Художник-импрессионист. Kristian Mumford

Художник-импрессионист. Kristian Mumford

Digest Знания

| Арт Искусство | Живопись | Fashion | Life Style | Фотомодели | Талантливые люди | Философия

Художник Кристиан Мамфорд: импрессия в стиле барокко

Многие мастера живописи рисуют свои картины, восхищаясь женским началом. Художник Кристиан Мамфорд (Kristian Mumford) один из немногих, кому удалось запечатлеть в своих работах стиль феминного барокко в современной интерпретации. А также синтезировать его с течением импрессионизма.

Импрессионизм в стиле барокко Кристиана Мамфорда

Нужно отметить, что сам стиль барокко, который широко применялся в конце XVII, начале XVIII века не является фиксированной точкой прошедших эпох. Барокко, это стиль динамичных сновидений с яркими, порой гротескными фигурами. Которые не существуют в реальном мире. Поэтому тема стиля барокко актуальна для каждого среза исторического времени, как в живописи, так и в скульптуре.

Импрессионизмом (впечатлением), называется напряжение, которое вызывает у зрителя противоречивые цвета и образы в картинах художника. В этом смысле австралийский живописец Кристиан Мамфорд, уникально и наиболее точно сумел соединить эти два популярных направления живописи.

Если смотреть на труды этого художника, то можно увидеть, что стиль барокко играет новыми красками. Создается впечатление, что барокко, это не некогда забытый стиль в искусстве. Это вечная парадигма любого времени, с его яркими образами сновидений и динамической текстурой.

Кристиан современный художник. Поэтому он пишет не только маслом, но использует алкидные гели и мастихин. Что позволяет увидеть зрителю богатую и объемную текстуру его картин. Нужно отметить, что Мамфорд не первый художник, который наносит объемные текстуры таким образом. Еще в XIX веке, это начал делать известный импрессионист Винсент Ван Гог. Но этот мастер использовал только масляные краски.

Женские образы в работах живописца

У неискушенного зрителя, который видит работы Кристиана Мамфорда, может создаться впечатление, что художник просто любит рисовать женские образы. Но такое впечатление в некотором смысле обманчиво. Для Мамфорда женский образ на его картинах вторичен. Самое главное, что пытается донести художник до зрителя, так это фиксацию точки времени. Точки той исторической эпохи, в которой работает мастер.

Поэтому для фиксации впечатления у зрителя, Кристиан создает женские образы, как наилучший способ привлечь внимание зрителя. Именно такие образы диалектически переходят во впечатления от цветового разнообразия его трудов. Именно создание работы, где несовместимые на поверхностный взгляд цвета, синтезируются через образ женщины и является задачей художника-импрессиониста Кристиана Мамфорда.

Феминные образы Мамфорда выполнены в еле уловимой таинственной красоте. Создается впечатление, что мастер намеренно не раскрывает этот образ в реалистическом контексте, пытаясь усилить впечатление зрителя от созерцания некого вида тайны женского начала.

Как было уже сказано художник работает в еле уловимом стиле барокко. Иными словами, такой стиль не виден с первого взгляда. Но если внимательно посмотреть на его картины, то зритель может увидеть неестественные черты лица в образах героев его картин. Это и есть барокко современного времени. Тем самым художник пытается передать впечатления (импрессию) от современного мира.

Картины художника Кристиана Мамфорда

Художник Кристиан Мамфорд родился в Австралии, в 1980 году. Живописец закончил аспирантуру и имеет образование в области ландшафтного дизайна. Кристиан обучался у такого известного мастера живописи Джозефа Збуквича. Мамфорд удостоен множества премий и международных наград в области современного искусства.

Восхитительно — яркая подборка работ современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом

Вашему вниманию предлагается подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Цвятко Кинчев

Работы болгарского художника Цвятко Кинчева в стиле импрессионизма — это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчёркивают красоту и яркость окружающего мира.

Вильям Хенритс

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения — это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всём мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Овик Зограбян

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.

Линда Вайлдер

Линда Вайлдер — канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин — один из любимых её инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии — картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Кен Хонг Лунг

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя. Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели

Йохан Мессели живёт и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Мэрилин Симандл

Леонид Афремов

Леонид Афремов — всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.

Читать еще:  Южноафриканский художник. Alex Marmarellis

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Импрессионизм во Франции: история и особенности

Бурные экономические и политические перемены на стыке 19-го и 20-го веков породили и культурные волнения, дав начало самому яркому и выразительному за всю историю мировой живописи художественному направлению — импрессионизму. Зародившийся во Франции — самой социально подвижной стране Европы, — импрессионизм превратился в её символ и на долгие годы предопределил высокий статус французской живописи.

Причины появления импрессионизма

К рубежу веков французское общество было утомлено и пресыщено теми художественными посылами, которые предлагала ему Французская художественная академия. Каждый художник, желающий получать гранты от государства, иметь возможность выставляться и продавать свои картины, должен был быть утверждён строгой комиссией этого заведения. Если художник не соответствовал установившимся идеалам, дальнейшего пути развития его творчество получить не могло.

Читать еще:  Чёрно-белые картины маслом. Sabine Rudolph

Какими же были эти требования? Кратко можно перечислить следующие:

  • сюжетность изображения на картине
  • преобладание античного материала
  • христианские библейские сюжеты
  • исторические сюжеты
  • точность рисунка и академичность композиции
  • гладкость мазка

Но результатом такого строго и узкого отбора для тем и манеры выражения стал протест общества — не все желали лицезреть только батальные сцены и античных богинь. В среде художников тоже назрели волнения. Нашлись те, кто не желал подчиняться диктату Академии художеств и стремился высвободиться из тисков надоевших стандартов. Именно эти художники и дали начало художественным поискам, превратившимся в направление импрессионизма.

История названия и главные художники

Название «импрессионизм» появилось случайно, его никто не придумывал специально. Один из участников группы протеста против навязанных Академией художеств стандартов, Клод Моне, создал картину, а, разместив её на выставке, назвал «Впечатление. Восходящее солнце». Столь необычное для того времени название было продиктовано желанием художника показать то, что запечатлеть он хотел не конкретный пейзаж, а желал показать зрителю своё впечатление от увиденного им восхода солнца. Так родилось название стиля — от в французского слова «впечатление», ставшего названием для картины.

Картина вызвала неоднозначное отношение. Часть публики была шокирована, посчитав изображённое «мазнёй», другая часть восхищённо отметила, что Моне удалось открыть новизну в отражении природы. Картиной впечатлились и другие начинающие художники, как раз находившиеся в поисках новых решений и художественных открытий. Научиться разбираться во всех тонкостях живописи поможет https://art.sredaobuchenia.ru/ онлайн-школа культуры и искусств.

Такими живописцами оказались Камиль Писсаро, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Альфред Сислей, Эдуард Мане. Как оказалось, всех их впечатлило как раз то, что Клод Моне по сути не изобразил на своей картине ничего конкретного — в ней не было сюжета, особой глубины, был только особенный свет, смазанные, прозрачные тона и ощущение радости, которое испытал автор, глядя на восход. Именно эту картину считают стартовой точкой всего дальнейшего развития импрессионизма.

Основные черты и особенности импрессионизма

Если картина Моне стала иконой нового художественного стиля, то своеобразную Библию импрессионизма написал наиболее последовательный и рьяный участник этой группы, Камиль Писсаро. Он считал, что самым главным в развитии импрессионизма должно быть отсутствие сюжета как такового, а вместо него — наличие мотива, своеобразной сценки, мимолётом схваченной кистью мастера.

К основным чертам импрессионизма как художественного стиля относятся:

  • свободная форма композиции
  • нечёткий контур, размытые края изображения
  • отсутствие в палитре чёрного, серого, коричневого
  • особая передача света
  • смешение множества красок
  • отсутствие прорисовывания деталей
  • мотивы из жизни, наброски, бытовые сценки
  • отсутствие монументальности, камерность объёмов

Импрессионисты любили выезжать на природу и писать свои картины прямо там, без предварительных эскизов. Так они изображали конкретные впечатления от одного и того же пейзажа в разные времена года и дня.

Героями и героинями картин Ренуара, Писсаро становились простые люди, часто — молодые девушки, изображаемые как бы одним наброском. Мастеров женских образов стал Эдгар Дега, создавших серию картин с балеринами.

Импрессионисты не гнушались изображать жизнь богемы, проституток, пьяниц, картёжников. Им была интересна жизнь и люди во всех их проявлениях. Именно в этом, а не в особой цветовой подаче и летящем мазке, состоял протест и уход от академизма, ведь в картинах художников-академистов этой жизни не было.

Но импрессионисты дорого заплатили за свой протест и желание творить в собственном стиле. Их картины редко покупали, выставки разрешались нечасто, а после и вовсе рассорившиеся между собой художники группы импрессионистов потеряли возможность выставляться. Но слава пришла к ним пусть и позже, но навсегда.

Само же это направление вдохновило будущие поколения на свободу художественного выбора и породило постимпрессионизм и экспрессионизм, подарив множество идей таким непохожим друг на друга мастерам живописи как Пабло Пикассо, Ван Гог, Эдвард Мунк, а также знаменитым русским мастерам Коровину и Серову.

vanatik05

vanatik05 (Nataly)

«Живопись наружно так проста,
что уму нельзя не обмануться,
но к интимной пластике холста
можно только чувством прикоснуться.»

И.Губерман.

Родившись во Франции, импрессионизм быстро распространился за пределы страны и стал международным явлением, покоряя одну за другой страны Европы и перешагнув через океан. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха», легший в основу пленэрной живописи импрессионистов, нашел свое отражение и в творчестве некоторых немецких художников, оппозиционно настроенных по отношению к застывшим нормам официального академического искусства.

«Для немецких импрессионистов неизменно важную роль играет композиция картины, живопись решает формальные задачи, она по сравнению с французской оказывается более индивидуалистичной, плоской и куда более темной.» (Ютта Хюльзевиг-Йонен)
Немецкая живопись более пространственна и конструктивна, немецкие художники изображают объекты, людей, пространство, а не идущий от них переливающийся свет, они вовсе и не стремились повторить французские образцы они сделали определенные выводы из французского опыта, но их живопись вовсе не является «недотянутым» импрессионизмом, сравнивать их картины со знаменитыми французскими образцами не стоит: немецкий импрессионизм – самостоятельное, отдельное явление. Коротко можно сформулировать отличие немецкого импрессионизма от французского так: французская традиция — это традиция видимости, немецкая – осязаемости, немецкий импрессионизм гораздо более экспрессионистичен, больше тяготеет к сюжету, творчество немецких импрессионистов говорило столько же уму и сердцу, сколько и глазу.
Хронологически немецкий импрессионизм возник на два десятилетия позже французского, в нем чувствовалось влияние голландской школы и немецкого художника-реалиста Вильгельма Лейбла, которого можно считать предтечей немецкого импрессионизма.

Читать еще:  Цветочные натюрморты. Florian Grass

Немецкие импрессионисты ориентировались скорее на его технику alla prima («в один присест» — разновидность техники масляной живописи, также используется и в акварели, позволяющая выполнить картину за один сеанс). Лейбль смешивал краску прямо на холсте, его мазки были свежими и энергичными. Лейбль был сторонником наполнения картины «говорящими» деталями, которые повествовали о трудной судьбе простого народа.

Вильгельм Лейбль (Wilhelm Maria Hubertus Leibl, 1844 — 1890), был пятым ребенком из шести в семье кёльнского капельмейстера. Он рано покинул школу, свое художественное образование получил в Академии художеств Мюнхена, дружил с Гюставом Курбе, во время короткого путешествия в Париж в 1870 году познакомился с живописью Эдуарда Мане, которая безусловно оказала влияние на его манеру письма, в чем вы сами можете убедиться на примере двух этих картин.

Родоначальником немецкого импрессионизма считается
Макс Либерман (Max Liebermann, 1847 – 1935), родившийся в Берлине в ортодоксальной семье богатого еврейского текстильного промышленника.

В семье было еще пятеро детей, воспитывавшихся в строгости, поэтому его родители не были в восторге от увлечения сына рисованием, и хотя оплачивали его частные уроки живописи, не разрешили упоминать имя Либерманов при первой публикации его работ (тогда ему было 13 лет). После окончания средней школы он начал изучать химию, но вместо лекций ездил в Тиргартен на этюды

и, в конце концов, был отчислен из университета за «отсутствие прилежания», что вызвало конфликт с отцом, но после долгих споров он разрешил ему учиться живописи в Саксонской школе искусств Веймара, где на него произвела большое впечатление живопись Рембрандта. Брат Георг финансирует его поездку в Нидерланды, где он пишет много пейзажей. Его первая большая реалистическая картина, написанная вскоре после возвращения, была выставлена в Гамбурге и ясно отражала влияние «голландцев».

Не найдя отклика в сердцах немцев, Макс уезжает в Париж и открывает студию на Монмартре, лето проводит в Барбизоне возле леса Фонтенбло, увлекается импрессионистами, потом опять едет в Нидерланды¸ изучает творчество Франса Хальса, едет в Венецию, ищет свой собственный стиль, начинает использовать эффект света уже в импрессионистической манере.

Летом 1880 года Либерман отправился в Брабант в село Донген, и там, наконец, он начинает писать в импрессионистическом духе, фильтруя свет, что позже получило название «солнечные пятна Либермана». Через два года несколько его картин были выставлены в парижском салоне, и французская пресса приветствовала появление нового художника-импрессиониста.

Вернувшись в 1884 году в Берлин, Макс Либерман присоединился к берлинской ассоциации художников, участвовал в выставке Академии художеств, позже в парижском Салоне и в первой презентации неофициальной немецкой живописи на французской земле в рамках Всемирной выставки.

В 1892 году в Берлине одиннадцать независимых художников создали Ассоциацию ХI, ставшей основой для последующего движения Сецессиона (secessio — «разделение»), оппозиционного по отношению к консервативной школе живописи Академии, реакционность которой только усугублялась под влиянием Вильгельма II.

В середине 90-х годов Либерман впервые обратился к портретной живописи и рисованию движущихся тел в открытом свете. Он сопровождает директора Национальной галереи в его поездках в Париж, консультируя его в выборе картин французских импрессионистов, подружился с Дега, а при поездке в Лондон знакомится с американским художником Джеймсом Уистлером, творчество которого оказало на него некоторое влияние.

К концу века консервативная Берлинская Академия начала постепенно открываться для новых веяний, и это нашло отражение в присуждении Либерману Большой золотой медали и звания профессора.
«Палитра Либермана становится светлой и радостной в передаче красок солнечного летнего дня. Световая моделировка сменяется цветовой. Наблюдаемые на натуре рефлексы обретают динамику, отражая неуловимое и изменчивое взаимодействие света и цвета».

После начала Первой мировой войны он посвятил себя художественной пропаганде войны и создавал рисунки для еженедельных художественных листовок. На время художник-еврей перестал чувствовать себя аутсайдером, после речи кайзера «К моим дорогим евреям» Либерман посчитал себя обязанным оказывать содействие в войне. Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».

Прусская Академия художеств устроила большую (около 200 картин) ретроспективу работ художника по случаю его 70-летия, в 1918 году в Национальной галерее открылся зал Макса Либермана, а в 1920 году он стал президентом Берлинской Академии художеств, Берлин присвоил ему звание почетного жителя города.

В мае 1933 года, в день сожжения книг, Либерман сложил с себя все свои полномочия и объяснил прессе:
«В течение моей долгой жизни всеми силами я пытался служить немецкому искусству. По моему убеждению, искусство не имеет ничего общего ни с политикой, ни с происхождением, поэтому я более не могу относиться к прусской Академии художеств, поскольку моя точка зрения больше не имеет значения».
В 1934 году, после тяжелой болезни появился его последний автопортрет.

Одному из своих друзей Либерман признался:
«Я живу исключительно из ненависти. Я больше не смотрю в окно этой комнаты, я не хочу видеть новый мир вокруг меня».
Либерман умер 8 февраля 1935 года в своём доме на Парижской площади, не дожив, к своему счастью, до «окончательного решения еврейского вопроса». Похороны великого художника одновременно явились символическим прощанием с целой эпохой, представителем которой он являлся.
Предлагаю вашему вниманию слайдшоу (в котором гораздо больше репродукций), в сопровождении музыки известного немецкого композитора и дирижера, дружившего с Максом Либерманом, Рихарда Штрауса.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector