Художник-реалист. Olga Formisano

Художник-реалист. Olga Formisano

ТОП-8 современных художников, работающих в технике гиперреализм

Что такое гиперреализм?

Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.

Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.

1. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:

«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .

На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.

Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.

Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.

В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.

Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.

Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.

Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.

2. Сергей Гета

Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.

Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.

Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.

Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.

Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.

Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.

3. Патрик Крамер

Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.

У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне.

Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.

4. Гарриет Уайт

Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.

Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.

Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.

Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.

Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.

5. Сюзанна Стоянович

Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.

На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.

Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.

Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:

Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:

Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.

6. Эндрю Тэлбот

Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.

Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.

В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.

7. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.

Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.

А это небо над городом никого не оставит равнодушным:

8. Янни Флорос

Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.

Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.

Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.

Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.

Читать еще:  Художница-реалист. Laura Sanders

Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.

5 подсказок в написании вашего Artist Statement

Самым сложным текстом для портфолио, среди моих студентов, был и остается Artist Statement.

____

Как продавать свои картины на Artfinder и Saatchi

Наверное для начала стоит дать определение этом зарубежному понятию, для которого еще не придумали настолько же устоявшегося словосочетания в русском языке. Кредо художника, заявления художника, творческое кредо или даже творческий посыл — это все Artist Statement.

Artist Statement (далее AS) — в широком понимании этого понятия, это краткое (чуть позже вы поймете, что не всегда) описание творческой деятельности художника. Это то, что представляет ваше творчество, когда вас нет рядом. AS может быть объемом в 2-3 предложения, а может описывать всю вашу карьеру и даже отдельные проекты.

AS понадобится вам для:

Для европейского и американского художника вопрос о наличии AS не стоит. Любой художник, который когда-либо сталкивался с анкетой при подаче заявки на грант или open call знает, что без этого текста не обойтись. Никто не будет осуждать или смеяться над ваши текстом, если вы новичок и только встали на творческий путь.

Olga Volna «Collages» One-Off 12

5 подсказок, которые вы прочитаете ниже, помогут вам сформировать свой первый AS или улучшить уже существующий. Первое: Вам необходимо показать свою личность; Второе: поделитесь своей страстью; Третье: рассказать о вашем творческом процессе; Четвертое: подчеркнуть свою силу; и Пятое: объявить свою цель.

Покажите свою ЛИЧНОСТЬ

Ваша индивидуальность и личные убеждения питают ваше творчество и помогают сделать вас уникальным художником. Покажите нам, как ваша личность отражается в вашем искусстве.

Рассмотрим, к примеру, AS Энди Уорхола , который раскрывает в нем нечто уникальное:

“Я скучаю по старым временам, когда такие звезды, как Мэрилин Монро и Одри Хепберн обладали настоящим гламуром и мистикой. Мы знали так много об их жизни; остальное было загадкой … Мое увлечение возможностью повторять и повторять изображения — или в случае с фильмом “идти дальше” — демонстрирует мою веру в то, что мы проводим большую часть нашей жизни, смотря, но не видя”.

Мы также узнаем много нового о Фриде Кало и ее личной жизни в этом тексте:

«Я пишу автопортреты, потому что я рисую свою собственную реальность. Я рисую то, что мне нужно. Картина закончила мою жизнь. Я потерял троих детей, и картина заменила мне все это».

Olga Volna «Collages» One-Off 4

Поделитесь своей страстью

Когда мы читаем AS художника, которое источает его волнение и приверженность созданию искусства, мы очаровываемся этим и хотим узнать больше. Страсть заразительна и создает поклонников искусства.

Что вас вдохновляет? Вы путешественник, который транслирует свой опыт через творчество? Возможно, ваша любовь к животным побудило вас заняться этим занятием? Или любовь к природе вдохновляет вас? Есть ли у вас интерес к выражению духовности в вашем искусстве? Обязательно поделитесь своей страстью!

Расскажите нам о вашем процессе

Мы все хотим знать, как вы создаете ваши произведения! Не забывайте, что эта информация важна при обсуждении вашего искусства. Поделитесь чем-нибудь о своем процессе и подходе, которые делают ваше творческое направление уникальным. Например, вы можете описать, почему вы используете эти материалы и инструменты.

В качестве примера, прочитайте интересный AS Генри Мура:

“Сначала я делаю макет любой идеи для скульптуры. Размер макета всего 30 или 40 сантиметров, и я могу держать его одной рукой, переворачивая, чтобы посмотреть на него сверху, снизу и фактически со всех сторон. Таким образом, с самого начала я работаю и думаю в трех измерениях”.

Olga Volna «Collages» One-Off 32

Другой художник, у которого мы можем научиться, это Кэтрин Мерфи , известный американский художник-реалист. Ее большая карьера началась, когда ее работы были выставлены в 1971 году на Ежегодной выставке живописи и скульптуры в Музее американского искусства Уитни. О своем процессе она пишет:

“Я сначала работаю в выбранной сцене или объекте широкими мазками. Затем я начинаю использовать кисти меньших размеров, которые постепенно уменьшаются до наименьшего мазка… это то, что мне нужно — приближаться к мельчайшим деталям и делать их частью целого”.

Подчеркните свою СИЛУ

Вы можете принимать как должное технические и творческие навыки, которые вы приобрели и освоили. Не стесняйтесь этих достижений, которые наполняют или дополняют ваши творческие таланты. Вы овладели техниками реалистичной живописи? Вы опытный абстракционист? Возможно вы окончили ВУЗ по направлению психологии? Ваши знания по фэн-шуй важны в вашем искусстве? Дайте нам знать.

Определите вашу цель

Ваша цель — обучать других, вдохновлять зрителя, пробуждать к самоанализу, приносить чувство исцеления или чувство единства? Возможно, ваша цель через искусство повысить осведомленность зрителей о том, во что вы верите.

Какой бы ни была ваша цель, заявите об этом с уверенностью и ясностью.

Olga Volna «Collages» One-Off 16

Копайте глубже и раскройте свой уникальный голос

Ваш опыт, образование и особенности формируют вашу личность и влияют на творчество, которое вы создаете. Вопросы ниже помогут вам глубже заглянуть внутрь себя и сформировать понимание вашего творческого “Я”:

  • Что заставляет вас возвращаться в студию?
  • Какие вопросы вам чаще всего задают о вашей работе?
  • Для кого ваше искусство?
  • Почему вы занимаетесь искусством?
  • Что вдохновляет и побуждает вас делать это?
  • Почему люди должны обратить внимание на ваше творчество?
  • Что означает ваша работа или для кого она?
  • О чем ваше произведение говорит со зрителем?
  • Что уникального или особенного в том, как вы творите?
  • Что ваше творчество значит для вас?

Как продавать свои картины на Artfinder и Saatchi

Советы по написанию вашего Artist Statement:

  1. Пишите своим собственным голосом. Используйте активные слова / глаголы. Пишите от первого лица.
  2. Подведите итог своей художественной практики в первом абзаце с помощью формулы AIDA (о том, как использовать этот прием для написания художественных текстов, читайте в будущих статьях).
  3. Раскройте, кто вы, что вы делаете и почему вы это делаете. Максимум в 2-3 абзаца.
  4. Пишите так, как будто ваша аудитория читает на уровне 8 класса.
  5. Прекратите читать ваши предложения вслух, редактировать, повторять, уточнять.

Через материальность краски я опосредую переход и пространственный поток между океаном, ландшафтом и космическим пространством. Сильно нанесенная, живописная вязкость привносит трехмерность в работу, в которую зритель может визуально погрузиться.

Я использую краску, чтобы показать переход между океаном, землей и небом. Густо нанесенный краска создает трехмерное пространство, которое привлекает зрителя к картине.

Olga Volna «Collages» One-Off 32

Пример короткого AS от художника Сэма Дюрента:

Моя работа критически относится к социальным, политическим и культурным вопросам. Часто ссылаясь на американскую историю, моя работа исследует различные отношения между популярной культурой и изобразительным искусством. В моей работе были задействованы такие разные темы, как движение за гражданские права, рок-музыка и модернистская архитектура. Я воспроизвожу знакомые визуальные и слуховые знаки, объединяя их в новые концептуально-слоистые инсталляции. Хотя я использую различные материалы и процессы в каждом проекте, моя методология последовательна. Хотя между различными проектами не всегда может быть существенное сходство, они связаны повторяющимися формальными проблемами и предметом обсуждения. Предмет каждой части работы определяет материалы и формы работы. Каждый проект часто состоит из нескольких работ, часто в разных медиа, которые сгруппированы вокруг конкретных тем и значений. В ходе исследований и производства возникают новые интересные области, которые ведут к следующему этапу работы.

Художник-реалист. Olga Formisano

Эти слова выдающегося, но, к сожалению, малоизвестного советского теоретика искусства сталинской эпохи А.К. Воронского вынесены в заголовок о ХУДОЖНИКЕ ФЕВРАЛЯ Ольге Долгой не случайно. Любой, кто узнает о существовании такой художницы поймет, что именно ее работы как нельзя лучше подходят для иллюстрации конкретными примерами теории А. Воронского о реализме.

Читать еще:  Уникальные деревянные поделки, идеи и узоры

Александр Воронский (род. 1884 г. — 13 августа 1937 года, расстрелян) в своей концепции реализма (А. Воронский. «Искусство видеть мир (о новом реализме)» исходит из того, что «реализм как искусство видеть жизнь» (это выражение вполне может считаться его определением реализма) является врожденным качеством всякого человека, которым все без исключения обладают в детстве и которое довольно скоро исчезает у основной массы людей, тем не менее пожизненно оставаясь у художественно одаренных. То есть художник-реалист – это в первую очередь человек особо одаренный, отличающийся от простых смертных, это человек, выделенный врожденным талантом. При наличии крепкой академической школы, чем более одарен художник, тем ближе он к реализму. Почему именно к реализму? Потому что реализм в изобразительном искусстве предполагает наибольшую отстраненность, удаленность от всего личного и субъективного и налагает на художника миссию через свой иметь возможность и дар представлять общий, всем присущий взгляд, представлять узнаваемое всеми, всем известное, обыденное, не лично-уникальное, а одинаковое, общее для всех.

Реализм — наиболее консервативное и скупое в смысле возможности выражения «своего я» для художника область искусства, не позволяющая скрыть недостаток мастерства за «недосказанностью» и приблизительностью, поскольку на этих вещах реализм кончается и начинается что-то другое, пусть великолепное и яркое, но другое. В этом смысле уровень мастерства художника-реалиста всегда как на ладони.

Художественность таких творений заключается в отборе, фильтрации действительности, выборе художником тем, сюжетов и объектов реальности, как бы направлении на них прожектора своего взгляда, выхватывающего событие картины из обыденности, и, таким образом, заставляющего любоваться своей красотой мира. Таким образом, мы получаем возможность в подлинном искусстве в буквальном смысле взглянуть на мир глазами художника, но без искажений, проступающим «словно через очень чистое стекло» , выражаясь словами Воронского.

Через похожесть, общность взгляда происходит единение художника со зрителем, невозможное для экспрессивных худ. форм, где всегда художник выражает, обособляет, подчеркивает свою индивидуальность, оригинальность, непохожесть ни на кого, таким образом создавая некий барьер отстраненности, отдельности от зрителя.

Вот этот взгляд как бы через очень чистое стекло и есть картины Ольги Долгой. Она говорит — «я хочу, чтобы на картине всё было так, как видит человеческий глаз. Мы же, когда смотрим на какую-нибудь группу предметов, то не фиксируем взгляд на одной точке, а переводим его с предмета на предмет, на фон, на передний план и видим всё чётко». Ольга говорит иногда, что ее картины — это взгляд на мир нормального человека с нормальным зрением. И это не такая уж простая и самоочевидная задача для художника, как может показаться, когда зрители уже устали, они измучены субъективностью самовыражения художника, множественностью взгляда, где каждый по своему как только не искажает и не уродует мир, «когда он вместо действительности дает нам свои впечатления о ней» (А . Воронский).

Для тех, кто устал от этого и предназначено в первую очередь искусство Ольги Долгой.

Стиль, в котором работает Ольга Долгая – академический реализм. То есть это реализм на базе солидной школы (Ольга – училась в РАЖВиЗ и ОГУ), подкрепленный высокой степенью профессиональной технической подготовки художника. Слава Богу, постепенно уходит в прошлое мода, нелепая (но модная) убежденность в том, что законченное качественно проработанное произведение искусства вторично, второсортно, т.е. не актуально (!) для современного искусства.

Бессмысленная зацикленность, ориентация на так называемую «современность» это такой, уже окончательно устаревший в наше время жупел, пугало, пустышка, ничтожный аргумент, способ шельмования художников-реалистов. Качественный реализм не может не быть современным, так как из всех форм искусства он творится ближе всего к реальности и отражает именно современную обыденность в той форме, какая на данный момент существует.

Стоит оценить убежденность художницы, не отрекающейся от своих принципов следования традиции в угоду модным веяниям, давлению, непризнанию реализма частью нашего общества.

Благо в том, что постмодернизм, в котором мы живем, реабилитирует, принимает в себя и использует любую традицию, и в наше время мы имеем редкую возможность наблюдать на небосклоне искусства сразу все звезды – от академического реализма до радикального актуального искусства.

При поверхностном взгляде можно было бы навесить на работы О. Долгой ярлык салонности, учитывая виртуозное мастерство исполнения и красоту ее холстов, но только если вы не знаете о ее скрупулезной, тщательной, дотошной работе с натурой. Такие работы не могут быть сделаны сразу и вдруг. Такая работа требует капитальной, фундаментальной подготовки и соответствующего отношения. Это не скороспелые эффектные поделки для быстрой продажи. Работ, выполненных таким образом, по определению, не может быть много. Такая работа не делается быстро. Нередко на это уходят месяцы труда.

Публикации о рождении картины были в журнале Клаузура в декабре 2013 и январе 2014 гг., где художница сама увлекательно описывает процесс своей работы над картиной.

Но мастерство — это только вершина айсберга творчества Ольги, многогранного и сложного для быстрого восприятия, поскольку взгляд наш, избалованный яркими эффектами и броскими манерами фаворитов живописи последних десятилетий, уже с трудом воспринимает живопись, построенную на тончайших нюансах цвета и тона, живопись, не выпячивающую структуру своей композиции и не подающую себя на тарелочке.

Работы Долгой не идеологичны, это чистый дзен созерцания трансцендентности, сочащейся через обыденную реальность, где главное это любование гармонией цвета, симфонией бликов и оттенков, красотой обыкновенных вещей, гармонией их ненарочитого взаиморасположения, словно галька на берегу моря, омываемая пеной прибоя — вроде бы всё случайно, но всё на своём месте. Абсолютная законченность и целостность, рождающая ощущение красоты.

Величавые, спокойные и уютные, идеально проработанные натюрморты с самоварами, возвышающимися как башни, символизирующие исконную русскость, семейственность, Россию и ее домашний уклад, и быстрые этюды, вполне претендующие на то, чтобы считаться самостоятельным произведением живописи, потому что в них нет ничего случайного, лишнего, гармоничные в своей незаконченности, легкости, наполненности живой жизнью.

И ещё одна удивительная вещь, на которую хочется обратить внимание — это то, что её картины, несмотря на идейную близость к академизму, технически опираются на импрессионизм, проявляющийся в пастозном, открытом мазке. В полной мере это видно в её пейзажах, портретах и ранних натюрмортах, где мы можем наблюдать её технику как бы в более крупном масштабе, но с тем же вниманием к точности цвета и тона, фактуре и расположению мазков, что делает их, несмотря на некоторую «непричёсанность» и обобщённость, крайне убедительными с точки зрения реализма.

Читать еще:  Французский художник. Emilie Pannier

Резюмируя, можно сказать, что живопись и в частности натюрморты Ольги Долгой это органический сплав всего прогрессивного, что было наработано в этом жанре в русле реализма за последние 200 лет. Её живопись, не теряя прочной связи с академической традицией в аспектах точного следования рисунку и тончайшей проработки цвета и тона, в то же время технически абсолютно свободна. Виртуозно положенные мазки, накладываясь, переплетаясь и просвечивая сквозь друг друга и создавая иллюзию абсолютной реальности, в то же время не забивают холст, порой оставляя открытым подмалёвок и даже имприматуру, позволяют живописи свободно «дышать». Вот эта почти импрессионистическая широкая манера, только утончённая, рафинированная, обузданная точной формой и подчинённая правдивому взгляду истинного реалиста и есть тот неповторимый стиль Ольги Долгой, заставляющий изображение на картине оживать, оставляя в зрителе ощущение того, что он прикоснулся к чуду.

Реалистическая живопись

В переводе с латинского термин «реализм» означает действительный. Стиль не имеет временных рамок. В самом широком понятии его рассматривают, как искусство, данное человечеству с момента зарождения цивилизации. Исследователи относят к реалистичной живописи наскальные рисунки, творения Античности и Средневековья, а также и современные картины. Реализм характеризует не время, а манера изображать окружающую действительность без прикрас, в ее подлинном обличии.

Характерные черты стиля

Картины в стиле реализма отличают такие особенности:

  • натуралистичность;
  • изображение настоящего времени, людей и действительности, окружающих художника;
  • демонстрация переживаний, чувств каждого человека, видимость бремени человеческой судьбы в выражении лица и взгляде;
  • динамичность запечатленных мгновений жизни;
  • правдивость образов.

Техника исполнения

Художники используют различные техники изображения реальности: акварель, гуашь, пастель, акрил, масло или темперу. Чаще всего работы представлены в виде станковой живописи. Основой служат различные материалы: холст, дерево, картон, оргалит, бумага .

Жанры картин

Сюжетом реалистичных картин является жизнь в ее многообразии. Мастера пишут портреты, героями которых являются не только идеально сложенные красавицы, но и субтильная молодежь, сломленные жизнью люди без определенного места жительства, рабочие после трудового дня. Часто изображают пейзаж, марины или городскую действительность. Картины реалистов также представлены в бытовом, былинном, религиозном, анималистическом жанрах, ню и натюрморта.

Известные художники-реалисты

Основоположником французского реализма XIX века считают Гюстава Курбье, открыто выступившего с манифестом о создании подлинного искусства. По его мнению, творения архитектуры, литературы, живописи должны быть ближе к жизни, должны иллюстрировать современность в ее настоящем обличии. Идеи Курбье отразились в работах его соотечественников: Франсуа Милле, Оноре Домье. Авторы изображали французскую глубинку, провинциальных жителей с их привычками и нравами.

В русской живописи реализм нашел отражение в картинах художников-передвижников. Их имена навсегда занесены в историю русской живописной школы, а работы знакомы с детства:

  • «Утро в сосновом бору», «Рожь» Ивана Шишкина;
  • «Неизвестная» Ивана Крамского;
  • «Грачи прилетели» Алексея Саврасова;
  • «Бурлаки на Волге» Ильи Репина.

Среди известных пейзажистов стоит отметить Василия Поленова, Исаака Левитана, Василия Сурикова. Их работы пронизаны любовью к родному краю, изображают красоту окружающего пейзажа, побуждают к созерцанию и размышлениям. Детализация образов позволяет рассматривать картины под разным углом, погружаясь в перспективу и глубину идеи.

Современный реализм в живописи

Современный реализм пристально рассматривает урбанистические виды, затрагивая проблемы экологии и загрязнения окружающей среды. Портреты и натюрморты, выполненные в этом стиле, наполнены четкостью и фотографической правдивостью.

Современные художники-реалисты

Современные художники, как истинные творцы своего времени, избирают голые факты для отражения в сюжете:

  • раскованность отдыхающей на берегу моря подвыпившей публики;
  • неугасающую красоту природы в разные сезоны;
  • величественные купола храмов с облупившейся от времени штукатуркой;
  • добрые глаза бездомных собак;
  • невинность детского взгляда, передающего надежду на воплощение всех мечтаний;
  • ценность горячей тарелки супа для одиноких стариков.

Порой правдивость работ вызывает печаль, сжимая сердце. Но именно в этом и состоит скрытая сила искусства – пробуждать человеческие чувства, оживлять черствые души. Лучшие работы авторов-реалистов представлены в нашей онлайн-галерее. Приобщайтесь к искусству в удобное для Вас время, а мы поможем приобрести выбранную картину быстро и без хлопот.

Объединение художников-реалистов

1927–1932, Москва — Ленинград

Выставки: 1-я (1927, Москва) — 2-я (1928, Москва).

Основано в январе 1927 группой бывших членов Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников после недолгого пребывания в рядах АХРР. Устав был утвержден 24 ноября 1928. Председателем избран Е. В. Орановский, секретарем — К. Н. Бахтин. Впоследствии должность председателя исполнял С. Ф. Соколов.

Члены ОХР предполагали распространить деятельность общества на всю территорию РСФСР, создав местные филиалы, подчиненные Всероссийскому съезду объединения. Однако практически удалось создать лишь конторы ОХР в Москве и Ленинграде.

При объединении имелась библиотека, несколько художественно-промышленных мастерских, магазин изопродукции и издательство, которое занималось выпуском альбомов по политехническому образованию, наглядных пособий, художественных открыток, лубков, детских игр.

Общество провело две выставки в залах Первого государственного университета (сопровождались каталогами). В каталоге 1-й выставки указывалось, что Общество возникло с целью «продолжать реалистическое направление Товарищества передвижных выставок и Союза русских художников, чья культурно-общественная деятельность была прервана в 1923 году». На выставках преобладала станковая живопись: пейзаж и бытовой жанр; экспонировались также станковая и книжная графика, произведения театрально-декорационного искусства.

В. М. Лобанов писал: «На своих двух выставках… ОХР подчеркнуло не столько свои реалистические, сколько натуралистические тенденции, в своей значительной части уже пережитые советским изоискусством. При этом тенденции у большинства участников так ярко окрашены были обывательской психологией, пафосом тихой и мирной жизни с ее маленькими печалями и радостями, абсолютно несовместимыми с пафосом и ритмом сегодняшнего дня, что даже наличие в их среде таких с определившимися репутациями художников, как С. В. Малютин и Н. А. Касаткин, и нескольких молодых талантливых мастеров ставит охровцев, как станковых художников, вне активно действующих сил современного изофронта».

Деятельность ОХР постоянно подвергалась нападкам со стороны официальной критики и получила резко отрицательную оценку в резолюции по докладам московских художественных обществ Сектору искусств Наркомпроса в ноябре — декабре 1930. Согласно этой резолюции, все хозяйственные функции ОХР были переданы Изогизу и кооперативу «Художник». Ранее по постановлению ЦК ВКП (б) о плакатной литературе от 11 марта 1931 было ликвидировано издательство ОХР.

Под давлением критики в конце 1930 из объединения была исключена большая группа старых членов. При этом существенно изменилась направленность общества, главная задача которого теперь виделась в производственной работе и изготовлении агитационных средств. Одновременно объединение пополнилось самодеятельными художниками, что снизило его общий технический уровень.

В начале 1932 члены ОХР вместе с художниками «Московского салона» создали Объединение работников изобразительных искусств «Искусство — социалистическому строительству» (ИССТР).

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector