Художник-реалист. Drew Ernst

Художник-реалист. Drew Ernst

История одного шедевра: Почему картина «Мир Кристины» Уайета стала культовой для американцев

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)(1917-2009) — американский художник-реалист, один из самых знаменитых живописцев Америки 20 столетия. Он был сыном известного художника-иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета, братом изобретателя Натаниэля Уайета и художницы Генриетты Уайет Хёрд, а также отцом художника Джейми Уайета.

Тематикой своего творчества Уайет избрал быт провинции и скудную на цвет природу американских прерий. Каждое полотно живописца — повесть, а иногда даже целый роман, через которые мастер путем изобразительных средств доносит до зрителя свое мироощущение и тонкий внутренний мир.

Его работы, состоящие из мельчайших штрихов, можно созерцать бесконечно долго и каждый раз находить для себя нечто новое. И что интересно, некоторые его картины вроде бы и написаны гиперреалистично, но никто не скажет, что они похожи на фотографии. И видимо поэтому критики и дали творчеству художника определение — «символический реализм».

Итак, «Мир Кристины» — самое известное полотно американского художника. На первый взгляд ничего удивительного, немного лишь ситуация кажется нестандартной. Посреди поля с высохшей травой видим сидящую и развернутую спиной к зрителю хрупкую девушку. Она как бы пристально всматривается в постройки изображенные на заднем плане. Однако, начиная внимательнее рассматривать образ героини, видим, что перед нами вовсе не юная особа — ее пряди волос уже заметно посеребрила седина.

А когда взгляд обращается к ее рукам, то становится и вовсе не по себе. Ее иссушенные худобой руки неестественно напряжены, но особенно потрясают скрюченные пальцы — серые от пыли, которые буквально цепляются за землю. В этом жесте прослеживается невероятное усилие и борьба. Потом взгляд опускается на ноги, такие же худые, но безжизненные — и потрясенный до глубины души зритель начинает многое понимать.

История создания картины

Обратившись к официальным истокам создания полотна, можно узнать шокирующую историю жизни Кристины Олсен (1893-1968), женщины жившей по соседству с художником в Кушинге, штат Мэн. Будучи 3-летним ребенком, она заболела полиомиелитом — болезнью, поразившей нижнюю часть тела. Ей тогда удалось выжить, но состояние здоровья с каждым годом все ухудшалось и к 30 годам она могла сделать всего лишь пару шагов. А потом Кристина до конца своих дней жила с парализованными ногами, передвигаясь ползком по дому и по усадьбе. У нее конечно же была инвалидная коляска, но чтобы не утруждать своих родных просьбами перевезти ее из одного места в другое, женщина предпочитала самостоятельно передвигаться в такой способ, чтобы сохранить свою свободу.

Однажды Эндрю Уайет из окна своего дома, который стоял по-соседству с домом семьи Олсон, увидел как Кристина ползла по полю. От неожиданности художнику сразу же пришла в голову мысль помочь несчастной женщине — он впервые видел, что она в такой способ передвигается по окрестностям. А потом понял, что преодолевает она это расстояние уже далеко не первый раз, да и не последний. И сдержал свой порыв, чтобы не обидеть жалостью.

Увиденное так взволновало художника, что он решил создать картину. Однако не посмел предложить этой обиженной судьбой женщине позировать ему. Поэтому позировала художнику его жена Бетси Уайет. К слову, Кристине Олсон было 55 лет, когда Уайет создал эту картину, а прожила она после еще 20. Многие жители города, в том числе и художник восхищались силой духа этой хрупкой женщины.

Позже мастер так вспоминал работу над полотном: «Понимаете, важно постоянное присутствие на месте действия. Мне надо жить в окружении того, о чем я пишу. Тогда в какой-то момент можно ухватить смысл. Когда я писал «Мир Кристины», я пять месяцев работал над полем… Я хотел бы написать только поле без Кристины и заставить почувствовать ее присутствие. Делать фон – это как строить дом, чтобы потом там жить… Если сдержать себя, дождаться правильного момента, он может решить все дело.»

И действительно, вначале по задумке художника не было образа обреченной женщины, все должно было выглядеть так, как будто зритель ее глазами смотрит на мир. Но потом передумал и все же написал героиню в том розовом платье, в котором увидел ее в поле.

И нужно отметить, что над своими картинами художник работал подолгу, так как скрупулезно прописывал все мельчайшие детали. А в случае с «Миром Кристины» одну лишь засохшую траву он прописывал около 5 месяцев, так как работал сухой кистью, состоявшей буквально из одной волосинки. Использовал в своей работе Уайет темперу, которая в отличие от масляных красок, и позволяла мастеру творить такие тонкие работы.

Благодаря совмещенной перспективе, у зрителя складывается впечатление, что перед ним огромное пространство, так как сооружение вдали он видит глазами сидящей на земле Кристины. А саму женщину — сверху — глазами художника, который смотрит на эту сцену со второго этажа своего дома. Этот ракурс, умышленно выбранный художником, погружает зрителя в мир человека-инвалида, в котором помещается так мало и одновременно необъятно много.

Кстати, дом, который автор изобразил на полотне, в наше время известный как «Дом Олсон». Его отреставрировали, придав вид изображенного Уаетом, включили в список национальных исторических достопримечательностей штата и открыли для посещения публики.

После написания работа живописца была весьма сдержанно отмечена критиками, и о ее существовании знали совсем немногие. Но судьба картины изменилась в корне как только она была куплена для Нью-Йоркского Музея современного искусства. После первой же выставки ее популярность стала быстро расти и на сегодняшний день ее считают американским символом современного изобразительного искусства.

Уайет писал и другие портреты Кристины, изображая ее уже в стенах родного дома.

Еще одно из лучших полотен Уайета — «Ветер с моря» — также основано на мироощущениях Кристины Олсон.

Сам Эндрю Уайет также является загадкой и для его современников и для потомков. Вся его жизнь будто была разделена на зимы, которые он жил в Чеддс-Форде и летние месяцы, которые проводил в Кушинге, штат Мэн. Художник вел затворнический образ жизни, много работая над своими произведениями. И что любопытно, в его работах часто отсутствуют образы людей, а если он все же их изображал, то они никогда не смотрели на зрителя — их взгляды были обращены то в сторону окна, то просто вдаль. Они ни то мечтали о будущем, ни то вспоминали далекое прошлое.

ТОП-8 современных художников, работающих в технике гиперреализм

Что такое гиперреализм?

Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.

Читать еще:  Яркие цвета. Joanne Reed

Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.

1. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:

«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .

На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.

Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.

Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.

В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.

Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.

Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.

Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.

2. Сергей Гета

Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.

Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.

Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.

Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.

Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.

Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.

3. Патрик Крамер

Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.

У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне.

Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.

4. Гарриет Уайт

Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.

Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.

Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.

Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.

Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.

5. Сюзанна Стоянович

Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.

На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.

Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.

Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:

Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:

Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.

6. Эндрю Тэлбот

Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.

Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.

В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.

7. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.

Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.

А это небо над городом никого не оставит равнодушным:

8. Янни Флорос

Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.

Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.

Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.

Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.

Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.

Читать еще:  Сильный реализм. Marco Picci

Макс Эрнст. Жизнь и творчество.

Жизненный путь живописца, оказавшего сильное влияние на авангард и сюрреализм.

Макс Эрнст

Становление художника

Эрнст появился на свет в местечке Брюле, местечке недалеко от Кельна (Германия). Он был воспитан в католической семье со строгим уставом, оба родителя работали надсмотрщиками. Несмотря на то, что отец был глухим, Эрнест узнал от него много интересных фактов и мыслей, касающихся живописи.

Первые творческие годы прошли как раз под влиянием отца. В 1914 году Эрнст учился в Боннском университете, где был заинтересован философскими специальностями. Тем не менее, в конце концов он бросает школу, так как начинает увлекаться искусством. Помимо этого художник увлекался изучением психологических дисциплин.

В ранние годы Макс знакомится с полотнами некоторых величайших художников всех времен, включая Клода Моне, Поля Сезанна и Ван Гога. В то же время Эрнст был заворожен образами из сновидений, темой, которая близка этим художникам и сюрреалистам.

Во время 1-й мировой войны Эрнст был вынужден присоединиться к немецкой армии и служил в артиллерийской дивизии. На войне в значительной степени проникается драматичностью происходящего и настороженным отношением к западной культуре.

Стиль и творчество

Художественное видение Эрнеста созвучно дадаизму и сюрреализму. Живописец был пионером обоих движений. Воспоминания о детстве и войне помогли ему создать абсурдные, но все же интересные сцены в своих работах. Вскоре, всерьез увлекшись искусством, вместе с поэтом и живописцем Жаном Арпом, Эрнст создает группу для художников в Кельне. Он также поддерживал тесные отношения с другими авангардистами.

В 1919 году Макс, одним из первых, начал составлять коллажи, используя различные материалы, в том числе иллюстрации из каталогов и руководств. Уникальные шедевры позволили Эрнсту создать свой мир мечты и фантазии, в котором он мог залечивать свои личные проблемы и травмы. Помимо живописи и создания коллажей Эрнст создал несколько давольно странных скульптур. В 1923 году Эрнст пишет картину «Люди ничего не узнают», которая становится первым произведением в живописи жанра сюрреализма.

Глаз тишины

Это был первый художник, который исследовал «Толкование сновидений» (Фрейд), чтобы глубже узнать психологию и отразить это в творчестве. Несмотря на свой странный стиль, Эрнст заработал неплохую репутацию, а его популярность дала толчок нескольким подражателям. Макс сформировал тенденции американского искусства в середине века, благодаря блестящим и экстраординарным идеям, которые значительно отличались от мыслей современников.

Австрийский художник Эрнст Фукс (1930-2015)

В 1942 году Эрнст был крещён в римско-католическую веру. С ранней юности Эрнст проявляет желание и способности учиться искусству. Первые уроки рисунка, живописи и скульптуры получает у Алоиса Шимана, профессора Фрелиха и скульптора Эмми Штайнбек. В 1945 году поступает в Венскую Академию изобразительных искусств, учится у профессора Альберта Париса фон Гютерсло. В 1948 году в содружестве с Рудольфом Хауснером, Антоном Лемденом, Вольфгангом Хуттером и Ариком Брауэром, Эрнст Фукс основывает «Венскую школу фантастического реализма». Но только с начала 60-х годов 20-го столетия, школа Венская Школа Фантастического Реализма проявляет себя как настоящее течение в искусстве.

1975_Христос-Царь_25 x 19,7, лист 53,5 x 38

Пятеро её представителей: Эрнст Фукс, Брауер, Лемден, Хауснер и Хуттер стали основателями движения, в то же время появились Кларвейн, Эшер, Джофра, привнесшие из своих национальных школ каждый свою манеру и методику работы. Дитер Шветрбергер, известный как Де Эс, один из выдающихся современных представителей Венской школы как-то заметил, что появляясь примерно в одно и то же время они вдруг составили некий новый всемирный феномен. Все стремились к личному техническому совершенству в классическом подходе к живописным и графическим техникам, что резко контрастировало с настроениями, царящими в современном искусстве.

Фукс давал частные уроки, Хауснер стал профессором Венской Академии. Паетз, Хелнвейн, Хекельман и Валь, Одд Нердрум так же составляли часть общего движения. В Швейцарии работал Х.Р. Гигер, создатель тёмных миров Голливуда. За эскизы для фильма «Чужой», он получил премию Американской национальной Академии «Оскар». Эрнст Фукс преподавал в замке Рейченау, где появились такие яркие и известные сегодня художники как Хана Кай, Ольга Шпигель, Филипп Рубинов-Якобсон, Вольфганг Видмосер, Михаэль Фукс, Роберто Веноза . В США проходили выставки с участием Айзека Абрамса, Инго Свана и Алекса Грея.

1946_Отражение женщины в домах

В конце шестидесятых движение Фантастического Реализма стало интернациональным и составило как бы некий параллельный художественный мир, хотя многие художники меняли свой стиль, уходя в другие общества, другие же появлялись, приходя из совершенно других движений. Появились галереи Джеймса Кована «Морфеус» в Беверли Хиллс, представившего Здзислава Бексинского (Польша), автора инфернальных миров, Генри Боксера в Лондоне, Карла Карлхубера в Вене и другие.

1951_Die Taufe des Einhorns_9.5 х 6.4, лист 32.5 х 26_литография

С появлением Интернета общение художников стало поистине всемирным. На сайтах общества, созданного Бригид Марлин, Art of Imagination и Джона Беинарта, beinART collective, а также на тематическом сайте Данеэля Миранте Lila, представлено внушительное число, измеряющееся сотнями художников буквально со всего мира. Общество Art of Imagination проводит ежегодные выставки в Европе и США. Парижанин Лоренс Каруана, ведущий он-лайновый журнал Виженари Ревью, написал Манифест. Кит Вигдор на своём сайте Surrealism Now обобщил всё пост Сюрреалистическое движение, включившее в себя как Фантастический реализм, так и Виженари арт. Нынешнее поколение ярко представлено деятельностью таких художников как Маура Холден, Олег Королёв, Тристан Шен, Эндрю Гонзалес, Лукас Кандл, Сергей Апарин, Виктор Сафонкин, Петер Грик, Лаурие Липтон, Яцек Йерка, Герман Сморенбург, Стивен Кенни и многие другие.

1951_Художник и единорог_8.2 х 6.2, лист 29 х 25_офорт

С 1949 года Эрнст Фукс двенадцать лет живёт в Париже, где после долгого периода случайных заработков, а порой и настоящей нищеты, обретает всемирное признание. Там же он знакомится с С. Дали, А. Бретоном, Ж.Кокто, Ж. П. Сартром. Вернувшись в на родину, в Вену, Фукс не только занимается живописью, но также работает в театре и кино, занимается архитектурными и скульптурными проектами, пишет стихи и философские эссе.

1975_Искушение святого Симеона Столпника (The temptation of St. Simeon the Stylite)_69х 48.5, лист 90 х 68_цветная литография_деталь

1952_Триумф единорога_69.5 х 31.7, лист 74 х 34_офорт

Давид и Вирсавия

BEHIND VERONICA’S CLOTH, 1953

THE SPIRIT OF MERCURY, 1954

1962_Ein Engel trankt den durstenden Samson

Эрнст Неизвестный

О н прошел через ужасы войны, испытал на себе немилость властей и был вынужден покинуть Родину. Эрнст Неизвестный создавал монументальные произведения, которые сегодня можно увидеть в разных странах мира — в России и Украине, США и Египте, Швеции и Ватикане.

Орден Отечественной войны «посмертно»

Эрнст Неизвестный родился в Свердловске (ныне Екатеринбург) в семье врача Иосифа Неизвестного и поэтессы Беллы Дижур. В детстве и юности ему приходилось скрывать свое происхождение, поскольку его отец был белогвардейцем, а дед, Моисей Неизвестнов, — некогда богатым купцом.

Школьником Неизвестный участвовал во Всесоюзных конкурсах детского творчества. А в 1939 году поступил в Ленинградскую художественную школу при Академии художеств. Школу эвакуировали в Самарканд, отсюда молодой скульптор, несмотря на слабое здоровье, ушел добровольцем в армию.

Читать еще:  Современное "звучание" женщины. Brett Andrus

Во время боев он был тяжело ранен — сослуживцы даже посчитали, что он умер. Но в подвале, где хранили тела перед погребением, Неизвестный пришел в себя: ранение оказалось не смертельным. Однако Эрнста Неизвестного по ошибке наградили орденом Отечественной войны II степени посмертно. После ранения он с трудом передвигался на костылях, больше года не мог ваять. Некоторое время после войны он преподавал черчение в военном училище в Свердловске.

В 1946 году Эрнст Неизвестный поступил в Академию художеств в Риге, а через год — сразу в Московский художественный институт имени В.И. Сурикова и на философский факультет Московского государственного университета имени М.В. Ломоносова. Работы студента Неизвестного уже в годы учебы становились музейными экспонатами. На третьем курсе он изготовил скульптуру «Яков Свердлов знакомит Ленина и Сталина» и горельеф «Яков Свердлов призывает уральских рабочих к вооруженному восстанию» для Свердловского музея. А дипломную работу Эрнста Неизвестного — скульптуру «Строитель Кремля Федор Конь» — купил Русский музей.

Уже в эти годы появились и первые проблемы с цензорами: экспериментальные и неофициальные вещи приходилось прятать.

Скульптора критиковали газеты, с ним беседовали «в кабинетах» и даже избивали на улице. Однако коллеги-художники поддерживали его, и в 1955 году Неизвестный стал членом Московского отделения Союза художников.

Мемориальный памятник для Никиты Хрущева

В конце 1950 — начале 1960-х годов Неизвестный создал цикл «Война это» и «Роботы и полуроботы», скульптурные композиции «Атомный взрыв», «Усилие», другие изваяния, графические и живописные работы. В 1957 году Эрнст Неизвестный участвовал в VI Всемирном фестивале молодежи и студентов в Москве и взял все три медали. От золотой медали за скульптуру «Земля» его заставили отказаться.

В 1962 году в Манеже прошла выставка, посвященная 30-летию Московского отделения Союза художников. Вместе с опытными соцреалистами свои работы представили молодые авангардисты студии Элия Белютина «Новая реальность», а с ними и Эрнст Неизвестный. 1 декабря выставку посетил Генеральный секретарь ЦК КПСС Никита Хрущев. Глава государства оказался не готов оценить новое искусство. Он был в гневе: ругал и экспонаты, и их авторов. Работы Эрнста Неизвестного он называл «дегенеративным искусством». Эрнсту Неизвестному пришлось защищать и свои произведения, и работы молодых коллег.

Переубедить Хрущева ему не удалось. С выставкой 1962 года закончилась оттепель в советском искусстве. Неизвестного исключили из Союза художников. Пока страной руководил Никита Хрущев, Эрнст Неизвестный не получил ни одного государственного заказа.

Но после смерти бывшего генсека его семья обратилась именно к Неизвестному с просьбой изготовить надгробие. Идея памятника родилась почти сразу. Им стала композиция из глыб белого и черного мрамора — олицетворение неоднозначной личности правителя.

Мировые рекорды Неизвестного

Новая власть была благосклонней. В 1960-е годы Эрнсту Неизвестному разрешили выполнить крупный проект — 150-метровый рельеф «Монумент Дружбы детей мира» в детском лагере «Артек» в Крыму. В основание скульптуры заложили куски горных пород, которые привезли с собой дети международной смены.

В 1971 году скульптор одержал победу в конкурсе на лучший проект памятника на Асуанской плотине в Египте. В то время монумент Неизвестного «Цветок лотоса» стал самым крупным в мире. Его высота — 87 метров, он выше Спасской башни Московского Кремля.

В 1974 году Неизвестный готовил декор стен для библиотеки Московского института электронной техники. Денег власти выделили мало, недоброжелатели надеялись, что скульптор откажется. Но Неизвестный сэкономил: не стал отдавать свой эскиз в комбинат, как делали многие скульпторы, а выполнил барельеф своими руками. И снова вышел рекорд: площадь барельефа «Становление человека разумного» составила 970 квадратных метров. В те годы в стране он стал самым большим барельефом, созданным внутри помещения.

Последним проектом Неизвестного на территории Советского Союза стал барельеф на здании Центрального комитета Коммунистической партии в Ашхабаде.

Неизвестный в эмиграции

В 1976 году Неизвестный покинул Советский Союз. Его жена, художница-керамистка Дина Мухина, с дочерью Ольгой не поехала с ним.

За рубежом его уже знали — до эмиграции скульптор проводил в Европе свои персональные выставки. Первой страной, куда перебрался скульптор, стала Швейцария. В Цюрихе Неизвестный прожил меньше года, потом переехал в Нью-Йорк. Там его избрали в Нью-Йоркскую академию наук и искусств. В 1986 году он стал членом Шведской академии наук, а затем и Европейской академии наук, искусств и гуманитарных знаний. В США Неизвестный читал лекции по культуре и философии в Колумбийском, Орегонском университетах, а также в Калифорнийском университете в Беркли. Он был знаком с представителями американской элиты — Энди Уорхоллом, Генри Киссинджером, Артуром Миллером.

В первые годы эмиграции Неизвестный изваял голову Дмитрия Шостаковича для Центра исполнительских искусств Джона Кеннеди в Вашингтоне. Несколько раз его выставки проходили в Галерее Магна в Сан-Франциско. По заказу этого выставочного центра Неизвестный выполнил цикл «Man through the Wall» («Человек, пробивающийся сквозь стену»). Его работы выставлялись и в Швеции: в Уоттерсберге в 1987 году открыли музей скульптур Неизвестного. Несколько распятий по проекту Неизвестного купил для Музея Ватикана Папа Римский Иоанн Павел II.

Неизвестный не только преподавал и создавал скульптуры, он также работал над графическими произведениями. В 1989 году он готовил иллюстрации для юбилейного издания Сэмюэла Беккета, а также к произведениям Данте и Федора Достоевского.

Скульптуры Неизвестного в постсоветской России

С начала 1990-х годов Эрнст Неизвестный стал часто бывать в России. В 1994 году скульптор создал эскиз главной телевизионной награды страны — «ТЭФИ». Статуэтка представляет собой персонажа древнегреческой мифологии — Орфея, играющего на струнах своей души. Через год у Морского вокзала в Одессе в Украине установили первый на постсоветском пространстве монумент Неизвестного — «Золотое дитя». В 1996 году в Элисте открыли памятник «Исход и Возвращение», посвященный депортации калмыцкого народа в Сибирь. Тогда же открыли мемориал «Маска скорби» в память о жертвах политических репрессий в Магадане. Позже в Кемерово появился монумент «Память шахтерам Кузбасса».

В 2004 году в фойе пешеходного моста «Багратион» в Москве установили «Древо жизни» — главную скульптуру Неизвестного, над которой он работал больше 40 лет.

В «Багратионе» над «Древом» возвели стеклянный купол — тоже по эскизу Неизвестного. В структуре «Древа жизни» можно увидеть и петли Мебиуса, и лица исторических личностей, и религиозные символы.

В 2007 году скульптор закончил свое последнее монументальное произведение — бронзовую фигуру Сергея Дягилева. Ее установили в родовом доме импресарио в Перми.

В последние годы жизни Неизвестный тяжело болел, почти ослеп и не работал, но время от времени зарисовывал свои идеи на ватмане при помощи специального оптического устройства. Похоронен Эрнст Неизвестный на городском кладбище острова Шелтер в США.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector