Фигуративный художник. David Watmough

Фигуративный художник. David Watmough

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Познакомьтесь с Дэвидом Датуной — тем самым художником, который съел банан

— Что, по вашему мнению, определяет ценность произведения искусства?

— Чего мы ждем от искусства, в чем его ценность? Напрашивается один ответ: наслаждение и удовольствие, которое мы от него получаем. Это удовольствие относится к нашим чувствам. Суждение о хорошем и плохом в искусстве относится только к тому, кто судит. Так что попытка определить, что подлинно прекрасно, а что подлинно безобразно, так же бесплодны, как и поиск того, что доподлинно сладко, а что горько. Эстетические суждения говорят только о вкусе самого зрителя. Что касается моего искусства, то для меня важно, чтобы оно было еще и познавательным и являлось частью воспитательного процесса человека.

Читать еще:  Художник Jason Mowry

— Вы не боялись, что галерея Perrotin подаст на вас в суд за «уничтожение произведения искусства»?

— Вообще, да, я ожидал, что могу быть арестован и попаду под суд. Я к этому основательно подготовился: позвонил своему адвокату, приготовил необходимую сумму денег, чтобы внести залог. И еще нарочно надел старые джинсы, потому что понимал, что если меня арестуют в пятницу, то в тюрьме мне придется просидеть минимум до утра понедельника. В общем, да, я был максимально к этому подготовлен и морально, и материально. Но я не боялся этого суда и точно понимал, что делаю.

A post shared by David Datuna (@david_datuna) on Dec 7, 2019 at 11:49am PST

— В 2012 году вы создали приложение Viewpoints, которое позволяло создавать картины в вашем стиле, — оно все еще популярно?

— Это приложение было популярным где‑то до 2015 года. Потом появились другие идеи, другие проекты, тоже, кстати, связанные с технологиями. Сейчас мы, например, готовим инсталляцию для чемпионата мира по футболу 2022 года в Катаре. Это будет первая настолько огромная работа, соединяющая искусственный интеллект с современной инсталляцией.

— Считаете ли вы, что искусство должно иметь социальное значение?

— У всего, что я делаю, есть социальный смысл и социальные задачи. Поэтому, конечно, я считаю, что для меня искусство должно иметь социальный смысл. Но должно ли оно иметь социальный смысл для всех художников? Однозначно нет. Каждый сам выбирает, что ему ближе: эстетика, концептуальность, социальность или еще что.

— Как вы решаете сделать портрет того или иного человека?

— Для меня любая работа — портрет, флаг или что‑то еще — это всего лишь зеркальное отображение действительности. Моя последняя работа — это «Всевидящий В.», портрет Владимира Путина (Датуна презентовал эту картину во время визита в Санкт-Петербург. — Прим. ред.). Если говорить о ней, то это не просто портрет человека, это зеркальное отображение всего, что есть в нем сейчас, хорошего и плохого, спорного и неинтересного, страхов, убеждений, и все это в одной форме. Главная моя задача в этой работе — это суметь заставить себя задать вопросы. А вообще в первую очередь я определяю, интересен мне человек или нет, есть ли смысл его изучать или нет.

Магия света и цвета в загадочных натюрмортах американского художника Дэвида Чейфица

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Совершенство незавершенности

Нередко в живописи многие художники используют этюдную манеру письма, которая предполагает некую недосказанность и незавершенность. А вот Дэвид Чейфиц (Cheifetz David) сумел мастерски объединить в своем творчестве и недосказанность этюдной манеры, и абстракционизм, и реализм, которые и образовали неповторимый авторский стиль живописца. Изысканное сочетание цветов, игра контрастов, реалистичность и насыщенность – все это вдыхает жизнь в работы мастера. Поэтому, увидев однажды его работы — забыть их уже, действительно, невозможно.

Есть в произведениях Дэвида, что-то и от старых голландских натюрмортов, где темный фон играет особую роль. Он невероятно контрастирует с яркостью, сочностью, свечением предметов, которые зачастую не имеют четких границ. Отсюда у зрителя создается впечатление, что весь предметный ряд окружен световой оболочкой, подобной ауре или некой дымке.

Молодой художник научился мастерски показывать неповторимость и очарование в обыденных вещах, а также чувствовать и передавать красоту старинных предметов. Он также нашел изюминку в минимализме композиций, что является высшим пилотажем в его живописи. Его реалистическая манера письма также довольно необычна: насыщенные цвета, частые контрастные сочетания, игра света и тени, тонкая деталировка и фактурность. Иногда возникает желание потрогать руками тот или иной предмет, чтобы ощутить то, что он действительно нарисован, а не реален.

Уж больно притягателен свет и цветовая гамма каждой работы мастера. Яркие блики, контрастные тени и цветные рефлексы подчеркивают мощную энергетику каждого полотна настолько, что от них просто невозможно оторвать взгляд.

Стоит особо отметить рефлексы, которые ложась не только на рядом стоящие предметы, драпировку и предметную плоскость, и даже воздушное пространство, невероятно оживляют картины и придают им особое очарование и некую таинственность.

Портреты и пейзажи Дэвида Чейфица

Помимо чудесных натюрмортов, которые прославили этого художника на весь мир, работает он и в других живописных жанрах. Он пишет портреты, городские пейзажи, фантастические сюжеты, в которых также использует свои излюбленные технические приемы.

Читать еще:  Цифровая живопись. Czarnystefan

И, как видим, живая, этюдная манера письма Дэвида Чейфица, акцентируемая на световом эффекте, его крепкий корпусный мазок, а также минимальная загруженность деталями, говорит о большом таланте молодого художника, впереди у которого большие творческие перспективы.

А незавершенность картин и вовсе создает у зрителя такое впечатление, что сейчас войдет художник с волшебной кистью и одним взмахом закончит свою работу. Разве это не волшебство?

О художнике

Дэвид Чейфиц (David Cheifetz) — родился в 1981 году на северо-западе тихоокеанского побережья Соединенных Штатов. В 2004-ом он окончил Университет Вашингтона и получил степень бакалавра изобразительных искусств и архитектуры. Несколько лет проработав архитектором, решил учиться живописи. В 2007-м поступил в школу изобразительных искусств Schuler School of Fine Arts в Балтиморе. Постигал азы живописи сразу на нескольких курсах. А мастерство совершенствовал, беря уроки у лучших художников. С 2009 года полностью окунулся в творчество, став профессиональным художником. А вскоре получил широкое признание и награды.

В сентябре 2010 года один из популярных художественных журналов отметил его как «восходящую звезду» среди художников в возрасте до 30 лет. А уже через два года о нем писали несколько крупных художественных изданий. В настоящее время художник живет и работает в Пало-Альто, штат Калифорния, со своей супругой Жасмин.

А уже на сегодняшний день David Cheifetz является известным живописцем Соединенных Штатов Америки. Ежегодно он принимает участие в различных выставках, в том числе и персональных. Его картины уходят в частные собрания коллекционеров, причем не только США. Работы художника пока оцениваются в пределах от 900 до 3500 долларов. А если учесть, что размеры его «миниатюр» колеблются в пределах 30х40 см, то это довольно неплохой старт для молодого перспективного мастера.

Художники во все времена вынуждены были искать свою нишу в искусстве, поэтому, уподобляясь изобретателям, они постоянно самосовершенствовались. В продолжение темы о поисках и находках новаторских техник, читайте в нашей публикации: Как украинский художник придумал новую технику живописи, за которую его назвали «гений современности».

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Читать еще:  Турция меняет отношение к византийскому наследию

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

Digest Знания

| Арт Искусство | Живопись | Fashion | Life Style | Фотомодели | Талантливые люди | Философия

Художник Дэвид Палумбо: естественная эстетика тела

Современная живопись не стоит на месте. XXI век вносит свои коррективы в изобразительное искусство. Существует множество художников, которые посредством своих работ исследуют эстетику современных образов в достаточно естественном виде. Среди них и американский художник Дэвид Палумбо (David Palumbo), который является представителем натурального направления в живописи.

Фигуративный «пин» Дэвида Палумбо

Нужно несколько слов сказать об направлении эстетики современных образов в изобразительном искусстве и живописи в целом. Такая эстетика, это не портретные рисунки. Это направление оценивает красоту человеческого тела, сквозь призму движений.

Если в портретной живописи художник делает упор на взгляде в своей работе. То эстетика ищет еле уловимые движения тела. С их помощью раскрываются тайны человеческих устремлений и смысл самого бытия. Так как живопись, это особый вид философии.

Такая художественная практика не имеет современной интерпретации, как может показаться на первый взгляд. И уходит в глубину столетий. Еще древние греки воплощали эстетику человеческого тела в скульптурах. Европейская эпоха возрождения XVII-XVIII веков, стала повсеместно раскрывать образы женщин в стилистическом бурлеске или шутливом тоне.

Для человека и ценителя живописи тех столетий, была важна сама сюжетная линия картин. Но для современного эстетического направления Дэвида Палумбо важен только образ.

Именно такая современная линия живописи, с элементами поп-арта XX века и принесла ему известность. Дэвид Палумбо достаточно молодой художник, который родился в 1982 году. Его «пин» широко цениться в мире живописи. Нужно отметить, что «пин» с английского переводится как доска. В случае с работами Дэвида Палумбо, — пин интерпретируется как плоскость образа.

Интересно то, что большинство картин художника выполнены в атмосферности голубых, фиолетовых и светлых тонов. Так как главными образами его картин являются именно женщины, то это цвета означают интеграцию в его картины другого метафизического измерения. Это измерение неба. Где рациональные интерпретации образов в картинах художника не имеют отчетливых смыслов.

Также любопытным фактом являются цвета его картин, на которых изображены мужские образы. Картины с такими фигурами выполнены в нарочито коричневых и темных тонах. В этом смысле, художник изменяет понятия небесного и материального, отдавая предпочтение феминной интерпретации высоких измерений.

Эстетика женского образа в работах художника Дэвида Палумбо

Художник Дэвид Палумбо своими картинами призывает зрителя думать над каждым движением эстетики женского образа. Иными словами, современное искусство Палумбо, это искусство динамического образа, запечатленное на «доске» времени.

Такая фиксация пронизывает все творчество мастера. В зависимости от настроения, зритель его картин может увидеть как отголоски прошлых столетий, так и чарующие смыслы рекламных образов современного мира. Дэвид Палумбо делает акцент и обращает внимание на индивидуальность женского начала. Которое в современном мире давно уже скрыто под вуалью рекламных образов. От этого картины Палумбо обретают актуальность для широких слоев общества.

С одной стороны художник в своих произведениях остается в настоящей парадигме современного мира. Но с другой, в глубине интерпретаций его образов, — можно увидеть не только отголоски эпохи европейского Возрождения. Но также и совсем традиционные стили изобразительного искусства.

Картины художника Дэвида Палумбо

Дэвид Палумбо родился в 1982 году в городе Marquette, что находится в американском штате Мичиган. Художники окончил Пенсильванскую Академию изящных искусств в Филадельфии.

Моя цель состоит в том, чтобы позволить даже мазкам кисти помочь создать эмоциональную связь.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector