Хорватский художник. Hrvoje Majer

Хорватский художник. Hrvoje Majer

Хорватские художники

Окунуть кисть в баночку с краской возможно даже выдавить ее ровно из тубы на полотно, все в тени какой-нибудь линии или ветвистого каштана — сколько кварнерских гаваней, таким образом, ровно с побережья, перенес на полотно художник? А звук удара по резцу, который разносится по мастерской скульптора, работавшем на белом камне — сколько он соперничал с шумом морских волн? Это вопросы, на которые иногда не следует ожидать ответов. Так же как этого не ожидали ни те многие, которые работали в когда-то многочисленных мастерских каменотесов, пока порох попадал им в складки одежд, ни мастера-плотники.

Произведения кварнерских художников украшают самые знаменитые мировые коллекции. Одно из самых известных мировых художественных имен — несомненно Юлие Клович (1498—1578), миниатюрист из Грижана, возле Нови-Винодолски. Georgius Julius Croata , то есть Юрай Юлий Клович Хорват, покинул свой родной край мальчиком, и позже работал в Риме, Венеции, Флоренции и Парме. Современники очень ценили Кловича, и называли ласковым прозвищем «Микеланджело мини­атюр». Клович, по обычаям того времени, нарисовал многим заказчикам — итальянским кардиналам, венгерскому королю Людовику II, и другим — произведения, которые считаются шедеврами изобразительного искусства. Особенное удовольствие глазам зрителя — кодекс Beatissimae Mariae Virginis Officium, создан для кардинала Гримания (хранится в Британском Музее), кому Клович роскошно украсил и Комментарий послания св. Павла римлянам. Шедевром считается и Officium Virginis , сотворен для кардинала Фарнезе (Пьерпойнт Морган библиотека, Нью-Йорк). Миниатюры, произведения рук Кловича, мастерски нарисованы, изящно покрашены, персонажи находятся в роскошно декоративном окружении, и привлекают внимание удлиненностью и загадочным выражением лица.

Имя Кловича связывали и с Вазари, Брюгхелем, Колонной, а великий Эл Греко частично свою мировую славу должен именно Кловичу, который, тогда молодого, артиста порекомендовал кардиналу Фарнезе. Эл Греко ценил Кловича и дважды портретировал его. Сначала отдельно, на картине в Неаполе, а затем присоединивши его персонажам Рафаэля, Микеланджело и Тициана в нижней части картины Изгнание торговцев из храма.

Два столетия позже, иной молодой человек приехал в Риеку, где и остался всю свой жизнь, еще сорок лет. Антонио Микелацци (1707—1772) в Риеке обладал собственной скульпторской мастерской.

Лучшим художником Риеки 19 столетия считается Джованни Симонетти (1817—1880). Еще студентом, он получил многие награды венецианской Академии. Он стал выдающимся портретистом, мастером рисования с масляными крас­ками, что можно увидеть в его портретах тогдашней городской верхушки. Успех он постиг и своими миниатюрами, пастелями и акварелями.

Его скульптуры можно увидеть и вне городских стен — в соборе в Граце, в соборе в Загребе, и во многих других поселениях Истрии и Кварнера. Некоторые из его лучших произведений — кафедра проповедника, и алтари св. Иосипа и св. Франьо Ксаверски — украшают Церковь св. Вида в Риеке. В другой церкви того же города, Церкви св. Еронима, и в Церкви св. Петра и Павла в Брибире, он сделал главные алтари. Его произведения — между самими лучшими произведениями хорватского барочненный век, со дня рождения до смерти. В момент его рождения, город считается частью Венгрии, к времени его возврата из Академии в Будапеште, город уже в руках итальянцев, позже власть переходит Югославии. Несмотря на все исторические перемены, Венуччи не уезжает из своего родного города. То восхвален, то беспощадно критикован, он всегда здесь, и становится метафорой Риеки. И ее мифом. Это ли причина тому, что на первый взгляд кажется, что его богатый опус состоится из различных, иногда даже контрадикторных, кажется, стилевых фаз? Венуччи постиг художественный пик своими произведениями на базе кубоконструктивизма и футуризма.

В опусе графика и художника Вилима Свечньака внимание в особенности привлекает его первая фаза, где он особенно посвяща­ется социальным мотивам. Это было в соответствии с принципами группы Земля, чьим членом был Свечньак. Хотя он стал уважаемым художественным артистом, Свечньак не забыл о своем детстве в чабарском крае.

Художник Иво Калина прожил большую часть своей жизни в Опатии. Многие поэтому легко узнают в его пастелях средиземно­морские мотивы, или игривый средиземноморский колорит. Калина рисует с сильным абстрактным искусством, но, хотя он умеет открыться инстинкту, краске, знаку, жесту или материи, это никогда не идет на ущерб типично художественной композиции. Калина не экспериментирует с новыми приемами, это художник узнаваемого темперамента, сильного взмаха кистью, округленных, объемистых линий. Заразительный смех Калины, смех одного из лучших хорватских артистов, все еще слышен в его картинах.

Большинство своего времени Отон Глиха (родился в 1914 году) проводит в Омишле, на острове Крке. Он связан с Крком не только пребыванием там, но и самой интересной частью своего опуса. Цикл Громаче — название старых каменных стен, в природе, на острове Крке — ряд картин которые Глиха рисует с пятидесятых годов. Они стали синонимом его художества. Это сплетение странных линий на голой островной поверхности становится художественным знаком, иероглифом, который уже столетиями носит кодовое сообщение о единстве жителя приморья и природы островов. Громаче, присущие пейзажу Крка, также показывают ритмическое совпадение с глаголи­цей, этим старым письмом, высеченным на каменной плите.

Мирко Зриншчак (родился в 1953) является одним из представителей нового поколения кварнерских художников. Этот житель Волоско, необычайной биографии — он работал мясником, матросом, работником, ночным привратником, шофером, официантом — закончил Академию в Венеции, и сегодня, в своем доме на вершине Учки, вокруг которого только лес, и где он с остатком мира связан только горной тропинкой, он работает над одним из самых интересных художественных опусов в Хорватии. Собирая кусочки того, что дарит ему природа и его окружение (дерево, воск, битуме, гвозди, стекло), Зриншчак из такой, очень часто органической материи, у которой своя история многих столетий, и тысячелетняя энергия, создает конструкции помощью «глубокого колодца прошедшего». Его знакомые говорят, что и сам Мирко Зриншчак излучает мирную, постоянную энергию. Он представлял Хорватию на венецианском Бьеннале современного искусства в 1996 году, когда оно праздновало столетнюю годовщину своего существования.

Читать еще:  Слияние импрессионизма и реализма. John Haag

parashutov

parashutov

ЖЗЛ (ЙОЗО КЛЬЯКОВИЧ. СТРАНСТВУЮЩИЙ ХОРВАТ. )

Решил вернуться к самой обширной рубрике своего дневника «ЖЗЛ» и рассказать вам об интересном хорватском художнике, одном из основателей современного хорватского искусства ХХ века.

Йозо Кльякович
Jozo Kljaković

10 марта 1889, Солин — 1 октября 1969, Загреб

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Autoportret. 1952 г.

Хорватский художник, писатель и иллюстратор, один из ярких мастеров хорватского искусства ХХ века.

Йозо родился первенцем в многодетной семье из девяти детей у Николая Кльяковича Сантица и Павицы Гашпич.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Moj otac (Мой отец). 1935 г.

В городе Сплит мальчик посещал Королевскую среднюю школу, которую окончил в 1908 году. Затем он изучал математику и физику на факультете философии в Загребе и архитектуру в Техническом университете в Праге (где преподавал живопись Буковац) и в Вене.
Вернувшись из Австрии в Загреб Йозо поступает в Школу ремесел, где начинает изучать живопись в мастерской профессора Франье Павачича (Franje Pavačić). Продолжил Кльякович обучение в Риме, в Институте изящных искусств, и в Школе Фердинанда Ходлера в Женеве (1917), а завершает свое художественное образование в Париже, где в 1920 году поступает в Академию Рансона и изучает настенную живопись в классе Мориса Дени и Марселя Ленуара.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Salome. 1911 г.

С 1912 до 1915 года молодой художник живет в Сербии. Избегая военной службы в армии Австро-Венгерской империи, он бежит в Сербию, где получает работу учителя рисования в школах Заечара и Неготина. Первая мировая война застигает Йозо в Сербии. Поскольку Кльякович не мог вернуться в Хорватию, боясь наказания из-за отлынивания от военной службы, он через Салоники перемещается в Марсель, затем переезжает в Париж, а позже в Женеву, где живет и работает с 1916 по 1918 год.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Three Graces. 1918 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Les Esclaves (Рабы). 1918 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Akt.

После Первой мировой войны художник возвращается в Загреб. С 1921 по 1943 год Кльякович работает профессором в Академии художеств в Загребе, где он преподавал настенную и декоративную живопись. Для мэрии Загреба он создает картину «Конфликт Каптола и Градеца на Кровавой мосту», а вместо гонорара получает участок земли, где строит дом, в который переезжает в 1929 году вместе со своей женой Антонией Коблар и сыном Крунославом.
После убийства югославского короля Александра I Караджорджевича в 1934 году, художник подписал так называемый Загребский меморандум интеллигенции о ситуации в стране. Среди вопросов, которые обсуждались в середине 1937 года, были предложения по проекту конституционного переустройства государства.
Кльякович был членом Хорватского общества искусств, он был одним из организаторов выставки «Полвека хорватского искусства», которая в 1938 году прошла в Доме изобразительных искусств короля Петра в Загребе.
Вторая мировая война застает художника в Загребе. Через несколько месяцев после создания Независимого государства Хорватия (Nezavisna Država Hrvatska), которое возглавили усташи — нацистская ультраправая организация, основанная Анте Павеличем в 1929 году в Италии, художник 11 ноября 1941 года был арестован. Его вместе с хорватским скульптором и архитектором Иваном Местровичем (Ivan Meštrović, 15 августа 1883 – 16 января 1962) обвинили в попытке бежать в Италию, а затем в Испанию и Швейцарию, где они якобы собирались выступать против новой власти. Некоторое время Йозо и Иван проводят в тюрьме, их освобождают в феврале 1942 года по причине вмешательство ряда известных лиц общественной и политической жизни страны. Заключение в тюрьме заменяют на домашний арест.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Autoportret. 1942 г.

В 1942 году картина Кльяковича «Бичевание» проходит хорватский отбор на XXIII Венецианскую биеннале, но покинуть страну художник не может по причине домашнего ареста. Он был снят только в начале 1943 года, и то по личному разрешению президента НГХ Павелича. На Биеннале картина художника пользовалась большим успехом.
После прибытия в Рим весной 1943 года, Кльякович остается в Италии в эмиграции. В Риме художник остался в Папском хорватском колледже святого Иеронима, для которого написал несколько религиозных картин. Вскоре его избрали вице-президентом Братства святого Иеронима, которое активно помогало хорватским беженцам.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Sveti Jeronim (Святой Иероним). 1965 г.

Во время пребывания в изгнании Кльякович увлекся литературой, стал писать прозу, также публиковал статьи в эмигрантских газетах, в частности «Голос Хорватии», и в журнале «Хорватия».
После Второй мировой войны художник решает не возвращаться на родину. Не желая переезжать во вновь созданное государство Югославия, из-за разногласий с нынешним социалистическим режимом, Кльякович в 1947 году уезжает в Буэнос-Айресе.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Smrt slikara (Смерть художника). 1948 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Masks 1949 г.

Обратите внимание, что в образе масок художник изобразил политическую элиту эпохи — Сталина, Гитлера, Муссолини, Броз Тито, Чан Кайши и других лидеров и диктаторов.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Revolucija. 1950 г.

По настоянию друзей Йозо стал писать мемуары, в 1952 году в Буэнос-Айресе была издана книга воспоминаний «В современном хаосе». В 1961 году в Риме выходит автобиографический роман «Кровавые волны: отрывки из современной жизни». В эпилоге книги автор предсказал смерть коммунизма в 1992 году. Осталась неизданной книга очерков под названием «Почему вы меня избиваете» о хорватских проблемах культурной и политической жизни. Книга была издана только в 2011 году.
В 1958 году Кльякович приезжает в Рим, чтобы выполнить большую роспись в здании Института Святого Иеронима. В Загреб художник возвращается только в 1968 году, а через год умирает. Его дом и картины, мебель, книги и скульптуры в 1969 году были переданы городу Загребу.

Читать еще:  Современный испанский художник. Manuel Sanchez Almendro

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Tri generacije (Три поколения). 1949 г.

Кльякович был разносторонним художником. Он писал религиозные картины и портреты знаменитых людей. Создал цикл из 14 фресок в церкви Святого Марка в Загребе, в приходских церквях Вранича и Доброты, в Городском совете Загреба и других учреждениях. Кроме того, художник рисовал карикатуры и плакаты, занимался иллюстрированием книг. Кльякович активно экспонировался в Хорватии и за рубежом, он принял участие в более чем 70 выставках.

Закончу материал еще небольшой подборкой картин художника, написанных в 1940-е и 1950-е годы.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Povratak ribara (Возвращение рыбаков). 1945 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Na plaži (На пляже). 1948 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Povratak ribara (Возвращение рыбаков). 1945

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Otmica Europe (Похищение Европы). 1947 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Ženski akt. 1944 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Ženski nudo. 1953 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Bakhova svečanost (Церемония Бахуса). 1953 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) Interijer. 1953 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) U studiju. Atelijerska scena. 1954 г.

Jozo Kljaković (Croatian 1889-1969) U studiju. Metamorfoza slikara (В студии. Метаморфоза художника). 1954-1955 гг.

Материалы собраны и переведены из Википедии и хорватских сайтов.

Хорват, Хрвое

  • 1959—1962: Партизан (Бьеловар)

  • 1962—1979: Партизан (Бьеловар)
  • 1979—1980: Мильбертсхофен
  • 1980—1983: Швабинг

  • до 1993: Гуммерсбах [1]
  • 1993—1997: Айтра
  • 1997—1999: Вилльштет [2]
  • 1999—2003: Мельзунген [3]
  • 2005—2009: 2000 Кобург
  • 2009—2011: Дубрава
  • 2011—2013: 2000 Кобург
  • 2013—н.в.: Дубрава

Хрвое Хорват (хорв. Hrvoje Horvat , родился 22 мая 1946 года в Бьеловаре) — югославский хорватский гандболист, олимпийский чемпион 1972 года в составе сборной СФРЮ. Стал известен под прозвищем «Цвеба» (хорв. Cveba ) [4] .

Содержание

Игровая карьера

Хрвое пришёл в гандбол в возрасте 13 лет в команду «Партизан» из Бьеловара, с которой неоднократно побеждал в чемпионате Югославии, а в 1972 году выиграл Кубок европейских чемпионов. В сезоне 1975/1976 году он набирал в среднем по 12,2 очка за игру. В 1979 году перебрался в чемпионат Германии в команду «Мильбертсхофен», а через три года, после завершения сезона 1982/1983 завершил карьеру, поиграв за «Швабинг».

Хорват выступал за сборную Югославии, проведя в её составе рекордную 231 игру. В 1972 году с командой он завоевал золото Олимпийских игр в Мюнхене, а в 1976 году стал знаменосцем сборной на церемонии открытия игр в Монреале (на тех играх сборная Югославии стала 5-й). В 1970 и 1974 годах завоёвывал со сборной бронзовые медали чемпионатов мира.

Тренерская

В Германии Хорват стал гандбольным тренером и проработал с рядом немецких команд. В 2005 году он стал наставником клуба «2000 Кобург» и вывел его во вторую лигу. С 2013 года он тренирует хорватский клуб «Дубрава».

Личная жизнь

Окончил юридический факультет Загребского университета. Жена Дуня, дочери Ясенка и Ваня и сын Хрвое. Ясенка была в своё время замужем за гандболистом Изтоком Пуцем, одним из самых известных в истории гандбола [5] . Работает и проживает в Кобурге.

Герхард Несвадба

Герхард Несвадба (Gerhard Nesvadba) принадлежит к небольшому числу по-настоящему квалифицированных художников, которые имеют врожденную восприимчивость света, композиции и цвета. Сочетание традиционного подхода и очень личных ощущений изливается со спокойным солнечным светом в его сельских пейзажах, а любовь к живописи проявляется в каждом полотне, которое он создает.

Похожие картины

Животные в живописи, Пейзажи природы, Современные художники

Великие художники, Пейзажи природы

Великие художники, Пейзажи природы

Животные в живописи, Пейзажи природы, Современные художники, Цветы в живописи

7 главных работ Герхарда Рихтера с выставки в Еврейском музее

«Впервые работы Рихтера я увидел, когда был сокуратором галереи Тейт. Это был 1995 год, и к тому времени Рихтер уже получил свое признание — стал одним из главных художников мира. Я тогда подумал, до чего это выдающийся мастер — не из тех, кто продолжает традицию, но в корне меняет ее. С одной стороны, это удивительно сильный живописец, с другой — ему так много есть что сказать о нашем отношении с окружающим миром, реальности, эмоциях и даже музыке.

Меня очень интересовали две темы его работы: с одной стороны, развитие абстракции, с другой — фотографические картины Рихтера, которые всем известны. Герхард говорил, что реальность невозможно познать, но в нашей голове есть образ реальности, и это философское понятие в некотором смысле стало его путеводной звездой — он работал над этой темой всю жизнь. Мы живем в мире, где доминирует медиа: только подумайте, какими мы помним исторические события, например, 9/11. Многие из нас не видели этого, но помнят картинки из медиа — и наша связь с реальностью становится все более сложной и опосредованной».

Биркенау, 2014. Холст, масло

«Эти картины связаны с самым страшным эпизодом истории XX века. Рихтер смотрел на фотографии лагеря 1944 года — где люди бегут через леса, где происходят ужасные вещи, где мир как будто бы перевернулся. Он задал себе один вопрос: можно ли нарисовать картину по мотивам этих событий? Он взял эти фотографии и создал черно-белые фигуративные рисунки. Но потом понял, что они совершенно не передают смысла того кошмара, который случился. И нарисовал сверху абстрактную композицию. А потом сделал это снова и снова. И форма, которую теперь приняла картина, — это память о Биркенау. Я задал ему вопрос: почему ты сначала попытался нарисовать реалистическую картину? Он мне ответил: чтобы доказать самому себе, что это невозможно. Ни одна картина не может показать реальность Биркенау. Тогда я его спросил, что же означает тот результат, который получился? И он сказал: это беззвучная эмоция. Ни одна картина, ни одна фотография не покажет, что случилось. Это самое близкое из того, что можно сделать, чтобы помнить об этом».

Читать еще:  Художник внутреннего созерцания. Олег Вдовин

Биркенау, 2015. 93 фрагмента книги «Биркенау». Бумага, цифровая печать

«Он разобрал свою картину на 93 фрагмента, перетасовал их и разложил в новом порядке. Новая композиция показывает то, как работает наша память с прошлым, — она делит его на фрагменты и раскладывает по-новому».

Биркенау, 2014. Фотография. 4 работы

«Не знаю, получится ли у вас понять сразу, но это на самом деле фотографии. Вам кажется, что вы смотрите на настоящие картины, но вы смотрите на самом деле на репродукцию. Зачем было делать это? Рихтер говорит, что есть историческое событие, и на него наслаивается наше восприятие, наша память — уровень за уровнем. В своих работах он двигался от фотографии и репрезентации к абстракции, шаг за шагом. А когда вы смотрите на картины Рихтера, которые он разобрал на части или сфотографировал, и размышляете о них, то заново переосмысливаете его работы — точно так же, как мы сегодня заново осмысливаем события, которые лежат в их основе».

Посещение музея, 2011. Цветная фотография, лак

«У Рихтера есть две любимые темы: картины, основанные на фотографиях, и абстрактные работы. Для большинства художников эти направления противоречат друг другу, ты как будто бы не можешь быть всем: либо ты фигуративный художник, либо абстрактный. А Рихтер знаменит тем, что ему удается совместить все и сразу. Он занимается образом — тем, что напоминает реальность, но ей не соответствует. А вот в этой работе он использует свои собственные фотографии, а надо сказать, что он постоянно фотографирует. Если вы присмотритесь повнимательнее, то увидите, как в этих работах под абстрактными пятнами краски скрывается фотография. Обычно фотографии и живопись художники используют отдельно, но здесь происходит что-то новое: они становятся чем-то единым и целым. А лично у меня от этих работ возникают собственные ассоциации: я вспоминаю тот момент, когда чистое ощущение цвета и формы вдруг приобретает значение — как будто мы смотрели на расплывчатые тона и не могли понять, что это. А потом вдруг что-то щелкает в голове, и образ принимает форму. И вы понимаете, что это, например, человек — или стул. В целом вся выставка — об этом моменте».

Аггада, 2006. Холст, масло

«Это, как мне кажется, самая прекрасная картина на выставке. Еще один реверанс месту, где все происходит, Еврейскому музею. Аггада — текст, который рассказывает историю еврейского народа, а именно про тот момент, когда евреи покинули Египет. Это случилось так давно, что мы даже не можем представить, как это было в действительности, но теперь у нас есть картина, которая рассказывает об этом. Я помню, как Рихтер однажды сказал мне удивительную вещь. Он атеист, но много думает о вещах, которые невозможно познать, — а что это такое на самом деле, как не вера. И вот он говорит мне, что нужно потерять Бога, чтобы обрести веру. А чтобы писать картины, нужно потерять для себя искусство».

Аладдин, 2010. Стекло, акрил

«Все свои знаменитые работы он пишет малярной кистью или валиком, создавая плотную живопись, уровень за уровнем: слои краски как следует проникают друг в друга. А недавно он поступил совершенно наоборот — предоставил краске полную свободу. Вместо масла он выбрал акрил, то есть ту краску, которую непросто удержать на месте, — и позволил ей жить своей жизнью на стекле. А потом зафиксировал результат — покрыл его сверху другим стеклом и тем самым остановил движение краски, как будто бы его заморозил. Он остановил момент и тем самым как будто бы создал фотографию: попытался действовать как камера — как машина, которая не делает суждений, не решает, что рисовать, а просто обладает удивительной способностью останавливать время, когда вы нажимаете на кнопку».

Эльба, 2012. Бумага, художественная печать

«Это самая ранняя работа из тех, что представлены здесь, — 1957 года. Рихтеру тогда было 15 лет. Он учился в художественной школе в Дрездене, чтобы получить традиционное образование в области живописи. И вот однажды он создал серию этих картин, часть из которых достаточно фигуративна, — видите маленькие человеческие фигурки, луну, ландшафт? Но чем дальше он над ними работает, тем более абстрактными они становятся. Мне кажется удивительным, что в самом начале своей карьеры он уже пытался понять то, чем занимался всю дальнейшую жизнь. Как будто бы он родился с этим размышлением о границе фигуративной живописи и абстракции.

XX век выдался в этом смысле очень скучным: художники либо копировали окружающий мир, либо создавали ему альтернативу, абстракцию. А он вобрал в себя все. А та работа, на которую вы смотрите сейчас, — одновременно и самая ранняя, и самая поздняя. Вы не смотрите на реальные рисунки, но на недавно оцифрованные работы. Это маленькая хитрость, с помощью которой, как я думаю, Рихтер хотел сказать, что вы никогда не смотрите на реальность».

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector