Современная канадская художница. Adrian Baker

Современная канадская художница. Adrian Baker

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Читать еще:  Стилизованная манера письма. Lucio Diodati

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

Читать еще:  Современные художники Америки. Joseph Todorovitch

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Канадская художница Мод Льюис

История об очень скромной и доброй Мод Льюис (Maud Lewis), которая стала великой канадской художницей и вселила радость в людей, живущих и за пределами захолустного городка, из которого не позволяла ей выбраться болезнь.

Мод Льюис (1903-1970) родилась в Новой Шотландии у Джона и Агнес Доули. В детстве, Мод провела большую часть своего времени в одиночестве, в основном потому , что она чувствовала себя некомфортно в связи с отличием от других детей. Она родилась почти без подбородка и всегда была намного меньше , чем все остальные. Вместе с тем, Мод была счастливым ребенком проводившим время вместе со своими родителями и братом. Мать Мод научила ее живописи на рождественских открытках , которые продавались и , таким образом , она начала свою карьеру художницы.

В раннем детстве она заболела артритом, который скрючил ее руки и навсегда наградил болезненной походкой. Но она смеялась над своей болезнью! Живя безвыездно в доме своих родителей, Мод начала рисовать. Пастелью и цветными карандашами она рисовала радостные картинки.

В 1935 году отец Мод умер затем в 1937 году умерла ее мать. Как было характерно в то время, ее брат унаследовал семейный дом. После того, как она прожила некоторое время с братом, после продажи дома она переехала в Дигби , чтобы жить со своей тетей. Там она познакомилась с Эверетт Льюис, странствующим разносчиком рыбы, и вышла за него замуж в 1938 году.

У них был крошечный однокомнатный дом на старой заброшенной дороге.

Свой маленький очаг Мод украсила множеством красок: окна разрисовала букетами тюльпанов, двери — птицами и бабочками. Даже мусорный ящик расписала маргаритками. В доме топилась печь, а поначалу освещала его маленькую комнатку лишь керосиновая лампа.

Мод Льюис рисовала сцены на открытом воздухе, мыс острова, лодки на воде, лошадей ,сани, фигуристов, портреты собак, кошек, оленей, птиц и коров. Ее картины были вдохновлены воспоминаниями детства, а также местаит Дигби . Большинство ее картин совсем маленькие — часто не больше , чем 20 на 25 сантиметров, хотя она , как известно, сделала по крайней мере пять картин 60 на 90 сантиметров. Размер был ограничен тем, насколько она могла двигать руками. Она использовала в основном плиты и трубы , с краской на масляной основе. Техника Мод состояла из первого покрытия доски белым, а затем рисуя контур и нанесением цветной краски непосредственно из тюбика. Она никогда не смешивала несколько цветов.

«Мой ребенок нарисовал бы лучше», — качает головой владелец бакалейной лавки, не понимая, почему открытки Мод пользуются такой популярности. «Но не нарисовал же. Идиот», — защищает жену Эверетт. В картинах Мод соседствуют разные сезоны, часто отсутствуют тени, животные принимают причудливые формы, а пропорции искажаются в соответствии с замыслом художницы. Они кажутся примитивными, но только на первый взгляд. Больше всего подкупает отношение самой Мод к искусству: ее не интересуют слава и даже деньги, которые начинают приносить ее произведения.

Заинтригованные искусством художницы, её оригинальным духом и замкнутой жизнью, к дому Льюисов стали стекаться туристы и поклонники ее творчества. Они покупали ее рисунки за 2, 3, а потом за 5 долларов. Мод не решалась просить больше. Так она стала главным кормильцем семьи, благодаря своему таланту. «Пока я могу просто сидеть у окна и держать в руках кисточку, я счастлива», — говорит она.

Мод Льюис продолжала писать свои весёлые картинки и сохраняла свой неизменный оптимизм до смерти в 1970 году.

Сейчас в галерее Новой Шотландии находятся 55 картин Льюис, включая главное достижение — её собственный дом.

(Ее дом помещается в музее . )

Посетители удивляются, как человек мог жить 30 лет в таком маленьком пространстве и излучать столько радости, создавая маленькие шедевры!

Ее муж Эверетт был убит, когда грабитель убил его во время попытки ограбления в доме в 1979 году.

В 2016 году вышел в прокат художественный фильм «Maudie» о жизни Мод Льюис. Салли Хокинс играет Мод, а ее мужа играет Итан Хоук.

«Моди» — предсказуемая и линейная история, Хокинс придает ей такую степень правдивости и обаяния, что за отношениями Мод и Эверетта зритель все равно будет следить с интересом и сопереживанием, прощая даже грубые клише. Ради роли художницы актриса специально училась рисовать в течение нескольких месяцев перед съемками, еженедельно встречаясь в Лондоне с преподавателем по наивной живописи.

В мае 2017 года одна из ее картин была продана с аукциона за 45 000 долларов.

Читать еще:  Скульптуры из книг. Brian Dettmer

По-моему, волшебные, добрые и позитивные картины. а ее маленький дом — чудо. =)

Умерла известная художница Qinni с DeviantArt. Иллюстраторы запустили флэшмоб в ее честь

Грустная история, которую мы не можем обойти стороной. Рассказываем о канадской художнице китайского происхождения Qinni и делимся реакцией интернета на ее утрату.

  • 8761
  • 12 февраля 2020

9 февраля художница Цинь Хан умерла после четырех операций на сердце и долгой борьбы с раком. Qinni в 2006-2007 годах стала одним из первых художников, получивших известность за пределами DeviantArt, хотя сама девушка на тот момент еще училась на художника. Она быстро набрала популярность в социальных сетях (и тысячи подписчиков), но Qinni всегда говорила о том, как для нее важен DeviantArt . Именно эта платформа оказала ей поддержку на старте, за что она безгранично благодарна порталу.

Вы наверняка встречали ее работы в социальных сетях. Одним из самых знаменитых рисунков стал человек, лежащий в луже своих слез. Qinni неоднократно рассказывала о своем здоровье — эта тема была и в ее рисунках. С 2015 года девушка делилась тем, как ей тяжело преодолевать операции на сердце, но делала это с юмором и самоиронией. В 2019-м у Цинь диагностировали четвертую стадию саркомы, и доктора сообщили, что девушке осталось жить максимум полтора года.

Well, no matter what happens, at least my meme sketch will be immortalized forever on the internets lol
saw someone use it just the other day xD

Через три дня после публикации этого арта о хрупкой девушке (в последние недели Qinni не могла сама передвигаться) ее друзья сообщили о смерти девушки . Фанаты и молодые художники, для кого Цинь была примером, стали публиковать арты в ее честь под тегом #galaxiesforqinni.

Наш видеоредактор Полина была знакома с Qinni:

Я общалась с Qinni примерно с 2013-2014 года. Она была сильным, неповторимым и превосходным человеком. Так как мы работали в одной области на DeviantArt, будучи начинающим художником, я обращалась к ней за профессиональным советом и помощью, что дальше перетекло в душевные переписки. Это тот человек, который старался дать всем максимально полезное, красивое и практичное. Она была очень сильной, талантливой и впечатляющей. Четыре операции на сердце при последней стадии рака, а она не теряла энтузиазм к творчеству — рисовала и играла на гитаре вплоть до последних дней. Я горжусь ей.

I am at a loss for what to say, @qinniart was a beautiful person and artist and I’m sad she is no longer with us and my heart goes out to her family and friends. May she live on in our hearts as her art continues to be an inspiration for generations to come. #galaxiesforqinni pic.twitter.com/e25nAWh66M

for @QinniArt, thank you for being a huge inspiration to many and staying strong until the end. may you rest peacefully among the stars and shine even brighter. #galaxiesforqinni pic.twitter.com/p0YwfKAVU3

Thank you for inspiring us to follow our dreams, never give up and smile no matter what @QinniArt , you will stay with all of us forever #qinniart #Qinni #galaxiesforqinni pic.twitter.com/ebsrWVmv46

— Kari’s Art ♌︎ (@Kari_Yordanova) February 10, 2020

Новое в блогах

ВОЛШЕБНЫЙ МИР голландского натюрморта.АДРИАН КООРТ.

Адриан Коорт.Три персика на каменной столешнице и бабочка Красный Адмирал, 31.3 x 23.3cm, 1693-1695.Картина продана за ;2 057 250.

Пять раковин на каменной столешнице

Адриан Коорт 1660 -1707 — голландский художник эпохи барокко. О творчестве голландского художника Адриана Коорта известно сравнительно немного. Они жил и работал во второй половине XVII века и в своих работах подражал великим голландским мастерам натюрморта. Около 1680 года он стал в Амстердаме учеником Мельхиора де Хондекутера. В 1683 вернулся в Мидделбург. В 1695 фигурирует в документах как член Гильдии Святого Луки.


Земляника.

Однако в отличие от своих великих коллег, Коорт никогда не стремился создавать масштабные полотна – все его картины имеют очень небольшой размер и содержат минимальное количество предметов. Такая скромность, вероятно, повредила художнику – ведь в течение почти трех столетий имя Адриана Коорта ничего не говорило любителям живописи.


Натюрморт со спаржей и красной смородиной
Nat. Gallery of Art (1696)

С другой стороны, сегодня его мастерство ни у кого не вызывает сомнений. До нашего времени дошло всего несколько натюрмортов Коорта, на которых мы видим изображения раковин, крыжовника, персиков, красной смородины и спаржи. Художник писал самые простые предметы – те, что всегда можно было найти под рукой.

Три плода мушмулы и бабочка (1705)

Порой, по всей видимости, тогда, когда он уставал от предметной живописи, Адриан Коорт рисовал бабочек, но и здесь он не стремился поразить зрителя красотой и буйством красок – все его бабочки – это всего лишь самые обычные представительницы местной фауны. Адриан Коорт – певец скромности и воздержанности, что, впрочем, не умаляет его значения в мире искусства.


Горный вид с утками

До середины ХХ века художник оставался практически неизвестным. Его открыл голландский историк искусства Лауренс Йоханнес Боль (1898—1994), опубликовавший в 1952 статью о нем, в 1958 организовавший в Дордрехте выставку его избранных работ, а в 1977 выпустивший в Амстердаме монографию о художнике.

Спаржа, земляника и крыжовник
Dordrechts Museum (1698)

В 2003 экспозицию его работ показала Национальная галерея искусства в Вашингтоне. 7 декабря 2011 прежде неизвестная работа мастера Три персика на каменной столешнице и бабочка Красный Адмирал была продана на аукционе за рекордную для работ этого мастера цену в ;2,057,250

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector