Современные филиппинские художники. Glenn A. Bautista

Современные филиппинские художники. Glenn A. Bautista

Народный артист Филиппин — National Artist of the Philippines

Орден Национальных художников Филиппин ( филиппинский : Orden нг MGA Pambansang Alagad нг Синин нг Пилипинас ) является порядком дарованного Филиппин на филиппинцах , которые внесли значительный вклад в развитие филиппинского искусства . Члены Ордена известны как народные артисты . Первоначально учрежденная как награда, в 2003 году ей был присвоен статус ордена.

Орден находится в ведении Культурного центра Филиппин на основании Указа президента Фердинанда Маркоса № 1001 от 2 апреля 1972 года и Национальной комиссии по культуре и искусству . Первая награда была посмертно присуждена филиппинскому художнику Фернандо Аморсоло .

Содержание

Определение

Орденом высшей государственной награды награждаются лица, которые, как считается, много сделали для своего творчества. Достойные люди должны быть рекомендованы как Культурным центром, так и Национальной комиссией по культуре и искусству до получения награды. Такие люди затем в соответствии с президентским указом называются национальными артистами ( филиппинский : Gawad Pambansang Alagad ng Sining ) и вводятся в Орден.

Категории, по которым могут быть признаны национальные артисты, включали:

  • Музыка — пение, композиция, режиссура и / или исполнение;
  • Танец — хореография, режиссура и / или исполнение;
  • Театр — постановка, постановка и / или постановка;
  • Современное искусство — живопись, скульптура, эстамп, фотография, инсталляция, работы в смешанной технике, иллюстрация, графика, перформанс и / или визуализация;
  • Литература — поэзия, художественная литература, эссе, драматургия, публицистика и / или литературная критика;
  • Кино и радиовещание / Радиовещание — режиссура, написание, постановка, кинематография, монтаж, операторская работа и / или перформанс; и
  • Архитектура, дизайн и смежные искусства — архитектурный дизайн, дизайн интерьера, промышленный дизайн, ландшафтная архитектура и дизайн одежды.

Однако с тех пор национальные артисты были отмечены в новых категориях. ГЦСИ создал категорию Народного художника по дизайну одежды, когда выдвинул Рамона Валеру, но включил эту категорию в категорию «Архитектура, дизайн и смежные искусства». Президент Фидель В. Рамос издал указ о создании категории национального художника исторической литературы перед тем, как удостоить этой чести Карлоса Квирино .

Национальный артист Филиппин основан на широких критериях, установленных Культурным центром Филиппин и Национальной комиссией по культуре и искусству:

  1. Живые художники, которые были гражданами Филиппин в течение последних десяти лет до назначения, а также те, кто умер после учреждения премии в 1972 году, но были гражданами Филиппин на момент своей смерти;
  2. Художники, которые помогли сформировать у филиппинцев чувство национальной принадлежности посредством содержания и формы своих работ;
  3. Художники, которые проявили себя как первопроходцы в способах творческого самовыражения или стиля, оказывая влияние на последующие поколения художников;
  4. Художники, которые создали значительный объем работ и / или постоянно демонстрируют превосходство в практике своего вида искусства, обогащая художественное выражение или стиль; и
  5. Художники, получившие широкое признание благодаря престижному национальному и / или международному признанию, наградам на престижных национальных и / или международных мероприятиях, признанию критиков и / или обзорам их работ и / или уважению и признанию коллег в художественной дисциплине.

Затем номинации подаются в Секретариат национальных художников, который создается Комитетом по наградам национальных художников; Затем эксперты из различных областей искусства участвуют в первом обсуждении, чтобы подготовить короткий список номинантов. Второе обсуждение, которое является совместным заседанием уполномоченных NCCA и Попечительского совета CCP, определяет окончательных кандидатов. Затем список пересылается президенту Филиппин, который в своей президентской декларации объявляет окончательных кандидатов членами Ордена национальных художников.

12 скандальных художников, которые вошли в историю, не прибивая мошонок

Когда-то художники умели удивлять, не прибивая мошонки к брусчатке. Впрочем, в разные периоды был разный градус предпочтений. В этой подборке — 10 самых скандальных работ художников, которые не просто умели эпатировать публику, но и вошли в историю.

«Большая одалиска», Жан Энгр, 1819 год

Картина Энгра стала невероятно скандальной для своего времени. А всё потому, что он писал её для сестры Наполеона Каролины Мюрат. Картина так и не была принята заказчицей. Знала бы она, от чего отказалась.

Кресло от дизайнера Аллена Джонса, 1969 год

Художник Аллен Джонс в середине 60-х был известен как один из самых ярких представителей британского поп-арта, а его работы считались радикальными, эпатажными, экстраординарными. Большинство работ художника вызвали резкую волну критики от женского населения и считались «сексистскими» за чрезмерную откровенность. В марте 1986 года активистами эта работа была облита краской.

«Театр мира», Хуанг Йонг Пинг, 6 октября 1989 года

Основная критика была направлена на три видеоработы выставки «Искусство и Китай после 1989 года», в которых животных использовали в качестве экспонатов. На первом видео были сняты две спаривающиеся свиньи, почти полностью покрытые татуировками; на втором — восемь американских питбулей, расположенных парами друг напротив друга в состоянии агрессии, но прикованных к беговым дорожкам; на третьем — прозрачный купол, где находились сотни насекомых и рептилий, которые в итоге охотились друг на друга и погибали.

«Стёртый рисунок Де Кунинга», Роберт Раушенберг, 1953 год

В 1953 году Раушенберг продемонстрировал всем работу под названием «Стёртый рисунок Де Кунинга» (Erased De Kooning Drawing) — карандашный набросок Виллема Де Кунинга, который был стёрт. Художник своей работой поставил под сомнение саму идею традиционного искусства. Люди задались вопросом, может ли стёртая работа другого художника стать полноценным творческим актом и самостоятельным произведением. В своё время эта работа считалась вызовом и провокацией.

«Дерьмо художника», Пьеро Мандзони, май 1961 года

В мае 1961 года Пьеро Мандзони сообщил поклонникам современного искусства о создании нового произведения: он разделил собственные фекалии на порции по 30 граммов, разложил в 90 баночек и запечатал их. Баночки были пронумерованы, и на каждой красовались надписи на четырёх языках — «Дерьмо художника», а также автограф самого Мандзони. Каждая баночка была соответствовала по стоимости одному грамму золота на тот период.

Читать еще:  Тело и Пейзаж: фотография и реконфигурация скульптурного объекта

«Званый ужин», Джуди Чикаго, 1979 год

Своей работой «Званый ужин» художница решила покончить с патриархатной традицией сохранения мужских гениев, создав канон из 39 выдающихся женщин разных периодов истории. Художница изобразила своих героинь в виде вагин, разложенных по тарелкам на большом треугольном столе. Тринадцать женщин по каждую сторону стола в инсталляции отсылают к знаменитой работе Леонардо да Винчи «Тайная вечеря».

«Наклонная арка», Ричард Серра, 1981 год

«Наклонная арка» Ричарда Серра, установленная в 1981 году на Федеральной площади Нью-Йорка, вызвала ожесточённые споры среди общественности. Люди, работавшие в зданиях, расположенных на площади, выражали недовольство тем, что скульптура Серра якобы мешает движению. По итогам общественных слушаний (1985) было принято решение о перемещении скульптуры на другую площадку, но Серра утверждал, что она была создана специально для данного пространства и поэтому не может быть размещена нигде больше. В конечном счёте в 1989 году работа была демонтирована и пущена на переплавку.

«Окаймлённые острова», Жанна-Клод де Гийебон, 1983 год

В 1982 году художники Кристо и Жанна-Клод де Гийебон покрыли 11 островов в заливе Бискейн в Майами розовой полипропиленовой тканью. Экологи выступили против работы, беспокоясь о влиянии синтетического пластика на ламантинов.

«Я», Марк Куинн, 1991 год

Британский художник Марк Куинн (Marc Quinn) сотворил поистине безумный проект под названием Self — «Я», в рамках которого он создаёт скульптурные автопортреты из собственной крови. Это странный и тревожный проект художник стал реализовывать ещё в 1991 году. Каждые пять лет Марк изготавливает новую скульптуру своей головы из крови, чтобы запечатлеть себя и понаблюдать за собственным старением.

«Моя кровать», Трейси Эмин, 1998 год

«Моя кровать» представляет собой неряшливую, неубранную постель, вокруг которой разбросан различный бытовой мусор. Считается, что произведение отражает новую, современную эстетику, превращающую внешне безобразные объекты в предмет искусства. В 2014 году инсталляция была продана за $4,3 млн на аукционе Christie’s.

«Акула», Давид Черни, 2005 год

Скульптура чешского художника Давида Черни «Акула» в 2005 году сначала получила специальный приз Пражского биеннале, а после была запрещена. Инсталляция изображает полуобнажённого Саддама Хусейна, плавающего в аквариуме с формальдегидом. Сам Черни говорил, что это пародия на произведение Дэмьена Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», однако на её демонстрацию всё равно наложили запрет в ряде стран, например в Польше и Бельгии.

«Дерево», Пол Маккарти, 2014 год

В октябре 2014 года на площади Вандом в Париже была установлена гигантская скульптура, вызвавшая смятение среди жителей города. Многие сравнивали её с секс-игрушкой. Художник даже был избит за свою работу. Незнакомец ударил его три раза по лицу со словами: «Ты не француз! Тебе нечего делать на этой площади!» — и убежал. В социальных сетях жители возмущались, что Вандомская площадь обезображена, а Париж унижен.

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Читать еще:  Собственный мир. Katerina Bodrunova (Фотограф)

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

Читать еще:  Современная американская художница. Jocelyn Hobbie

Шпиндлер и иератизм

Марлен Шпиндлер (1931 — 2003) — один из основных художников коллекции галереи «Палисандр». Это известный и признанный мастер. Его живопись хранится в собраниях Русского музея и Третьяковской галереи, в которой, кроме того, в 1997 году проходила его персональная выставка. И всё же, думается, некоторые эпизоды его биографии заслуживают чуть более пристального внимания. В частности, то, какую роль он сыграл в становлении иератизма.

Иератизм — это живописная концепция, за которой стоит философско-религиозное учение. Её название происходит от греческого слова «священный». Само слово «иератизм» давно и часто используют историки искусства, когда говорят об искусстве древних цивилизаций, где священный характер изображения подчёркивается его контурностью, отсутствием лишних деталей и строгим соответствием канону. Живопись художников-«иератов» XX века также опирается на опыт религиозного искусства — в первую очередь древнерусского, но и других цивилизаций тоже.

Вождь этого движения — Михаил Шварцман (1926 — 1997). С середины 1960-х до середины 1980-х он был главным художником СХКБ Легпрома, разрабатывал товарные знаки. Его знали и ценили как графического дизайнера. Однако, сам он считал своим главным делом живопись, которая была известна только в узком кругу московских неофициальных художников. Хоть круг был узок, не все в нём относились к Шварцману с симпатией. Концептуалисты насмехались над его экзальтированной религиозностью, презрительное словечко Кабакова «духовка» — камень в первую очередь в огород Шварцмана. Тот в долгу не оставался и обзывал концептуалистов «самовздутышами».

Когда Михаил Шварцман был ребёнком, его семья недолго жила в Немчиновке, где его детские рисунки увидел и одобрил сосед Казимир Малевич. В биографии Шварцмана это важный эпизод. Супрематизм для него — предшественник иератизма. Кроме того, он ощущал себя преемником учительствующих художников русского авангарда, таких, как Малевич и Филонов. Как и они, Шварман разработал живописный метод, который его ученики должны были усвоить без каких-либо изменений. И, как и его знаменитые предшественники, Шварцман учил своих последователей не только живописи; неотъемлемой частью его системы было учение о мире и месте художника в нём. Школа Шварцмана была отчасти сектой. О своём искусстве он говорил языком, в котором заумь авангардных манифестов сплетается с речью религиозных мыслителей начала XX века: «Работы свои называю „Иературы“. Дело мое иератизм. Я — иерат (термин явился мне в видении). Я — иерат — тот, через кого идет вселенский знакопоток. Знаменую молчаливое имя — знак Духа Господня. Схождением мириад знаков, жертвенной сменой знаковых метаморфоз формирую иературу. В иературе архитектонично спрессован мистический опыт человека. Иература рождается экстатически. Знамения мистического опыта явлены народным сознанием, прапамятью, прасознанием. Созидаю новый невербальный язык третьего тысячелетия. Пока я, иерат, не родился в смерть, говорю вслух: — Язык третьего тысячелетия сформирован и увенчан — актами иератур».

5 фотографий Ги Бурдена, которые изменили фешен-индустрию

Один из самых известных снимков Бурдена, навеянный творчеством его учителя Мана Рея, — а именно снимком для рекламной кампании бренда Elizabeth Arden. Бурден вспоминал, что стучал в дверь мэтра шесть раз, но жена Мана Рея прогоняла его. И только на седьмой раз дверь открыл сам Ман Рей, который впоследствии разглядел талант начинающего фотографа. Кстати, именно он написал текст для первой выставки Бурдена, которая состоялась в 1952 году, — всего год спустя после их знакомства.

В начале своей карьеры Бурден хотел стать художником, но его первая выставка большого успеха не имела. Довольно быстро он понял, что добиться успеха сможет именно в фешен-фотографии. Самая известная серия, снятая для французского обувного бренда Charles Jourdan, явно вдохновлена работами Рене Магритта. Мало кто знает, что для первой их рекламной кампании Бурден попросил изготовить огромную деревянную пару обуви, на каждую туфлю ушло по целому дереву.

Рекламная кампания для бренда Charles Jourdan, весна 1978 года

Несмотря на то, что славу Бурдену принесли яркие цветные снимки, он сохранял приверженность черно-белому кино. Своими любимыми режиссерами Бурден называл Бунюэля и Хичкока, а после изобретения цветного телевидения даже отказался менять старый черно-белый телевизор на новый цветной. Свою любовь к черно-белой эстетике он иногда позволял себе выразить через добавленные в кадр полароидные снимки.

Модели, принимавшие участие в съемках Бурдена, неоднократно жаловались на его постоянное желание проводить съемки в тяжелых условиях — например, при освещении настоящим огнем, а не софитами — или же на крайне неудобные позы, находиться в которых порой приходилось по несколько часов (подчас не обходилось без обмороков). Модель Уоллис Франкен вспоминала, как
Бурден придумал снимок, на котором собака кусает подол юбки. Для этого он разбросал по полу куски мяса, расправившись с которыми собака стала кусать за ноги саму Франкен.

Несложно обратить внимание, что любимый типаж Бурдена — модели с вьющимися рыжими волосами. Последователи Фрейда здесь могли бы аплодировать стоя: именно такую прическу носила мать Бурдена, которая бросила его на произвол судьбы, когда ему был всего один год. По слухам, довольно жесток был Бурден не только с моделями на съемках, но и с женщинами, с которым он состоял в близких отношениях.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector