Современная итальянская художница. Giosi Costan

Современная итальянская художница. Giosi Costan

Люсия Сарто

Люсия Сарто родилась в 1950 году в городе Удине на северо-востоке Италии. В возрасте 11 лет выиграла приз на конкурсе художников. Изучала искусство живописи в Турине и Венеции. Она была учеником известного мастера Б.Гуиди, под руководством которого Люсия разработала свой собственный стиль в духе романтического реализма.

Картины Сарто — это череда свежих и спонтанных выразительных образов. Ее тонкая техника живописи характеризуется светлыми оттенками зеленого и синего. Она ассимилировала для своей живописи поэтические, но, при этом, строгие цвета старинных венецианских мастеров. Все это становится очевидным в выборе оттенков для будущей картины и легкости штрихов.

В настоящее время картины Lucia Sarto можно найти в различных государственных и частных коллекциях Нью-Йорка, Мюнхена, Токио, Вены, Франкфурта, Лондона и Портофино.

Похожие картины

Женская красота, Современные художники

Женская красота, Женский портрет, Современные художники

Женская красота, Современные художники

Женская красота, Обнаженная натура, Современные художники

Великие итальянские художники

Италия — страна, которая всегда славилась художниками. Великие мастера, которые некогда жили в Италии, прославили искусство на весь мир. Можно сказать точно, что если бы не итальянские художники, скульпторы и архитекторы, мир сегодня выглядел совсем иначе. Наиболее значимым в итальянском искусстве, конечно же, считается эпоха Возрождения. Италия в эпоху Возрождения или Ренессанса достигла небывалого подъёма и расцвета. Талантливые художники, скульпторы, изобретатели, настоящие гении, которые появились в те времена, до сих пор известны каждому школьнику. Их искусство, творчество, идеи, разработки сегодня считаются классикой, тем стержнем, на котором построены мировое искусство и культура.

Одним из самых известных гениев итальянского возрождения, конечно же, является великий Леонардо да Винчи (1452-1519). Да Винчи был настолько одарён, что добился большого успеха во многих областях деятельности, в том числе, в изобразительных искусствах и науке. Ещё одним известнейшим художником, который является признанным мастером, является Сандро Боттичелли (1445-1510). Картины Боттичелли — это настоящий дар человечеству. Сегодня его плотна находятся в самых известных музеях мира и являются по-настоящему бесценными. Не менее знаменитым, чем Леонардо да Винчи и Боттичелли, является и Рафаэль Санти (1483-1520), который прожил 38 лет, и за это время успел создать целый пласт ошеломительной живописи, которая стала одним из ярких примеров Раннего Возрождения. Ещё одним великим гением итальянского Возрождения, без сомнения, является Микеланджело Буонаротти (1475-1564). Помимо живописи, Микеланджело занимался скульптурой, архитектурой и поэзией, и добился в этих видах искусства больших результатов. Статуя Микеланджело под названием «Давид» считается непревзойдённым шедевром, примером высшего достижения искусства скульптуры.

Помимо художников, о которых говорилось выше, величайшими художниками Италии эпохи Возрождения, стали такие мастера, как Антонелло да Мессина, Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто, Доменико Фетти, Бернардо Строцци, Джованни Баттиста Тьеполо, Франческо Гварди и другие. Все они были ярким примером восхитительной венецианской школы живописи. К Флорентийской школе итальянской живописи принадлежат такие художники, как: Мазаччо, Андреа дель Верроккьо, Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Беноццо Гоццоли, Сандро Боттичелли, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Фра Бартоломмео, Андреа дель Сарто.

Чтобы перечислить всех художников, которые работали в эпоху Возрождения, а также во времена позднего Возрождения, и спустя столетия, которые стали известны на весь мир и прославили искусство живописи, разработали основные принципы и законы, которые лежат в основе всех видов и жанров изобразительных искусств, пожалуй, понадобится написать несколько томов, однако и этого списка достаточно,чтобы понять, что Великие Итальянские художники — это то самое искусство, которое мы знаем, которое мы любим и которое будем ценить вечно!

Картины великих итальянских художников


Андреа Мантенья — Фреска в Камере дельи Спози

Джорджоне — Три философа

Леонардо да Винчи — Мона Лиза

Никола Пуссен — Великодушие Сципиона

Паоло Веронезе — Битва при Лепанто

Рафаэль Санти — Мадонна с щегленком

Сандро Боттичелли — Рождение Венеры

Тициан — Автопортрет

Как Италия покорила мир красотой: Шедевры «Крестного отца» итальянского дизайна Джио Понти

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Имя Джио Понти вполне можно назвать в одном ряду с художниками эпохи Возрождения – он сочетал в себе множество талантов . Поэт, художник, дизайнер, издатель, скульптор, педагог. Он воплотил свои способности во многих сферах, но сперва получил образование архитектора и был по-настоящему влюблен в архитектуру – современную и древнеримскую, ренессансную и средневековую. Он говорил, что архитектура – сцена, в которой свершается спектакль нашей жизни.

С детских лет он был окружен красотой. Появившись на свет в Милане на излете XIX века, он впитал в себя атмосферу средневековья, таившуюся в уголках этого старинного города. Его захватывали мысли о том, что все это – узкие улицы, дома, мозаики и статуи, искусно сплетенные кружева и деревянная резьба – способно пережить и своих творцов, и владельцев, и их потомков… Сквозь года он пронес любовь ко всему ремесленному и не забывал обращаться к традиционным технологиям во многих своих интерьерных проектах.

Читать еще:  Смелый реализм и элементы абстракции. Kent Williams

Он окончил Миланский политехнический институт – впоследствии именно там он станет пестовать юные таланты. Но сначала была… война. Была карьера в корпусе понтоньеров, боевые награды, потом – работа на керамической фабрике, не приносившая удовлетворения… После Первой мировой молодые художники стремились к созданию нового мира, чистого, прекрасного, возрожденного искусством. И Понти искал собственный путь к обновлению. Его эклектичные, выполненные на грани между классической серьезностью и мягкой иронией, проекты имели успех. Для Richard-Ginori году он создал несколько арт-объектов, навеянных легендами о ведьмах. Довольно скоро он стал креативным директором фабрики Richard-Ginori и за семь лет вывел предприятие на лидерские позиции на рынке керамики (у Понти был редкий для художника талант – превращать в золото все, за что он брался). Но этого было мало.

В1928 году Понти вместе с другом, журналистом Уго Оджетти, организовал журнал Domus, ставший впоследствии культовым в среде архитекторов. В то же самое время он вернулся к архитектурному проектированию и начал экспериментировать над гражданским жильем, внедряя в типовые миланские дома модульную систему и идеи открытого пространства. Однако, пока в Веймарской республике и СССР модернисты упражнялись в создании минималистичных интерьеров, сочетая стекло и гнутые металлические трубки, и сбрасывали традиционные формы «с корабля современности», Понти искал применение тем образам итальянского искусства, которые с детства очаровывали его. Так, сочетая новаторское и привычное, обращая особое внимание на эргономику и качество материала, Понти создавал истинно итальянский дизайн.

Движение по «осовремениванию» традиционной итальянской архитектуры называлось «новеченто» — по аналогии с периодами развития искусства в эпоху итальянского Ренессанса. Он сохранил в дизайне яркие цвета, сложные сочетания фактур, яркую образность и иллюстративность в те годы, когда дизайнеры-модернисты объявили войну орнаменту.

После Второй мировой Италия, казалось, лежала в руинах. И тут настало время Понти разойтись в полную силу. Он уже был известен – его собственная фирма с 1932 года обеспечивала итальянский средний класс качественными и красивыми светильниками, его журналом зачитывались студенты архитектурных факультетов… После войны именно его революционные проекты и бережное консультирование производств позволили итальянской промышленности сделать невероятный рывок и преодолеть послевоенный кризис.
Он создавал невероятно легкие стулья, которые казались массивными на первый взгляд, роскошные кресла, доступные каждому, модульные шкафчики и фарфоровые сервизы, стеклянную тару для множества фирм и лампы, которые производятся и по сей день…

Но Италии было нужно новое «лицо», новый архитектурный облик. Так появилась модернистская башня Pirelli — первый небоскреб в Италии. На самом деле Понти спроектировал стальную башню, которой предстояло затмить творение Эйфеля, еще в 1933 году, но Муссолини запретил ее строительство.
Вершиной творчества Понти стала, пожалуй, ажурная церковь Сан-Франческо. Архитектор вдохновлялся средневековой итальянской архитектурой, однако отверг ее тяжеловесность, облегчив конструкцию.
Виллам, которые возводил Понти, он давал женские имена. «Серена», «Флавия», «Джулия»… «Джулия» было его любимым именем.
Понти был невероятно плодотворен. Он проектировал здания шесть десятков лет (сто двадцать проектов в нескольких странах мира!), четверть века преподавал и читал публичные лекции, пятьдесят лет посвятил изданию журналов, написал две тысячи статей… Казалось бы, одному человеку не под силу сотворить столько – разве что отказаться от всех радостей жизни. Но Понти этого не потребовалось – он и в личной сфере был весьма успешен. После университета он встретил любовь всей своей жизни, Джулию Вимеркатти, стал отцом четверых детей и дедом восьми внуков.

О Понти перестали говорить повсеместно в 70-х, когда на сцене появились бунтарские группы молодых дизайнеров, уставших от «хорошего дизайна», однако до конца жизни он оставался одним из самых влиятельных людей в итальянской промышленности и архитектуре. Он оставил мир, который беззаветно любил, в 1979 году, ему было восемьдесят семь лет. Джио Понти остался в истории не только как великий творец, но и как человек, вернувший Италии статус «страны высокого искусства». Благодаря ему словосочетание «Made in Italy» стало синонимом высокого качества и безупречного стиля.

Текст: Софья Егорова.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

Читать еще:  Фигуративные картины. Howard Mason

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Магические и женственные картины Джорджии О’Кифф

Про американскую художницу Джорджию О’Кифф я узнала в 7 классе из учебника английского языка. Больше всего мне запомнилось, что она рисовала черепа животных. Я еще долго приставала к учительнице, выспрашивала, как это черепа повесить на стену, ну покажите мне эти черепа. Но дело было давно, всезнающего интернета тогда не было, количество книг в нашем небольшом городе было ограничено, а авторы учебника английского языка, повествуя о художнице, поместили только портрет самой художницы.

И вот, много лет спустя дошли руки до великой «рисовательницы черепов» из детсва. Оказалось, что на самом деле, она прославилась картинами с изображением цветов и растений, а те самые костяные головы рисовала в определенный период жизни.

Считается, что художница не придерживалась какого-то определенного стиля, ее работы на границе двух течений — магического реализма и прецизионизма, на грани предметного и беспредметного. Четкие, как чертеж, с острыми ракурсами, свойственными фотоискусству, виды сочетаются с ирреальными образами сновидений и грез. Изысканные и яркие работы обладают ритмической гармонией, символическим языком и упрощенными, близкими к кубистским, формами. Увеличенные образы цветов и растительных изображений, вполне натуральных по изображению, но по настрою и восприятию, космические, не реальные, сильные, сексуальные, магические…

Читать еще:  Черно-белые картины. Minh Hang

Джорджия О’Kифф родилась 15 ноября 1887 года на ферме «Солнечная прерия» в штате Висконсин. Она была вторым ребенком в многодетной семье венгерки и ирландца. Первые уроки рисования она получила дома, и в дальнейшем все признавали ее способности. В 1905 году она окончила среднюю школу и решила стать художником.

Искусство О’Kифф изучала сначала в Художественном Институте Чикаго (1905–1906), а затем в Лиге студентов гуманитариев в Нью-Йорке (1907–1908), где она осваивала принципы реалистического искусства.

В 1908, она выиграла премию Уильяма Мерритта за лучший натюрморт. В 1912 О’Kифф поступила на летние курсы преподавателей искусств в Университете Шарлоттсвилля, штат Вирджиния, к художнику Эйлону Бементу , который познакомил ее с революционными идеями своего коллеги Артура Уэсли Доу.

В 1914-1915 О’Kифф опять в Нью-Йорке, здесь она занимается на курсах в педагогическом колледже. В конце 1915 она уже преподавала искусство в Колумбийском колледже, штат Южная Каролина. В попытке найти свой язык, с помощью которого она могла бы выразить свои чувства и идеи, она создала ряд абстрактных рисунков древесным углем, которые теперь признаны как наиболее инновационные во всем американском искусстве.

Она отправила некоторые из них бывшему однокашнику, который 1 января 1916 года показал их всемирно известному фотографу и художественному импресарио, Альфреду Штиглицу (Стиглицу). Он был пионером в области фотографии в Америке, и страстным пропагандистом современного искусства. Это он познакомил американцев с творчеством Сезанна, Матисса и Пикассо Штиглиц убеждал О’Kифф возвратился к Нью-Йорк. Не спросив автора, он показал 10 ее работ в известной авангардистской галерее. А весной 1918 года он предложил Джорджии финансовую поддержку, чтобы она могла год работать в Нью-Йорке, и она приняла его предложение.


Вскоре после ее прибытия, у нее со Штиглицем, который был уже женат, начался роман, который продолжался до самой его смерти в 1946 году.

В 1924 году Штиглиц и О’Kифф поженились. С 1918 по 1934 годы Штиглиц был увлечен фотографированием Джорджии, за это время он сделал 300 ее фотографий, и на большинстве из них она запечатлена в весьма эротических позах.

В середине 30-х годов их союз пережил глубокий кризис. Штиглиц увлекся молоденькой интеллектуалкой Дороти Норман. Хотя он говорил, что это только дружба, никто в это не верил. В особенности Джорджия.

Оскорбленная супруга уехала на ранчо к друзьям в Нью-Мексико, сошлась с другом Штиглица фотографом Анселем Адамсом, и навсегда влюбилась в пустынные плоскогорья.

Впрочем, говорят, что союз Штиглица и О’Kифф был вообще странным, что они не столько любили друг друга, сколько совращали другие пары, при этом Альфред нередко отдавал предпочтение мужчинам, а Джорджия – женщинам.

В то же время Штиглиц с энтузиазмом занимался продвижением работ своей подруги, организуя ежегодные выставки ее работ в лучших американских галереях.


Альфред Штиглиц Джорджия О’Киф «Руки», 1919 год. Была продана за $ 1470000 в 2006 году.

Спустя три года после смерти Штиглица, О’Кифф переехала из Нью-Йорка к своему любовнику — тридцатилетнему керамисту Хуану Гамильтону в Нью-Мексико. Хуан до конца ее дней выполнял обязанности секретаря и ассистента. Она жила в глуши, то в своем доме на «Ранчо призрака», который она купила в 1940 году, то в доме, купленном в 1945 году, и продолжала писать маслом до середины 1970-х, когда потеря зрения вынудила ее оставить живопись. Она продолжала работать в графике до 1982 года, она также создала несколько гончарных работ. Умерла она в 1986 году в возрасте 98 лет. Ее тело было кремировано, и Хуан рассеял прах с вершины горы.

Художница была странным человеком. Она, например, была чрезвычайно скупа, и никогда не выбрасывала даже пластиковые пакета, сама пекла хлеб твердый и невкусный, и хотя имела два Мерседеса, никогда на них не ездила из экономии. В жаркие дни она ходила босой с мокрым полотенцем, обмотанным вокруг головы.

Она коллекционировала камни и раковины, когда однажды она увидела у знакомых интересный камень, она его не долго думая, украла. Она отказала во встрече Пабло Пикассо, заявив: «Не люблю его картины, они не настоящие». Она не охотно расставалась со своими работами, и долго колебалась, прежде чем что-либо продать. Она обожала путешествия, в особенности по диким местам.

А, напоследок, любимая фразочка О’Кифф: «В отличие от большинства людей, я всегда знала, чего хочу». 😉

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector