Художник и скульптор. Amour-1

Художник и скульптор. Amour-1

Канова. Психея, оживлённая поцелуем Амура

Антонио Канова. Амур и Психея(«Психея, оживлённая поцелуем Амура» реплика 1794—1796.Мрамор. Высота 155 см Лувр, Париж.

Скульптор сделал несколько авторских копий этой скульптуры. Одна из них хранится в Эрмитаже.
Скульптора Антонио Кановы, выполнена из мрамора в двух вариантах по заказу, сделанному в Неаполе в 1787 году шотландским коллекционером и ценителем искусства бароном Каудором. Сюжет взят из произведения древнеримского писателя Апулея «Метаморфозы, или Золотой осёл».Реплика -авторская копия,которая находится в Эрмитаже, была сделана по заказу князя Юсупова — законченная в 1796 году, она украшала один из залов подмосковного имения Архангельское, приобретённого им в 1810 году. Этот вариант чуть меньше — его высота 137 см.

После смерти князя Юсупова в 1831 году его сын, Борис Николаевич, перевёз статую в Санкт-Петербург. Архитектор Андрей Михайлов, перестраивавший вновь купленный дворец на Мойке в 1830—1838 годах, установил скульптуру в Малой ротонде, которая ввиду этого также называлась «ротондой Кановы». После революции, когда Юсуповский дворец и вся его коллекция были национализированы, «Амур и Психея» поступила в Эрмитаж.

Канова выбрал момент сразу вслед за пробуждением Психеи от поцелуя Амура, когда влюблённые протягивают руки, чтобы заключить друг друга в объятия; Амур, сначала уколов Психею стрелой, чтобы проверить, не умерла ли она, нежно приподнимает возлюбленную, очнувшуюся от глубокого сна, навеянного испарениями, запечатанными в амфориске, принесённом ею по приказанию Венеры из подземного царства мёртвых и открытому из любопытства несмотря на запрет.

Я обратилась к этому мифу потому, что история любви Амура и Психеи послужила основой многих произведений искусства — скульптур, картин, стихов и пьес.
В европейской литературе наиболее известным переложением этого сюжета является поэтическая повесть французского поэта XVII века Ж. Лафонтена. Русский поэт XVIII века И.Ф. Богданович также создал поэму об Амуре и Психее. К этой теме обращались Брюссов,Куприн и Марина Цветаева.А художники и скульторы особенно любили эти образы.

ЛЕГЕНДА. АМУР И ПСИХЕЯ.

В мифе говорится, что у одного царя были три красавицы дочери, из которых красивее всех была младшая — Психея. Слава о её красоте прошла по всей земле и многие приезжали в город, где жила Психея, чтобы полюбоваться ею.
Ей стали даже воздавать божеские почести, забыв Афродиту. Последняя оскорбилась и решила погубить соперницу. Позвав своего сына Эрота, она показала ему красавицу и велела ему вселить в неё любовь к самому отверженному, безобразному и жалкому из людей.

Между тем, Психея чувствовала себя очень несчастной оттого, что все любовались ею, как бездушной красотой, и никто не искал её руки.
В горе обратился её отец к милетскому оракулу, и бог ответил, что Психея, одетая в погребальные одежды, должна быть отведена на скалу для брака с ужасным чудовищем. Исполняя волю оракула, несчастный отец привёл Психею в указанное место и оставил её одну; вдруг дуновение ветра перенесло её в чудный дворец, обитаемый невидимыми духами, и она стала женой какого-то таинственного незримого существа.

Блаженная жизнь Психеи, однако, продолжалась недолго: завистливые сестры, узнав об её благополучии, решили извести её и хитростью достигли того, что Психея нарушила данное супругу обещание — не допытываться, кто он.
Злые сестры нашептали ей, что незримый супруг — дракон, который в один прекрасный день съест её с её плодом (Психея была уже беременна), и убедили её, чтобы она, вооружившись мечом и светильником, подстерегла его во время сна и убила.

Доверчивая Психея послушалась, зажгла светильник, и, стала рассматривать своего супруга, который оказался прекрасным Эротом; в то время, как она, пораженная красотой его лица, любовалась спящим, со светильника на плечо бога упала горячая капля масла, и он от боли проснулся.
Оскорблённый вероломством и легкомыслием супруги, он улетел от неё, а она, покинутая, пошла по земле искать своего возлюбленного. Долго Психея ходила по всем землям, пока не была вынуждена преклониться перед своей соперницей, Афродитой, которая долго искала случая отомстить Психее и послала уже разыскивать её Гермеса.

В это время больной от ожога Эрот лежал у своей матери.
Очутившись под одной кровлей с супругом, но разлученная с ним, Психея должна была сносить всяческие преследования Афродиты, которая, желая ей смерти, придумывала разные невыполнимые работы. Так, Психея должна была разобрать по зернам и по родам громадную кучу смешанного зерна, достать золотое руно с бешеных овец, добыть воды из Стикса и принести из подземного царства от Персефоны (Прозерпины) ящик с чудесными притираниями.

Благодаря чужой помощи, Психея сделала всё, что велела ей Афродита, пока, наконец, не выздоровел Эрот. Тогда он обратился к содействию верховного олимпийского бога и с его помощью добился согласия небожителей на брак с Психеей, которая получила от Зевса бессмертиe и была приобщена к сонму богов. Завистливые сестры Психеи были наказаны за свою зависть и коварство тем, что разбились об утёс, прыгнув с него в расчёте, что Зефир унесет их в волшебный дворец Эрота. От брака Психеи с Эротом родилась Волупия, богиня, олицетворяющая наслаждение.

LiveInternetLiveInternet

Рубрики

  • Художники (5852)
  • импрессионисты (318)
  • Кулинарные рецепты (16)
  • Рукоделие (14)
  • Схемы для оформления дневника (14)
  • Латвия (6)
  • Венгрия (5)
  • Армения (5)
  • Сайт знаменитых художников (3)
  • Мексика (3)
  • Дизайн помещений (3)
  • Египет (2)
  • Дания (2)
  • Абхазия (2)
  • Саудовская Аравия (1)
  • Индонезия (1)
  • Финляндия (1)
  • Кипр (1)
  • Колумбия (1)
  • Сербия (1)
  • Княжество Лихтенштейн (1)
  • Исландия (0)
  • Люксембург (0)
  • Австралия (9)
  • Австрия (21)
  • Азербайджан (3)
  • Актеры кино и театра (844)
  • Антиквариат (88)
  • Архитектура (113)
  • Белоруссия (4)
  • Бельгия (7)
  • Бразилия (2)
  • Великобритания (110)
  • Вьетнам (4)
  • Германия (31)
  • Голландия (1)
  • Графика (722)
  • Греция (8)
  • Декоративно-прикладное искусство (157)
  • Достопримечательности Канады (28)
  • Достопримечательности Франции (206)
  • Париж (45)
  • Европейская готика (4)
  • Зарубежные звезды (435)
  • Звезды балета (59)
  • Из жизни знаменитостей (243)
  • Израиль (7)
  • Индия (9)
  • Интерьеры помещений (36)
  • Испания (27)
  • Италия (80)
  • Картинки (15)
  • Кино (60)
  • Китай (39)
  • Классическая живопись (1136)
  • Конкурсы красоты (10)
  • Корея (6)
  • Короли спорта (13)
  • Коста-Рика (1)
  • Культура, искусство (7734)
  • Ландшафтный дизайн (53)
  • Литва (3)
  • Литература (202)
  • Мастера фотографии (237)
  • Мир животных (90)
  • Мир моды (122)
  • Монако (4)
  • Мудрые мысли (8)
  • Музыка (разных жанров) (276)
  • Нидерланды (12)
  • Новая Зеландия (5)
  • Норвегия (7)
  • Опера (26)
  • Открытки (84)
  • Пакистан (1)
  • Польша (15)
  • Португалия (10)
  • Природа (251)
  • Путешествия (743)
  • Разное (37)
  • Россия (271)
  • Города (58)
  • Храмы (23)
  • Румыния (1)
  • С Ш А (89)
  • Сингапур (3)
  • Скульптура (114)
  • Словения (5)
  • Советские и российские актеры (404)
  • Современная живопись (4439)
  • Таиланд (4)
  • Театры, библиотеки, музеи (60)
  • Турция (3)
  • Украина (10)
  • Хорватия (10)
  • Цветы (127)
  • Черногория (4)
  • Чехия (24)
  • Швейцария (21)
  • Швеция (10)
  • Эстония (1)
  • Ювелирные изделия (50)
  • Япония (41)

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Статистика

Скульптор Alfred Boucher

Скульптор Alfred Boucher

Alfred BOUCHER

  • Родился в Bouy-sur-Or fin (Aube), 23 сентября 1850 года.
  • Умер в Aix -les -Bains, 17 августа 1934 года.
  • Скульптор, художник и меценат — Альфред Буше ещё в ранней юности увлекается скульптурой и начинает брать уроки у Мариуса Рамаса в Nogent-sur-Seine, где его отец служит садовником, затем учится у Поля Дюбуа. В 1869 году поступает в Высшую национальную Школу парижских изобразительных искусств, где профессором был Огюст-Александр Дюмон.
  • Блестящий ученик, Boucher начинает свою карьеру во Флоренции, где высекает бюсты персонажей высшего света и зарабатывает Второй приз Римского Салона. В 1874 возвращается во Францию и выставляеться на Салоне. Его произведения отличаются особым натурализмом и глубоким смыслом. Его интересы разносторонни. Это многочисленные портреты артистов или политических деятелей, бюсты или статуи, одиночные и групповые, портретные или аллегорические. В своих произведениях Буше использовал различные материалы: бронзу, мрамор, гипс, терракоту, дерево, керамику, олово, отливая фигуры в нескольких размерах.
  • Творчество скульптора было очень высоко оценено ещё при жизни. На Салоне 1874 года за работу «Ребёнок у фонтана» он получает медаль третьего класса; в 1887 году Boucher присвоили звание Кавалера Легиона чести; на Всемирной выставке 1889 года – вручили золотую медаль Салона; в 1900 году — Гран-При Всемирной выставки; а в 1925 году он получает звание Офицера Большого Креста.
  • Увлёкшись общественной деятельностью, Буше создаёт в 1902 году кружок для молодых скульпторов — «Улей искусств», куда привлекает передовую молодёжь. Завязывает дружеские отношения с Огюстом Роденом, который его всячески поддерживает. Ведёт насыщенную общественную деятельность. Музею Dubois передаёт в дар пятьдесят своих скульптур.
  • Его работы отливали лучшие мастера:
    • Barbedienne Au but! La Chasseresse, 135 et 54 cm. Terrassier ou L’Effort, 67, 56 et 41 cm.
    • A. A. Hébrard Satyre et bacchante, 83 et 40 cm.
    • Siot-Decauville
    • Au but! (plusieurs dimensions).
    • La Bourrasque, couple de faucheurs.
    • Faneuse ou Paysanne à la fourche, 90 et 57 cm.
    • Jeune Fille à la fontaine, 52 cm.
    • Susse
    • L’Amour boudeur, 47, 32 et 16 cm.
    • Hirondelle blessée, 93, 80, 68 et 46 cm
    • Jeanne d’Arc dans sa prison (quatre dimensions).
    • Renommée, étain, 27 cm
  • В музеях Франции хранятся его многочисленные произведения.
  • Информация взята из:
    • Dahhan, стр. 49
    • Kjellberg , стр. 122-123, Mackay, стр. 48.
Читать еще:  Современное изобразительное искусство: картины от души или жажда наживы

»

Улей ( фр. La Ruche ) — знаменитый парижский фаланстер начала XX века, созданный в 1902 году меценатом и скульптором-любителем Альфредом Буше .

В конце 1900 года Альфред Буше приобрел на юго-западной окраине Парижа, в тупике Данциг , вблизи остатков городских укреплений, участок в пол-гектара. Там он установил напоминающую круглый улей трехэтажную ротонду — купленный им с распродажи имущества Всемирной выставки 1900 года павильон бордосских вин по проекту Эйфеля — и другие лёгкие сооружения.

В 1902 г. он открыл комплекс La ruche (Улей) из 140 ателье-студий, которые стал сдавать за символическую плату начинающим художникам и литераторам (месячная аренда мастерской стоила как два недорогих обеда). Среди его обитателей были Леже , Модильяни , Шагал , Сутин , Цадкин , Архипенко , Нюренберг , Кремень , Штеренберг , Костецкий и другие. Сам Буше построил на территории комплекса маленький домик, который занимал вплоть до своей смерти в 1934 году.

В настоящее время Улей остается жилым и артистическим комплексом.

Alfred boucher camille claudel biography

Амуры, Купидоны, Ангелы в творчестве мануфактуры Meissen

Обращение к различным аллегориям скульпторов 18-ого века очень часто наблюдается в изделиях знаменитой фарфоровой фабрики Meissen. Часто такие аллегории исполнялись на заказ русской императрицы Екатерины Второй, которая очень любила эту тему именно в фарфоровом исполнении.

Аллегории были распространены в эпоху Возрождения и Классицизма. В переводе с греческого Аллегория обозначает иносказание, то есть выражение какого-либо отвлечённого понятия посредством какого-либо конкретного образа. Аллегория – это искусственное построение того или иного образа, в котором большую роль играют символы. В свою очередь такие символы не сочиняются и не составляются, а берутся из реального мира, который окружает человека. Обобщённое сознание человечества выявляет соответствие такого символа с построенным образом. Символ имеет устойчивый постоянный характер, однако в отличие от аллегории символ может быть растолкован различно, то есть он многозначен.

Символы и аллегории являются важнейшими инструментами моделирования образов действительности. Они создают представление о том, что не доступно конкретному изображению. И именно по этой причине символические и аллегорические образы стали безумно популярны в прикладном искусстве, поскольку позволяли художнику или скульптору выражать свои идеи не прямо, а посредством неоднозначноти, многогранности, многоплановости и при помощи большого выбора красивых образных способов их выражения.

Амуры являются одним из многих аллегорических и символических образов, активно использующихся в искусстве.

Это был классический типичный мотив для мануфактуры Майсен ещё с 18 века. Очень многие фигурки амуров — «amoretti» — т.е. детей с крыльями и стрелами в облике ангелочков — использовались в качестве декоративного средства, украшающего вазы, подсвечники, каминные часы и для фигурных композиций на аллегорические темы.

Маленький шаловливый бог любви даже после пышных барокко и рококо имел своё место в скульптуре и часто сопровождал образы влюблённых, либо был непременным дополнением в различного рода аллегориях.

Образ Амура восходит к мифологическому божеству Эросу, который являлся греческим богом любви. Он был сыном Марса (Ареса) и его любовницы Венеры (Афродиты). В эпоху Эллинизма образ Эроса претерпел некоторые изменения и вместо милого юноши он стал крылатым путти или амуром иногда с луком и стрелами. Все, кого он сражал своей стрелой, были обречены на сжигающую всепоглощающую страсть любовного чувства.

Бог любви, как самого загадочного и интригующего человеческого чувства, в образах Амура, Путти, Эрота или Эроса служил одним из самых любимых сюжетов для поэтов, художников и скульпторов. Он стал символом личного сердечного чувства, способного поработить как богов, так и людей, а также символом определённой силы, управляющей миром и судьбой. Эрот, по мифологии, справился с грубостью первобытных нравов, поэтому, очень часто, его изображали в искусстве укротителем диких и свирепых зверей.

«Несущий депешу» Августа Ринглера (1899-1904 гг)

Можно встретить ещё одно имя для Амура — Купидон – это римское название Греческого Бога Любви – Эроса.

Очень известная серия «Devisenkinder» от 1775 года одного из скульпторов Майсен Виктора Асье (1736-1799) в образе Ангелов-амуров изображает различные шутливые и добродетельные аспекты любви. Каждый амур обладает своими собственными аттрибутами и выражает определённую мысль, соответственно которой у каждого амура есть слоган, который написан на французском языке на боковой стороне цоколя каждого скульптурного изделия.

Фигуры ангелов-шалунов из коллекции Мишель Виктора Асье (1775 год)

Амуры играют с сердцами, воспламеняют, отвергают их, запирают в клетке. Такая серия была создана по эскизам известного художника Франсуа Буше, который стал вдохновителем для многих скульпторов того времени.

Картина Франсуа Буше «Гении Искусств» (1761 год)

Фрагменты картины «Гении Искусств»

Франсуа Буше «Аллегория Музыки»

Фигурные композиции Виктора Асье 1774 года

«Аллегория Астрономии» «Аллегория Скульпторного Искусства» «Аллегория Изобразительного Искусства»

Другая серия Амуров в его же исполнении выступала в качестве аллегорий искусства, архитектуры, истории и различных времён года. Надо сказать, что прообразом для таких аллегорий стали фигурные композиции самого талантливейшего скульптора 18 века Иоганна Йоахима Кендлера, который также часто изображал аллегории 4 стихий и времен года, используя образы купидонов, амуров и ангелочков.

Читать еще:  Современный сербский художник. Dejan Deki Milivojevic

Аллегории Огня, Воздуха и Земли Иоганна Йоахима Кендлера 1770 года

Иоганн Йоахим Кендлер «Ангел, затачивающий свою стрелу» (1770 год)

Амуры, созданные скульптором мануфактуры Meissen Генрих Швабе в конце 19-го века, повторяют классический стиль изображения амуров, которые были так популярны в скульптурных композициях ещё с 18 века.

Ангелочки Гейнриха Швабе (1847-1924) и ещё одного знаменитого скульптора мануфактуры Майсен Йоханна Поллака (1843-1917) уделяют более пристальное внимание на забавную сторону человеческих чувств и также изображены с разными атрибутами, символизирующими те или иные оттенки любви.

Генрих Швабе, художник из Висбадена, профессор Нюренбергской Школы Прикладного Искусства, и независимый скульптор мануфактуры Майсен создал 48 моделей для фарфоровых скульптур между 1877 и 1903 (в первую очередь это были именно статуэтки амуров). Его амуры, созданные почти веком позже после Асье, уже не нуждаются ни в каких слоганах – они четко выражают идею, заложенную в их создание, при помощи взгляда, выражения на лице, улыбки, жеста. положения тела. Мудрость скульптора выражается в определённых действиях амуров и отражают трагикомедию любовного чувства. Один топчет сердце ногами, другой зажигает пламя в сердце, третий играет сердцем другого человека. Самоуверенные, счастливые, наглые, смущённые и отчаянные – именно таковыми являются перед нами эти забавные существа. Все они удивительны и привлекательны и уже который век очаровывают коллекционеров.

Его коллекция амуров, представляющих всю сложность чувства любви, является самой важной после Асье среди работ Майссеновской компании.

Многие скульпторы также часто возвращались к теме ангелов и амуров, но это уже было повторение идей и исполнения Швабе и Асье. Пухленьких деток, изображённых в процессе игры, можно также видеть в творчестве таких авторов, как Кристиан Готтфрид Юхтзер, Йоханн Карл Шонхайт, Август Ринглер и Йоханн Поллак.

Ангелы Йоханна Поллака (1880-1882 года) Ангелы Августа Ринглера (1895-1896 года)

Миф об Амуре и Психее на картинах прерафаэлитов

Миф об Амуре и Психее зародился в древнейшие времена. Исследователи находят в нем отголоски древнеегипетского культа Исиды, отражение обрядов инициации и представлений о смене времен года. Этот сюжет настолько глубоко проник в культуру, что отдельные его части то и дело встречаются в детских сказках. В живописи миф об Амуре и Психее появился во времена Античности. В эпоху Возрождения к нему обращался Рафаэль (Raffaello Santi), в XVII веке — Рубенс (Pieter Paul Rubens) и Антонис ван Дейк (Antoon van Dyck), в галантном веке — Жан-Оноре Фрагонар (Jean-Honoré Fragonard). Во второй половине XIX столетия эта история заиграла новыми красками благодаря творчеству прерафаэлитов.

Миф об Амуре и Психее привлек внимание сразу нескольких художников-прерафаэлитов, так как они часто вдохновлялись старинными легендами. Наиболее известны картины Эдварда Берн-Джонса (Edward Burne-Jones) и Джона Уотерхауса (John William Waterhouse).

Амур и Психея: краткое содержание легенды

Начало мифа об Амуре и Психее напоминает сказку: у одного греческого царя родилось три дочери, и младшая выросла самой красивой и доброй. Психея (ее имя означает «душа») была так прекрасна, что люди приезжали из других городов, чтобы увидеть ее. Такая слава вызвала ревность у Афродиты, которая решила проклясть девушку. Оракул передал царю божественное повеление: Психею нужно отвести на вершину горы, где она встретит ужасное чудовище, влюбится в него и станет его женой.

Пожелание Афродиты было исполнено. Девушку отвели к месту обитания чудовища и оставили одну. Затем Амур должен был поразить ее стрелой, чтобы она влюбилась в первого, кого увидит. Но сын Афродиты сам поранился стрелой и полюбил Психею. Он перенес ее к чудесному дворцу, окруженному садом, куда приходил по ночам, скрытый темнотой. Психея не знала, кто ее возлюбленный, но жила счастливо.

Счастью помешала зависть сестер, которых навещала Психея. Они подговорили ее принести ночью светильник и тайком посмотреть на супруга. Красавица последовала их совету, увидела прекрасного Амура и залюбовалась им. В этот момент она пролила масло из лампы. Обожженный и разочарованный Амур покинул Психею. В отчаянии, девушка решила умереть и бросилась в реку, но сама природа оберегала ее. Река вынесла несчастную на берег, где играл на флейте пастуший бог Пан. Он попытался утешить Психею и посоветовал ей искать любимого.

В поисках Амура Психея обратилась за помощью к Афродите. Богиня стала поручать девушке сложные и едва выполнимые задания, но та справлялась с ними — природные силы снова помогали ей. Тогда Афродита дала красавице смертельно опасное поручение: принести из подземного царства шкатулку с волшебными снадобьями. Психея справляется и с этим: она убедила Харона перевезти ее через реку Стикс, встретилась с женой Аида Персефоной и получила ларец для Афродиты.

Открывать шкатулку было запрещено, но любопытная Психея не смогла удержаться от соблазна. Она приоткрыла крышку, и тотчас ее одолел тяжелый, беспробудный сон, подобный смерти. От этого сна девушку спас Амур. Он разбудил любимую поцелуем и забрал на Олимп, где они с тех пор жили счастливо.

Миф об Амуре и Психее в творчестве художников

Среди прерафаэлитов самую большую серию картин с изображением Амура и Психеи создал Эдвард Берн-Джонс, ученик Данте Габриэля Россетти (Dante Gabriel Rossett). Вместе с другом Уильямом Моррисом (William Morris) Берн-Джонс работал над созданием книги, которую планировалось оформить как средневековые манускрипты. Одна глава в этой книге посвящалась вышеописанной истории. В итоге поэма «Земной рай» не была издана, так как не существовало шрифта, который бы органично сочетался с изысканными иллюстрациями. Но и в дальнейшем тема Амура и Психеи время от времени всплывала в творчестве Берн-Джонса.

Джон Стенхоуп (John Stanhope) — еще один прерафаэлит, друг Морриса и Берн-Джонса. Одна из самых известных его картин — «Харон и Психея». Художник обратился к теме загробного мира, когда умер его единственный ребенок. Более ранняя работа «Купидон и Психея» решает чисто эстетические задачи: автор выписывает красивые фигуры, драпировки и летний сад за окном. Контраст теплого желтого цвета с лазурным синим делает картину еще более декоративной.

Выразительные образы Психеи создал Джон Уотерхаус, который был моложе других прерафаэлитов, но стал ярким приверженцем их стиля. Героиня двух его картин — пытливая натура, интересующаяся окружающим миром. В одном случае она заглядывает в ларец, в другом — открывает двери в сад Амура. Ее любопытство выглядит не недостатком, а неотъемлемым свойством человеческого характера.

Картина на тему античного мифа — прекрасное приобретение, ведь ее сюжет понятен во все времена и никогда не выйдет из моды. Если вы хотите пополнить коллекцию таким произведением искусства, заходите на сайт Very Important Lot! Здесь регулярно проводятся аукционы, на которых можно купить работы старинных и современных художников.

Антонио Канова: скульптуры великого мастера в Риме

Антонио Канова: биография и творчество, где посмотреть скульптуры мастера в Риме, где находится уникальный ресторан-музей Канова-Тадолини

Современники называли его «министр красоты», а также «уникальным и истинно божественным человеком». Украсивший Вечный город своими произведениями итальянский художник и скульптор Антонио Канова (1757-1822) считался величайшим выразителем неоклассицизма в скульптуре конца XVIII и начала XIX века.

Читать еще:  Сцены красоты и любви. Shawn Mackey

У Антонио Канова были престижные покровители – от Габсбургов до Бурбонов, от папского двора до Наполеона, а почитателями его таланта являлись многие представители венецианского, римского и русского дворянства. Среди самых известных работ мастера – очаровательные скульптурные композиции «Паолина Боргезе», «Амур и Психея», «Тесей, восседающий на Минотавре», «Три грации» и многие другие, которые сегодня можно найти в музейных коллекциях Ватикана и Рима, Венеции и Неаполя, Лондона, Парижа и Вены.

Творчество Антонио Канова

Антонио Канова появился на свет в Поссаньо (территория современной провинции Тревизо) 1 ноября 1757 года в семье потомственных каменотесов. Его отец Пьетро Канова скончался, когда мальчику было всего четыре года. Мать Антонио – Анжела Фантолини, вскоре вновь вышла замуж, а ребенка отдала на воспитание его деду по линии отца – Пазино Канова. В собственности последнего в то время находился каменный карьер, а также мастерские, специализировавшиеся на ваянии статуй и барельефов для алтарей. Именно дед открыл внуку мир скульптуры и привел его в мастерскую выдающегося итальянского скульптора Джузеппе Бернарди (1694-1773), ставшего первым учителем Кановы.

Уже в 1774 году Антонио основал свою мастерскую в Венеции. Здесь он начал работать над первыми портретными бюстами знатных венецианских особ. Самыми знаменитыми произведениями того периода считаются две скульптуры – «Орфей» и «Эвридика», впервые представленные в мае 1776 года на ярмарке венецианского искусства, ежегодно проводимой на Площади Святого Марка, и получившие высокую оценку. Сегодня эти произведения хранятся в Музее Коррер, в Венеции.

Благодаря этому успеху, молодой мастер получил новый заказ от прокурора Пьетро Веттора Пизани, заказавшего мраморную композицию «Дедал и Икар». Работа подтвердила талант скульптора и «освятила» его престиж как профессионала.

В качестве признания, в марте 1779 года Антонио Канова был номинирован как член Венецианской академии художеств с предложением занять преподавательскую должность. Однако скульптор не согласился, так как давно задумал отправиться в Рим, чтобы совершенствовать там свое мастерство. Покинув Венецию, и после краткого пребывания в Болонье и Флоренции, 4 ноября 1779 года он прибыл в Вечный город.
В Риме, благодаря покровительству венецианского посла при Святом престоле Джераломо Зулиана (Gerolamo Zulian), определившим его на учебу, для Антонио были открыты двери крупнейших римских художественных коллекций, собрания Музеев Ватикана, а также возможность посещать школу ню при Академии Франции. Он много путешествовал и, посещая раскопанные в середине XVIII века Помпеи, Геркуланум и Пестум, открывал для себя огромное наследие Древнего Рима.

Преобладавший на протяжении всей первой половины XVIII столетия игривый, но аристократичный стиль рококо, после нескольких изданных исследовательских работ о древнегреческом и римском искусстве, подвергся нещадным нападкам критиков, называвших рококо слишком легкомысленным и даже тривиальным. В результате новомодные художественные веяния начали медленно мигрировать от «игривой легкости» к основам древнего искусства. Неоклассицизм, в итоге, во всех сферах искусства достиг полного триумфа. Страсть Антонио к изучению древнего искусства в сочетании со вкусами того периода времени и особым талантом скульптора, привели мастера к вершинам успеха в неоклассицизме.

Начиная с 1783 года, и до самой смерти, случившейся почти 40 лет спустя, Канова получал объемные и хорошо оплачиваемые заказы от пап, членов королевских семей, представителей английской и французской аристократии. Антонио приходилось много путешествовать и работать в европейских столицах, но он всегда возвращался в Рим, считая его единственным городом, наиболее близким своему душевному восприятию. Его художественные произведения стали настолько популярны, что для удовлетворения спроса Антонио был вынужден набрать многочисленных учеников-помощников и применять новаторские методы обработки мрамора. В 1796 году он писал, что «если бы у меня было несколько рук, то все они были бы использованы».

Слава его искусства докатилась даже до России – Екатерина II пригласила Антонио Канова стать главным скульптором при дворе императрицы, однако он отказался. В качестве благодарности за столь высокую оценку его работ и сделанное предложение, великий мастер изваял вторую версию скульптурной композиции «Амур и Психея», которая сегодня находится в экспозиции Эрмитажа в Санкт-Петербурге.
(По поводу отношения Екатерины II и графа Юсупова к копии скульптуры — читайте в комментариях под статьей.)

К 1805 году Антонио Канова считался самым выдающимся скульптором Европы. Именно в это время папой Пием VII мастер был назначен Генеральным инспектором по изобразительному искусству и древностям Папского государства. По прошествии пяти лет он занял пост директора Академии Святого Луки в Риме.
Художественный стиль, почерпнутый Антонио Канова из скульптур древних греков и римлян, чаще всего основывался на классической мифологии. Например, скульптура «Персей» (1801) в полной мере отражает его пристрастие к идеализации мифического героя, выраженное в тщательно контролируемых гармоничных пропорциях, четкости и плавного моделирования линий на гладких мраморных поверхностях.

Такими же являются и два знаменитых художественных произведения, созданных для семьи Бонапарт: монументальная статуя Наполеона (1802-1810) и грациозная фигура сестры императора – Паолины Боргезе (1808). В великолепном мраморном изваянии Наполеона Антонио Канова представил победоносного Бонапарта в качестве обнаженного римского императора, изваяв его черты в соответствии с классическими канонами мифологии.

В обеих работах прослеживается явное влияние древних эллинистических источников с идеализированным совершенством форм, текучестью линий, грациозным моделированием и изысканными деталями.
Более позднее произведение Антонио Кановы «Три грации» (1813-1817) было сделано им в то время, когда скульптор был настолько знаменит, что публика с нетерпением ждала его каждой новой работы. Скульптуру заказала первая жена Наполеона Бонапарта Жозефина (Giuseppina di Beauharnais, 1763-1814). Верный неоклассическому направлению, Канова воплотил в композиции собственное восприятие красоты в виде древних богинь, олицетворявших женский шарм. В отличие от произведений классической древности, где фигуры всегда обращены к зрителям, фигуры Кановы стоят бок о бок, друг против друга. Три тонкие женские грации едины в своих объятиях, объединенные шалью, падающей из рук одной из них. Девушки стоят у жертвенного алтаря, где находится три цветочных венка, а также гирлянда, символизирующая нежность их связи. Современники в своих отзывах об этой работе, говорили, что «это красивее самой красоты».

Существует две версии скульптурной композиции «Три Грации». Одна из них, хранящаяся ныне в Эрмитаже, была выполнена для первой жены Наполеона – Жозефины Богарне. Вторая была заказана английским лордом Джоном Расселом. Сегодня ее можно увидеть ​​в Лондонском музее Виктории и Альберта.

Антонио Канова умер в Венеции 13 октября 1822 года. Он создал классический идеал человеческой красоты и оказал сильнейшее влияние на академическую скульптуру в течение большей части XIX века. Однако в конце этого же столетия его работы были подвергнуты резкой критике как холодные и безжизненные, сделанные как коммерциализированное подражание древнему искусству. Столь неблагоприятное критическое суждение о творчестве Канова и его произведениях возобладало, также, и в начале XX века, но более объективные исследования всего неоклассического движения восстановили репутацию скульптора, обозначив его талант как хорошо отшлифованный алмаз, блеск которого он пронес через всю свою жизнь.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector