Современные бразильские художники. Jesser Valzacchi

Современные бразильские художники. Jesser Valzacchi

Бразильские художники и скульпторы

Бразильские художники и скульпторы занимают в мире достойную нишу

Одним из известных художников Бразилии, выразителем религиозной темы в искусстве Бразилии, является архитектор и скульптор Антонио Франсиско Лисбоа (1738-1814), более известный под именем Алейжадиньо. Он стал мастером изысканного декоративного убранства в стиле рококо и скульптур из крашеного дерева. Родился художник в городке Вила-Рика (штат Минас-Жерайс) 29 августа 1738, был сыном выходца из Португалии, крупного подрядчика и зодчего М.Ф.Лисбоа и рабыни-негритянки Исабелы. Отец выкупил его еще ребенком и воспитывал вместе со своими законными детьми. Прозвище «Алейжадинью» («маленький калека») появилось, когда в годы творческой зрелости он заболел проказой, изуродовавшей его лицо и тело. Его парализовало. Несмотря на это, он продолжал работать, привязав к запястью резец и молоток. Его произведения можно увидеть во многих церквях, построенных в стиле барокко, в Минас-Жерайс, где он родился, и в городе Оуру-Прету и его окрестностях. Одной из впечатляющих, грандиозных его работ являются фигуры двенадцати пророков в натуральную величину, расставленные на террасе и парадной лестнице у входа в церковь Bom Jesus de Matosinhos. Напротив церковной лестницы в шести маленьких часовнях он разместил шестьдесят шесть статуй, которые составляют скульптурный цикл «Страсти Христа».

В последние десятилетия 18-го века религиозная тема в искусстве Бразилии отходит на второстепенный план, появляется новый художественный стиль. Живопись становится более практичной, актуальной. Появляются портреты знаменитых людей эпохи.

В начале 19-го века происходит процесс европеизации бразильского искусства. Это связано с переездом королевского двора в Бразилию из Португалии в связи с нападением Наполеона. Король Дон Жоао VI основал такие учреждения культуры, как Королевская типография и Национальная библиотека. Он привез в Бразилию группу французских мастеров. Он хотел модернизировать королевскую столицу Рио-де-Жанейро. В эту группу входили братья Таунай, архитектор Аугусто Гранжан де Монтиньи и художник Жан Батист Дебре, оказавшие существенное влияние на искусство Бразилии.

В 1920-е годы в живописи появились новые техники, но дух и тематика остались бразильскими. Лазар Сегалл (1891-1957) стал первым художником, который выставил в 1913 году работы в духе современного искусства. Одним из самых значительных участников Недели современного искусства был Эмилиано ди Кавалканте (1897-1976), выдающийся художник, который прославился тем, что рисовал соблазнительных мулаток.

Широкую мировую известность получил художник Кандидо Портинари (1902-1962). Он родился в районе кофейных плантаций в глубине штата Сан-Паулу и в своих работах экспериментировал с темами и с цветами: как-то он попросил принести ему 30 килограммов земли из разных мест, а затем смешал черную, фиолетовую, красную и желтую глину со своими красками. Портинари запечатлел на своих полотнах простых людей, их страдания и радости. Портинари — автор монументальных фресок Библиотеки Конгресса в Вашингтоне и фресок на тему войны и мира на здании Объединенных Нации в Нью Йорке.

В конце 1940-х годов в Рио-де-Жанейро был основан Музей современного искусства , а в Сан-Паулу — Музей изобразительных искусств и Музей современного искусства. В этих музеях проводились разные курсы, выставки. В 1951 году Франсиско Матараззо Собриньо основал выставки биеннале в Сан-Паулу. Они привлекли внимание международной общественности к работам бразильских художников и показали новаторские работы иностранных художников.

В 1950-е годы эти выставки превратили Сан-Паулу в центр крупнейших выставок современного искусства.

Современное бразильское изобразительное искусство занимает прочные позиции. Художники, скульпторы выставляют свои работы как у себя в Бразилии, так и в музеях и галереях всего мира.

Групповая выставка Бразильских художников

— Система простых или сложных знаков, согласованных для запуска передачи и/или зашифровки сообщений;
— Договоренность, установленная между участниками, их согласие с некоторым объемом обобщений, необходимых для понимания шифра;
— Набор предварительно установленных параметров, согласованных с целью не потерять важное сообщение;
— Изображение, слово, буква, число, используемые для представления, идентификации и контроля частей определенного набора согласно предварительно установленной классификации.

Идея выставки заключается в том, чтобы разработать проблемы, связанные с представленными выше концептами Кода, найти, с точки зрения индивидуального исследования каждого художника, точки соприкосновения, свидетельствующие о существовании общих миров и общих частей, которые имеют смысл в разных пространствах: в Бразилии, России и любых других. Через свои работы, художники осмысляют адаптивную способность этих концептов, возможности пересечения, ошибки и различия языковых систем.

Читать еще:  Стоп-кадры внутренних сражений. Barbara Tosatto

Сандра Синту

(р. 1968, Санту-Андре) – одна из самых востребованных бразильских художников. Ее работы находятся в коллекциях музеев и галерей по всему миру, включая коллекции MoMA в Нью-Йорке, художественной галереи Олбрайт-Нокс и Музея современного искусства в Рио-де-Жанейро. В своих работах Сандра Синто визуализирует всепоглощающую силу природы, связь с ней человека, создает масштабную метафору как общечеловеческого жизненного пути, так и своего собственного.

Карла Шайнь

(р. 1983, Сан-Паулу) называет инструментом своих работ собственное тело. В работе с ним ей важно не экстремальное исследование его границ, а сам процесс создания произведений, поэтика этого процесса.

Албану Афонсу

(р. 1964, Сан-Паулу) создает фотографии, инсталляции и объекты, в которых свет получает скульптурное воплощение. Художник исследует способность этого элемента как выявлять скрытое, так и искажать форму предметов, создавая иллюзорное изображение. Его работы выставлялись в CAC Contemporary Arts Center в Цинциннати, в Casa Triângulo в Сан-Паулу, в CAB Art Center в Брюсселе и в других галереях и музеях Европы, Бразилии и США.

Карлус Нунес

(р. 1979, Сан-Паулу) в своих работах стремится к тому, чтобы использовать в них все параметры материала, который он берет для создания произведения. Работы художника сравнимы с научными экспериментами, подлежащими эмпирической проверке, или c теоремами, которые следует доказать; они как будто открывают зрителю то, что еще не исследовано или не изобретено.

(р. 1979, Сан-Паулу) исследует возможности репрезентации и восприятие зрителем изображения, в частности фотографии. В своих работах он играет с перспективой, фокусом, нарративом, точкой зрения и фильтрами, которые меняют наше восприятие изображаемого.

Пикантное и страстное арт-деко художника Хуареса Мачадо

Хуарес Мачадо (Juarez Machado) — современный бразильский художник и как любой бразилец он любит карнавал. Ведь Бразилия это не только страна диких обезьян, но и знаменитого на весь мир карнавала. Неудивительно, что карнавал живёт в картинах Хуареса Мачадо, но почему-то не бразильский, а венецианский. Наверное, художнику ближе европейские традиции и культура. В картинах Мачадо, выполненных в стиле арт-деко, присутствуют все атрибуты праздника жизни обеспеченных мужчин, а потому и беззаботных. Это вино, биллиард, карты и, конечно же, женщины. Над картинами Хуареса Мачадо витает терпкий запах вина и манящие ароматы парфюма. Художник богат и знаменит.

Бразильский художник, скульптор, дизайнер, карикатурист, фотограф, писатель и актер.
Хуарес родился 16 марта 1941 в городе Жонвилль, в штате Санта-Катарина, Бразилия.
В 1954 году он переехал в город Куритиба и поступил в Школу музыки и изобразительных искусств штата Парана.
В 1961 году Хуарес занял 2-е место в Салоне молодых художников в Куритибе, на следующий год он стал абсолютным победителем в жанре и живописи, и скульптуры на этом же Салоне.
1962 год был очень урожайным — на нескольких выставках в Куритибе Мачадо получил серебряную и бронзовую медали.
В 1964 году состоялась первая персональная выставка Мачадо в Куритибе, в галерее Cocaco, принесшая художнику большой успех. В этом же году художник получил Золотую медаль XV Весеннего Салона.
В 1966 году Мачадо поселился в Рио-де-Жанейро, где он проживал в течение двадцати лет.
Кроме живописи художник занимался графическим дизайном, иллюстрациями и скульптурой.
Работал карикатуристом в ряде бразильских газет, выступал в программе Fantástico на телеканале «Глобо».
В конце 1970-х полностью вернулся к живописи, неоднократно выставлял свои работы в Европе и США. Художник — обладатель ряда наград бразильских выставок и международных призов на Биенале в Италии (1969), выставке «Nakamori» в Японии (1977) и др.
В 1978 году выставки Мачадо прошли в Нью-Йорке, Лондоне и Париже.
В 1986 году Мачадо перебрался в Париж, где создал свою студию. Он часто выезжает на семинары и мастер-классы в Рио-де-Жанейро и Жонвилль.
В 1990 году художник был удостоен Почетной медали французского города Champs-sur-Marne.

Читать еще:  Шотландский художник. Stephen A Hall

Бразильские художники и скульпторы

Бразильские художники и скульпторы занимают в мире достойную нишу

Одним из известных художников Бразилии, выразителем религиозной темы в искусстве Бразилии, является архитектор и скульптор Антонио Франсиско Лисбоа (1738-1814), более известный под именем Алейжадиньо. Он стал мастером изысканного декоративного убранства в стиле рококо и скульптур из крашеного дерева. Родился художник в городке Вила-Рика (штат Минас-Жерайс) 29 августа 1738, был сыном выходца из Португалии, крупного подрядчика и зодчего М.Ф.Лисбоа и рабыни-негритянки Исабелы. Отец выкупил его еще ребенком и воспитывал вместе со своими законными детьми. Прозвище «Алейжадинью» («маленький калека») появилось, когда в годы творческой зрелости он заболел проказой, изуродовавшей его лицо и тело. Его парализовало. Несмотря на это, он продолжал работать, привязав к запястью резец и молоток. Его произведения можно увидеть во многих церквях, построенных в стиле барокко, в Минас-Жерайс, где он родился, и в городе Оуру-Прету и его окрестностях. Одной из впечатляющих, грандиозных его работ являются фигуры двенадцати пророков в натуральную величину, расставленные на террасе и парадной лестнице у входа в церковь Bom Jesus de Matosinhos. Напротив церковной лестницы в шести маленьких часовнях он разместил шестьдесят шесть статуй, которые составляют скульптурный цикл «Страсти Христа».

В последние десятилетия 18-го века религиозная тема в искусстве Бразилии отходит на второстепенный план, появляется новый художественный стиль. Живопись становится более практичной, актуальной. Появляются портреты знаменитых людей эпохи.

В начале 19-го века происходит процесс европеизации бразильского искусства. Это связано с переездом королевского двора в Бразилию из Португалии в связи с нападением Наполеона. Король Дон Жоао VI основал такие учреждения культуры, как Королевская типография и Национальная библиотека. Он привез в Бразилию группу французских мастеров. Он хотел модернизировать королевскую столицу Рио-де-Жанейро. В эту группу входили братья Таунай, архитектор Аугусто Гранжан де Монтиньи и художник Жан Батист Дебре, оказавшие существенное влияние на искусство Бразилии.

В 1920-е годы в живописи появились новые техники, но дух и тематика остались бразильскими. Лазар Сегалл (1891-1957) стал первым художником, который выставил в 1913 году работы в духе современного искусства. Одним из самых значительных участников Недели современного искусства был Эмилиано ди Кавалканте (1897-1976), выдающийся художник, который прославился тем, что рисовал соблазнительных мулаток.

Широкую мировую известность получил художник Кандидо Портинари (1902-1962). Он родился в районе кофейных плантаций в глубине штата Сан-Паулу и в своих работах экспериментировал с темами и с цветами: как-то он попросил принести ему 30 килограммов земли из разных мест, а затем смешал черную, фиолетовую, красную и желтую глину со своими красками. Портинари запечатлел на своих полотнах простых людей, их страдания и радости. Портинари — автор монументальных фресок Библиотеки Конгресса в Вашингтоне и фресок на тему войны и мира на здании Объединенных Нации в Нью Йорке.

В конце 1940-х годов в Рио-де-Жанейро был основан Музей современного искусства , а в Сан-Паулу — Музей изобразительных искусств и Музей современного искусства. В этих музеях проводились разные курсы, выставки. В 1951 году Франсиско Матараззо Собриньо основал выставки биеннале в Сан-Паулу. Они привлекли внимание международной общественности к работам бразильских художников и показали новаторские работы иностранных художников.

В 1950-е годы эти выставки превратили Сан-Паулу в центр крупнейших выставок современного искусства.

Современное бразильское изобразительное искусство занимает прочные позиции. Художники, скульпторы выставляют свои работы как у себя в Бразилии, так и в музеях и галереях всего мира.

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

Читать еще:  Тронуть сердца людей. Noemi Safir-Dolev

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector