Фигуративные картины маслом. Bronwyn Hill

Фигуративные картины маслом. Bronwyn Hill

Самые дорогие картины мира

200 самых дорогих картин:

Фотографии некоторых картин не размещены по требованию правообладателей (поскольку со дня смерти автора не прошло 70 лет)

Фрэнсис Бэкон

Этюд обнаженной с фигурой в зеркале

Цена — $39,26 млн (£20 млн)

год продажи — 2008

Поль Гоген

Цена — $39,208 млн

год продажи — 2004

Поль Гоген

год продажи — 2007

Фернан Леже

Этюд женщины в голубом

год продажи — 2008

Поль Сезанн

Гора Сент Виктуар

Цена — $38,503 млн

год продажи — 2001

Эдвард Мунк

Цена — $38,163 млн

год продажи — 2008

Эрнст Людвиг Кирхнер

Уличная сценка. Берлин

Цена — $38,096 млн

год продажи — 2006

Эдгар Дега

Цена — $37,043 млн

год продажи — 2008

Энди Уорхол

цена — $37,042 млн

год продажи — 2012

Фрэнсис Бэкон

Три наброска к портрету Люсьена Фрейда

год продажи — 2011

Поль Сезанн

Натюрморт с фруктами и горшочком имбиря

Цена — $36,976 млн

год продажи — 2006

Хуан Миро

Цена — $36,824 млн

год продажи — 2012

Ив Кляйн

Цена — $36,779 млн

год продажи — 2012

Клод Моне

Цена — $36,724 млн (£18.5 млн)

год продажи — 2007

Ив Кляйн

Цена — $36,482 млн

год продажи — 2012

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

В поисках Моисея

Цена — $35,922 млн

год продажи — 2011

Клод Моне

Мост Ватерлоо в пасмурную погоду

Цена — $35,91 млн (£17,94 млн)

год продажи — 2007

Уильям Тернер

Вид на Джудекку с канала Фузина

Цена — $35,856 млн

год продажи — 2006

Энди Уорхол

Цена — $35,362 млн

год продажи — 2010

Джон Констебл

год продажи — 2012

В 1990г. была продана на Сотбис за $22,2 млн (£10,8 млн)

Жорж Пьер Сера

Цена — $35,203 млн

год продажи — 1999

Пабло Пикассо

Акробат и молодой Арлекин

Цена — $35,2 млн (£20,9 млн)

год продажи — 1988

Якопо Понтормо

Портрет Козимо I Медичи (Юноша с алебардой)

год продажи — 1989

Поль Сезанн

Натюрморт с горшочком имбиря и сладкими яблоками

год продажи — 1996

Artemis Fin Arts

Поль Гоген

Прогулка по берегу (Promenade au bord de la mer)

год продажи — 1996

AlexReid & Lefevre Ltd.

Пабло Пикассо

год продажи — 2006

Люсьен Фрейд

Спящий социальный инспектор

год продажи — 2008

Фрэнсис Бэкон

цена — $33,632 млн

год продажи — 2012

Фрэнсис Бэкон

Портрет Генриетты Мораес

цена — $33,474 млн

год продажи — 2012

Фрэнсис Бэкон

цена — $33,081 млн

год продажи — 2006

Густав Климт

Цена — $33,056 млн

год продажи — 2006

Клод Моне

Пруд с кувшинками и тропинкой у кромки воды

Цена — $33 млн (£19,8 млн)

год продажи — 1998

Рембрандт

Портрет подбоченившегося мужчины

год продажи -2009

Антонио Каналетто

Венеция, Гранд канал, вид с северо-востока от Палаццо Балби на мост Риальто

Фигуративные картины маслом. Bronwyn Hill

Я думал, что это было фото с первого взгляда!

Lol, я был как, как это возможно, где камера?

Мое предположение будет держаться за рот, где нет выбрасывание отражение

да, вот как они, вероятно, нарисовали это лол

Idk рисует своим ртом довольно тяжело

Подождите, не так ли?

Это говорит карандаш в названии

Был бы более эффективным.

Это картина маслом, а не карандашом.

Спасибо, я был, как будто нет, это карандаш LOL

Мог быть цветной карандаш. Не графит, очевидно.

Было бы очень впечатляюще, если бы это были восковые карандаши.

Да, масло на панели. Быть проданным здесь.

Я, правда, хоть «что фотография делает в этом сабе»? Удивительно!

Редактировать — я думал, что все еще был в с / х чертеже хаха. Спасибо за напоминание, фотографии разрешены в этом

Фотография тоже искусство! — но это удивительный рисунок

Первоначально я думал, что только сегменты, представляющие зеркало, являются отдельными рисунками. Я не понимал буквально, что все это — рисунок.

Черт, это чертовски? Чертовски хорошо!

Либо она парит над землей, либо у нее очень длинные лодыжки.

Она очень высокая или стоит на стуле

Тогда у нее странная дверь с ручкой на уровне головы.

Я тоже это заметил, довольно странно

Святая корова. Это потрясающе.

Эти нереальные стандарты красоты для женщин зашли слишком далеко .

Действительно хорошо. Я люблю концепцию.

Это так хорошо, я думал, что это была фотография

Bronwyn Hill невероятен — однако это не карандаш. Это масло на борту.

Она в основном работает маслом, кроме своих эскизов (хотя некоторые все еще маслом).

Если вы хотите невероятную чисто карандашную работу, посмотрите CJ Hendry.

Когда вы не можете рисовать лица

Просто чтобы отбросить эту чепуху на тот случай, если люди ее опротестуют — нет, ее лица невероятны (я знаю, это была шутка): https://www.bronwynhill.com/work/72157680552733280

Полностью подумал, что это фотография, и сначала подумал: «Ничего себе, это дерьмовое зеркало, ничего не вижу правильно»

Вау, мне пришлось на самом деле перепроверить, что это не фотография. Превосходная работа!

Это общее жуткое чувство, потому что в ванной нет света, я не вижу лица, и мне это нравится.

Не собираюсь врать сначала я думал, что это фото

Это масло, но это хорошо.

Бронуин Хилл это художник?

Detial действительно удивительно. Это действительно похоже на фотографию.

Ужасное зеркало, хотя !

Поздравляю на чертеже

Это было частью моей мечты прошлой ночью, спасибо, это было действительно хорошо.

Вы уверены, что это карандаш?

Черт возьми, это действительно хорошо. Я думал, что это был пост, чтобы показать классное зеркало. Возможность рисовать это удивительно! Вот ваш интернет-пункт

да, я думал, что это был R / Crappydesign

Это никогда не карандаш! Прервите мое лидерство и назовите меня сукой.

СЛАДКИЙ ИИСУС, Я ДУМАЛ, ЧТО БЫЛО ФОТО

Сможете ли вы захватить точно такое же освещение с помощью камеры? Я чувствую, что либо раковина будет слишком темной, либо дверной проем слишком ярким. Тем не менее, я действительно люблю освещение, оно дает определенную вибрацию и выглядит так, как будто вы стоите там и смотрите своими глазами.

Подожди . это не фото?

Что вы имеете в виду под «Карандаш»?

Это действительно впечатляет, можно сказать, это картина по тому, как масло обрабатывает отражающий материал.

Нет, черт возьми, это ничего, кроме фото! Я серьезно ошеломлен тем, как реально это выглядит!

Читать еще:  Современный британский художник. Andy Lloyd

Подожди . это не фото? Боже, это впечатляет. Отличная работа

Ты чертовски со мной. Это чертова картина, это не может быть искусством. (Очевидное шутливое отрицание, если кто-то искренне думает, что я думаю, что это картинка)

OP, на какой бумаге это было сделано?

Вау, это удивительно! Было бы круто, если бы время прошло, но я уверен, что это заняло вечность! ха-ха

Где, черт возьми, вода выходит .

Извините, пока я пытаюсь определить местонахождение моей челюсти, которая упала на пол с очень громким стуком! Какой удивительный художник.

Предзнаменование для фильма . через 20 минут она покажет раздвоение личности шизофрении.

В тот момент, когда вы начинаете подозревать, что люди, которые переоборудовали вашу ванную комнату, могли не быть профессионалами, о которых они заявляли .

Я был как о, это крутая фотография. Тогда я смотрю на заголовок

Есть ли у вас детали сегментов?

Карандаш? Гребаный а. Потрясающие. Спасибо, что поделились.

Bruh это . это оставило меня без слов, без комментариев, которые я делаю, будет достаточно для того, насколько впечатляющим это для меня.

Я видел такие зеркала. У моего дома бабушки с дедушкой была целая стена из сегментированных зеркал.

Я думал. Карандаш? Я правильно прочитал ?? Ух ты, потрясающе!

Я сказал: «Как ты сфотографировал это?»

Я извиняюсь, что это чертовски карандаш, что

SCP-4XXX нарушил условия содержания, MTF Mu-13 был развернут, этот объект заблокирован.

Псих! Моей первой мыслью было: «Зачем кому-то такое зеркало?» Отличная работа!

Когда искусство выглядит настолько реалистично, что вы говорите, кто, черт возьми, поместил зеркала, как это Не знал, что это искусство, пока я не посмотрел вниз

Любые советы для простого рисования

Честно говоря, я очень рад, освещение сделано так красиво, это невероятно!

Я не верю, что это не фото

это действительно окрашены? Я не вижу разницы с Reallife Omg, такой хорошей, а также очень сложной, хорошей работой 🙂

Боже мой, это удивительно. Серьезно невероятная работа. Спасибо, что поделился. Сорвал с ума

Вы говорите, что это картина

Еще более впечатляюще

О, подожди, подожди, это чертовски рисунок? Какого черта, я только что понял, что у меня нет талантов .

Вау, это удивительно. Художественные цели

Буквально думал, что это фото. Детали до зеркальных пятен . Невероятно.

Это спасибо, что мыть руки

Отлично. Чистая зависть здесь. Можно только мечтать сделать что-то подобное удаленно.

Не могу поверить, что это не самое лучшее фото

Пар на душевой кабине кажется таким тактильным. И то же самое делают эпохи зеркала. И как ни странно, эти края превращают плоскость зеркала в нечто более пространственное, чем окружающие поверхности. Картина говорит о том, что то, что находится в зеркале, является тем, что реально благодаря освещению и основному предмету, находящемуся в зеркале. И поскольку зеркало становится реальностью, обычная ванная комната все еще превращает окружение, из которого мы, наблюдатели, смотрим в нечто пустое и безжизненное. Как будто я смотрю на себя, что я не с мертвой точки зрения.

Как? Как это возможно? ОП расскажи как ты это сделал .

Я думал, что они не позволили фотографии здесь

Вильям Бугро картины

Вильям-Адольф Бугро (William-Adolphe Bouguereau) (1825-1905) — велекий французский художник — родился в Ла-Рошель (Франция) в семье состоятельных купцов. Ему суждено было унаследовать торговое дело своей семьи, но благодаря своему дяде Эжену (католическому священнику) Бугро смог рано продемонстрировать свой художественный талант. Живописец отправился в Бордо для обучения в Школе изящных искусств, где он получил первую награду за картину с изображением Св.Роха. В целях подработки он рисовал этикетки для банок варенья, а также портреты прихожан церкви своего дяди. Накопив достаточно средств, он отправился в Париж для дальнейшего изучения живописи. Для достижения большей достоверности в своих картинах Бугро изучал исторические костюмы, археологию, а также принимал участие в анатомических вскрытиях. William Bouguereau делал упор на изучение академической живописи, ставя во главу угла исторические и мифологические сюжеты. Картина «Зенобия, найденная пастухами на берегах Аракса» принесла ему грант для обучения в Италии в 1850 г., где он прожил один год, изучая шедевры эпохи Возрождения, греческой, этрусской и римской античности, а также классическую литературу. Работы живописца выставлялись ежегодно на Парижском Салоне в течение всей его жизни. Вильям был убежденным традиционалистом, его мифологические сюжеты с богинями, нимфами, купальщицами и пастушками получили современную интерпретацию с акцентом на обнаженное женское тело. За свою плодотворную творческую жизнь он создал более 822 работ.

В 1856 г. Бугро женился на Мари-Нелли Монкаблон, в браке у них родилось пятеро детей. В конце 1850-х годов картины художника очень хорошо продавались, он стал известен и влиятелен далеко за пределами Франции. В 1896 г. Вильям Бугро был женат во второй раз: в 1877 г. его первая жена умерла. С 1860-х гг. Бугро был неразрывно связан с Академией Жюлиана, где он преподавал в течение нескольких десятилетий рисунок и живопись. Многим из его учеников удалось стать известными и уважаемыми художниками в своих странах.

19 августа 1905 г. Бугро умер в Ла-Рошель в возрасте 79 лет.

В свое время Бугро считался одним из величайших художников в мире академического изобразительного искусства, сам художник абсолютно отвергал авангард. Для многих он был олицетворением традиционного вкуса и изысканности, для других — отличным живописцем, застрявшем в прошлом. После 1920 г. имя Бугро было предано забвению (и не только его) из-за изменения предпочтений в искусстве в сторону модерна. Его достижения подверглись клеветническим, нечестным, безжалостным и систематическим нападениям. Его имя было вычеркнуто из истории. Тем не менее, именно он открыл дорогу женщинам во французские художественные академии, был обладателем бесчисленных наград, и, возможно, именно он был лучшим мастером в изображении человека. Его имя было нарицательным, так же как и имя Пикассо сегодня. Его мастерство смело можно поставить на один уровень с Микеланджело, Рембрандтом и Караваджо. Лишь с 1979 г. работы Бугро удостоились переоценки, когда стоимость его картин взлетела в четыре раза и продолжает повышаться до сих пор, достигая в цене более 3,5 млн. долларов. Сегодня более чем в ста музеях мира работы Бугро находятся в постоянной экспозиции.

Любите смотреть шедевры мирового кинематографа в хорошем качестве и знать о нём все? Вам, безусловно, необходимо посетить индийские фильмы на Beauty-Around. Всё, что вы хотели знать о Болливуде, актрисах, актёрах и многое другое.

Читать еще:  Художник и иллюстратор. Victoria Borges

Вильям Бугро добился в своих образах абсолютного оживления героев, как никакой другой художник до него. Изобразительное мастерство Бугро позволяло добиться точности изображения анатомии человеческого тела, заставляя восхищаться зрителя красотой кожи, волос, тела, тем самым улавливая тончайшие черты личности и настроения. Он придерживался традиционных методов в живописи, создавая много детальных эскизов карандашом и маслом. Каждая из его композиций сложна: будь то взаимодействие фигур и окружающих предметов, или цвет и перспектива. Все части гармонично взаимодействуют, тем самым подчеркивая эмоции каждого полотна.

William-Adolphe Bouguereau часто используют цыган и крестьян в своих произведениях. Он намеренно выбирал представителей низшего общества, чтобы показать значение человеческой жизни. Библейские и мифологические образы – непременные герои его картин. Эти совершенно оригинальные композиции обладают непостижимой эмоциональностью: герои настолько реалистичны, что можно почувствовать ток крови в жилах и течение жизни в их глазах.

Уильям-Адольф Бугро стал одним из самых любимых религиозных художников всех времен. Как набожный католик, Бугро (как и многие другие религиозные художники) рассматривал свою работу как одну из форм выражения любви к Богу.

«Богородица и ангелы, играющие музыку» была создана в 1881 и явилась одной из самых мощных работ художника. Все образы в ней красивы, воздушны, совершенны. Вильям Бугро часто в своих произведениях пишет целую группу ангелов, например как в «Пьета» (1876) или «Regina Angelorum» (1990), и все ангелы – девушки. Бугро, стремясь к совершенству, часто использует одни и те же модели. В изображении святых он ищет человеческий образ: это было изыскание божественной природы каждой души.

«Бичевание Христа» (1880) также является одним из шедевров Вильяма Бугро. Христос, привязанный к столбу, представляет свою жизнь судьбе. Зритель чувствует боль и мучения Христа, хотя его взгляд ничего не выражает, потому что его дух находится в другом месте. Двое мужчин стоят в середине и замахиваются для удара, а третий на коленях скрепляет ветви для следующего этапа пытки. Именно в выражении лица третьего можно прочитать угрызения совести за свои действия, по его мышцам и положению рук можно определить, что он хочет слегка ослабить крепление плети. Толпа вокруг — любопытные зрители. Чуть выше головы Христа, ребенок сочувственно смотрит на него. Человек с бородой смотрит прямо на зрителя, показывая, что он – тоже часть толпы (есть мнение, что этот бородатый человек с морщинистым лбом – автор картины). Гармоничное взаимодействие техники изображения, красок, композиции, перспективы и эмоциональной направленности не имеют равных в своей выразительной силе.

Картина «Сострадание» (1897) является символом обращения каждого человека в христианство через сострадание к жертве Иисуса. Человек в картине выражает искреннее сочувствие и, неся символический крест, находит свой путь к Иисусу и свое собственное искупление (многие христиане носят кресты на шее, представляя, что они тоже были принесены в жертву с Христом). В верхней части креста размещено письмо, в котором говорится: «Иисус из Назарета, Царь Иудейский» на трех языках: греческом, латинском и арамейском. Бугро предпочитает изображать распятого Христа на бесплодной пустоши, а не на вершине горы, символизируя стремление человека найти свой духовный путь. После написания картины Бугро решил оставить у себя эту картину, она показывает, какую роль играла религия в его жизни. Сейчас картина находится в музее Орсэ в Париже.

«Пьета» (1876) Бугро – уникальное изображение самого известного из образов. Плачущая Богородица облачена в одежду черного цвета – это траур о сыне, которого она держит на груди. Мертвое тело Иисуса безвольно висит на руках, и восемь ангелов их окружают. Ангелы одеты в цвета радуги и создают дугу над Марией и Иисусом – это отсылает нас к сюжету Ветхого Завета: Ной и его семья увидели радугу после Великого потопа, что стало Божьим знаком к возрождению мира. У Бугро радуга символизирует то, что жертва Иисуса была принесена, и что человеческая душа может родиться заново и взойти к Богу после смерти. Поза Марии неясна: или она ориентирована на зрителя в своем сидячем положении, или обращается к небу глазами, наполненными горя и обвинения. Скорее всего, она оплакивает своего сына, как земная мать оплакивает потерю ребенка. У ног Иисуса лежит терновый венец, кровь с которого сочится на белую ткань: она символизирует мучения Христа для обретения спасения человечеством. Душа Иисуса чиста – это символизируют белая повязка и кувшин с водой; Иисус и Мария окружена ореолом света – символом их святости. Эта картина была навеяна смертью старшего сына Бугро в 1875 (художник потерял четверых из пяти своих детей).

Это лишь небольшая часть религиозной живописи Бугро — таких картин насчитывается около 65.

Самый дорогой художник современности – Дэвид Хокни

С овременного художника Дэвида Хокни в статьях, посвящённых ему, часто называют «британо-американцем». Появился он на свет в Англии, в графстве Йоркшир, но приехав в зрелом возрасте в Калифорнию, влюбился в неё. Самый дорогой художник современности – основатель британского поп-арта, Хокни получил известность и как автор спорной искусствоведческой теории.

Этапы становления

Дэвид Хокни появился на свет 9 июля 1937 года. Семья была достаточно необычной. Отец мальчика, бухгалтер Кеннет Хокни, всю жизнь испытывал тягу к рисованию, был художником-любителем. Кроме того, являясь пацифистом, он принципиально отказался от службы в армии во время Второй мировой войны. Мать Дэвида, Луиза Хокни, придерживалась строгих взглядов методической церкви, и не ела мясных блюд – диковинка в то время.

Ещё один интересный факт. Кеннет Хокни разделял позицию коммунистов, и одевался, подражая Фиделю Кастро. Его сын начал носить вещи в стиле русских крестьян, за что его прозвали «Борисом». Мальчик рано начал рисовать, и отец этому только радовался. В 50-х годах Дэвид окончил Школу искусств Брэдфорда, В армии он служить не стал, как и Кеннет, предпочтя альтернативный вариант – работу санитаром в госпиталях. Затем юноша уехал в Лондон и поступил в Королевский художественный колледж.

Уже в то время Дэвид приобретает популярность. Он рисует плакаты в поддержку ядерного разоружения. То, что его работы замечательны – признают и преподаватели, и студенты. Но тут показывает себя непокорная натура Хокни. Он отказывается делать дипломный проект, полагая, что о художнике должны говорить его картины. Когда юноше пригрозили, что ему попросту не выдадут диплом, он нарисовал скетч на эту тему. Но в итоге руководство колледжа всё-таки пошло навстречу, и образование Хокни завершил.

Читать еще:  Французский художник. Pierre Chevassu

Это время, когда художник вырабатывает свой стиль. В 1960 году он раз за разом посещает выставку Пикассо. Впоследствии Хокни придерживался убеждения, что кубизм современным обществом недооценён. Год спустя Дэвида приглашают принять участие в выставке «Молодые современники». Она была развёрнута в Королевском колледже искусств, с неё и начался британский поп-арт. Работы Хокни обратили на себя внимание.

Его музой стал Лос-Анджелес

Вскоре после этого Дэвид с друзьями отправился в Нью-Йорк. Здесь можно было вволю ходить по музеям и картинным галереям. А также по гей-клубам – Хокни уже понял, что он принадлежит к представителям нетрадиционной ориентации. Наиболее значимые его работы этого периода – офорты «Похождения повесы в Нью-Йорке». На них изображён этакий «ботаник», пустившийся во все тяжкие. У искусствоведов не вызывает сомнений, что офорты – ответ на оперу «Похождения повесы» Стравинского.

А картина Хокни «Два сцепившихся мальчишки» позже получила премию Джона Моора. Дэвид живёт насыщенной жизнью – путешествует по Берлину и Египту, читает лекции в университетах США, создаёт серию иллюстраций к стихотворениям своего любимого поэта Константиноса Кавафиса.

А затем иллюстрирует сказки братьев Гримм. Хокни прочёл их все, и долго находился под впечатлением сюжетов и поэтического слога авторов. В 1966 году Хокни поселился в Лос-Анджелесе. Он просто влюбился в этот город, залитый солнечным светом. Калифорния напоминала ему Италию – родину великих художников. Здесь он написал самые известные свои картины. Одна из них «Большой всплеск» – настоящая икона 20-го века. Дэвида интересовали работы Леонардо да Винчи, изучавшего структуру и законы воды.

Вот в бассейн прыгнул юноша. Вода взметнулась на пару секунд. Именно этот момент и запечатлел Хокни. В это время определяется стиль работ Дэвида Хокни. Краски на его полотнах насыщены и, вместе с тем, прозрачны, наивность сочетается с отрешённостью. Ещё одна знаменитая картина «Питер вылезает из бассейна Ника», на ней запечатлён Питер Шлезингер, любовник художника.

«Бассейн с двумя фигурами» бьёт рекорды

Затем Хокни возвращается в Англию, принимает участие в публичных демонстрациях, вместе с другими отстаивая гражданские свободы. В 1968 году проходит большая выставка художника, после чего Дэвида начинают считать основателем британского поп-арта. В начале 70-х годов Хокни жил в Париже, а в 1979 году стал одним из основателей Музея современного искусства в своём любимом Лос-Анджелесе.

80-е годы принесли ему новую славу – Дэвид начал создавать фотоколлажи. Картины получались из разрезанных полароидных снимков. Обрезки собирались таким образом, что зрителю казалось – изображение движется. В 90-е годы художник пишет пейзажи родного Йоркшира, изображает на полотнах своих любимых собак. Известность получила и гипотеза Хокни-Фальк, выдвинутая в 2001 году. Художник и физик утверждали, что развитие живописи в эпоху Ренессанса обусловлено прогрессом в оптике – появились сферические зеркала и другие инструменты.

Итогом новой теории стала книга Хокни «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров». В 2011 году Хокни объявили «самым влиятельным художником Великобритании всех времен». Но Дэвида Хокни можно назвать и самым дорогим художником современности. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана в Нью-Йорке на аукционе за 90,3 млн долларов. Это рекорд. Причём полотно купили сразу – не прошло и 10 минут с начала торгов. Покупателем стал миллиардер Джо Льюис.

Ещё:

*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.

Фигуративные картины маслом. Bronwyn Hill

Пиитер Корнелис (Пит) Мондриа?н (7 марта 1872, Амерсфорт, Нидерланды — 1 февраля 1944, Нью-Йорк) — нидерландский художник, который одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи.

Пит Мондриан родился в небольшом голландском городке Амерсфорте. Отец Мондриана, директор местной школы, не мог обеспечить семью, но к таланту сына отнёсся с чуткостью, и в 20 лет Мондриан уехал учиться в Амстердам.

Пит Мондриан родился в небольшом голландском городке Амерсфорте. Отец Мондриана, директор местной школы, не мог обеспечить семью, но к таланту сына отнёсся с чуткостью, и в 20 лет Мондриан уехал учиться в Амстердам.

Начинал преподавателем рисования в начальной школе, ранние работы — пейзажи Голландии в духе импрессионизма. Увлёкся теософией Е. П. Блаватской. Глубоко воспринял искания кубизма на выставке кубистов в Амстердаме (1911). В 1912 переехал в Париж, в знак начала новой жизни изменил фамилию на «Мондриан».

Годы Первой мировой войны провёл на родине, в 1915 сблизился с художником Тео ван Дусбургом, основал с ним вместе движение «Стиль» (нидерл. De Stijl) и одноимённый художественный журнал. Журнал стал органом неопластицизма — утопии новой пластической культуры как предельной сознательности в скрупулёзной передаче обобщённой красоты и истины самыми аскетическими средствами, основными, первичными красочными тонами, линиями, формами.

Это нефигуративное направление Мондриан последовательно развивал во Франции, где прожил с 1919 по 1938, затем в Великобритании, а с 1940 — в США.

В американский период своего творчества Мондриан попытался приспособить принципы неопластицизма для передачи динамических эффектов («Буги-вуги на Бродвее»).

Мондриан скончался от воспаления лёгких 1 февраля 1944 г. и был похоронен на кладбище Cypress Hills в Бруклине, Нью-Йорк.

Оформление нью-йоркской студии Мондриана, в которой он проработал лишь несколько месяцев и которое было тщательно воссоздано его друзьями и последователями на фото- и киноплёнке, стало как бы последней работой мастера, эти «Стенописи» демонстрировались на выставках в Нью-Йорке, Лондоне, Токио, Сан-Пауло, Берлине. Парижская квартира Мондриана, его трубка и очки запечатлены на минималистских фотографиях Андре Кертеса (1926), ставших эмблемными для современного фотоискусства.

Мондриан призывал к «денатурализации» искусства, к отказу от естественных форм и переходу к чистой абстракции. Начиная с 1913 года, картины Мондриана развивались в сторону абстрактных матриц, состоящих из чёрных горизонтальных и вертикальных линий. Постепенно расположение линий на холсте упорядочилось до такой степени, что они стали представлять собой правильные решётки с ячейками. Ячейки закрашивались основными цветами, то есть красным, синим и жёлтым. Таким образом, структуру картины образовывали дихотомии цвет — не-цвет, вертикаль — горизонталь, большая поверхность — малая поверхность, единение которых должно было символизировать равновесие сил в гармонии мироздания. Несмотря на предельную ограниченность визуальных средств, творчество Мондриана оказало большое влияние на современников и породило новые направления в живописи и графике.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector