Фотограф, художник и скульптор. Алексей Гришанков

Фотограф, художник и скульптор. Алексей Гришанков

Художник из России создаёт гиперреалистичные портреты, вокруг которых не утихают споры – талант это или ремесло

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Для начала хотелось бы отметить, что по большому счету гиперреализм — это удел немногих талантливых художников, виртуозно владеющих живописной техникой, при этом обладающих ярко выраженной творческой индивидуальностью, что не позволяет им теряться среди сотен коллег по творческому цеху и находить путь к сердцам своих поклонников.

По правде говоря, творческий путь, избранный художником-гиперреалистом, зачастую бывает очень нелегок и тернист. Эти живописцы постоянно находятся под шквальным огнём критики, причем «достается» им, что называется, «со всех сторон». Одни упрекают авторов в недостаточной оригинальности сюжетов, «механичности», в плагиате, что превращает их высококвалифицированный труд из высокого искусства в обыденное ремесло. Эти высказывания постоянно перекликаются с недовольством, звучащим из другого «лагеря» критиков: «чересчур сильные заигрывания с эротоманией», а также «сто раз виденные у других авторов мифологические и фэнтезийные аллюзии».

К глубокому сожалению, все это вместе взятое просто-напросто обесценивает кропотливый труд художника, превращая его в продукт низшего качества, предназначенный для дилетантов от мира ценителей живописи. Именно поэтому в сегодняшней нашей публикации мы попытаемся представить гиперреализм в самом, что называется лучшем свете.

Гиперреализм воплощённый кистью Вячеслава Грошева

Современный художник Вячеслав Грошев (1974 г.р.) родом из России, но уже много лет живет в Канаде, где имеет свою прекрасно оборудованную студию. И отбоя от заказчиков у художника нет. Пишет он портреты в потрясающей технике гиперреализма, пишет очень много, успешно и весьма плодотворно. И хотя художник утверждает, что искусство, это, в первую очередь, очень тяжелый труд (и это действительно является абсолютной правдой), зрителя не покидает ощущение, что его работы необычайно легки и изящны. Будто написаны они на одном дыхании, на одном взмахе кисти. Это касается практически всех полотен автора, будь то дети в виде ангелочков, портреты подростков, взрослых людей или изображения красивых женщин в стиле ню.

Невероятно впечатляет зрителя и великолепная техника живописи мастера, основанная на кропотливом и доскональном изучении творческих секретов художников-классиков, а также талант самого Грошева, что и позволяет создавать ему настоящие шедевры в жанрах портрета и сюжетной картины. Вильям Бугро, Леон Базиль Перро, Фредерик Морган. Присмотритесь к работам этих мастеров-портретистов — не они ли вдохновляли нашего современника Вячеслава Грошева.

К слову сказать, невзирая ни на какие критические замечания, на сегодняшний день герой нашей статьи всячески обласкан экспертами и ценителями живописи, живущими по ту сторону Атлантики. Популярность его выставок растёт из года в год, но сам мастер воспринимает это как на некий моральный «аванс» и стимул к дальнейшему самосовершенствованию. Для него живопись — пусть любимая и благодарная, но упорная и требующая полнейшей самоотдачи — работа.

«Приехав в Монреаль, я начал писать картины. Я всегда знал, что могу это делать, но не было ни времени, ни возможности. Разумеется, что я был обучен основам живописи, рисунка, композиции и т.д., сначала в художественной школе, затем пару лет с преподавателями. Но именно здесь я начал рисовать по десять часов в сутки, шесть дней в неделю. И уже сейчас мои картины не только у частных заказчиков, но и в собраниях коллекционеров Канады, США и Европы,» — говорит сам Слава Грошев о своем увлечении, ставшим профессией.

Смысловое содержание каждой работы Грошева практически всегда дает пищу для размышлений — именно это весьма выгодно отличает полотна художника. Такого эффекта он достигает путем «мэйнстримовых» манипуляций с фоном, техникой мазка, «прозрачным» символизмом и иными приемами, которые притягивают внимание зрителя. Художник также «доверяет» своим персонажам, рассказать нам настоящую историю о том, что хотел сказать своему зрителю сам автор. Мимолётный доверительный жест, глубокий взгляд, наполненный то ли тревогой, то ли радостью, даже складка на одежде готова рассказать о персонажах картин очень многое и интересное.

Работу этого художника можно сравнить с манипуляциями заправского фотокорреспондента, который буквально «ловит» в объектив реальную жизнь в высшей точке её эмоционального выражения, как бы «вырывая» из рук Вечности глубоко символичный миг, и делится им со зрителем. Однако у живописца-реалиста, желающего достичь того же эффекта, куда больше свободы действий, чем у работника камеры. Он посредством холста и красок творит собственную реальность. Однако, как ни крути, добиться от публики доверия к достоверности своего «высказывания» художнику намного сложнее.

Выставка «В поисках обитаемого пространства. Скульптор Алексей Григорьев»

C 27 августа по 13 октября в Образовательном центре Московского музея современного искусства пройдет выставка «В поисках обитаемого пространства. Скульптор Алексей Григорьев».

Выставка «В поисках обитаемого пространства. Скульптор Алексей Григорьев»

Это пятый по счету выставочный проект в рамках программы ММОМА «Коллекция. Точка обзора», которая сфокусирована на исследовании и показе произведений из собрания музея.

Каждая экспозиция демонстрирует уникальный метод работы с фондами музея: от концептуального до формального. Данный проект посвящен известному мастеру позднего советского и постсоветского времени Алексею Григорьеву и приурочен к 70-летию со дня его рождения.

Партнером выставки выступил Парк Искусств МУЗЕОН, на территории которого сосредоточено значительное количество произведений Григорьева, созданных из различных материалов и в разное время в том числе, в рамках симпозиумов, ставших ключевым событием на территории Музеона, крупнейшего российского парка скульптуры.

Выставка «В поисках обитаемого пространства. Скульптор Алексей Григорьев»

Проект-исследование состоит из двух самостоятельных экспозиций — музейной и парковой. Первая — выставка в Образовательном Центре ММОМА — знакомит зрителей со значительной персональной коллекцией скульптуры и графики Алексея Григорьева из фондов музея. Вместе произведения демонстрируют впечатляющее разнообразие форм (малых и монументальных), тем и сюжетов, техник и материалов в творчестве мастера.

Однако он отвергал понятие станковой пластики и, по сути, отрицал возможности интерьерных экспозиций. Проблема возвращения пластики в открытые городские ландшафты стала для художника основной на протяжении всего его пути. В связи с этим, по замыслу кураторской группы, музейная часть проекта построена «от противного»: экспозиционное решение призвано проявить «не найденность» работ в пространстве, их мерцающую фантомную сущность в качестве музейных предметов.

Существенную часть выставки составляет архивно-исследовательская база, куда входят мемориальные артефакты, связанные с творчеством Алексея Григорьева, оригиналы и копии публицистических статей художника, издания, связанные с симпозиумами и другими скульптурными событиями 1980–2000-х, аннотированная библиография по проблемам скульптуры в городском пространстве в 1980–2000-е.

Выставка «В поисках обитаемого пространства. Скульптор Алексей Григорьев»

Тема «самоопределения» скульптуры продолжена в парковой части проекта в Музеоне, где персональная экспозиция Григорьева внутри общей экспозиции парка, имеет уже историческое значение. Музеон, возникший в начале 1990-х и впервые осуществивший идею скульптурных симпозиумов на территории Москвы, предложил, в частности, Алексею Григорьеву новые возможности непосредственного выхода в пространство города.

Читать еще:  Художница из Латвии. Екатерина Разина

Сейчас корпус работ скульптора в Музеоне является крупнейшим и находится под открытым небом — именно так, как задумывал автор. Взаимодополняющие части проекта «В поисках обитаемого пространства…» призваны, каждая по-своему, раскрыть образ неутомимого, бурного мастера, сверхчувствительного к вибрациям времени.

В Петербурге открылась выставка о городе в формате книги художника

35 художников из разных городов России создали 35 картин на тему «Город» — каждый в своем жанре, технике и настроении. Участники — корифеи русского современного искусства и молодежь, художники, скульпторы, фотографы, мастера перформанса.

— Два года назад у меня появилась идея сделать такой проект. Я пригласил мастеров разных поколений и мировоззрений, представителей разных графических школ из четырех городов — Санкт-Петербурга, Москвы, Казани и Нижнего Новгорода, — рассказал куратор выставки, петербургский художник Алексей Парыгин. — Предложил авторам несколько технических условий. В частности, обозначил единый для всех размер бумаги и единый формат: каждая композиция — это целостное высказывание, в котором визуальный ряд совмещен с вербальным (текстом, словом, буквой, звуком). Обязательная работа с цветом, ручная печать и авторская доработка каждого листа… По-моему, получилось хорошо.

Издатель Тимофей Марков подчеркнул на открытии выставки, что это большой труд, на создание книги художника ушло два года. Кто-то из авторов начал работать в 2018 году, продолжил в 2019-м, кто-то работал в 2019 и 2020 годах. «Я уже 10 лет занимаюсь такими малотиражными изданиями. Это не коммерческая деятельность. Из 58 экземпляров — боксов проекта «Город» 35 уйдут самим художникам, четыре отложены для музеев. Еще несколько будут переданы нашим спонсорам-благотворителям, которые финансово поддержали этот дорогостоящий и трудоемкий проект. Несколько экземпляров будут проданы на аукционах, а вырученные деньги переданы благотворительным фондам, в частности, фонду «Созидание», который помогает врачам, социально незащищенным людям, инвалидам. Это традиционная для нас практика».

— Это уникальный проект — в формате книги художника. Причем не одного автора, а тридцати пяти, коллективный проект. Он существует в форме книги, представленной в витрине (книга не сброшюрована, это отдельные листы, собранные в папку), и все авторские работы можно рассмотреть в рамочках на стенах зала. Задача инициатора проекта Алексея Парыгина была в том, чтобы собрать интересных авторов, работающих в авторской печати и в жанре книги художника и создать цельное издание, вписывающееся в книжный формат, — сообщила Елена Григорьянц, искусствовед, участник проекта, автор одной из статей каталога.

Книга выйдет всего в 58 экземплярах. К слову, весит она три килограмма. Также выпущен каталог в твердом переплете -128 цветных полос, семь вступительных статей, тираж — 500 экземпляров.

Что представлено

Екатерина Посецельская, Санкт-Петербург, автор работы «Осенний Париж»:

— Надо было представить город, который ты любишь, который тебе органичен. Петербург и Париж — два города, которые я очень люблю. Живу в Петербурге и часто бываю — на протяжении последних 30 лет — в Париже. Порой они сливаются у меня в один город. Иногда просыпаешься утром, открываешь глаза и не можешь сразу понять, где ты: похожий свет, особенно осенью, когда пасмурная дождливая погода, смещение ощущений… Моя техника: сначала литография, в два цвета, а сверху — шелкография.

Андрей Корольчук, Санкт-Петербург, автор работы «Город-мираж»:

— Я петербуржец, родился в Ленинграде, живу здесь и люблю мой город. Главная идея моей работы: город может быть красивым только тогда, когда в нем живут красивые люди. Конечно, речь идет не только о физической красоте, а красоте внутренней. Человек — создатель города и одновременно его детище. Город — огромный живой организм. Сколько событий происходит в нем одновременно: встречи и расставания, горе и радости, любовь и ненависть, все является его частью. Техника исполнения — цветная литография.

Элла Цыплякова, Санкт-Петербург, автор работы «День/ночь»:

— Какой город я выбрала? Похоже на Петербург, но нет привязки к конкретному городу. Я написала: «Утренний город как улей жужжит, поток машин бежит и бежит, трамваи, троллейбусы, катера, весь город куда-то несется с утра… А ночь черной лапой город накрыла, не видно созвездий, но светит луна. Город не может уснуть. Самолеты в небе над крышами песни поют». Техника — линогравюра. Печатная форма (здесь их две, разного цвета) делается на линолеуме.

Сюжет навеян непрерывно пролетающими самолетами в районе, близком к аэропорту, и размышлениями о том, что вдали от города можно рассматривать созвездия на ночном небе, но в черте города их не увидеть. Композиция затевалась двухчастная, поэтому возникла идея также показать жизнь города днем. Для меня город живой. В нем много движения, энергии, звуков в любое время суток.

Александр Борков, Санкт-Петербург, работа «Рюмка водки»:

— «Рюмка водки раскрепощает душу» эту фразу я взял у нашего ленинградского поэта (ныне московского) Евгения Рейна. Типичный Петербург, городская картинка: не конкретно какой-то район, но можно увидеть черты Петроградки. И два персонажа за рюмкой водки. Вечерняя прогулка: дама с собачкой, кто-то идет мимо светящихся витрин. Домашняя сценка: некто выглядывает в окно, с барышней обнаженной. Наш город прекрасен, роскошен, можно рисовать что угодно. Парадная сторона? Пожалуйста: реки, каналы, мосты, дворцовые ансамбли. Непарадная — дворы-колодцы с брандмауэрами, которых я практически нигде больше не встречал: на Петроградке — одни, на Васильевском — уже другие. Социальные сюжеты, видовые пейзажи — пожалуйста.

Вася Хорст (Москва), автор работы «Дом «Флейта», написал:

— Этот лист — знак протеста против уничтожения ансамбля Зеленограда, жемчужины советского модернизма.

Это призыв художника обратить внимание на современную бездумную перестройку города. Зеленоград — московский город-спутник, строился в начале 1960-х как мечта об идеальной жизни.

Михаил Погарский (Москва) нарисовал дома и написал: «Тут проживает Анна Ивановна, она любит посплетничать, а иногда стреляет в птиц… Здесь живет Петр Алексеевич, по ночам он пьет горькую и поет песни…»

Выставка будет открыта для посетителей до 31 января 2021 года, а затем отправится в Москву, далее — Нижний Новгород, Казань.

Александр Боровский, искусствовед, заведующий Отделом новейших течений Русского музея:

— Cовременная художественная культура нуждается в книге художника. Но экономика этого жанра такова, что продвигать его могут только энтузиасты с развитым творческим началом. Издатели, для которых книга художника, помимо прочего, — средство самовыражения. В Санкт-Петербурге активно работают минимум два издательства, специализирующихся на подобном формате, разделяющих с книгой художника ее риски и ее драйв. Издательство «Редкая книга из Санкт-Петербурга» культивирует такие качества, как раритетность, библиофильский аристократизм. Конек «Издательства Тимофея Маркова», соавтора проекта «Город как субъективность» — демократизация книги художника. «Город» — в русле этой установки на расширение круга как создателей, так и почитателей книги художника.

Читать еще:  Художник экспрессионист. Georges Coulomb

Справка «РГ»

Книга художника — популярный формат в современном русском искусстве. Наследует двум традициям: традиции русских футуристов, печатавших свои альманахи на обоях, эпатируя публику разнокалиберным шрифтом и умышленными искажениями в написании слов, и традиции французской Livre d»artiste, где Верлена, Малларме и Бальзака иллюстрировали Пьер Боннар, Жоан Миро и Марк Шагал.

Известные групповые проекты в жанре книги художника последнего времени: «Маяковский Манифест» (2013 год), «ПтиЦЫ и ЦЫфры» (2016), «Русский букварь» (2018).

Художники и скульпторы

Сказали «Спасибо!»

Пока еще никто не сказал «Спасибо!»

Комментарии

Саратовские художники в мастерской. начало 20-х.

Фотография из книги Ефима Исаковича Водоноса «Очерки художественной жизни Саратова эпохи «культурного взрыва» 1918-1932 «. СГХМ им. Радищева

На 2-й Весенней выставке Саратовской школы живописи. 1925. Слева направо: 1 ряд – И. Дмитриев, Н. Бакланов, М. Аринин, В. Кашкин, В. Юстицкий, П. Уткин, К. Поляков, не устан., В. Сидоренко, М. Чернышева; 2 ряд — не устан., X. Гольд, не устан., Г. Мельников, А. Горюнов, не устан., Н. Балакирев, Б. Кутельман. (Из архива О.О. Ройтенберг).

Алексей Кравченко. Родился в Покровской слободе. Учился он в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а также некоторое время в Мюнхене, в студии Ш.Холлоши. В первые годы Советской власти участвовал в художественном оформлении массо­вых революционных праздников в Москве и Саратове.

в 1935 году преехал в Мариуполь.

«Художник В.К.Ткаченко разбирает мой этюд»

Из альбома Владимира Бочкарева

Автор: Савельева Елена Константиновна — ученый секретарь

11 февраля (по старому стилю) исполняется 120 лет Боголюбовскому рисовальному училищу – Саратовскому художественному училищу имени А.П. Боголюбова. Этой дате посвящен рассказ о первых двадцати годах в истории училища.

Алексей Петрович Боголюбов, создавая в Саратове музей, задумал его как единое целое с рисовальной школой, дабы, выражаясь старомодно и высокопарно, «возвысить образовательное дело юношества». Музей получил имя деда — Радищева. Школе Боголюбов, оставивший капитал на её организацию и содержание, счёл возможным дать своё имя. Двенадцать лет потребовалось, чтобы с обычной российской неторопливостью Саратов и Петербург решили необходимые вопросы, касающиеся устава, финансирования и подчинения. По воле Боголюбова саратовская школа стала филиалом петербургского Центрального училища технического рисования барона Штиглица (ЦУТР) и была ориентирована на подготовку специалистов для художественной промышленности.

11 февраля 1897 года очень скромно в присутствии немногих гостей, столь долго ожидаемое открытие, которое не суждено уже было увидеть Боголюбову, скончавшемуся несколько месяцев назад. В четыре часа дня начались занятия. Число желающих учиться превзошло все ожидания. Разные источники называют цифры от 100 до 120 человек. Два преподавателя – В.П. Рупини и П.Н. Боев — вынуждены были организовать четыре класса вместо предполагаемых трёх. Весной состоялась первая отчётная выставка ученических работ, после которой в вестибюле были вывешены переходные годовые баллы.

К осени 1897 года училище занимает все полагающиеся ему помещения на первом и втором этажах, классы оборудуются специально мебелью. Попечительский совет хлопочет об устройстве электрического освещения. В Боголюбовку приезжает из Петербурга скульптор Н.П. Волконский для преподавания лепки и выпускница ЦУТР Е.И. Гопфенгаузен для преподавания рисования на только что открытом женском отделении. Черчение в это время ведёт архитектор П.М. Зыбин. В 1898 году в штате преподавателей появляется В.В. Коновалов. Талантливейший педагог, уважаемый в Саратове и известный за его пределами художник, он очень скоро становится кумиром учеников. Преодолевая достаточно ограниченные рамки училищной программы, он пытается развивать в своих питомцах творческое начало, самостоятельность. Проводя в музейных залах промежутки между занятиями, они продолжали учиться. Развитию творческих способностей и расширению кругозора весьма способствовало введение в программу в 1902 году нескольких новых предметов: истории искусств, композиции, теории перспективы.

В течение нескольких лет училище обживает здание. Учащиеся под руководством П.Н. Боева расписываю стены и потолки музейных залов. В.П. Рупини, являющийся одновременно дирекором музея и училища, занимается размещением экспонатов, поступивших по завещанию Боголюбова, перевешиванием картин, необходимым ремонтом. Складываются постепенно училищный быт и традиции: поездки в Разбойщину на этюды, посещение Городского театра, вечера с «живыми картинами», совместное празднование Рождества и Пасхи в Татарской гостинице, где выпивалось не менее двух вёдер фруктовых вод. Лучшие учащиеся получают специальные стипендии, о неимущих заботятся, снабжая их материалами для работы, помогая материально.

День следовал за днём, год за годом. Заметных событий в Боголюбовке происходит немного. Кто-то уезжает продолжать образование в столицы. До десяти саратовцев одновременно учились одновременно в Академии художеств, ЦУТР, Московском училище живописи, ваяния и зодчества, Строгановском училище. В размеренных ход училищной жизни вторглись события 1905 года, отозвавшись забастовкой учеников, появлением самиздатовского сатирического журнала «Утро и уходом самых непокорных. В 1906 году был переведён в Екатеринбург В.П. Рупини, вслед за ним уехал В.В. Коновалов.

В жизни БРУ начался новый этап – время директорства П.Н. Боева. Сторонник идеи ремесленных классов, он организует преподавание столярного дела, чеканки, вышивки, некоторое время существует иконописная мастерская. Учащиеся выполняют оформительские заказы в городе, участвуют со своими изделиями на российских и международных художественно-промышленных выставках. Из прежнего состава педагогов продолжают работать кроме самого нового директора, Н.П. Волконский и Ф.М. Корнеев, П.М. Зыбина сменяют последовательно В.К. Карпенко и М.Ф. Львов. В ремесленных классах преподают выпускники Строгановского училища П.А. Троицкий и М. Бердникова, мастер-столяр М.Е. Карев. А.О. Никулин, энергичный, молодой творчески работающий отчасти заменил в сердцах боголюбовцев В.В. Коновалова. Появился преподаватель анатомии Я.Ф. Павличек.

Боев обдумывает возможности отделения от ЦУТР, пытается добиться расширения здания, надеясь, что доходы от деятельности ремесленных классов помогут музею и училищу через какое-то время существовать самостоятельно. Эти планы не сбылись, так как средств на поддержание БРУ не находится и у саратовского начальства. Их недостаток приобретает хронический характер, бастуют сторожа и служители, музей остаётся без охраны и поводов для беспокойства хватает. Начавшаяся война принесла волну мобилизаций, в училище стали приходить письма с германского фронта. В январе 1917 года состоялась последняя в истории БРУ выставка ученических работ.

Двадцать лет училище честно делало своё дело, следуя тем благим целям, ради которых оно и было задумано Боголюбовым. Среди его выпускников, снискавших российскую известность – художник Александр Савинов и скульптор Александр Матвеев. Отдельно назовём прекрасных пейзажистов Ивана Щеглова, Фёдора Белоусова, Михаила Аринина, соединивших в своём творчестве уроки БРУ, впечатления от саратовской природы и тонкий колористический дар. Двое из них позднее стали педагогами уже Саратовского художественного училища. Как замечательные графики прославились Даниил Даран, Владимир Милашевский, Борис Зенкевич. Евгений Кацман и Виктор Перельман вошли в историю как организаторы Ассоциации художников революционной России. Те из выпускников Боголюбовки, кто не получил известность на творческом поприще, работали оформителями, декораторами, ретушёрами, занимались педагогической деятельностью, всегда храня благодарную память об училище, педагогах, Радищевском музее.

Читать еще:  Современные художники Польши. Krzysztof Izdebski-Cruz

Художники и скульпторы

Сказали «Спасибо!»

Пока еще никто не сказал «Спасибо!»

Комментарии

Саратовские художники в мастерской. начало 20-х.

Фотография из книги Ефима Исаковича Водоноса «Очерки художественной жизни Саратова эпохи «культурного взрыва» 1918-1932 «. СГХМ им. Радищева

На 2-й Весенней выставке Саратовской школы живописи. 1925. Слева направо: 1 ряд – И. Дмитриев, Н. Бакланов, М. Аринин, В. Кашкин, В. Юстицкий, П. Уткин, К. Поляков, не устан., В. Сидоренко, М. Чернышева; 2 ряд — не устан., X. Гольд, не устан., Г. Мельников, А. Горюнов, не устан., Н. Балакирев, Б. Кутельман. (Из архива О.О. Ройтенберг).

Алексей Кравченко. Родился в Покровской слободе. Учился он в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а также некоторое время в Мюнхене, в студии Ш.Холлоши. В первые годы Советской власти участвовал в художественном оформлении массо­вых революционных праздников в Москве и Саратове.

в 1935 году преехал в Мариуполь.

«Художник В.К.Ткаченко разбирает мой этюд»

Из альбома Владимира Бочкарева

Автор: Савельева Елена Константиновна — ученый секретарь

11 февраля (по старому стилю) исполняется 120 лет Боголюбовскому рисовальному училищу – Саратовскому художественному училищу имени А.П. Боголюбова. Этой дате посвящен рассказ о первых двадцати годах в истории училища.

Алексей Петрович Боголюбов, создавая в Саратове музей, задумал его как единое целое с рисовальной школой, дабы, выражаясь старомодно и высокопарно, «возвысить образовательное дело юношества». Музей получил имя деда — Радищева. Школе Боголюбов, оставивший капитал на её организацию и содержание, счёл возможным дать своё имя. Двенадцать лет потребовалось, чтобы с обычной российской неторопливостью Саратов и Петербург решили необходимые вопросы, касающиеся устава, финансирования и подчинения. По воле Боголюбова саратовская школа стала филиалом петербургского Центрального училища технического рисования барона Штиглица (ЦУТР) и была ориентирована на подготовку специалистов для художественной промышленности.

11 февраля 1897 года очень скромно в присутствии немногих гостей, столь долго ожидаемое открытие, которое не суждено уже было увидеть Боголюбову, скончавшемуся несколько месяцев назад. В четыре часа дня начались занятия. Число желающих учиться превзошло все ожидания. Разные источники называют цифры от 100 до 120 человек. Два преподавателя – В.П. Рупини и П.Н. Боев — вынуждены были организовать четыре класса вместо предполагаемых трёх. Весной состоялась первая отчётная выставка ученических работ, после которой в вестибюле были вывешены переходные годовые баллы.

К осени 1897 года училище занимает все полагающиеся ему помещения на первом и втором этажах, классы оборудуются специально мебелью. Попечительский совет хлопочет об устройстве электрического освещения. В Боголюбовку приезжает из Петербурга скульптор Н.П. Волконский для преподавания лепки и выпускница ЦУТР Е.И. Гопфенгаузен для преподавания рисования на только что открытом женском отделении. Черчение в это время ведёт архитектор П.М. Зыбин. В 1898 году в штате преподавателей появляется В.В. Коновалов. Талантливейший педагог, уважаемый в Саратове и известный за его пределами художник, он очень скоро становится кумиром учеников. Преодолевая достаточно ограниченные рамки училищной программы, он пытается развивать в своих питомцах творческое начало, самостоятельность. Проводя в музейных залах промежутки между занятиями, они продолжали учиться. Развитию творческих способностей и расширению кругозора весьма способствовало введение в программу в 1902 году нескольких новых предметов: истории искусств, композиции, теории перспективы.

В течение нескольких лет училище обживает здание. Учащиеся под руководством П.Н. Боева расписываю стены и потолки музейных залов. В.П. Рупини, являющийся одновременно дирекором музея и училища, занимается размещением экспонатов, поступивших по завещанию Боголюбова, перевешиванием картин, необходимым ремонтом. Складываются постепенно училищный быт и традиции: поездки в Разбойщину на этюды, посещение Городского театра, вечера с «живыми картинами», совместное празднование Рождества и Пасхи в Татарской гостинице, где выпивалось не менее двух вёдер фруктовых вод. Лучшие учащиеся получают специальные стипендии, о неимущих заботятся, снабжая их материалами для работы, помогая материально.

День следовал за днём, год за годом. Заметных событий в Боголюбовке происходит немного. Кто-то уезжает продолжать образование в столицы. До десяти саратовцев одновременно учились одновременно в Академии художеств, ЦУТР, Московском училище живописи, ваяния и зодчества, Строгановском училище. В размеренных ход училищной жизни вторглись события 1905 года, отозвавшись забастовкой учеников, появлением самиздатовского сатирического журнала «Утро и уходом самых непокорных. В 1906 году был переведён в Екатеринбург В.П. Рупини, вслед за ним уехал В.В. Коновалов.

В жизни БРУ начался новый этап – время директорства П.Н. Боева. Сторонник идеи ремесленных классов, он организует преподавание столярного дела, чеканки, вышивки, некоторое время существует иконописная мастерская. Учащиеся выполняют оформительские заказы в городе, участвуют со своими изделиями на российских и международных художественно-промышленных выставках. Из прежнего состава педагогов продолжают работать кроме самого нового директора, Н.П. Волконский и Ф.М. Корнеев, П.М. Зыбина сменяют последовательно В.К. Карпенко и М.Ф. Львов. В ремесленных классах преподают выпускники Строгановского училища П.А. Троицкий и М. Бердникова, мастер-столяр М.Е. Карев. А.О. Никулин, энергичный, молодой творчески работающий отчасти заменил в сердцах боголюбовцев В.В. Коновалова. Появился преподаватель анатомии Я.Ф. Павличек.

Боев обдумывает возможности отделения от ЦУТР, пытается добиться расширения здания, надеясь, что доходы от деятельности ремесленных классов помогут музею и училищу через какое-то время существовать самостоятельно. Эти планы не сбылись, так как средств на поддержание БРУ не находится и у саратовского начальства. Их недостаток приобретает хронический характер, бастуют сторожа и служители, музей остаётся без охраны и поводов для беспокойства хватает. Начавшаяся война принесла волну мобилизаций, в училище стали приходить письма с германского фронта. В январе 1917 года состоялась последняя в истории БРУ выставка ученических работ.

Двадцать лет училище честно делало своё дело, следуя тем благим целям, ради которых оно и было задумано Боголюбовым. Среди его выпускников, снискавших российскую известность – художник Александр Савинов и скульптор Александр Матвеев. Отдельно назовём прекрасных пейзажистов Ивана Щеглова, Фёдора Белоусова, Михаила Аринина, соединивших в своём творчестве уроки БРУ, впечатления от саратовской природы и тонкий колористический дар. Двое из них позднее стали педагогами уже Саратовского художественного училища. Как замечательные графики прославились Даниил Даран, Владимир Милашевский, Борис Зенкевич. Евгений Кацман и Виктор Перельман вошли в историю как организаторы Ассоциации художников революционной России. Те из выпускников Боголюбовки, кто не получил известность на творческом поприще, работали оформителями, декораторами, ретушёрами, занимались педагогической деятельностью, всегда храня благодарную память об училище, педагогах, Радищевском музее.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector