я бродил
по склонам жизни каменистым
и в горькие часы твой образ находил
в стихе восторженном и чистом.

И ныне, наяву ,ты легкая пришла,
и вспоминаю суеверно,
как те глубокие созвучья-зеркала
тебя предсказывали верно.

Любви не боялась ты, сердцем созревшая рано:
Поверила ей, отдалась — и грустишь одиноко.
О бедная жертва неволи, страстей и обмана,
Порви ты их грязную сеть и не бойся упрека!

Людские упреки — фальшивая совесть людская.
Не плачь, не горюй, проясни отуманенный взор твой!
Ведь я не судья, не палач,— хоть и знаю, что злая
Молва подписала — заочно, смеясь — приговор твой.

Но каждый из нас разве не был страстями обманут?
Но разве враги твои могут смеяться до гроба?
И разве друзья твою душу терзать не устанут.
Без повода к злу у людей выдыхается злоба.

И все, что в тебе было дорого, чисто и свято,
Для любящих будет таким же священным казаться;
И щедрое сердце твое будет так же богато —
И так же ты будешь любить и, любя, улыбаться.

Бальзак воспел тридцатилетнюю,
А я бы женщину под сорок:
Она блестит красою летнею,
Но взгляд уже осенне-зорок

Не опереточная женщина,
Пленяющая всех саврасых,
Здесь очаровывает женщина,
Перед которой мир без масок;

В ней; правда, много разной разности,
А ум бесстыдно гол, как сабля,
И тайный запашок опасности
В ней тонко чует волчья капля;

У ней в кулечках вся оконница,
Давно она уже не плачет.
Но если
за тобою
гонятся,
Она тебя в постели спрячет.

Илья Сельвинский- Femme de quarante ans

*Фигуративная живописьэто направление изобразительного искусства, которое также можно назвать «предметная живопись». В жанре «фигуративная живопись» принято изображать фигуру человека, которая напрямую относится к реально существующему миру.
Любое произведение искусства, где есть фигуры животных, дома, растения, машины и, конечно, люди — это и есть фигуративная живопись.

Фигуративная живопись: необычные сюжеты и гротескно-комичные образы

Картины современного американского художника Янссона Стэгнера (Jansson Stegner) настолько незаурядны, что, глядя на них, понимаешь одну простую вещь — комичность – неотъемлемая часть каждого придуманного им образа. Ведь непропорциональные тела, длинные конечности, лица, больше похожие на искажённые эмоциями гримасы – всё это и многое другое является визитной карточкой автора, делая его работы поистине интересными и узнаваемыми во всём мире.

Переломный момент. Автор: Jansson Stegner.

Волейболистка. Автор: Jansson Stegner.

Кэтрин. Автор: Jansson Stegner.

Сарабанда. Автор: Jansson Stegner.

В раздевалке. Автор: Jansson Stegner.

Долина. Автор: Jansson Stegner.

Пожалуй, глядя на работы Янссона, не сложно сделать выводы, что главными героями его картин являются полицейские, спортсмены и обычные люди. Вот только все они далеко не пропорциональны в своей внешности. Их тела напоминают гротескные пластилиновые фигурки, чьи руки и ноги столь громоздкие, что складывается впечатление, будто такими их создали нарочно. Но, именно благодаря столь необычным формам его творчество и пользуется огромной популярностью среди ценителей подобного искусства. Сам же автор говорит о том, что на его мировоззрение и стиль повлияли шедевры таких великих мастеров, как Эль Греко, Гойя и Зурбарана. Но как бы там ни было, а благодаря безудержной фантазии и воображению, Стэгнер добился не маленького успеха на поприще фигуративной живописи.

Читать еще:  Фрески и настенная живопись в Поздневизантийском искусстве

Полицейский на мотоцикле. Автор: Jansson Stegner.

Охота на лис. Автор: Jansson Stegner.

Меры предосторожности. Автор: Jansson Stegner.

Художник — гиперреалист Майкл Джеймс Смит и его чудесные пейзажи

Галерея работ, представляющая современный реализм , а иногда и гиперреализм .

Многие не расценивают подобную живопись как таковую, считают что подобное содержание и техника есть удел фотографии. Позволю себе не согласиться.

Аргументирую коротко. Фотография так не сможет.

Надо сильно постараться в фотошопе, чтобы получилось подобное внешне.

Но главное -фотография лишена энергетики художника, то есть – души.

Как бы ни была картина подобна фотографии, она всегда будет нести больше.

И как бы не хаяли художников-гиперреалистов, но картины их востребованы и имеют вес в современной живописи.

Обвиняют в слепом фотографическом копировании.

Но это не так. Хотя иные работы и похожи на качественный скан, но в них есть индивидуальное восприятие художником того, что он пишет.

Он вкладывает в творчество свое видение и ощущение натуры.

Человек, тщательно прорисовывающий каждую мелочь изображаемой натуры, имеет любовное отношение к этой натуре. Без любви к изображаемому не возможно иметь степень терпения, которая творит гиперреалистику.

Некоторым кажется скучным анатомический подход подобных авторов…

Но эти люди не думают о том, что сами художники переживают подобие восхищения тем, что изображают, испытывают радость от копирования.

Придерживающиеся этого направления в живописи в большинстве своем не творят нечто совершенно новое, но берут образы существующего вокруг и в новой комбинации расставляют акценты.

Это то же надо уметь делать. Зачастую, на позднем этапе своей творческой жизни эти художники отходят от реализма, гиперреализма, и устремляются в самые далекие от этих стилей направления.

Но реалистичное начало дает им большое преимущество на новом этапе их творчества – они овладели кистью настолько, что способны реализовать любую свою фантазию

Немного из сети про Майкла Джеймса Смита . Родился он с Саутенд-он-Си, Эссекс, в 1976 году 22 февраля.

Родился вторым сыном одного из английских художников-пейзажистов Дэвида Смита. Воспитали его в благоприятной атмосфере художественного творчества.

Он часто видел, как его отец создает картины в своей мастерской. Когда отец Майкла искал сюжеты для своих работ, он брал сына в путешествия по сельской местности. В таких поездках Майкл с самого детства приобщился к образам своей родной земли с исключительной природной красотой.

Майкл пешком обошел большую часть Англии, ходил дорогами по холмам и долинам . Так зародилась в нем глубокая любовь к своей стране и расцвел талант художника.

В школьный период своей жизни Майкл обучался рисунку, живописи, выработал свой стиль живописи и рисунка. Семнадцатилетним он пошел учиться в колледж искусств и технологии. Успешно закончил его, став дипломированным архитектором.

Когда в 1993 году, совершенно случайно, Майкл решил побывать на одной из выставок своего отца, и увидел там реакцию публики, уважение, восхищение, радость и восторг зрителей от прикосновения к картинам своего отца, тогда он понял, что его отец действительно мастер.

В последующие два года пребывания в колледже Майкл реализовал свою цель — стать настоящим профессиональным художником . Здесь же он определился с жанром своих будущих картин: это будут пейзажи садово-паркового искусства.

Последнее не получило поддержки отца, но он уступил Майклу и позволил писать рядом с собой в своей студии.

Его сыну тогда было 19 лет. По окончанию четырех недель Майкл закончил первую картину. Местная художественная галерея взяла ее на продажу. Ее продали до того, как он вернулся домой. Далее галерея согласилась показать еще некоторые произведения Майкла.

И снова успех! За несколько недель галерея приобрела все картины Майкла. Спрос на его работы стал превышать предложение.

Такова ситуация до сих пор. Многие критики утверждают, что Майкл Джеймс Смит является одним из ведущих художников-пейзажистов Великобритании.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector