Смелые и красочные картины. Cristina Mihailescu

Смелые и красочные картины. Cristina Mihailescu

История одного шедевра: Почему картина «Мир Кристины» Уайета стала культовой для американцев

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)(1917-2009) — американский художник-реалист, один из самых знаменитых живописцев Америки 20 столетия. Он был сыном известного художника-иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета, братом изобретателя Натаниэля Уайета и художницы Генриетты Уайет Хёрд, а также отцом художника Джейми Уайета.

Тематикой своего творчества Уайет избрал быт провинции и скудную на цвет природу американских прерий. Каждое полотно живописца — повесть, а иногда даже целый роман, через которые мастер путем изобразительных средств доносит до зрителя свое мироощущение и тонкий внутренний мир.

Его работы, состоящие из мельчайших штрихов, можно созерцать бесконечно долго и каждый раз находить для себя нечто новое. И что интересно, некоторые его картины вроде бы и написаны гиперреалистично, но никто не скажет, что они похожи на фотографии. И видимо поэтому критики и дали творчеству художника определение — «символический реализм».

Итак, «Мир Кристины» — самое известное полотно американского художника. На первый взгляд ничего удивительного, немного лишь ситуация кажется нестандартной. Посреди поля с высохшей травой видим сидящую и развернутую спиной к зрителю хрупкую девушку. Она как бы пристально всматривается в постройки изображенные на заднем плане. Однако, начиная внимательнее рассматривать образ героини, видим, что перед нами вовсе не юная особа — ее пряди волос уже заметно посеребрила седина.

А когда взгляд обращается к ее рукам, то становится и вовсе не по себе. Ее иссушенные худобой руки неестественно напряжены, но особенно потрясают скрюченные пальцы — серые от пыли, которые буквально цепляются за землю. В этом жесте прослеживается невероятное усилие и борьба. Потом взгляд опускается на ноги, такие же худые, но безжизненные — и потрясенный до глубины души зритель начинает многое понимать.

История создания картины

Обратившись к официальным истокам создания полотна, можно узнать шокирующую историю жизни Кристины Олсен (1893-1968), женщины жившей по соседству с художником в Кушинге, штат Мэн. Будучи 3-летним ребенком, она заболела полиомиелитом — болезнью, поразившей нижнюю часть тела. Ей тогда удалось выжить, но состояние здоровья с каждым годом все ухудшалось и к 30 годам она могла сделать всего лишь пару шагов. А потом Кристина до конца своих дней жила с парализованными ногами, передвигаясь ползком по дому и по усадьбе. У нее конечно же была инвалидная коляска, но чтобы не утруждать своих родных просьбами перевезти ее из одного места в другое, женщина предпочитала самостоятельно передвигаться в такой способ, чтобы сохранить свою свободу.

Однажды Эндрю Уайет из окна своего дома, который стоял по-соседству с домом семьи Олсон, увидел как Кристина ползла по полю. От неожиданности художнику сразу же пришла в голову мысль помочь несчастной женщине — он впервые видел, что она в такой способ передвигается по окрестностям. А потом понял, что преодолевает она это расстояние уже далеко не первый раз, да и не последний. И сдержал свой порыв, чтобы не обидеть жалостью.

Увиденное так взволновало художника, что он решил создать картину. Однако не посмел предложить этой обиженной судьбой женщине позировать ему. Поэтому позировала художнику его жена Бетси Уайет. К слову, Кристине Олсон было 55 лет, когда Уайет создал эту картину, а прожила она после еще 20. Многие жители города, в том числе и художник восхищались силой духа этой хрупкой женщины.

Позже мастер так вспоминал работу над полотном: «Понимаете, важно постоянное присутствие на месте действия. Мне надо жить в окружении того, о чем я пишу. Тогда в какой-то момент можно ухватить смысл. Когда я писал «Мир Кристины», я пять месяцев работал над полем… Я хотел бы написать только поле без Кристины и заставить почувствовать ее присутствие. Делать фон – это как строить дом, чтобы потом там жить… Если сдержать себя, дождаться правильного момента, он может решить все дело.»

И действительно, вначале по задумке художника не было образа обреченной женщины, все должно было выглядеть так, как будто зритель ее глазами смотрит на мир. Но потом передумал и все же написал героиню в том розовом платье, в котором увидел ее в поле.

И нужно отметить, что над своими картинами художник работал подолгу, так как скрупулезно прописывал все мельчайшие детали. А в случае с «Миром Кристины» одну лишь засохшую траву он прописывал около 5 месяцев, так как работал сухой кистью, состоявшей буквально из одной волосинки. Использовал в своей работе Уайет темперу, которая в отличие от масляных красок, и позволяла мастеру творить такие тонкие работы.

Благодаря совмещенной перспективе, у зрителя складывается впечатление, что перед ним огромное пространство, так как сооружение вдали он видит глазами сидящей на земле Кристины. А саму женщину — сверху — глазами художника, который смотрит на эту сцену со второго этажа своего дома. Этот ракурс, умышленно выбранный художником, погружает зрителя в мир человека-инвалида, в котором помещается так мало и одновременно необъятно много.

Кстати, дом, который автор изобразил на полотне, в наше время известный как «Дом Олсон». Его отреставрировали, придав вид изображенного Уаетом, включили в список национальных исторических достопримечательностей штата и открыли для посещения публики.

После написания работа живописца была весьма сдержанно отмечена критиками, и о ее существовании знали совсем немногие. Но судьба картины изменилась в корне как только она была куплена для Нью-Йоркского Музея современного искусства. После первой же выставки ее популярность стала быстро расти и на сегодняшний день ее считают американским символом современного изобразительного искусства.

Уайет писал и другие портреты Кристины, изображая ее уже в стенах родного дома.

Еще одно из лучших полотен Уайета — «Ветер с моря» — также основано на мироощущениях Кристины Олсон.

Сам Эндрю Уайет также является загадкой и для его современников и для потомков. Вся его жизнь будто была разделена на зимы, которые он жил в Чеддс-Форде и летние месяцы, которые проводил в Кушинге, штат Мэн. Художник вел затворнический образ жизни, много работая над своими произведениями. И что любопытно, в его работах часто отсутствуют образы людей, а если он все же их изображал, то они никогда не смотрели на зрителя — их взгляды были обращены то в сторону окна, то просто вдаль. Они ни то мечтали о будущем, ни то вспоминали далекое прошлое.

  • ticipi
  • 19 сентября 2011 09:24
  • 8166

Если вы спросите у художника, что нового он создал, а тот ответит: «Да так, кое-что нацарапал» — знайте, что перед вами человек, не понаслышке знакомый с техникой гратографии, или граттажа. Оба термина восходят к французскому слову со значением «скрести, царапать». Живущая в Калифорнии художница-самоучка Кристина Пенеску создает потрясающие работы в этой технике. Ее портреты волков – еще один пример гиперреализма в искусстве.


23-летняя Кристина Пенеску (Cristina Penescu) родилась в Румынии, но, сколько себя помнит, живет в США. В детстве ей привили любовь к живой природе. А когда девочка увлеклась изобразительным искусством, то, вполне логично, стала рисовать диких зверей и домашних животных. С тех пор у юной художницы было много экспериментов со стилями и техниками, и лишь недавно Cristina Penescu, кажется, нашла собственную манеру.

У Кристины Пенеску нет художественного образования, все техники она осваивала самостоятельно. Но не дипломом единым, как говорится. Волки, во всяком случае, у художницы получаются весьма убедительные. Дикая природа (и волчья тематика в частности) занимает существенное место в портфолио автора. Эти животные чем-то покорили сердце Кристины Пенеску еще в детстве.

Главный признак волка в мифологии – его чужеродность. Задача Кристины Пенеску — превратить серого зверя из чужого в своего, сделать его ближе к людям. Достичь этого она старается, прибегая к гиперреалистичному изображению. В природе все совершенно, и все, что остается сделать художнику, — увидеть и передать это совершенство как можно точнее.

Читать еще:  Фото художник из Турции. Kemal Kamil Akca

Сейчас Кристине Пенеску больше всего нравятся акриловая живопись и гратография. Эта техника дает возможность процарапывать детали, чтобы изображение получалось как живое и зритель смог рассмотреть каждую шерстинку животного и полюбить его так, как любит своих лохматых героев американская художница румынского происхождения.

На прессованный картон наносится ровный слой белой глины, который покрывается черной тушью. С помощью острого ножа художница процарапывает множество линий на картине. Одно изображение — это тысячи таких штрихов. После того, как линии процарапаны, Кристина Пенеску часто наносит на «раненую» поверхность еще один тонкий слой туши — и снова берется за нож. Таким образом удается добиться полутонов и повысить реалистичность работ.

Слишком откровенные классические картины, способные смутить кого угодно

Мы привыкли обвинять современное искусство в безыдейности и склонности к порнографии. Но так ли невинные старые классические картины, милые сердцу эстетам и ценителям целомудрия? При детальном рассмотрении среди полотен известных гениев живописи можно найти шедевры с откровенными сюжетами, способными заставить краснеть современных, видавших виды ценителей «клубнички». (Осторожно! Обнаженная натура).

«Леда и лебедь»

Если говорить о наиболее нескромном классическом сюжете, то заслуженную пальму первенства получит античная история о близости бога Зевса и прекрасной Леды. Согласно легенде, житель Олимпа явился к девушке инкогнито, в облике лебедя, но тем не менее умудрился вступить с ней в связь и даже завести потомство.

Ранее предложил свое видение ситуации великий Микеланджело, который хоть и избежал излишней детализации, но все же не смог удержаться и изобразил пару прямо во время противоестественного межвидового соития.

На фоне всего этого картина Леонардо да Винчи кажется просто иллюстрацией к сказкам Пушкина для школьников младших классов. На его полотне все уже свершилось и Леда со скучающим лицом наблюдает, как из снесенных ею яиц вылупляются вполне здоровые годовалые малыши.

Нам эта идиллическая сцена кажется вполне приличной, но так было не всегда. Картины мастеров эпохи Возрождения были уничтожены в начале XVIII столетия престарелой фавориткой Людовика XIV маркизой де Ментенон как неприличные. Сегодня мы можем видеть весь этот разврат только благодаря поздним копиям.

«Брошенная кукла»

Французская художница Сюзанна Валадон творила в начале XX века. Она известна как автор множества замечательных картин, в основном воспевающих красоту женского тела в самых рядовых жизненных ситуациях. Несмотря на обилие обнаженных тел на полотнах художницы, лишь одно из творений Валадон вызывает у моралистов серьезные споры.

Картина «Брошенная кукла» в наши дни могла бы принести автору серьезные проблемы с педофилоборцами, но Валадон посчастливилось умереть в 1938 году, благодаря чему мы можем считать ее творение классикой. На картине изображена обнаженной совсем юная особа с начавшей формироваться грудью и детской прической с бантом.

История не сохранила для потомков описание этого полотна, но принято считать, что на нем изображено прощание с детством. Женщина с полотенцем, скорее всего, содержательница борделя, а ребенка готовят к встрече с первым в жизни клиентом. Название картине дала валяющаяся на полу кукла, очевидно, символизирующая сломанную судьбу. Впрочем, есть добряки, которые утверждают, что изображена мать, вытирающая дочь-подростка после купания.

«Похищение дочерей Левкиппа»

Великий голландец Питер Пауль Рубенс, известный своими прекрасными полотнами с тяжеловесными красавицами, в 1618 году представил зрителям свое «Похищение дочерей Левкиппа». На первый взгляд, между героями картины происходит удалая потасовка без всякого сексуального подтекста.

Но для тех, кто знаком с греческим мифом о братьях Диоскурах, совершенно очевидно, что раздетым блондинкам вовсе не до шуток. Второе название шедевра «Изнасилование дочерей Левкиппа» точнее отображает действие на картине.

В античной истории сыновья Зевса и Леды (смотри историю их странного рождения выше) , Кастор и Поллукс , похитили дочерей царя Левкиппа Гилаиру и Фебу и по старой доброй традиции, завещанной отцом, надругались над ними. Закончилось все вроде плохо — все умерли.

«Монах в кукурузном поле»

Если от Рубенса и Буше можно ожидать чего угодно, то сдержанный и склонный к религиозным сюжетам Рембрандт удивил. Хотя, в принципе, его небольшой, но мастерски выполненный рисунок «Монах в кукурузном поле» все же перекликается с духовной тематикой.

В центре композиции изображены католический монах и некая дама, предающиеся греху в миссионерской позе где-то среди сельскохозяйственных угодий. Пикантность сюжета даже не в том, что монах нарушает свой обет целомудрия, а в приближающемся слева человеке с серпом, благодаря которому вечер вот-вот перестанет быть томным.

«Неосторожность Кандавла»

Картина Уильяма Этти, носящая скромное нейтральное название, «Неосторожность Кандавла», изображает совершенно неприличную историю из « Истории» Геродота. Полное название этого полотна, написанного в 1830 году, раскрывает всю неоднозначность изображенной на ней сцены: «Кандавл , царь Лидии , украдкой показывает свою жену Гигу одному из своих слуг , когда она ложится в кровать».

Сложно сказать, почему «отец истории» решил описать эту полупорнографическую историю в своем труде, но благодаря ей мы получили трудно выговариваемый даже опытными сексопатологами термин кандаулезизм. Суть этой сексуальной девиации заключается в потребности демонстрировать своего обнаженного партнера посторонним людям.

Именно такой момент изображен Этти на картине. Царь Кандавл решил тайком показать свою супругу Нису телохранителю Гигу, но его замысел был раскрыт женщиной. Ниса потребовала у Гига, чтобы тот убил или ее, или мужа-извращенца, после чего Кандавла цинично зарезали прямо в его спальне.

«Авиньонские девицы»

С полотна «Авиньонские девицы » гениальный художник Пабло Пикассо начинает свой переход к кубизму. Известно, что на создание картины художника вдохновил Поль Сезанн своей работой « Купальщицы». Изначально Пикассо назвал картину «Философский бордель» и многие считают, что на ней маэстро изобразил сценку из публичного дома в барселонском Готическом квартале.

Картина изображает пятерых обнаженных дам, которые в развязных позах ожидают своих клиентов. Мы долго думали о том, стоит ли включать эту работу в список пикантных полотен. Проще говоря, если изображенные на полотне геометрические распутницы будят в вас нескромные фантазии, то у нас для вас плохие новости. Но слова из песни не выбросишь и сюжет картины, для 1907 года, все же очень вызывающий.

«Арабский рынок наложниц»

Отличная картина французского классика живописи Жана-Леона Жерома, написанная в 1866 году, изображает сцену на восточном невольничьем рынке. Группа мужчин в богатых одеждах прицениваются к обнаженной рабыне, проверяя, судя по всему, правильность ее прикуса.

Сам Жером, вне всякого сомнения, знал толк в невольничьих рынках и их завсегдатаях, так как обожал Восток и не раз путешествовал в тех краях в поисках вдохновения. Современники находили «Арабский рынок невольниц » очень вызывающей работой и называли картину гимном похотливого доминирования мужчины над женщиной.

«Великий мастурбатор»

Великий сюрреалист Сальвадор Дали обожал неприличные картины и от его эротоманства нас спасает лишь манера написания его картин, знатно искажающая сюжет. Вот и с работой «Великий мастурбатор » не все так однозначно. Более того, если бы не название, никто бы и не понял о чем эта прекрасная картина.

Но, как бы там ни было, явно выраженный сексуальный подтекст в этом полотне есть. Лицо женщины в правой части картины, почти упирающееся в мужской гульфик, раздражало современников Дали и вызывало даже осуждение. Хорошо никто не знает, что изобразил мастер сюрреализма в центре полотна — возможно, там творится самый разнузданный разврат.

«Происхождение мира»

Созданная в 1866 году Гюставом Курбе картина с незамысловатым бытовым сюжетом не выставлялась более 130-ти лет из-за излишней анатомической достоверности. Более того, даже сейчас, когда удивить посетителей музея, в принципе, сложно, к этой картине приставлен отдельный охранник.

Читать еще:  Французская художница. Erika Meriaux

В 2013 году в СМИ появилось радостное известие — была найдена вторая часть картины, на которой видно лицо натурщицы. Тщательное изучение биографии автора и его ближайшего окружения позволило выяснить личность дамы. Так, небритая промежность оказалась собственностью Джоанны Хиффернан, любовницы одного из лучших учеников Курбе, Джеймса Уистлера. Вот такая вот трогательная история воссоединения.

Это далеко не единственные в истории живописи работы с ярким сексуальным подтекстом — во все времена классики любили завернуть что-нибудь эдакое, вполне в духе нашего раскрепощенного времени.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

Читать еще:  Современные художники Америки. Jim Hansel

История одного шедевра: «Мир Кристины» Уайета

Одно из самых известных в американской живописи полотен «Мир Кристины» рассказывает трагическую историю Кристины Олсон. С детства страдая неизлечимым заболеванием, к 50 годам, когда была написана картина, женщина была неспособна ходить и работать руками. Однако Эндрю Уайет изобразил молодую женщину, тело которой не выдает недуга. Этот портрет считается одним из самых меланхоличных и загадочных в мировом искусстве.

После смерти отца Эндрю Уайет начал на лето приезжать в Новую Англию — в окрестности города Кушинг в штате Мэн. Здесь на семейной ферме Олсонов он написал одну из самых известных картин из всей американской живописи XX века.

Кристина Олсон, изображенная на картине, жила по соседству с Эндрю Уайетом. Художник хорошо знал ее, и она нередко соглашалась позировать. С детства Кристина мучилась неврологическим расстройством. Предположительно, это была наследственная моторно-сенсорная нейропатия (болезнь Шарко-Мари-Тута). К 26 годам женщина почти не могла самостоятельно ходить и работать руками. С годами Кристина и вовсе потеряла чувствительность в кистях и стопах. Олсон дожила до 74 лет, скончавшись в 1968 году.

Полотно было написано в 1948-м. На тот момент Кристине Олсон было уже за 50. Однако на картине мы видим молодую женщину — для нее художнику позировала его жена Бетси. Уайат написал портрет не тела Кристины, а ее души, внутреннего мира, заложницей которого была больная женщина. Художник так говорил о своей соседке: «Она была ограничена физически, но не духовно. Задача для меня заключалась в том, чтобы воздать дань ее победе над жизнью, которую большинство людей считают безнадежной».


«Мир Кристины» (1948). Источник: pinterest.ru

Мир Кристины, таинственный и волшебный, обрел плоть. Уайет в свойственной ему манере скрупулезно выписывает пейзаж и героиню. Мы не видим лица женщины, но через ее напряженную позу чувствуем, что взгляд, обращенный на дом, полон тревоги. Кажется, что Кристина рвется к дому, хотела бы вскочить и побежать, но что-то удерживает ее.


Портрет Кристины Олсон. Источник: pinterest.ru

Уайет посвятил немало работ Кристине Олсон. Одна из самых важных — «Герани». Художник так описывал замысел: «Мне нравится, каким образом вы можете видеть красные цветы — через дом и окно на другую сторону, к морю. Кстати, чёрный предмет в окне напротив — чёрно-оранжевая рабочая перчатка её брата Альваро, оставленная им там. Кристины почти не видно, виден только отсвет на её полосатой рубашке. Она была почти как пугало, когда не сидела укоренившись в этом кресле — из-за растрёпанных волос и лохмотьев рваной ткани. В ней мне было интересно то, что она всегда появлялась в странное время, в странных местах. Великий английский живописец Джон Констебл говорил, что вы никогда не должны нарочно добавлять жизнь в сцену, но если вы будете тихо сидеть и ждать, жизнь придёт сама — как случайность в правильном месте. Это случается со мной всё время, и много раз случалось как раз с Кристиной. Весь смысл этой картины, которая является довольно абстрактной, в том как вы смотрите сквозь окна и как восхитительные точки цвета на геранях ловят свет с другой стороны дома».


«Герани» (1960). Источник фото: pinterest.ru

Эндрю Уайет родился в Пенсильвании в семье известного иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета. Вспоминая детство, художник говорил: «Отец полагал: «Чтобы жизнь ребенка была творческой, он должен иметь собственный мир, принадлежащий только ему». Я очень рано начал рисовать, и отец считал, что колледж художнику не нужен: меня учили приходивший на дом преподаватель, сам отец и его друзья-художники. И он добился своего. Еще немного, и я навсегда остался бы в Шервудском лесу Робин Гуда. Оттуда я все-таки выбрался, но ушел в свой мир». Уже в 20 лет у него состоялась первая персональная выставка в Нью-Йорке, после которой все работы быстро были распроданы.


Эндрю Уайет на пленэре. Источник: pinterest.ru

Основным источником вдохновения была американская провинциальная повседневность. Художник часами наблюдал: за природой, людьми, одиноко стоящими домами, вещами, игрой света. «В моих картинах я не меняю вещи, а жду, когда они изменят меня», — говорил он. Любая вещь приобретала значимость на картине, стоило ей только проявить себя. Уайет: «Понимаете, важно постоянное присутствие на месте действия. Мне надо жить в окружении того, о чем я пишу. Тогда в какой-то момент можно ухватить смысл…».


«Легкий бриз» (1968). Это портрет сестры Уайета. Она была калекой, вынужденной передвигаться на костылях. И она очень любила шляпки. Уайет изобразил сестру в виде колокола. Девушка, увидев полотно, узнала себя и попросила подарить ей картину. Источник фото: pinterest.ru

Художника интересовали люди, их истории, поэтому в качестве моделей он выбирал личностей. Встретив этих людей на улице, вы вряд ли бы заинтересовались, но с помощью историй, об испытаниях, выпавших на долю людей, живописей наделяет силой их портреты.


«Патриот» (1964). Уайет нередко бывал на парадах 28 мая — Memorial Day, день памяти погибших американских военных. Однажды художник познакомился с 71-летним Ральфом Клайном, который воевал в Первой Мировой. Уайет попросил Клайна позировать. Работа заняла пару месяцев, во время которых художник впитывал рассказы ветерана. Источник фото: pinterest.ru

С конца 1940-х Уайет не покидал Восточного побережья США, в основном живя в Пенсивальвании и регулярно наведываясь в штат Мэн. Собственно, он писал только окрестности его родного города Чеддс-Форд и города Кушинг, где художник жил летом.


«Плывущий по течению» (1982). Заснувший в дрейфующей лодке Уолт Андерсон олицетворяет фантазии художника об обрядах викингов. Источник фото: pinterest.ru


«Ногишик» (1972), один из самых любимых портретов Уайета. Представитель индейского племени имел две слабости — алкоголь и женщины. Несколько раз он брал взаймы у Уайета, а однажды приехал специально, чтобы позировать. Ногишик попал в аварию, после которой стал инвалидом. Несмотря на это, он собирал деньги для своего народа. Ногишик погиб в пожаре в собственном доме. Источник фото: pinterest.ru


«Брак» (1993). На картине изображены Джордж и Хелен Сипала. Они позволили художнику нарисовать их спящими. Тогда Уайет начал приходить ранними утрами, подкрадывался к спальне и делал зарисовки. Иногда супруги клали в кровать манекенов, а сами наблюдали за художником из шкафа. Источник фото: pinterest.ru


«Оттенок» (1977). После смерти Кристины Олсон на полотнах художника появляются новые женщины, чаще других — Хельга Тесторф. Ей посвящена серия из двух с половиной сотен набросков и картин. Уайет говорил: «Я никак не мог выбросить из головы образ этого скуластого прусского лица с широко расставленными глазами в обрамлении белокурых волос». Источник фото: pinterest.ru

Эндрю Уайет в последний год жизни отказывался появляться на публике и давать интервью: «Всё, что я мог сказать, уже висит на стенах». Он скончался в 91 год.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector