Фрески и настенная живопись в Поздневизантийском искусстве

Фрески и настенная живопись в Поздневизантийском искусстве

О чем могут рассказать древние фрески

Я открываю для себя много вдохновляющего среди давно ушедших эпох. Среди древних фресок и картин часто обращают на себя внимание Фаюмские портреты, необыктовенно реалистичные и яркие. Но сегодня я хочу собрать здесь, напротив, нечто, что служило фоном жизни, мелочи и фрагменты, вырванные из контекста, скромные, но очень обаятельные. Здесь я покажу фрески и мозаики из Помпеи, Геркуланума и римских вилл. На мой взгляд, они очень согласуются друг с другом и могут рассказать цельную историю. Приглашаю насладиться искусством древних и поделиться впечатлениями.

Меня завораживает тот факт, что все это было нарисовано в первом веке нашей эры, то есть очень и очень давно, что это не современная стилизация, а подлинные картины. Кто-то их рассматривал тогда, а теперь и мы. Как будто эта связь через наше зрение образовала тонкую невидимую нить, и она может нас куда-то завести, и плевать ей на то, что законы времени не обойти.

В этих картинах нежное очарование чего-то наивного, того, что нельзя повторить и стилизовать, можно только заново сотворить. И в то же время среди этой нежной наивности особенно ярко звучит смелость линий и силуэтов. И конечно, непривычная нам, иная, чем сейчас, символичность. Все эти символические пространства далеки от нашей реальной жизни как миры книг фэнтези, как цивилизации на других планетах. И в тоже время это были люди, и их общество и уклад до сих пор имеет общее основание с современными реалиями. Этакая противоречивая связь, чужие, как марсиане и родные до дрожи, во многих мгновениях повторяющие нас, как отражение в зеркале. Вот эта женщина изображена совершенно знакомая, мы видим ее на улице каждый день, если сравнить с журнальными красотками, то к жизни ближе женщина Помпеи, чем они.
Очаровательные мелкие цветочки, к которым прикасается Флора ближе к истине, чем огромные букеты роз, упакованные в пачки с рюшечками, которыми принято отмечать красоту. Сейчас такая правдивость воспринимается как смелость, хотя в то время таковой и не являлась. Вот они трудности перевода символов с одного языка на другой.

Но в то же время позы и характеры застывшие, вялые и не выразительные, скучающие чувства наиграны. Это один сплошной натюрморт, и все равно, кто в нем — люди, кони, пони, фиги, финики. Все выполняю свою роль, а их сущность спрятана от них самих, они еще не поняли себя, есть внешний образ, за которым еще скрыта душа и энергия.

Поэтому нет ничего замечательнее фруктов набитых в вазу до отказа, их много, изобилие и достаток — это их роль, и никаких гвоздей, никаких метаний и противопоставлений, все скучно, но однозначно. Как часто в жизни хочется именно такой простоты, как в детстве.

Поэтому замечательны плоские пейзажи и апельсиновые кусты с неизменными птичками. На кустах должны быть апельсины и птички — это их роль. Как не бывает кустов без апельсинов и птиц, так не бывает и других мнений, других сценариев в этой пьесе. Немного скучно, но уютно.




Цветы всегда и обязательно пребывают в поре цветения, деревья плодоносят, все как положено.



Как мы видим, чаш с водой тоже без птиц не бывает 🙂


А какие замечательные почти логотипирующиеся рыбы и римский красный павлин! Это другие роли, но тоже роли. Это представление назовем — героическим предопределением. И никуда от него не деться, если выпал такой сценарий. Остается только идти и совершать смертельный подвиг, а пока все замерли в героических позах.


Время придало всем краскам очень приятный колорит, уравняло резкие тона с бледными, и тоже выступило художником для нас. Потертости, трещины и царапины встали на свои места, придав свою динамическую линию сюжету. Нежное покрывало времени — сеть морщин, как затуманенное старое зеркало в котором при желании всегда можно увидеть не только дворцы и города, но и себя. Кто я среди этих величественных колонад, которые тоже невечны и уже давно разрушены войнами и землетрясениями? Над этим интересно размышлять, этим прятно любоваться и вдохновляться.


Конечно, все это лишь личные впечатления, ко всему можно относиться серьезно, а можно и нет, что и демонстрируют нам древние художники. Перед нами одна из их шуток — маленькая мышка на полу 🙂

Античная живопись, фреска

У нас нет образцов, чтобы судить о высших достижениях античной живописи. До нас не дошли шедевры прославленных греческих живописцев, чьи имена и названия работ известны благодаря трудам Павсания, Плиния Старшего и др., а также многочисленным стихотворным эпиграммам. Полностью погибла античная станковая живопись, хотя уже в классический период существовали пинакотеки (картинные галереи и хранилища произведений живописи).

Настенная живопись сохранилась, главным образом, благодаря извержению Везувия 79 года. Однако фрески из Помпей, Геркуланума, Стабий — в значительной степени ремесленные работы весьма среднего качества.

Далее речь пойдет об античных фресках.

Поэтесса. Фреска предположительно изображает поэтессу Сапфо.

Фреска (от итал. fresche — свежий), aффреско (итал. affresco) — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность «а секко» (росписи по сухому). При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной. Выполняется художником-фрескистом.

Читать еще:  Чемпион необычайно яркого гиперреализма. Gabriele Grones

Точная дата появления фресок неизвестна, но уже в период Эгейской культуры (2-е тыс. до н. э.) фресковая живопись получила широкое распространение. Это была живопись красками, где в качестве связующего использовались клей или казеин, а сама техника была близка к «а секко». Доступность исходных материалов (известь, песок, окрашенные минералы), относительная простота техники живописи, а также долговечность произведений обусловили большую популярность фресковых росписей в античном мире. В христианском искусстве фреска стала излюбленным способом украшения внутренних и (реже) внешних стен каменного храма.

В Древней Руси техника стенной росписи в основном была смешанная — живопись водными красками по сырой штукатурке дополнялась темперно-клеевой техникой (фон, верхние прописки) с различными связующими (яйцо, животные и растительные клеи).

В Европе в эпоху Возрождения владение искусством стенной росписи стало одним из важнейших мерил мастерства художника. Именно тогда в Италии фресковая живопись достигла своего наивысшего развития.

По свидетельству Витрувия, в Древней Греции для отделки наружных и внутренних стен сооружений использовалась известковая штукатурка в несколько слоёв с выглаженной до блеска поверхностью. От греков римляне переняли обычай окрашивать стены по штукатурке, позднее появилась и стенная роспись по свежеуложенному раствору, которая называлась in udo («по сырому»). Известковая штукатурка наносилась в семь слоёв, причём в нижние добавлялся песок, а в верхние — мраморная крошка. Для предотвращения появления трещин в растворы вводилось небольшое количество воды, при нанесении слои уплотнялись. Крепость покрытия достигалась добавлением молока, толчёного кирпича, пемзы и, в редких случаях, пеньки, соломы. Так в стенных росписях Помпеи обнаружена пемза, причём не только в штукатурке, но и в красочных слоях, где она применялась в качестве белил. Нанесение штукатурки в несколько слоёв позволяло замедлить процесс её высыхания, и следовательно, увеличить время работы по сырой поверхности. Выбор связующих веществ для красок диктовался видом применяемых пигментов. В качестве связующего использовались животный клей, чистая известь и её смеси с казеином, яичным белком, клеем. Витрувий для сохранности росписи советовал после высыхания фрески покрывать её поверхность смесью масла с воском с последующим нагреванием и промоканием растопленного воска.

Портрет пекаря Теренция Неона и его жены. Фреска из Помпей (Дом Теренция Неона, VII, 2, 6). Неаполь, Национальный археологический музей.

Аполлон с кифарой. Фреска времен Римской империи из дома императора Августа. Рим, музеи Палантина.

Европа верхом на быке.

Нарцисс, любующийся на свое отражение в воде

Геракл борется со львом. Помпеи.

Сапфо. Фрагмент античной фрески.

Богиня победы Ника

Диана (или Персефона) с луком и стрелами. Фрагмент фрески из Стабий. 1 в. до н.э.

Флора (Весна) или Диана. Фрагмент фрески из Стабий. 1 в. до н.э..

Леда и лебедь. Фреска из Стабий (кубикул виллы Ариадны). Неаполь, Национальный археологический музей.

Беседующие женщины. Геркуланум, 3-й век до н.э

Суд Париса. Известный сюжет о разрешении спора трех богинь о том, кто из них красивее. В широкополой шляпе — Гермес.

Хирон обучает Ахилла игре на лире. Римская фреска из Базилики в Геркуланеуме. Неаполь, Национальные музей и галерея Каподимонте.


Жертвоприношение Ифигении. Фреска из дома Трагического поэта в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальный музей.

Ифигения в Тавриде. Фреска из дома Трагического поэта в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальный музей.

Брисеиду уводят от Ахилла. Фреска из дома Трагического поэта в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальные музей и галерея Каподимонте.

Торговка амурами. Вилла Ариадны. Середина I в. н.э.

Крылатый дух. Помпеи, 45-79 гг.

Дионис и Везувий. Змея — символ плодородия. Римская фреска из дома Сентенари в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальный археологический музей.

Фрикс, летящий на златоруном баране и упавшая в море его сестра Гэлла. Помпеи

Медея. Римская фреска, I в. до н.э.

Младенец Геракл, убивающий змей и наблюдающая за этим Алкмена. Помпеи, дом Ветии.

Кузнецы за работой.

Хирургическая операция. Воин, которому делают операцию, легендарный Эней. Фреска из Помпеи. I век.

Апеллес. Афродита Анадиомена, Помпеи

Катехесис (Наставление). Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.

Омовение рук. Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.

Танец с кроталанами. Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.

Одевание перед божественным бракосочетанием. Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.

Византийские мотивы в русской живописи

В изантия и ее культура оказали в свое время большое влияние на множество соседних стран, в том числе и на Русь. Однако в русском искусстве известны лишь считаные образцы исторических картин на тему византийской истории: наука византинистика появилась в России лишь в конце XIX века. Изучаем самые любопытные «византийские» работы отечественных исторических живописцев.

Андрей Иванов, «Крещение великого князя Владимира в Корсуни»

Обращение языческой Руси в христианскую веру была одной из самых популярных «византийских» тем русской живописи: к крещению княгини Ольги в Константинополе, ее внука князя Владимира в Корсуни, а также русского народа в Днепре обращались мастера начиная с XVIII века. Впрочем, писали они эти сцены с разной степенью исторической достоверности.

Андрей Иванов, известный художник-академист (и отец Александра Иванова, автора «Явления Христа народу»), создал картину «Крещение великого князя Владимира в Корсуни» в 1829 году — по всем канонам академической живописи. В ней сочетались характерное для классицизма подражание античному искусству и неполнота исторических знаний об изображенном событии. Костюмы героев полотна (если не считать облачений священников) будто подсмотрены у актеров псевдоантичной трагедии, а их жесты чрезмерно театральны. Даже храм с колоннами явно построен по принципам античного ордера.

Читать еще:  Яркие цвета. Christelle Vaesken

Василий Суриков, росписи храма Христа Спасителя

Когда молодой Суриков получил престижный заказ на украшение храма Христа Спасителя, историки и исследователи знали о Византии уже гораздо больше. Художнику поручили написать четыре первых Вселенских собора, которые проходили в III–IV веках в Никее, Константинополе, Эфесе и Халкидоне. Сами росписи погибли во время сноса храма, но эскизы Сурикова сохранились.

Художник не стал копировать облачения православных батюшек в своей работе. Драпировки священников струились, напоминая ромейские тоги, но такие детали их облачения, как митры и омофоры, приближали их вид к каноничному изображению святых отцов на византийских иконах. Суриков тщательно изучал византийскую архитектуру, поэтому интерьеры изобразил на фресках весьма достоверно, как и императорские венцы и троны, которые аккуратно скопировал с древних монет и рельефов.

Правда, завершенные росписи значительно отличались от эскизов. Например, сначала Суриков изобразил епископов длиннобородыми, в «восточном» стиле, но по настоянию переписал их лица, сделав бороды короткими, «европейскими». Не понравился заказчикам и чересчур экспрессивный стиль эскизов, и в итоге «Соборы» получились достаточно академическими и сдержанными. Суриков писал родным, что спорить с таким решением не собирался — он хотел скорее завершить работу по государственному заказу и получить гонорар.

Илья Репин, «Николай Мирликийский избавляет от смерти трех невинно осужденных»

Изначально «Святого Николая» заказал Илье Репину один монастырь, однако, когда Репин понял, что вместо религиозной картины у него получается драматическая история, он решил закончить картину для себя, а заказчику написать новую.

Репин виртуозно воспользовался доступным ему «византийским» материалом. При создании образа Николая Чудотворца, епископа Мир Ликийских IV века, художник ориентировался на старинные иконы, где его изображали худым лысоватым старцем с запавшими глазами и короткой бородой.

Работа Репина изобиловала исторически достоверными деталями: например, тщательно выписанная туника осужденного, штандарт легиона в толпе, — которые придавали ей особую реалистичность.

Примечательно, что натурщиками для полотна Репина были известные деятели культуры того времени. Самого святого художник частично списал с поэта Аполлона Майкова; палача — с художника Николая Кузнецова; для коленопреклоненной фигуры позировал писатель Иероним Ясинский, а для юноши в розовом — Дмитрий Мережковский.

Виктор Васнецов, «Крещение князя Владимира»

В 1894 году был основан знаменитый журнал «Византийский временник», а научное сообщество основательно увлеклось византинистикой. Интерес к культуре Византии возрастал: по всей стране возводили храмы в псевдовизантийском стиле, а художники все чаще обращались к византийским сюжетам в своих работах.

Вот и Виктор Васнецов вдохновился византийской тематикой. Во время путешествия по Италии художник зарисовывал византийские храмы, а в Киеве изучал мозаики и фрески Софийского собора и Михайловского Златоверхого монастыря.

Васнецов тщательно выписал детали выдуманного им корсунского храма: приземистые мраморные колонны, «константиновы кресты» в медальонах, фигуры ангелов и святых на стенах. В центр купола он поместил изображение Крещения Христова, которое рифмуется с самой сценой крещения Владимира.

Василий Смирнов, «Утренний выход Византийской царицы к гробницам своих предков»

Василия Смирнова, как и Васнецова, вдохновила на создание «византийского» полотна поездка по Италии, в частности византийские мозаики в городе Равенна.

На картине «Утренний выход византийской царицы к гробницам своих предков» он запечатлел Мавзолей Галлы Плацидии, который легко узнавался по мозаикам южного люнета: сцене со святым Лаврентием у костра и голубями у ног апостолов. А вот имя самой императрицы осталось неизвестным.

Источником вдохновения Смирнова, вероятно, была мозаика с портретом святой императрицы Феодоры из базилики Сан-Витале, на которой бывшая гетера была изображена в богатом наряде, в императорском венце и в окружении знатных дам.

Картина Смирнова продемонстрировала качественно новый подход к историческому жанру в русском искусстве. Художника интересовала не только точность исторических деталей, но и эмоциональность изображенных персонажей: герои его полотна скучали, замирали в восхищении или истово молились.

Фреска и фресковая живопись

История, классификация и примеры знаменитых произведений фресковой живописи.

Что такое фреска?

Термин фреска происходит от итальянского «свежий» и описывает подход к созданию живописи, в котором цветные пигменты смешиваются с водой, а затем наносятся непосредственно на свежую известково-гипсовую поверхность, которой обычно служат отштукатуренные стены и потолки. Жидкие краски впитываются гипсом и после высыхания они остаются в поверхности. Перед нанесением красок художник, зачастую, делал подготовительный рисунок (синопию) красным мелом.

Тайная вечеря. Леонардо.

Существуют три основных типа фресковой живописи: «буон» или истинная фреска, «секко» и «меццо». Первый тип является наиболее распространенным методом создания работ и предполагает использование пигментов, смешанных с водой (без связующих веществ) на тонком слое мокрой, свежей извести или гипса. В противоположность ему, секко-фреска создается на сухой штукатурке и, следовательно, требует связующего вещества (например яичной темперы, клея или масла), чтобы цветовой пигмент держался. Самая известная работа, созданная подобным образом — Тайная вечеря. К 1600-му году в значительной степени начинает преобладать меццо подход, в котором используется влажный слой поверхности, в который краска проникает не слишком глубоко.

Апофеоз Игнатия. Андреа Поццо.

Читать еще:  Фигуративные картины. Надежда Пронина

Фреска практиковалась еще в 2000 г. до н.э. в бронзовом веке минойской цивилизации. Одни из первых росписей появились в Марокко и Египте. Также распространение фресковая живопись получила в культуре Греции, Рима и Индии. Таким образом стиль был популярен по всему древнему Средиземноморью.

Византийские религиозные фрески

Византийские (а также средневековые русские) течения в искусстве основывались на росписи в церквях и соборах. Эти фрески иллюстрировали сцены из Библии. Значимыми мастерами в этом направлении считаются Феоман Грека, Андрей Рублев, Дионисий и другие. Эта форма христианской средневековой живописи испытала сильное влияние готического искусства.

Итальянское Возрождение

Своего апогея фреска достигает во времена итальянского высокого ренессанса. Итальянские художники 15-го века использовали этот стиль для создания религиозных сюжетов в соборах и церквях. Исключение представляли только мастера из Венеции, так как город был слишком влажным для подобных приемов живописи. В списке итальянцев, чьи фрески вошли в историю изобразительного искусства значатся работы Тициана, Боттичелли, Перуджино, Микеланджело, Мазаччо и Рафаэля.

Станцы Рафаэля

С течением времени и развитием маньеризма, вкусовые предпочтения склонились к созданию больших холстов и гобеленов маслом, что ограничило охват фресок, которые стали использоваться в основном для потолочной росписи.

Стиль барокко можно считать последним периодом, когда массово создавались грандиозные фрески. Наиболее известные работы того времени принадлежат Аннибале Карраччи, Пьетро да Кортона, Луки Джордано и многим другим.

Византийские фрески Кипра.

Православие — буквально «правильное суждение», «правильное учение» или «правильное сла́вление».

Православие сложилось в первом тысячелетии от Рождества Христова на территории Византийской империи и впоследствии распространилось на Балканском полуострове, в Восточной Европе и на Ближнем Востоке.

После распада Римской империи на Восточную и Западную части, Кипр в 395 году, оказался под властью Византии, став её частью. Этот период продолжался почти 800 лет, прерванный периодом арабского доминирования 648—965гг.

Закончился Византийский период в 1191 году, во время правления Исаака Комнина Кипрского, когда английский король Ричард I Львиное Сердце занял остров во время Третьего крестового похода.

В период Византийского господства на Кипре было православие. И , понятно,что построили много православных храмов.

Со времен Византии осталось не так много мест, где фрески сохранились. И Кипр — одно из них. Здесь много церквей с фресками в хорошем состоянии. Они очень разные по стилю и манере исполнения, и принадлежат разным школам.

Что же такое фреска? Итальянское слово фреска (fresco) означает свежий, сырой. Это живопись по сырой штукатурке. Стену покрывают известковым раствором и, пока он свежий, пишут пигментом, разведенным чистой водой. Когда штукатурка высыхает, краски оказываются словно впаянными в стену. Фреску художник должен писать очень быстро, так как раствор высыхает полностью за 10-15 минут, и тогда уже краски на нем не закрепляются.

Поэтому эта техника требует большого мастерства и точности. Стоит художнику чуть ошибиться, провести неверную линию, и приходится полностью счищать уже готовый фрагмент, еще раз покрывать стену штукатуркой и начинать все заново.

Точная дата появления фресок неизвестна, но уже в период Эгейской культуры (2-е тысячелетие до нашей эры) фресковая живопись получила широкое распространение. В христианском же искусстве фреска стала излюбленным способом украшения внутренних и реже внешних стен каменных храмов.

Византийские художники создали свой идеал красоты. Античных мастеров восхищала красота человеческого тела. Византийцы же скрывали ее под одеждой: художник писал не тело человека, а «образ его души»!

Скрытые роскошными хламидами, фигуры похожи на аппликации; маленькие символичные ножки поставлены так, будто тела зависли в воздухе, а лики (уже лики, а не лица) суровы, неподвижны и оцепенело смотрят вперед: что для жизнелюбивой Античности — сущая скука, а для Византии — основанный на самоотрешении духовный идеал.

Каждое изображение имело строго определенное место внутри храма: в куполе помещалось изображение Христа в виде грозного судии, ниже — ученики Христа (апостолы), на стенах и столбах — святые и пророки, на западной стене храма — сцена Страшного суда.

Один из византийских авторов утверждал: «Изображения употребляются в храмах, дабы те, которые не знают грамоты, по крайней мере, глядя на стены, читали то, что не в силах прочесть в книгах».

В Византии в росписи стен до XII века сохранялись античные традиции — верхний слой грунта делался известково-мраморным, выглаженным до слабого блеска. По нему писали с расчетом на его просвет сквозь красочный слой.

Но в XII веке византийские мастера стенописи уже пишут на матовых грунтах — левкасах из сильно «отощенной» извести, но с введением в нее традиционных римских наполнителей (толченных известняка, мрамора, черепицы и других).

Однако масштабность настенных росписей, выполняемых в Византии, требовала увеличения времени работы по свежему раствору. Поэтому с XII века количество слоёв штукатурки уменьшилось до двух, в раствор вместо толчёного мрамора вводились для нижних слоёв солома, для верхних — лён или пакля, хорошо удерживавшие влагу. Добавки эти были минимальными, но оказывали существенное воздействие на качество грунта. Такие трубчатые грунты самые долговечные, это и подтверждено хорошей сохранностью произведений стенописи, на них выполненных.

Наивысшего расцвет византийской фрески, был период с середины IX по XIV век. Правила древней византийской фресковой живописи описаны в «Ерминии Дионисия Фурноаграфиота» иконописца Дионисия (XVII век)

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector