Современная испанская художница. Basi Mateo

Современная испанская художница. Basi Mateo

ИСПАНСКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 1.

Мы уже говорили раньше о немецком, американском и итальянском направлениях импрессионизма, каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности, вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, многие из них долгие годы жили и работали в Париже, в отличие от итальянцев они много путешествовали, разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами, стиль многих из них был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании».

.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании — CARLOS DE HAES (1826-1898). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико (1833-1908), родившийся в артистической семье, получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал как рисовальщик и гравер. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием его работ пейзажи Рико становятся более «очеловеченными»,

а его путешествия по Европе, знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняют его к импрессионизму. Он очень много времени проводит в Англии, Франции, Швейцарии.

Любимым и последним местом в его жизни становится Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах,

получивших признание зрителей и критики, и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Ignacio Pinazo Camarlench (1849 — 1916), один из самых известных художников Валенсии, родился в бедной семье и вынужден был с раннего возраста зарабатывать на жизнь укладчиком декоративной плитки и ювелирными работами по серебру. После смерти родителей он жил с дедушкой и бабушкой, страсть к рисованию привела его в Художественную академию Сан-Карлос в Валенсии, он обеспечивал свое существование в это время изготовлением шляп. Первый успех пришел к нему в возрасте 21 года на Национальной выставке в Барселоне.

После пятилетнего пребывания в Италии Игнасио вернулся на родину, резко изменив свои пристрастия: вместо обычных для него исторических тем он перешел к семейным сюжетам, сценам из повседневной жизни и обнаженной натуре.

Это было уже началом более интимного импрессионистского направления не только по сюжетам, но и по более живому, рыхлому стилю, использованию пленэра, хотя у него все еще преобладали более темные краски, характерные для классической испанской живописи.

Луис Хименес Аранда (1845 — 1928), родился в Севилье, в семье художников и первые навыки рисования получил у своего брата Хосе, а затем продолжил свое образование в Академии искусств Севильи. После завершения учебы, он переехал в Мадрид, где в течение непродолжительного периода жил и знакомился с творчеством испанских мастеров в музее Прадо.

В 1867 году он отправился в Рим для дальнейшего изучения живописи, написав несколько картин, имевших успех на мадридских выставках. В Италии он находит свой стиль и темы, рисуя бытовые сцены в элегантных интерьерах и садах 18-го века.

В 1874 году Хименес впервые приезжает в Париж, чтобы заключить контракт с артдилерами на продажу своих картин. В 1876 Луис поселился в Париже, и уже в следующем году начинает выставляться в Парижском Салоне, пользуясь репутацией мастера, сильного в характеристике изображаемых лиц и происшествий, блестящего в колорите и виртуозно владеющего кистью.

С 1890 года Хименес, благодаря знакомству со многими парижскими художниками и увлечению творчеством Сорольи, заинтересовался передачей света и «воздуха» в работах импрессионистов, что и привело его окончательно в их лагерь.

Теперь я перехожу к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, ее дух, ее ландшафты в своих картинах очень по-разному, но ярче всех представляли своими работами импрессионистское направление в испанской живописи того времени. Это художники Beruete, Sorolla и Regoyos.

Laureano Barrau (1863 — 1957), родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем учиться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он уже спустя два года получает Римскую премию в Барселоне, давшую ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Он приобретает известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвует в выставках Парижского Салона изящных искусств.

В 47 лет Барро поселяется с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой, он пишет там свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остается там до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывает в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин.

На мой взгляд, его работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Joaquín Sorolla y Bastida (1863 — 1923) родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей, вероятно, от холеры, и их воспитывали родственники матери. С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает получать образование сначала в своем городе, а 18 лет оправляется в Мадрид изучать наследие великих испанцев в Прадо.

После службы в армии, благодаря полученному гранту, он в течение четырех лет учится живописи в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.

В 1988 году Соролья возвращается в Валенсию, женится, у него рождаются один за другим трое детей, а в 1985 году вся семья переезжает в Мадрид, где он увлечен написанием больших полотен на исторические и мифологические темы, успешно участвует в выставках в Мадриде, Европе и США.

Читать еще:  Современные художники Турции. Mustafa Orkun Muftuoglu

Вскоре он становится признанным главой современной испанской школы живописи, выставляется в Париже на Всемирной выставке, за участие в которой награждается почетной медалью и орденом Почетного легиона, становится членом сразу трех академий — Парижа, Лиссабона и родной Валенсии.

Участие Сорольи в 1906 году в большой выставке (около 500 его работ) в Париже, принесло ему звание «Офицера ордена Почетного легиона». В 1911 году он начал большую серию картин об Испании по контракту с американским магнатом и меценатом Хангтингтоном. В этих работах, которые были закончены в 1919 году, с любовью и вдохновением представлена жизнь и природа испанских провинций.

Три последних года жизни художник был парализован после инсульта, случившего у него во время работы в саду за мольбертом. Он оставил после себя свыше двух тысяч произведений, все оставшиеся работы вдова передала в дар Испанской республике, и они составили основную коллекцию Музея Сорольи в его доме в Мадриде.

О третьем художнике из триумвирата наиболее знаменитых, Darío de Regoyos, и о современных испанских импрессионистах я расскажу во второй части.
Как всегда,предлагаю посмотреть слайдшоу, в котором в три раза больше репродукций и музыка Мануэля де Фальи.

Нежные женские образы в картинах испанского художника Vicente Romero Redonto

Сейчас идет тематическая неделя на тему Испания, поэтому самое время поговорить о художниках этой страны.

Удивительные женские образы в картинах Vicente Romero Redonto поразили меня чистотой и нежностью, просто глаз не оторвать. И я не могла не познакомить вас с ними.

Vicente Romero Redondo испанский художник родился в Мадриде в 1956 году. С раннего детства мечтал заниматься живописью. В 1982 году получил диплом с отличием факультета изобразительного искусства в «Сан-Фернандо», самой престижной художественной школе в Испании. Сальвадор Дали тоже учился там. В течение первых лет учебы посвятил всё свое время скульптуре, пока не осознал, что только в живописи он может выразить все свои чувства!

Он обязан своей технике масляной живописи академической подготовке, хотя в большей степени изучал пастель, которую он находит более привлекательной и спонтанной. Недавно Vicente вернулся к использованию масла в своих работах (что было забыто в последние 4 года), тем самым производя взаимосвязь между этими двумя методами.

В конце восьмидесятых Ромеро и его жена обосновались на побережье Коста Брава, выбрав светлое и тихое место для своей студии, творчества и вдохновения. И с переездом начался новый этап в его творческой жизни. Красоты Средиземноморья, прекрасный ландшафт, красота моделей — стали идеальными условия для написания его картин.

В каждой женщине есть свои прекрасные черты! И Винсент как-то особенно трогательно чувствует и передает в своих работах самую суть женщины — любить, быть любимой женщиной и матерью! Для него женщина — абсолютный источник вдохновенья, загадка для природы, которую он всю жизнь пытается разгадать.

Его морская серия мне больше всего понравилась. Может быть потому что я очень люблю море!

Сразу представила себя на месте этих девушек и внутренне улыбнулась.

Чувствуется как дует легкий ветерок, слегка набегают волны, а ты гуляешь с босыми ногами по теплому песку и наслаждаешься жизнью.

Да, я поняла в чем секрет успеха его работ. В них есть любовь! Винсент показывает женщину легкой и красивой во всех проявлениях жизни. Он любуется каждым моментом, наблюдает, как любимая спит, играет с ребенком, работает и отдыхает. А еще в его творениях много солнечного света и пастельная цветовая гамма, отчего они очень уютные.

Предлагаю вам полюбоваться красотой, грацией и элегантностью женщин глазами Vicente Romero.

Солнце, море и немного ню: Как картины испанского импрессиониста Сорольи-и-Бастиды покорили мир

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Немного об испанском импрессионисте

Хоакин Соролья-и-Бастида родился в Валенсии, на берегу Средиземного моря в 1863 году. Не продолжительным было детство мальчишки в кругу семьи. Его родители умерли от эпидемии холеры, и в двухлетнем возрасте он остался круглым сиротой. Вместе с сестрой мальчику пришлось жить на попечении тётки в ее доме. Надежд возложенных на мальчика, который должен был пойти по стопам дяди-слесаря, он не оправдал.

Заметив в подростке задатки художника, дядя отказался от идеи преемственности профессии и купил племяннику краски. А в 15 лет отправил учиться рисованию в школку ремесел. Однако обучение в ней было не по карману бедному слесарю. А мальчишке так хотелось учиться, что он написал небольшую картину на продажу и сдал ее в антикварную лавку. Сколько же было у подростка радости, когда его работу купил ее хозяин. К тому же в этой лавке юный художник познакомился со знаменитым фотографом, который стал его опекать и оплачивать юноше обучение. Это знакомство действительно было знаковым, и не только в плане будущей профессии, но и в личной жизни: спустя годы Соролья страстно влюбится и возьмет в жены дочь своего покровителя.

Окончив школу ремесел, юный художник отправляется в Мадридскую Академию художеств. Там за успешную учебу Соролья получил денежное пособие на обучение в Риме. Четыре года прожил молодой художник в столице Италии, постигая великое искусство итальянских художников-классиков. Довелось ему побывать и в Париже, где познакомился с художниками современной живописи и в частности с импрессионистами.

А вернувшись после учебы в Валенсию, молодой художник женился на Клотильде дель Кастильо, которая стала не только любовью всей его жизни, бессменной музой, но и матерью трех его дочерей. Дети были для отца отрадой и моделями для его работ. Не пройдет и десятилетия, и о Соролье заговорит пол мира. Его работы наградят премиями и в Испании, и в США, а также они высоко будут оценены экспертами Парижского салона.

Читать еще:  Стиль Лоренцо Гусса. Lorenz Guss

Очень высоко была оценена персональная экспозиция работ художника на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Живописец был награжден почетной медалью и орденом Почётного легиона, получив почетное членство в академиях Парижа, Лиссабона и Валенсии.

После признания в Соединенных Штатах Америки, к художнику приходит и слава, и популярность и финансовая стабильность. Теперь Соролья смог себе позволить приобрести небольшой участок земли в Мадриде, и по собственному проекту выстроить дом в окружении садов, создать свой маленький рай, ставший залогом счастливой семейной жизни.

Через шесть лет после триумфа художник выставил в Париже около 500 работ, и получил звание офицера ордена Почетного легиона. Экспозиции такого гигантского масштаба были организованы в Англии и в Америке. А спустя еще пять лет, 48-летний художник заключил контракт с магнатом из США на серию полотен о жизни Испании, о быте ее провинций. Около десяти лет художник будет кропотливо трудиться над серией этих картин. А едва успев их окончить и отправить заказчику в Америку, с ним случится беда. Хоакина разобьет паралич, вследствие инсульта, прямо во время работы за мольбертом.

Три года художник, лишенный возможности двигаться и творить, был прикован к постели. А в 1926 году, спустя три года после смерти живописца испанская серия полотен была предоставлена для просмотра широкой публике. Мир увидел Испанию совершенно иную, нежели привык видеть с картин других художников.

Хотелось бы отметить, что Хоакин Соролья обладал потрясающей творческой энергией и оставил после себя около двух тысяч художественных творений. После его кончины вдова именитого импрессиониста передала его работы в дар стране. Они то и составили основную часть коллекции произведений искусства в Музее Сорольи в Мадриде, открытом в 1932 году. Остальная часть произведений хранится в музейных собраниях и в частных коллекциях по всему миру.

Отличительной чертой работ великого мастера была легкость, солнечный свет, и светлая цветовая гамма, что совершенно не вязалось с искусством Испании, художники которой во все века отдавали предпочтение тяжелым темным цветам. Соролья практически всегда работал на пленэре, будь то портрет, уголок природы, пляж, море. Одним словом на открытом пространстве, где картинная плоскость была залита солнечными лучами. Отсюда и светлая палитра красок и избыток света. Соролья никогда не работал в темных мастерских и никогда не писал мрачные полотна, исключением были конкурсные работы, написанные еще в академии. Новаторство мастера и в том, что он изображал, то что видел вокруг. Дети, бегающие по пляжу и купающиеся в морской воде, рыбаки с лодками снастями и быками, тянущими их лодки. А больше всего художник любил писать свою семью.

Видимо недостаток материнской любви и тепла семейного очага в детстве заставляло художника всей своей сущностью тянуться к самым близким людям. Главными героинями картин очень часто и густо становились супруга Сорольи — Клотильда и их три дочери.

В 1909 году мастер пишет одно из самых известных полотен, где Клотильда со и старшей дочкой прогуливаются по пляжу. Легкий морской ветер обдувает две женских фигуры в белых платьях и пытается вырвать зонтик из рук девушки. Удивительное чувство вызывает это полотно: поэтическая воздушность, умиротворение, очень спокойная цветовая гамма, навевает чувство блаженства.

Испанское искусство XXI века в ММСИ
ARTinvestment.RU 30 марта 2011

ММСИ, 30 марта — 9 мая 2011

Сегодня в Московском музее современного искусства в рамках года Россия — Испания 2011 открывается выставка «Вымысел и реальность». Проект представляет работы испанских художников из коллекции музея Патио Эррериано. Музей был открыт в испанском городе Вальядолид в 2002 году. Коллекцию музея составляют работы испанских мастеров с 1918 года по настоящее время, собранные Ассоциацией «Коллекция современного искусства» с 1987 года. Коллекция насчитывает более 1000 произведений и является самым крупным собранием актуального искусства Испании. Работы приобретаются на средства испанских предпринимателей, передаются в безвозмездное хранение Ассоциации и выставляются в стенах музея Патио Эррериано.

Куратором выставки «Вымысел и реальность» является главный координатор коллекции музея Патио Эррериано, всемирно известный искусствовед Мария де Кораль. Для своего проекта она выбрала работы, наиболее полно демонстрирующие особенности актуального искусства Испании. На выставке будут представлены произведения, созданные за последние десять лет. Экспозиция включает живопись, видео, фотографию, инсталляцию, скульптуру и рисунок — и представляет художников, каждый из которых является значимой фигурой современного искусства Испании.

В качестве темы проекта Мария де Кораль выбрала понятия вымысла и реальности. Куратор отмечает, что прошедшее десятилетие заставило нас пересмотреть традиционные понятия о настоящем и виртуальном мире. В связи с распространением новых технологий образовалась огромная пропасть между настоящей реальностью и реальностью вымышленной. Понятия действительности и вымысла становятся основным «сырьем» для художника XXI века.

В первом зале экспозиции представлена фотография. Практически на всех работах присутствуют люди. Художники Дамиан Усиедо и Лаура Торрадо создают в своих фотографиях иллюзию некого действия. Если герой Дамиана выглядит как бегущий актер несуществующего фильма, то необыкновенно женственная работа Лауры Торрадо напоминает сцены из театрализованного представления. Герои пары художников Кабельо и Карселлера переодеваются в Дэвида Боуи и Бреда Пита, а на фотографиях Чомина Бадиолы разворачивается целая многосерийная драма.

На черно-белых графических работах Хосе Мигеля Перенгеса полностью исчезают изображения людей и остаются только некие символы. Его работы выполнены со скрупулезностью академических рисунков с натуры, но при этом напоминают образы из сновидений. Художнице Чус Гарсия Фрайле предельно простыми средствами удается создать завораживающий облик ночного мегаполиса, а Эстер Партегас по-своему обыгрывает символы общества потребления.

Работы Мэгги Карделус, Конча Перес и Сандра Гамарра создают некую иллюзию интимности. Художницы выходят за рамки привычных техник, одновременно сочетая в своих произведениях фотографию, скульптуру, инсталляцию и живопись.

В следующем зале продолжается игра художников с пространством, но теперь уже исключительно в живописной технике. Так, Альфонсо Альбасете создает относительно реалистичный интерьер, который становится фоном для неестественно яркой абстрактной композиции. Филипп Фролих изображает сцену из сна, когда пространство помещения неожиданно сливается с дикой природой. Живопись Хорхе Галиндо сочетает в себе черты сюрреализма, китча и поп-арта. В этом же зале представлены абстрактные работы Фелисидада Морено и Нико Мунуера.

Читать еще:  Сингапурский художник. Prabhu Sathyamoorthy

Следующий раздел представляет работы, выполненные в смешанной технике, чтобы продемонстрировать, как художники сочетают традиционную технику с новыми технологиями, расширяя границы живописи. Завершается экспозиция видеоработами Фернандо Санчес Кастильо, Серхио Прего, Эль Перро и Кристины Лукас.

Тематическое разделение залов можно назвать лишь условным, поскольку любая классификация требует отстраненного взгляда, что практически невозможно, если мы говорим о творчестве современников.

Все работы проекта «Вымысел и реальность» обладают не только истинно испанской природой, но и достаточным потенциалом, чтобы быть понятыми за пределами своей страны. Куратор выставки рассматривает данный проект как наиболее доступный способ коммуникации между двумя странами, поскольку язык искусства является интернациональным и тем самым стирает территориальные, языковые и социальные границы.

Участники: Хуан Усле, Фернандо Санчес Кастильо, Серхио Прего, Хосе Мануэль Бальестер, Хорхе Галиндо, Лаура Торрадо, Антони Мунтадас, Джорди Коломер, Анхела де ла Крус, Пельо Иразу, Кристина Лукас и другие.

Информация о кураторе: Мария де Кораль — искусствовед, критик и независимый куратор. Директор 51-й Венецианской Биеннале (2005); заместитель главного куратора Далласского музея изобразительного искусства (2005–2008); директор коллекции современного искусства фонда «la Caixa» (1995–2002); директор Национального музея Королевы Софии в Мадриде (1990–1994); с 2000 года является директором Expo Actual.

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector