Современное американское искусство. Bonnie Goedecke

Современное американское искусство. Bonnie Goedecke

Изобразительное искусство Америки. Классическое и современное. Часть 1

Изобразительное искусство Америки. Какое оно? Насколько глубока и увлекательна история образования и развития искусства? Творчество каких художников сыграло наиболее значимую роль в формировании профессиональной школы изобразительного искусства Америки?

На эти вопросы сложно ответить без предварительного ознакомления с историей искусств США. Первые имена, которые возникают в памяти — это имена художников-бунтарей и провокаторов — Джексона Поллока, Марка Ротко и Энди Уорхола. И в моем представлении искусство Америки обрисовывалось не краше того, что я написала выше. Но это было до того момента, пока не посетила страну, не обошла все ведущие галереи и музеи страны и не заглянула в реставрационные мастерские в тех же крупных художественных центрах.

В августе этого года у меня состоялась поездка в США по программе «Добровольные визиты», организованная Государственным департаментом в рамках программы «Международные визиты» (IVLP). Программа познакомила участников с лучшими методами и механизмами, используемыми в США, по развитию передового опыта в области арт-менеджмента, хранения экспонатов, проведения крупных художественных проектов и научных исследований в сфере культуры и искусства. Программа включала посещение трех городов: Вашингтон (округ Колумбия), Альбукерке (Нью-Мексико) и Нью-Йорк (Нью-Йорк).

После всего увиденного, искусство Америки раскрылось для меня в широком спектре удивительных произведений классического искусства и провокационных арт-объектов современного искусства.

В первую очередь, мне бы хотелось отметить, что изобразительное искусство Америки обладает индивидуальным чувством восприятия. Любое произведение, написанное американским художником, с первого взгляда узнаваемо, ибо оно пропитано идентичностью и самобытностью, свойственной исключительно американской культуре.

Есть такое понятие как «великий американский роман». В основном о нем говорят, вспоминая Маргарет Митчелл, Уильяма Фолкнера и Джерома Сэлинджера. Они отразили настроения жителей страны и сформировали не только литературную традицию, но и, в значительной степени, культуру в целом. И если были художники, отразившие на холсте то, о чем писали Фолкнер и Сэлинджер, то важнейшим среди них был Эндрю Уайет — американский художник-реалист, один из виднейших представителей изобразительного искусства США XX века. Его произведения находятся в постоянной экспозиции Музея современного искусства в Нью-Йорке (MoMA).

Эндрю Уайетт, «Мир Кристины», 1948

Эндрю Уайет, «Оторвавшиеся от земли», 1996

Изобразительное искусство Америки пережило бурное развитие в ХХ веке и активно продолжает развиваться в XXI. Наряду с классической живописью и скульптурой появлялись и продолжают появляться новые виды визуального искусства. Популярными стали эксперименты, поиски новых средств художественного выражения. Характерной чертой искусства стала его интернационализация. Немало художников разных культур и ментальности жили и работали, привнося неоценимый вклад в развитие и поддержку изобразительного искусства США. Сегодня общая коллекция предметов изобразительного искусства, представленная в крупных музеях и галереях страны, предположительно едва ли не самая большая часть изобразительного искусства за всю историю развития материальной культуры.

Культура и искусство США формировались под влиянием этнического и расового многообразия страны. Значительное влияние на нее оказали выходцы европейских, африканских и восточных стран. Необходимо отметить, что Америка была вторым, после Франции, центром развития мирового изобразительного искусства в послевоенное время. В годы Второй мировой войны в страну эмигрировало большое количество европейских художников, и художественная жизнь сконцентрировалась главным образом в Нью-Йорке, отличаясь авангардистскими поисками новых форм художественного самовыражения.

Одно из первых художественных направлений мирового уровня, которое возникло в Америке — это абстрактный экспрессионизм. Ярким представителем принято считать Джексона Поллока (1912-1956). Мне посчастливилось увидеть его картины в музеях Нью-Йорка и детально рассмотреть каждый «всплеск» красок на холстах (The Metropolitan Museum of Art, MoMA, Guggenheim museum).

В американском изобразительном искусстве существует понятие «живопись цветных плоскостей». И приводя в пример творчество Марка Ротко (1903-1970), Клиффа Форда Стилла (1904-1980) и Барнетта Ньюмана (1905-1970), суть направления становится ясна, как и сами цвета холстов.

Барнетт Ньюман, Who is afraid of blue, yellow and red IV? 1969-1970

Марк Ротко, «Белый центр», 1950

С конца второй половины ХХ века активно развивается новый вид искусства — ассамбляж. Ассамбляж — это создание художественных объектов из различных предметов или их фрагментов. Автором идеи был французский скульптор и художник Жан Дюбуффе (1901-1985). Распространение моды на ассамбляж началось после выставки «Искусство ассамбляж», состоявшейся в Нью-Йорке в 1961 году. Классиком этого жанра считался американец Марсель Дюшан (1887 — 1968), художественные композиции которого часто отличались значительной долей провокации. Эту идею также поддержал и Пабло Пикассо. Один из его ассамбляжей посчастливилось увидеть, рассмотреть поближе и даже прикоснуться.

Ассамбляж Пабло Пикассо в реставрационной мастерской Музея современного искусства в Нью-Йорке готовится к выставке (MoMA)

Ассамбляж, представленный на выставке скульптур в Музее современного искусства в Нью-Йорке (MoMA)

Безусловно, затрагивая историю изобразительного искусство второй половины ХХ века, нельзя не упомянуть о творчестве Энди Уорхола (1930-1987), Роя Лихтенштейна, Ларри Риверса, которые вызывали большой интерес к своим художественным экспериментам в разработке нового стиля и техники. Идеи мастеров заключались в том, чтобы сделать искусство доступным каждому, а предметы из повседневной жизни арт-объектом, или послужить развитию «сюжета» на холстах или графических листах. Так, банки из-под кока-колы и консервированного супа, комиксы стали ориентирами в искусстве и поспособствовали развитию целого направления в искусстве — поп-арт.

Читать еще:  Смелое, радикальное и авангардное. Jae Dougall

Современное искусство в Америке: топ-5 городов

Пять городов США, которые неожиданно для всех стали точками притяжения для молодых художников и поклонников современного искусства

Ричмонд, штат Вирджиния

Благодаря Шейну Помаджамбо (Shane Pomajambo) из Blind Whino SW Arts Club, некоммерческой организации и галереи в Вашингтоне, в 2012 году Ричмонд стал столицей американского стрит-арта. Именно тогда он перенес организованный им фестиваль уличного искусства G40 из столицы на территорию Ричмондского художественного округа. Ежегодно Помаджамбо приглашает десять художников из разных уголков мира, чтобы в течение двух недель они расписывали стены города.

Балтимор, штат Мэриленд

Некогда престижный центральный район Балтимора, примыкающий к Пенн-стрит, кажется, пришел в упадок: раньше здесь располагались офисы множества компаний, которые исчезли в течение последних 15 лет из-за экономического кризиса. Однако энтузиасты из группы Station North Arts and Entertainment решили исправить положение: пустующие промышленные объекты были переоборудованы в школу дизайна Балтимора и два общежития-мастерские для молодых художников. Неподалеку Луис Розенфельд, основатель Rosenfeld Organization, продвигает свой граффити-проект Graffiti Alley. Любой художник может прийти сюда, чтобы оставить свой художественный след — при этом совершенно законно: Граффити-аллея — единственное место в городе, где стрит-арт только поощряется. На фото — художники на фоне своих работ.

Новый Орлеан, штат Луизиана

Родина джаза, Новый Орлеан в последнее время претендует на статус столицы современного искусства благодаря организованному в 2007 году арт-триеннале Prospect New Orleans. Четвертая интервенция искусства официально окончилась 25 февраля 2018 года; следующая намечена на конец 2020-го. В этот раз 73 художников волновали социальные и природные катаклизмы. Знаменитая Кара Уокер показала инсталляцию Katastwóf Karavan — необычный музыкальный инструмент, построенный ею совместно с джазовым пианистом Джейсоном Мораном и инженером, специалистом по энергии пара, Кеннет Гриффард.Инструмент должен напомнить о рабстве и музыке, рожденной этой трагедией. Инсталляция из предметов мебели Дженнифер Одем обращает внимание на проблему повышения уровня моря.

Сан-Хуан, Пуэрто-Рико

Несмотря на то что район Сантурс находится всего в 15 минутах от центра города, к 1990-м годам он окончательно превратился в трущобы. В 2009-м это место облюбовали местные молодые художники, понемногу превратившие этот район в настоящий арт-кластер. Стены украсили граффити, открылись хипстерские бары; сегодня здесь, в центре Сантоса, восемь улиц превратились в музей уличного искусства. Основатель одной из местных галерей C787 Studios Энджел Алексис Буске (Angel Alexis Bousquet) в 2010-м организовал здесь ежегодный фестиваль Santurce es Ley, на который съезжаются инди-музыканты, художники и любители современного искусства.

Санта-Фе, штат Нью-Мексико

Автор саги «Игра престолов» Джордж Мартин в 2015 году поспособствовал появлению еще одного дома, возможно, более могущественного, чем Дом Ланистеров. «Дом вечного возвращения» — интерактивный проект группы художников Meow Wolf, главным спонсором которого стал самый успешный фантаст нынешнего времени (недостающая сумма была собрана на Kickstarter). На территории 20 000 кв. м бывшего боулинг-клуба художники создали масштабную инсталляцию-квест. Интерактивные стены и потолки, элементы VR-реальности, роботы и архитектурные обманки погружают зрителя в сюрреалистический мир, где ему предстоит узнать (а может, и нет) тайну исчезновения викторианского семейства. Место стало настолько популярно, что некогда сонный район Санта-Фе превратился в точку притяжения и для гиков, и для ценителей современного искусства.

Интерактивная версия журнала ELLE Decoration

Журнал ELLE Decoration

Любое воспроизведение материалов сайта без разрешения редакции воспрещается.

Copyright (с) 2016-2020 ООО «Хёрст Шкулёв Паблишинг»

Сетевое издание «ELLEDECORATION.RU» (Эль Декорейшн)

Учредитель: Общество с ограниченной ответственностью «Хёрст Шкулёв Паблишинг»

Главный редактор: Алексей Дорожкин

Контактные данные редакции для государственных органов (в том числе, для Роскомнадзора):

Реальный секс. Фильмы, в которых актёры не имитировали постельные сцены

Эротическими фильмами никогда не удивишь, а вот теми, в которых есть реальный секс, — ещё можно. Лайф собрал несколько скандальных и провокационных картин, которые залезли на территорию порнографии, оставшись при этом художественными фильмами.

Перечень фильмов, конечно, отнюдь не исчерпывающий, но семь картин действительно привлекли в своё время немало внимания смелым подходом к откровенным сценам, несмотря на то что иногда на экране демонстрировалось соитие дублёров.

«Нимфоманка» Ларса фон Триера (2013)

Фото © Постер к фильму

Фильм рассказывает историю эротических переживаний женщины от рождения до пятидесятилетия, которая подаётся от имени героини по имени Джо, поставившей себе диагноз «нимфомания». В фильме есть множество откровенных сцен. А режиссёр сообщал, что в его кинокартине покажут только реальный секс. В результате для исполнения сексуальных сцен были приглашены порноактёры.

«Отголоски прошлого» Пола Моррисона (2008)

Фото © Кадр из фильма

Большинству из нас Роберт Паттинсон известен по роли Эдварда в культовой саге «Сумерки». Но мало кто знает, что задолго до того, как стать этим вампиром, он снялся в роли, где ему пришлось доставлять удовольствие самому себе. Это был испано-британский фильм «Отголоски прошлого».

«Любовь» Гаспара Ноэ (2015)

Фото © Кадр из фильма

В основе сюжета — история любви парня, девушки и ещё одной девушки, которые вместе постигают все радости секса. После разрыва с любимой главный герой всё чаще воспроизводит в памяти романтические моменты. И всё в реальности. Никаких дублёров, всё крупно и в 3D.

Читать еще:  Элегантность в живописи. Michael de Bono

«Необратимость» (2002)

Фото © Кадр из фильма

Драматический триллер, в центре сюжета которого история молодых Маркуса и Алекс. Началось всё, когда в одном из обычных подземных переходов кто-то изнасиловал молодую французскую девушку. Ровно через два часа в этот же день был убит один из посетителей популярного клуба. Фильм, конечно, ужасает сценами насилия и слишком выраженным реализмом происходящего на экране, но союз Моники Беллуччи и Венсана Касселя остаётся очень горячим. Особенно если учесть тот факт, что на момент съёмок они уже были в браке.

«Антихрист» (2009)

Фото © Кадр из фильма

Тяжёлая история, разворачивающаяся вокруг несчастной пары, которая отчаянно пытается оправиться от трагической смерти своего сына. Кинолента начинается откровенной сценой страстного секса, снятой в фирменном стиле Ларса фон Триера и завершающейся падением ребёнка из окна. Эта смерть травмирует психику женщины. После чего муж увозит её в загородный дом, где они отдыхали прошлым летом, надеясь, что это поможет обоим. Кинокартину не раз называли эротическим хоррором и выделяли в отдельный жанр. В интимных сценах здесь не использовали дублёров.

«Калигула» (1979)

Фото © Кадр из фильма

Фильм рассказывает о правлении римского императора Калигулы, вошедшего в мировую историю кровожадным и жестоким правителем. Откровенные сексуальные сцены в картине появились благодаря его продюсеру Бобу Гуччионе. Он, как издатель порножурнала «Пентхаус», захотел добавить их без ведома режиссёра уже после того, как съёмка была завершена.

Как искусство стало в Америке символом власти

Книга 1972 года о сложных отношениях государства и мира искусства, давно вошедшая в разряд классики в Америке, впервые переведена на русский язык

Марк Ротко. № 11. 1949. Холст, масло. Из собрания Муниципального музея Гааги, Нидерланды courtesy of Gemeentemuseum Den Haag

Впослевоенный период США начали претендовать на роль всемирного центра культуры, соответственно, Нью-Йорк — на статус мировой столицы искусства. Работы американских абстрактных экспрессионистов стали символом передового искусства Америки, а значит, и всей планеты.

«Нью-Йоркская школа и культура ее времени», книга 1972 года, давно вошедшая в разряд классики в Америке, впервые переведена на русский язык. По жанру это научная монография, а по читательским ощущениям — живая история американского искусства, представленная в лицах. Автор, искусствовед Дори Эштон, ставит своей целью хотя бы отчасти ответить на простой вопрос: «Почему живописи в американской культуре понадобилось столько времени, чтобы заявить о себе в полный голос?»

Эштон Д. Нью‑Йоркская школа и культура ее времени. М.: Ad Marginem Press, 2017. 336 с.

Дори Эштон, скончавшаяся 30 января 2017 года, так и не увидев своего знаменитого труда на русском языке, была непосредственной участницей событий и близким другом таких суперзвезд, как Виллем де Кунинг, Джексон Поллок, Марк Ротко. Вскрывая сложные отношения художников и власти, Эштон разворачивает широкую картину художественной жизни послевоенного Нью-Йорка. Она демонстрирует, как менялся статус художника в американском обществе, как благодаря государственной поддержке в годы Великой депрессии впервые удалось сформировать художественное сообщество, наладить диалог с коллегами из литературного цеха и университетской публикой.

О сложных отношениях государства и мира искусства в этот период Эштон пишет: «. При президенте Рузвельте власти впервые начали понимать, что искусство — неотъемлемая часть цивилизации. ведь еще когда французское правительство попросило Гувера представить американское декоративное искусство на выставке, тот ответил, что, насколько ему известно, в США нет декоративного искусства».

Современное искусство с боями отвое­вывало место в общественной жизни Америки. Нечто похожее будет происходить и в России, только гораздо позже — в 1990‑е.

Неделя современного искусства в Нью-Йорке

В начале марта в Нью-Йорке открывается едва ли не больше выставок современного искусства, чем за весь год. «Воздух» попросил куратора Андрея Паршикова рассказать о самых интересных из них.

«Armory Show»

История «Армори-шоу» в Нью-Йорке насчитывает сто один год. Первая «Армори-шоу» прошла в 1913 году и стала первой масштабной международной выставкой современного искусства в Новом Свете. Сегодня ярмарка постепенно сдает свои позиции, но пока еще остается главным художественным событием марта в Нью-Йорке. Не так давно у нее появился серьезный конкурент — на Нью-Йорк из Лондона двинулась с мощнейшей экспансией ярмарка Frieze, и у нее есть все шансы на победу. Важно здесь другое. Приезжать на «Армори-шоу» в Нью-Йорк стоит не столько ради самой ярмарки, сколько для того, чтобы неделю посещать самые интересные вернисажи. Помимо многочисленных ярмарок-спутников вроде Volta, Scope, Independent и еще десятка незначительных мероприятий, названия которых знают только участники, все музеи и галереи города в это время показывают свои лучшие проекты.

В этом году есть два основных акцента в выставках «Армори» и сопутствующих ей открытиях: гендерная тема и современное искусство Китая. Бум китайского искусства продолжается уже лет этак десять, но в этом году устроители «Армори» постарались показать действительно новых и актуальных авторов: Ай Вэйвэй, братья Гао и Сун Дун никуда не делись, но назвать имена более молодых художников вряд ли смогут даже знатоки — такое ощущение, что до Запада они просто не доходят. А стоило бы, ведь рынок китайского искусства куда более устойчив, чем другие. Китайские коллекционеры действительно патриотичны, и, раз попав в хорошие руки, художник уже не падает в цене. Молодые китайские художники опровергают ориенталистский взгляд на Китай как на традиционное общество, лишенное воли к прогрессу. О проблемах новой станковости, о постколониализме, о политическом минимализме, о современной абстракции и о гендерных проблемах китайские художники теперь могут рассуждать наравне с западными коллегами. А что касается гендера, то об этом на «Армори-шоу» говорят не только они.

Читать еще:  Украинская художница. Юлия Пастухова

В этом году тематическая выставка на самой респектабельной «Армори-шоу», где продается послевоенное искусство, была посвящена великим художницам XX века. Надо сказать, что эти работы, просто выставленные рядом друг с другом, закрывают гендерную тему лучше, чем самая умная феминистская выставка со стройными текстами. Здесь без всяких слов говорит о себе искусство Луизы Буржуа, Джорджии О’Киф, Яои Кусамы, Евы Хессе, Лиджии Кларк, Хелен Франкенталер, Ли Краснер, Агнес Мартин и многих других. Еще в этот раз очень бросается в глаза изобилие работ классика поп-арта Тома Вессельмана, автора «Великой американской обнаженной».

«The Last Brucennial»

Фотография: Dale McNeil

Выставку «The Last Brucennial» в пику «Whitney Biennial» каждый год делает Bruce High Quality Foundation и Вито Шнабель (сын Джулиана Шнабеля, художника и кинорежиссера, автора фильмов «Баския» и «Скафандр и бабочка»). Это выставка со спонтанной экспозицией и самым большим в Нью-Йорке количеством искусства на квадратный метр. «The Last Brucennial» в этом году устроена по половому признаку. К участию пригласили только художниц, причем их попросили в своих работах сосредоточиться на гендерном дискурсе — хотя наиболее прогрессивно сегодня считать, что все женские работы по умолчанию с ним связаны. Но самое интересное здесь даже не состав участниц, а сама экспозиция, которую делали в несколько этапов. В первую очередь по стенам развесили работы классиков или покойных художниц вроде Дженни Хольцер, Барбары Крюгер или Луизы Буржуа. Затем пришли молодые и ныне здравствующие художницы и повесили свои работы на свободные места. Итог предсказуем: стены ломятся от живописи, на половине отдельно стоящих маленьких плазм не работает видео, мимо скульптур сложно протиснуться. Однако остается ощущение, что именно так подобная выставка выглядеть и должна. Если в Москве всех тошнит от шпалерной развески и неумения создать пространство созерцания, то в Нью-Йорке, где все только этим и занимаются, подобного рода панковская экспозиция выглядит как мощное высказывание. Смотреть сложновато, но зато есть чем себя занять надолго: искусства тут настолько много, что хорошее тоже не редкость. Мужчины к участию допускались только как актеры для перформансов, желательно раздетые и в кресле, похожем на пыточный аппарат.

«Whitney Biennial»

Фотография: Andrew Katz

Биеннале «Уитни» гендерными проблемами презрительно манкировала. У них достаточно своих: музей переезжает, и этому посвящена внушительная часть выставки. Смыслы и пласты, поднимаемые тремя кураторами, невозможно описать в нескольких предложениях. Основные темы: здание музея, художественная форма, постколониальные проблемы, магия и тема идентичности. В общем, про что только не. Как это ни удивительно, выставка получилась до неловкости традиционная в плане представленных творческих техник. Преобладают средней руки живопись, совсем неинтересные коллажи и огромное количество крупноформатной трудоемкой скульптуры. Можно сделать вывод, что это как-то связано с переездом. Рекламный слоган биеннале такой: «Сегодня увидишь на биеннале «Уитни» — или завтра где угодно еще».

The Studio Museum in Harlem

John Akomfrah, Memory Room 451 (video still), 1997

Во время «Армори» открылись три выставки в одном из самых интересных музеев Нью-Йорка — Студийном музее Гарлема: «The Shadows Took Shape», «Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art» и персональная выставка Кэрри Мей Уимс «Музейный проект». Первая — про афрофутуризм — малоизвестное, но интереснейшее явление. Гарлемский музей специализируется на искусстве, связанном с этническим — и конкретно афроамериканским дискурсом. Название выставки «The Shadows Took Shape» — это строчка из песни легенды джаза Сан Ра. Блестящая экспозиция не нуждается в дополнительных текстах, работы сами доносят до зрителей информацию о возможном, желаемом или навсегда потерянном будущем афроамериканских художников. Это постконцептуальное искусство в его самом романтическом проявлении. Только в данном случае он окрашен этнически. В 90-е годы в Москве был подпольный бум движений и литературы о том, что русские — «дети богов». Читать это было либо смешно, либо противно. А вот смотреть выставку, которая шепчет тебе, что афроамериканцы — загадочный, возможно, внеземной народ, почему-то хочется как можно дольше. «Radical Presence» — более жесткая и концентрированная выставка афроамериканского перформанса, где особую симпатию вызывает концептуалист Дэвид Хэммонс. Зимой 1983 года он продавал на площади Купера снежки, разложив их на пледе от больших к маленьким. Таким образом, как он сам считал, он привлекал внимание к проблемам нью-йоркского пролетариата. Выставка Кэрри Мей Уимс смотрится как продолжение ее более крупного проекта в одной из галерей Гуггенхайма. Эта художница делает концептуальные фотографии на тему афроамериканского феминизма.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector