Художник-импрессионист. Suren Nersisyan

Художник-импрессионист. Suren Nersisyan

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Художник-импрессионист. Suren Nersisyan

Free Shipping and Returns!

FREE SHIPPING

We offer free shipping in the United States on all our artwork. Additional charges may be applied at checkout for international orders.

SEVEN-DAY FREE RETURNS

We want you to love your new art, so if a piece doesn’t quite work in your space, return it within seven days of receiving your order and we’ll issue you a refund for the price of the art.

Art must be returned in its original packaging. We will pay for return shipping on pieces measuring up to 50 inches on the longest side. For larger artwork we charge a return shipping fee of $300. Customers located outside of the United States are responsible for the cost of return shipping and any duties.

Click here to see our complete return policy.

We’re here for you. And safely shipping art. Live updates here >

Suren is an impressionist painter eloquently capturing nature, landscapes, and cityscapes in paint. His body of work reflects several different stylistic approaches. Suren’s scenes in oil are inspired by Impressionist masters Monet and Van Gogh, while his watercolor series of flowers and birds are influenced by Eastern styles of painting and the colors of the Middle Eastern environment. Suren believes his role as an artist is to remind viewers that we all are part of the same natural universe.

Читать еще:  Скелеты из света. Janne Parviainen

COMMISSION AN ARTWORK

Let us know what you’re looking for.

We’ll speak with the artist and get back to you with a price quote.

About The Artist

I have always been fascinated by the perspective of being outside and looking in. Into a window, a street scene, an intimate still life setting, or human personage. I use color and heavy brush strokes to convey mood and energy. Inspired by post-impressionism, expressionism and fauvism. I am trying add vibrancy to what can sometimes be a plain world. It is vibrancy tinged with nostalgia. Maybe it’s true that my scenes are more colorful than reality, but they are the reality I see and the way I feel.

As an artist I think there is a role for me. And this role is to show and remind humans that they all are unique part of the universe. I feel the motion of the world and I express the life full of dynamic energy, joy and beauty. There is a beauty in everything around, and if we all notice them then the world will become a better place to live.

Armenian State Pedagogical University
Master of Fine Arts, 1999

Неоимпрессионизм и пуантилизм в живописи

Неоимпрессионизм (neoimpressionisme) зародился во Франции в 1885-86 годах, когда классический импрессионизм постепенно теряет единство и угасает. На Восьмой выставке импрессионистов, ставшей последней, в отдельном зале были представлены работы Поля Синьяка (Paul Signac), Жоржа Сёра (Georges Seurat) и других молодых художников. Их картины заметно отличались от работ остальных участников техникой, размером и другими особенностями. Публика встретила новаторов с насмешкой, но некоторые живописцы поддержали новое течение. В частности, бельгийское общество «Двадцатка» приглашало Сёра на выставку в Брюссель. Камиль Писсарро (Camille Pissarro) был вдохновлен неоимпрессионистами и на время примкнул к их движению.

Критик Феликс Фенеон (Felix Feneon) придумал новый термин, чтобы отличать этих стилистически близких художников от импрессионистов. Течение развивалось до конца XIX века и оказало влияние на многих мастеров начала XX столетия.

Принципы неоимпрессионизма

Как и их предшественники, неоимпрессионисты проявляли повышенный интерес к отображению света и цвета в природе. Но к живописной интуиции импрессионистов они добавили научные открытия в сфере оптики и теории цвета. Знакомство с исследованиями физиков и химиков привело к созданию новой техники, получившей название пуантилизм (Pointillisme).

Суть этого приема в том, что краски не смешивают на палитре или холсте в нужные оттенки. Вместо этого чистые цвета наносят в виде маленьких раздельных точек или квадратов. При взгляде на картину с некоторого расстояния они смешиваются в сложные тона непосредственно на сетчатке глаза. Другое название приема — дивизионизм, от французского слова diviser («разделять»).

Написанные в технике пуантилизма картины получаются яркими и красочными, их поверхность будто сияет. Вместе с тем, повышенная контрастность делает их менее эмоциональными. Полотна неоимпрессионистов сравнивают с декоративными панно, что отличает их от нежных, порой туманных творений импрессионистов.

Основные представители неоимпрессионизма

Главным идейным вдохновителем неоимпрессионизма стал Жорж Сёра. Его монументальная работа «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» стала самым важным событием Восьмой выставки импрессионистов и продемонстрировала оригинальную технику. На полотне изображен остров, где в то время любили отдыхать парижане. Сёра отказывается от импрессионистской спонтанности в пользу уравновешенной и статической композиции, создающей ощущение покоя. Обведенные четким контуром фигуры заполнены мелкими разноцветными точками.

Жорж Сёра прожил недолго и оставил всего семь картин значительного размера, поскольку разработанная им техника была очень сложной и трудоемкой. Каждое полотно отличается от другого за счет экспериментов с разными размерами точек.

Еще один верный приверженец неоимпрессионизма — Поль Синьяк, применявший технику пуантилизма не только в живописи, но и в акварели. Он создал множество пейзажей, преимущественно морских, состоящих из маленьких квадратов и мазков.

Картины в технике пуантилизма писал Камиль Писсарро. Также к течению неоимпрессионизма принадлежал его сын, художник и график Люсьен Писсарро (Lucien Pissarro). Вот еще несколько имен, связанных с этим направлением:

  • Шарль Ангран (Charles Angrand), один из основателей «Салона Независимых»;
  • Анри Кросс (Henri Cross), применявший вместо мелких точек большие широкие мазки;
  • Максимильен Люс (Maximilien Luce), чей пейзаж в 2011 году был продан за $ 4 200 000;
  • бельгиец Тео Ван Рейссельберге (Theo van Rysselberghe), один из основателей «Двадцатки».

Отвергнув свойственную импрессионистам спонтанность и индивидуальность сюжета, художники-неоимпрессионисты создавали серьезные и беспристрастные работы, состоящие из статичных точек, обрисованных четким контуром. Это был шаг в сторону абстрактного искусства, которым увлеклось поколение авангарда. Творчество пуантилистов оказало влияние на представителей кубизма, фовизма и футуризма.

Зачем идти на выставку « Импрессионизм и испанское искусство »

10 октября в Музее русского импрессионизма откроется выставка «Импрессионизм и испанское искусство». В России в первый раз будут представлены картины восемнадцати испанских художников, так или иначе имевших отношение к импрессионизму. Рассказываем, на чьи работы стоит обратить особенное внимание.

Жоаким Мир, «Сан-Женис-делс-Агудельс», 1898. Музей модернизма, Барселона

Художники, чьи работы можно будет увидеть на выставке «Импрессионизм и испанское искусство», — не всегда импрессионисты в полном смысле этого слова. Одни из них никогда себя частью этого течения не считали, другие лишь пробовали себя в нем, пока жили и учились в Париже, а третьи были, скорее, предвозвестниками импрессионизма, нежели его апостолами. Куратор проекта, доктор новейшей истории Барселонского университета Франсеск Фонбона вообще не сравнивает испанское искусство рубежа XIX–XX веков с французским — они слишком непохожи, — а ищет интересные пересечения. Начинаются эти пересечения, между прочим, куда раньше — с XVII века и Диего Веласкеса. Самый известный представитель золотого века испанской живописи спустя пару сотен лет стал кумиром в том числе и для импрессионистов. «Импрессионист — это Веласкес», — говорил про художника шведский живописец Андерс Цорн, чьи современники вдохновлялись умением Диего запечатлеть свет и мгновение. Но и испанские художники, в свою очередь, вдохновлялись французскими импрессионистами, пересекались с ними в жизни, участвовали в одних выставках. Именно таким взаимосвязям и посвящена экспозиция, которая откроется в музее 10 октября. Мария Мороз — координатор проекта — выбрала из восемнадцати представленных здесь мастеров шестерых, на которых стоит обратить внимание в первую очередь.

Мариано Фортуни, «Улица Гранателло в Портичи», 1874. Собрание Виды—Муньос, Альмерия

Читать еще:  Эстетика в черно-белых фотографиях

Мариано Фортуни, «Пейзаж Портичи», 1874. Национальный Музей Искусства Каталонии, Барселона

Мариано Фортуни в Испании считается предтечей импрессионизма. Еще в юности он часто работал на природе, в технике короткого, пастозного мазка, дополняя живопись светом и тенью. Далее художник отказался от черного в изображении теней, стал обращать все больше внимания на мгновенность события и световые эффекты. По контракту с французским арт-дилером Адольфом Гупилем он был обязан писать картины на определенные сюжеты, но иногда ему удавалось писать полотна на свой вкус, для себя, а не для продажи. В 1875 году после смерти художника его работы были показаны в Париже, и многие отметили, как интересно он изображал свет и солнце. Вскоре художники-импрессионисты станут использовать синий и фиолетовый для изображения тени и все больше будут обращать внимание на солнечные пейзажи. Кто знает, случайно ли это совпадение?

Обратите внимание на картину « Улица Гранателло в Портичи » 1874 года, написанную в последний год жизни художника. Здесь залитые солнечным светом стены и «светящиеся» белые ворота контрастируют с погруженной в тень дорогой.

Особенный эффект свечения достигнут благодаря тому, что белый грунт доски проступает сквозь краску, как бы подсвечивая картину изнутри.

Сантьяго Русиньоль, «Эрик Сати, играющий на фисгармонии», 1891. Частное собрание, Барселона

Рамон Казас, «Монмартр», Ок. 1890–1891. Библиотека-музей Виктора Балагера

Художники Рамон Касас и Сантьяго Русиньоль связаны с импрессионизмом уже иначе. В Париж они попали вместе, еще не достигнув двадцатилетия, сняли на двоих одну мастерскую, подружились с Эриком Сати, который позже напишет в Париже известную на весь мир «Гимнопедию», и полностью ассимилировались во французской столице. Двое каталонцев в итоге стали важными участниками местной художественной жизни. Так Русиньоль на некоторое время занял место в ряду настоящих французских импрессионистов, доказательством чему служит его участие в их седьмой выставке. А будущий лидер испанского модернизма Касас вдохновенно писал вечные парижские сюжеты — мельницу Мулен-де-ла-Галетт, Монмартр, Сакре-Кер.

Дарио де Регойос, «Сети», 1893. Частная коллекция, Мадрид

Родившийся в Астурии Дарио де Регойос в юности был учеником испано-бельгийского художника Карлоса де Аэса, позже общался с импрессионистами, дружил с Полем Синьяком и Камилем Писсарро и даже стал участником «Двадцатки» — объединения бельгийских художников, которые занимались новыми направлениями в искусстве, в том числе импрессионизмом. Вдохновленный участием Жоржа Сера в салоне «Двадцатки» 1887 года, де Регойос становится поклонником пуантилизма, пишет в этой манере рыбаков, воду, горы, набережные. Перед нами пример прямого влияния французского импрессионизма и постимпрессионизма на испанского художника. Хорошим примером его работы в манере пуантилизма служит картина «Сети» — художник здесь с помощью точечного мазка смог передать все складки рыбацкой сети, разлетающейся на ветру, сквозь нее зритель и рассматривает морской пейзаж, словно сквозь необычный фильтр.

Хоакин Соролья, «Купание на пляже», 1908. Музей Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид

Хоакина Соролью прозвали люминистом, поскольку его полотна наполнены ярким светом, непривычным для сумрачной испанской живописи. Его работы, как и работы многих французских импрессионистов, отличались фотографическим взглядом — кажется, словно герои картин проходят мимо фотокамеры и мельком смотрят в нее или просто проплывают мимо — в своих роскошных нарядах, на фоне лазурного моря. К фотографии художник и в самом деле относился очень внимательно — он собрал целую коллекцию старинных и современных снимков, которая хранится по сей день в его Доме-музее в Мадриде. Возможно, именно с этим связано то, что фигуры на его картинах более натуралистичные, а линии более четкие, чем это принято у импрессионистов.

Адольфо Гиард, «Белошвейки в парке», 1884–1885. Корпоративная коллекция Ибердрола, Бильбао

Еще один яркий представитель испанского искусства рубежа веков — Адольфо Гиард . Отучившись и в Бильбао, и в Барселоне, и в Париже, он в итоге стал пионером импрессионизма в Стране Басков. В Париже он познакомился с Эдгаром Дега, который повлиял на его художественный метод. Проработав полученный во Франции опыт, Гиард начал писать на пленэре, стал обращать внимание на движения персонажей, на «впечатление» от сиюминутного света, ветра, теней. Это хорошо видно в работе «Белошвейки в парке» (1884–1885), представленной на выставке в Музее русского импрессионизма — бирюзовая гладь воды, ловкие движения рук героинь, ветер, качающий ветки деревьев.

Лучшие материалы The Blueprint
в нашем канале на Яндекс.Дзен

Возникновение импрессионизма: как рождалось впечатление

Импрессионисты отказались от Салона и устроили свою первую отдельную выставку в 1874 году. Их стиль, вызвавший бурную реакцию общества, формировался постепенно.

Художники-импрессионисты: в чем особенности их стиля?

Цель художника-импрессиониста — не изображение самой действительности, в своей работе он передает собственное впечатление от того, что видит, атмосферу происходящего в определенный момент. Он всегда обращает внимание на игру света и движение воздуха, отказывается от чёрного и белого цветов, ведь в реальности они никогда не встречаются в чистом виде. Для импрессионистов было важно писать свои полотна с натуры, на открытом воздухе. Они использовали короткие отдельные мазки, что придавало их картинам вибрацию и движение.

Название течения родилось благодаря попытке журналиста Луи Леруа иронизировать над стилем импрессионистов в своём фельетоне в газете «Le Charivari». Поводом употребить это слово стала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (от фр. «Impression, soleil levant»). Постепенно пренебрежение Леруа забыли, и слово «импрессионизм» превратилось в термин, точно передающий суть творчества его представителей.

Черты импрессионизма: от Веласкеса до Делакруа и Коро

Посетители выставки 1874 года восприняли стиль импрессионистов как революцию, но на самом деле его возникновение вовсе не было резким. Черты этого течения встречаются еще у Эль Греко и Диего Веласкеса в XVI-XVII веках: они пытались передать освещение в определенный момент и изобразить движение с помощью пробелов между мазками. Тем не менее, они любили использовать открытый чёрный цвет. В одно время с Веласкесом творил Питер Пауль Рубенс, тонко передававший свет и тень. Чистого чёрного цвета на его полотнах нет.

Однако гораздо более сильно на импрессионистов повлияли художники XIX века. Здесь стоит говорить о вкладе представителей барбизонской школы, особенно Шарля-Франсуа Добиньи, и близких к ней художников: Камиля Коро, Гюстава Курбе и Эжена Будена. Черты импрессионизма в их работах появились примерно в середине века. Барбизонскую школу окрестили по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где жили несколько её представителей. В окрестностях деревни работали многие художники (не только из этой школы), создавая свои пейзажи на пленэре.

Читать еще:  Французский художник-гиперреалист. Jacques Bodin

Барбизонец Добиньи известен лирическими равнинными пейзажами. Ему нравилось изображать воду и небо, ему была важна работа с натуры, и для нее он даже устроил себе плавучую мастерскую, в которой писал, поднимаясь по течению реки Уазы. Добиньи усердно работал со светом и добился больших успехов в воспроизведении изменчивого воздуха, улавливал мельчайшие оттенки цвета.

Много внимания освещению уделял и Коро. Он старался передать его как можно более естественно, перенеся на полотно атмосферу происходящего так, чтобы не потерять материальность предметов. Коро несколько раз мог переписывать один этюд ради того, чтобы свет и оттенки получились наиболее натурально. Для него очень много значила близость человека к природе. В его работах много серых тонов, которые он получал не из чёрного и белого цветов (их он не использовал), а с помощью смешения многих ярких красок. Коро стал любимым живописцем Альфреда Сислея.

Гюстав Курбе, мастер пейзажа, прошел путь от романтизма к реализму. Он никогда не работал на пленэре, но умел изображать открытое пространство с помощью цветовых пятен, а также контраста между яркими красками и затемненными фрагментами. Курбе преподавал и говорил своим ученикам, что они должны изображать то, что видят и чувствуют — это главная идея импрессионизма. Наибольшее влияние он оказал на Эдуарда Мане.

В отличие от Курбе, Эжен Буден не представлял своего творчества без работы на открытом воздухе. Небо и море — его любимые сюжеты. На своих полотнах ему удавалось удивительно точно передавать реальные соотношения цветов. Буден часто рисовал пастели и акварели, а не только писал маслом по холсту. Этот художник был дружен с импрессионистами и принял участие в их первой выставке в 1874 году. Именно привил Клоду Моне любовь к работе на открытом воздухе.

Более того, во время франко-прусской войны 1870−1871 годов Моне, Сислей и Писарро были в Англии, где изучали творчество Констебла, Тёрнера и Крома. Потом импрессионисты вспоминали, что эти великие английские пейзажисты сильно повлияли на их стиль.

Эжен Делакруа создал свои первые акварели с импрессионистским чертами еще в 30-е годы XIX века. Поэтому, если следовать строгой хронологии, о нём стоило бы говорить еще перед упоминанием барбизонской школы. Однако многие исследователи считают Делакруа наиболее близким к импрессионистам среди всех предшественников этого течения, и из-за этого мы описываем его творчество последним. Действительно, уже во времена работы над акварелями 30-х годов этот художник понимал различие между естественным цветом предметов и теми красками, которые им придает освещение. Он, можно сказать, предвосхитил картину Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), написав своё полотно «Море в Дьеппе». Журналист Жюль Лафорг сравнил мазки Делакруа и Моне, заметив, что оба художника передают движение в своих работах вибрирующими мазками.

Мане, Ренуар и другие

Среди самих импрессионистов главную роль в формировании этого стиля сыграл тот человек, который всегда называл себя «независимым» художником, и имя ему Эдуард Мане. Его полотна «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публику еще в 1863 году в Салоне Отверженных, где были выставлены картины, не принятые официальным салоном. Эти две работы Мане можно назвать программными. Он, как и все импрессионисты, имел классическое образование и обучался академической живописи, но в этих двух картинах отошел от её стандартов, и именно это шокировало зрителей. Мане называли сумасшедшим, например, из-за того, что в работе «Завтрак на траве» он изобразил обнаженную даму среди парадно одетых мужчин. «Олимпию» возмущенные зрители несколько раз повреждали. Эти полотна поняли, пожалуй, только Эмиль Золя и Шарль Бодлер. Другая поразительная картина Мане, более ранняя «Музыка в Тюильри», тоже подверглась жесткой критике. Публика не поняла тонкую градацию цвета, назвав её «мешаниной красок», в то время как именно она вместе с обобщением форм создала взаимосвязь изображенных людей и предметов со средой, в которой они находились, и это прекрасно послужило передаче атмосферы схваченного Мане момента. Он писал то, что видел, работая с натуры, придавая огромное значение естественному освещению, выражая своё впечатление от увиденного на холсте, и Мане можно назвать главой течения импрессионистов, пусть он и не хотел связывать себя с их группой.

Пьер Огюст Ренуар достиг необычайного мастерства в жанре портрета. Он прекрасно отражал настроение модели, особенно это касается картин, изображающих женщин и детей. Этот художник больше других импрессионистов заботился о технике своей работы. Он писал то мелкими, плотными мазками, то длинными, полупрозрачными, положенными с пробелами. Часто эти приёмы соседствуют на одном полотне. Его картины запоминаются своей жизнерадостностью. Ренуар очень любил работать на открытом воздухе и творил до последних дней своей жизни, несмотря на сковавший его тело ревматизм, поразивший, в том числе, кисти рук.

Золотым временем импрессионизма в творчестве Клода Моне стали 1870-е годы. Именно он добился наибольшего успеха в передаче изменчивого естественного освещения. Этот мастер работал практически только на пленэре, создавая пейзажи, и с течением времени он всё реже изображал на них людей. Моне одним из первых начал писать серии картин, показывающих одно и то же место, но в разное время суток или года, после смены погоды. Так появились циклы изображений Руанского собора, вокзала Сан-Лазар в Париже, мостов Лондона. Такие серии помогли Моне научиться передавать свежие, яркие, естественные краски и тончайшие нюансы освещения.

Среди импрессионистов-пейзажистов стоит выделить Альфреда Сислея с его целостностью и тонким лиризмом творчества. Он любил изображать гармонию природы, очень большое значение на своих полотнах придавая небу, глубоко разрабатывая его оттенки и освещение: небеса никогда не были для этого мастера только фоном и даже могли служить главным выразителем настроения всего полотна. Постоянно работая на пленэре, художник научился переносить на полотно всю глубину открытого пространства с его струящимся воздухом. С развитием стиля Сислея спокойствие его пейзажей стало сменяться энергичностью, а цвета становились более контрастными.

К сожалению, расцвет импрессионизма не был долгим: громко заявив о себе в 1870-е годы, к началу 1890-х это течение сошло со сцены, уступив место постимпрессионизму, представители которого были заняты поисками нового в искусстве.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector