Современное искусство. Clyde Steadman

Современное искусство. Clyde Steadman

Женщины, кошки и пара бурундуков от Клайда Стедмана

Я не большой поклонник подобной манеры, но здесь что-то зацепило.

Много работ есть в его инстаграме.

Еще записи по тегу «Искусство»

Welcome to La Loca

Есть огромное множество причин посетить это место. Лично для меня значение имеют: здесь нет чешской кухни, поедание которой для меня пытка в прямом…

Доступное современное искусство

На острове Штванице (Ostrov Štvanice), именуемом также Большой остров или Большая Венеция я попала на выставку современного чешского искусства.…

Огни большого цирка Будапешта

Будапештский цирк был первым в моей жизни классическим цирком и вторым посещенным цирком вообще. Ранее я была только на представлении знаменитого…

Старый Будапешт на фотографиях Яноша Райзмана

Друзья! К сожалению, работы стало невыносимо много и сокращение времени сна до 5 часов уже не спасает. Посему выпадаю на некоторое время из ЖЖ. Пока…

О венгерских корнях лейтенанта Коломбо

Признаюсь честно, объективных причин делать из этой темы отдельный пост нет, но я давний и преданный фанат сериала, поэтому, пользуясь случаем, не…

Звери как люди в работах Томаша Ковача

. или антропоморфизм, если по-научному. Томаш Ковач (1942 — 1999) — один из самых выдающихся венгерских графиков 20 века. Обладатель множества…

«Шибко тощая!» : скандальной скульптуры в Будапеште больше нет

Хотела сегодня написать о Вишеграде, но вчера сообщили, что с площади Иштвана Сеченьи убрали скандальную фигуру тощей девочки. Скандальную, т.к.…

Галерея Коллера: место для бесплатного приобщения к венгерскому искусству

Все-таки странная штука Трипадвизор.. Если посмотреть список музеев Будапешта, то на первом месте будет эта самая галерея, на 2 — музей пинбола, на 9…

Современное искусство Венгрии: Эрно Тот

Являясь очень далеким от искусства человеком, меня все же постоянно тянет к высокому. Хотя я и не попала в Национальную галерею (но надежды не…

Современные керамисты Британии. Барри Стедман

Барри Стедман родился в Уотфорде (Великобритания) в 1965 году, к керамике пришёл только в середине нулевых, до этого был занят в розничной торговле. С 2003 по 2005 гг., обучался 3D дизайну в Барнфилдском колледже, в Лутоне. С отличием закончил факультет керамики Вестминстерского университета в 2009 г. Он всегда интересовался рисованием и прикладным искусством, и однажды открыл для себя керамику на вечерних курсах, где его покорили возможности глины, её способность выразить любые абстрактные идеи, демонстрировать цвета и формы. Обучаясь в Вестминстерском университете в Харроу Стедман смог по-настоящему исследовать этот материал, сформировать и развить свои идеи. Он работал в различных галереях в Великобритании и за рубежом, участвовал во многих керамических выставках и фестивалях, а также занимался преподавательской деятельностью, получал необходимые навыки и опыт общаясь с другими более опытными гончарами. Современные керамисты Британии, такие как — Джон Уорд и Эдмунд де Ваал высоко оценили творчество Барри Стедмана, его талант и рвение, последний, в 2009 году предложил ему должность помощника в своей Лондонской студии, теперь Стедман работает «под крылом» более именитого мастера, своего ровесника и единомышленника. Также, Стедман имеет свою собственную обустроенную студию.

Работы Барри Стедмана | photo from www.ceramicartlondon.com

— «Моя домашняя студия — это место, где глина, цвет и мои идеи объединяются. Я использую формы сосудов сделанные на круге или сконструированные из отдельных плит как средства для исследования контрастов света и тени, твердости и мягкости, тепла и прохлады, фактуры. Меня интересует, как границы сред встречаются и перекрываются. Ритмы напряжения и гармонии между цветами, пространством вокруг линий создают новую текстуру поверхности.

Я склонен работать делая серии изделий подчинённых одной теме, часто под влиянием природных явлений, любопытных мест. Эмоционально развиваясь я нахожу новые идеи, делаю зарисовки и макеты используя мой предыдущий опыт конструирования. Мне нравится тепло и яркость глиняной посуды покрытой глазурью содержащей оксиды, и то, как подглазурная краска ложится на красное глиняное тело. Поверхности создаются слоями между которыми я делаю тонкую механическую обработку, такое стирание позволяет получить богатые цветовые зоны. Затем я глазурую выбранные области, чтобы добавить глубину, тон и текстуру».

Работы Барри Стедмана | photo from www.ceramicartlondon.com Работы Барри Стедмана | photo from www.ceramicartlondon.com Работы Барри Стедмана | photo from www.ceramicartlondon.com

Современное искусство. Clyde Steadman

Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal

Nov. 29th, 2011

Случайно наткнулась на этого художника в интернете.Вот не могу сказать, чем он меня зацепил: вроде бы и ничего особенного, очень много работ на повторяющиеся сюжеты, а всё равно не могу пройти мимо.
Может всё дело в том, что главные герои на картинах не люди и даже не сами городские пейзажи, а туманы, дожди и мягкие лучи солнца. А вы заметили, что люди на его картинах больше похожи на призраков, намёки на людей.
. я и сама иногда себя ощущаю таким намёком на человека.

Читать еще:  Смесь импрессионизма и реализма. Carolee Vitaletti

Джон Эткинсон Гримшоу (обычно просто Эткинсон Гримшоу, англ. John Atkinson Grimshaw, 6 сентября 1836, Лидс 13 октября 1893, Лидс) живописец Викторианской эпохи, наиболее известный своими городскими пейзажами, передающими туман и сумерки.

Отец Джона был полицейским, но позже работал в Северной железнодорожной компании. Родители Джона были строгими
баптистами и запрещали ему рисовать, мать однажды даже уничтожила все его наброски. В 1952 году Джон начал работать клерком в Северной железнодорожной компании в Лидсе. В городе было несколько картинных галерей и Джон мог любоваться работами известных художников того времени. Он женился в 1858 году на Феодосии Хоббард и решил все-таки посвятить себя живописи, оставив работу в компании в 1861 году.

Его работы продавались в двух галереях, книжных магазинах и через мелких продавцов. Гримшоу стал популярен в Лидсе и в 1865 году смог переехать с семьей в более престижную часть города. Опытный лондонский дилер Вильям
Агнью стал продавать его работы. Дальнейший успех пришел к Гримшоу после признания его Королевской Академией искусств. В 1870 году Гримшоу смог купить Кностроп Холл, большой дом 17 века, в двух милях от Лидса около Ньюсамского собора, который часто рисовал. До ранних семидесятых картины Гримшоу в основном были посвящены пейзажам окрестностей Лидса и натюрмортам. Постепенно он стал рисовать ночные пейзажи Лондона, Ливерпуля, Гуля, Глазго, включая в них силуэты домов и кораблей. На этих картинах виден туман и смог, обычный для промышленных городов Англии. В его творчестве старая традиция сельских лунных пейзажей была перенесена в городскую среду и зафиксировала городской дождь и туман, создав образ викторианского города.

Аткинсон и Теодосия Гримшоу
Летом семья уезжала в Скарборо, где жила в доме Замок-на-море, как Джон его называл. Дом возвышался на холме
возле замка Скарборо , откуда были хорошо видны северный и южный заливы. Жизнь на берегу вдохновляла Джона на
создание прекрасных работ, посвященных морю, судам, докам. Также он рисовал портреты, интерьеры, сказочные картины. Он совершенствовал свой особый стиль живописи. Интересовался фотографией и даже использовал камеру Обскура для переноса своих эскизов на холст. Добавлял в краски песок, чтобы добиться желаемого эффекта.
Ещё при жизни его работы копировались и подделывались. С 1867 года художник стал подписываться Аткинсон Гримшоу, а не Д.А.Гримшоу, на самой картине и на ее обороте.

Жена родила ему пятнадцать детей, но только шестеро выжили. Четверо из них, Артур, Уилфред, Элейн и Льюис, в последствии стали художниками.

Гримшоу постоянно выставлялся в Городской галерее искусств Лидса. Ежегодно его картины присутствовали в экспозиции галереи. Также его работы были представлены в Королевской Академии и галерее Гросвенор. Большинство его работ размещено в частных коллекциях. Умер Джон Аткинсон Гримшоу 31 октября 1893 года от рака.

Гримшоу не оставил после себя никакого письменного наследия: ни писем, ни статей, ни книг. Его творчество было забыто, и интерес к нему появился лишь во второй половине XX века, когда прошли несколько его крупных выставок. Крупнейшее собрание работ Гримшоу находится в городской галерее Лидса.

Аткинсон Гримшоу очень любил поэзию лорда Теннисона, он написал две версии «Элейн»(или леди Шарлот. ).
Известно по крайней мере две истори о Леди Шарлот и обе описывают смерть чистой девы, которая умерла от любви к сэру Ланселоту, и чьё тело было спущено в барке на воду. Элейн называли прекрасной лилией Астолата.
Барка стала её гробом, и управлялась верным глухонемым слугой семьи. В руке Элейн держит письмо Ланселоту о её любви к нему и с просьбой молиться за ее душу.

В 1876 году Гримшоу позволил себе дорогостоящий каприз: построил дом с видом на две бухты Скарборо, он с
гордостью назвал его «Замок на море». Здесь он написал картину «Элейн», и здесь, в следующем году, у него родились близнецы, которых он окрестил Элейн и Ланселот.

Элейн и Ланселот Гримшоу

Элейн и Ланселот у Grounds of Knostrop crop

Самый дорогой художник современности – Дэвид Хокни

С овременного художника Дэвида Хокни в статьях, посвящённых ему, часто называют «британо-американцем». Появился он на свет в Англии, в графстве Йоркшир, но приехав в зрелом возрасте в Калифорнию, влюбился в неё. Самый дорогой художник современности – основатель британского поп-арта, Хокни получил известность и как автор спорной искусствоведческой теории.

Этапы становления

Дэвид Хокни появился на свет 9 июля 1937 года. Семья была достаточно необычной. Отец мальчика, бухгалтер Кеннет Хокни, всю жизнь испытывал тягу к рисованию, был художником-любителем. Кроме того, являясь пацифистом, он принципиально отказался от службы в армии во время Второй мировой войны. Мать Дэвида, Луиза Хокни, придерживалась строгих взглядов методической церкви, и не ела мясных блюд – диковинка в то время.

Читать еще:  Скрытые смыслы и значения. Anna Kunka-Kawelczyk

Ещё один интересный факт. Кеннет Хокни разделял позицию коммунистов, и одевался, подражая Фиделю Кастро. Его сын начал носить вещи в стиле русских крестьян, за что его прозвали «Борисом». Мальчик рано начал рисовать, и отец этому только радовался. В 50-х годах Дэвид окончил Школу искусств Брэдфорда, В армии он служить не стал, как и Кеннет, предпочтя альтернативный вариант – работу санитаром в госпиталях. Затем юноша уехал в Лондон и поступил в Королевский художественный колледж.

Уже в то время Дэвид приобретает популярность. Он рисует плакаты в поддержку ядерного разоружения. То, что его работы замечательны – признают и преподаватели, и студенты. Но тут показывает себя непокорная натура Хокни. Он отказывается делать дипломный проект, полагая, что о художнике должны говорить его картины. Когда юноше пригрозили, что ему попросту не выдадут диплом, он нарисовал скетч на эту тему. Но в итоге руководство колледжа всё-таки пошло навстречу, и образование Хокни завершил.

Это время, когда художник вырабатывает свой стиль. В 1960 году он раз за разом посещает выставку Пикассо. Впоследствии Хокни придерживался убеждения, что кубизм современным обществом недооценён. Год спустя Дэвида приглашают принять участие в выставке «Молодые современники». Она была развёрнута в Королевском колледже искусств, с неё и начался британский поп-арт. Работы Хокни обратили на себя внимание.

Его музой стал Лос-Анджелес

Вскоре после этого Дэвид с друзьями отправился в Нью-Йорк. Здесь можно было вволю ходить по музеям и картинным галереям. А также по гей-клубам – Хокни уже понял, что он принадлежит к представителям нетрадиционной ориентации. Наиболее значимые его работы этого периода – офорты «Похождения повесы в Нью-Йорке». На них изображён этакий «ботаник», пустившийся во все тяжкие. У искусствоведов не вызывает сомнений, что офорты – ответ на оперу «Похождения повесы» Стравинского.

А картина Хокни «Два сцепившихся мальчишки» позже получила премию Джона Моора. Дэвид живёт насыщенной жизнью – путешествует по Берлину и Египту, читает лекции в университетах США, создаёт серию иллюстраций к стихотворениям своего любимого поэта Константиноса Кавафиса.

А затем иллюстрирует сказки братьев Гримм. Хокни прочёл их все, и долго находился под впечатлением сюжетов и поэтического слога авторов. В 1966 году Хокни поселился в Лос-Анджелесе. Он просто влюбился в этот город, залитый солнечным светом. Калифорния напоминала ему Италию – родину великих художников. Здесь он написал самые известные свои картины. Одна из них «Большой всплеск» – настоящая икона 20-го века. Дэвида интересовали работы Леонардо да Винчи, изучавшего структуру и законы воды.

Вот в бассейн прыгнул юноша. Вода взметнулась на пару секунд. Именно этот момент и запечатлел Хокни. В это время определяется стиль работ Дэвида Хокни. Краски на его полотнах насыщены и, вместе с тем, прозрачны, наивность сочетается с отрешённостью. Ещё одна знаменитая картина «Питер вылезает из бассейна Ника», на ней запечатлён Питер Шлезингер, любовник художника.

«Бассейн с двумя фигурами» бьёт рекорды

Затем Хокни возвращается в Англию, принимает участие в публичных демонстрациях, вместе с другими отстаивая гражданские свободы. В 1968 году проходит большая выставка художника, после чего Дэвида начинают считать основателем британского поп-арта. В начале 70-х годов Хокни жил в Париже, а в 1979 году стал одним из основателей Музея современного искусства в своём любимом Лос-Анджелесе.

80-е годы принесли ему новую славу – Дэвид начал создавать фотоколлажи. Картины получались из разрезанных полароидных снимков. Обрезки собирались таким образом, что зрителю казалось – изображение движется. В 90-е годы художник пишет пейзажи родного Йоркшира, изображает на полотнах своих любимых собак. Известность получила и гипотеза Хокни-Фальк, выдвинутая в 2001 году. Художник и физик утверждали, что развитие живописи в эпоху Ренессанса обусловлено прогрессом в оптике – появились сферические зеркала и другие инструменты.

Итогом новой теории стала книга Хокни «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров». В 2011 году Хокни объявили «самым влиятельным художником Великобритании всех времен». Но Дэвида Хокни можно назвать и самым дорогим художником современности. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана в Нью-Йорке на аукционе за 90,3 млн долларов. Это рекорд. Причём полотно купили сразу – не прошло и 10 минут с начала торгов. Покупателем стал миллиардер Джо Льюис.

Ещё:

*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.

6 необычных произведений искусства, которые стоят дороже, чем вы думаете

Готовы купить унитаз за пару миллионов долларов?

Люди находят более привлекательными те произведения искусства, для создания которых, по их мнению, понадобилось больше сил и профессиональных навыков. Таким выводом поделился канадский профессор психологии Йельского университета Пол Блум в своей книге «Наука удовольствия: почему мы любим то, что мы любим». И этим можно частично объяснить скепсис в адрес современного искусства.

Читать еще:  Художник акварелист из Стамбула. Cihan Polat

Вы, вероятно, слышали про «Фонтан» Марселя Дюшана (его Блум также приводит в пример) – писсуар с надписью R. Mutt («Р. Дурак»). Можно долго спорить, искусство ли это, но арт-объект был продан за $1,7 миллиона на аукционе. Кроме того, техника реди-мейд стала значимым и известным явлением в искусстве XX века.

Собрали для вас еще несколько необычных (будем честны, порой даже странных) картин, скульптур и инсталляций, которые ушли с молотка за внушительную сумму.

1. «Свалка» Гэвина Терка

Стартовая цена на аукционе – $65,5 тысячи

И желающие приобрести ее уже есть. Да, большой черный мусорный мешок. Конечно, отлитый из бронзы – а вы что подумали? Британский художник Гэвин Терк не в первый раз воспользовался техникой trompe-l’œil (в переводе с французского – «обманка»). Это арт-объекты, которые крайне правдоподобно имитируют привычные, порой даже бытовые предметы. Но Терк не просто так решил выставить на аукцион металлический мешок с отходами. Это призыв к людям переосмыслить свое отношение к труду, который автор затрачивает на создание произведения искусства. А вместе с тем и ценность этого самого искусства. Так что же такое, на самом деле, настоящее искусство?

2. «Без названия» Сай Твомбли

$70 миллионов

Нет, никакие это не каракули на школьной доске. И вряд ли чей-то пятилетний ребенок сможет так же. Это полотно американского художника-абстракциониста Сая Твомбли. Большую часть жизнь он провел в Риме и вдохновлялся мифологией и мистикой. Часть своих работ Твомбли посвятил этим темам. Талант живописца не остался незамеченным – в 2010 году он был удостоен чести расписать потолок в одном из залов Лувра. Для современных художников это редкая награда. Кроме того, в 2001 году Сай Твомбли получил «Золотого льва» Венецианской биеннале – одного из известнейших форумов мирового искусства.

3. L.H.O.O.Q., или «Усатая Джоконда» Марселя Дюшана

В 2017 году репродукция полотна Леонардо да Винчи «Мона Лиза», которой Марсель Дюшан в 1964 году дорисовал усы и бороду, была продана на аукционе Sotheby’s. И это при том, что такая работа существует не в единственном экземпляре. Всего Дюшан создал 39 полотен (один оригинал, остальные – авторские копии), где Джоконда обзавелась волосами на лице. Теперь те, кто портит портреты в школьных учебниках, могут говорить, что просто подражают великому художнику (хотя в действительности им весьма далеко до уровня Дюшана).

4. «Свежий ветер» Джеймса Франко

Сумма кажется не столь внушительной по сравнению с остальными, если не уточнять, что это стоимость «невидимой» картины. MONA – The Museum on Non-Visible Art, или Музей невидимого искусства – находится в Нью-Йорке. Тут на стенах нет картин – только таблички с названиями и описаниями. Можно подумать, что все полотна просто украли. Но нет, их тут и не было. Оказывается, такую «живопись» можно не только экспонировать, но и продавать. Так, в 2011 году некто приобрел «Свежий ветер» Джеймса Франко. Любопытно, что он получил? Раму, сертификат подлинности и табличку с описанием работы. В последнем заключается вся суть «невидимого искусства» – в распоряжении зрителя только рассказ о том, какой могла бы быть картина. Остальная часть работы лежит в воображении смотрящего.

5. «Пространственная концепция. Ожидание» (1964) Лучо Фонтаны

$1,5 миллиона

Лучо Фонтана – итальянский живописец, который прославился тем, что резал холсты – пускай и свои собственные. Красное полотно с семью прорезями было продано за полтора миллиона долларов США. Сам автор объяснял свое творчество стремлением вырваться за рамки плоскости: «В отверстия, которые я проделываю, просачивается бесконечность, и живопись более не нужна». «Пространственная концепция» – это целая серия работ. Многие из них были также проданы на аукционах за большие деньги. Для Лучо Фонтаны эти отверстия – словно портал в космос, к чему-то большему, к той самой бесконечности, о которой говорит сам художник.

6. «Моя кровать» Трейси Эмин

$4,3 миллиона

Кажется, мы совершенно неправильно распоряжаемся своей постелью, если она до сих пор не принесла нам такую прибыль. Инсталляция британской художницы Трейси Эмин – незаправленная кровать и разбросанный вокруг нее хлам – принесла автору большой успех. Тут и пустые бутылки, и окурки, и салфетки, и клочки бумаги. Дело в том, что девушка провела несколько дней, не вылезая из постели. У нее была депрессия из-за расставания с возлюбленным. Очнувшись от печали, Трейси обратила внимание на то, во что превратилась ее комната. Это вдохновило художницу на создание арт-объекта.

Кроме высокой денежной оценки, инсталляция принесла Эмин популярность и признание – девушка была номинирована на премию Тернера.

Вероятно, вам также будет интересно:

11 выставок, на которые мы пойдем в сентябре

Каким российские художники увидели настоящее и будущее после пандемии?

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector