Современные художники Америки. David FeBland

Современные художники Америки. David FeBland

ru.knowledgr.com

Дэвид FeBland является всемирно признанным американским/Британским художником, известным современными фигуративными картинами и экспрессионистскими городскими пейзажами. Он представил 52 сольных выставки и участвовал в многочисленных выставках группы и художественных ярмарках в США, Европе и Азии. Работа FeBland была показана в многочисленных музеях и представлена в главных коллекциях произведений искусства, таких как Музей Нью-Йорка, Chase Manhattan Bank Corporation и Leo Burnett Corporation. Работа FeBland была показана и рассмотрена в многочисленных публикациях включая: Нью-Йорк Таймс, Искусство в Америке, Новых американских Картинах, Зрителе и Frankfurter Allgemeine Zeitung.

Молодость и образование

Карьера искусств

FeBland сказал, что он начал создавать образы в голове задолго до того, как он начал фактически производить искусство. Он объяснил, что даже не думал о себе как художник до достижения его 20-х и начал создавать совершенно самовыразительную работу только, когда он приблизился к возрасту 40. Оригинальный опыт перемещения в ранний возраст от сельской Англии до Кони-Айленда, Нью-Йорк, где он наблюдал хриплую уличную жизнь рабочего города побережья, gestated в течение его ранних профессиональных лет как иллюстратор и нашел выражение в конце 1980-х.

В то время FeBland посвятил себя изобразительному искусству и начал участвовать в выставках группы в Нью-Йорк Сити и Европе. Следуя нетрадиционным маршрутом в мир изобразительного искусства, FeBland начался, приняв участие в соревнованиях и выставках группы везде, где они звали художников, строя резюме быстро за следующие несколько лет. В конечном счете это привело к его включению в шоу в Национальном Музее Академии, а также некоторой критической прессе. В 1997 он начал серию сольных выставок в галерее Woodward и галерее Caelum в Нью-Йорк Сити и Галерее Фрейзера в Вашингтоне, округ Колумбия. Дополнительные музейные выставки следовали, а также постоянное коммерческое представление галереи прежде всего в Соединенных Штатах и во Франкфурте, Германия. В 2004 FeBland начал показывать коммерчески в Лондоне, Великобритания, в 2006 в Италии, в 2011 в Берлине, Германия и последний раз в Дании, а также на художественных ярмарках всюду по Европе.

Предметы и метод работы

FeBland — художник, обеспокоенный человеческим взаимодействием и проблемами конфликта и изоляции, чаще всего в городской окружающей среде. Его картины установлены на международном уровне и описывают глобальное смешение. Жизнь Контемпорэри-Стрит, городской хаос и культурные сопоставления — его предметы. Его работа показывает психологию и напряженность этих ежедневных столкновений. FeBland организует его предметы и является живописцем студии, работающим из фотографий, жизни и памяти.

Он сказал, что “Мы несем несколько основных идей в и посредством наших творческих жизней. Мы возвращаемся к ним снова и снова в процессе обработки. Наше ремесло улучшается, мы обнаруживаем новые методологии и СМИ, но они всегда поддерживают ядро того, что я назвал бы существенными истинами, которые мы формируем рано в нашем опыте». Он далее описывает свою работу таким образом, «Моя собственная работа сторонится большей части

ссылки на массовую культуру и уважения мира искусства, и я полагаю, что его уместность в пределах мира искусства может перенести для нее …, Если у моей работы действительно будет значение, то это будет продемонстрировано по жизни моей карьеры (или вне его), где каждая живопись представляет стандартный блок в обслуживании к большей цели, значительно большая идея, которая становится очевидной через определенное время».

Опытный пожизненный спортсмен, FeBland ездил на велосипеде пункт, чтобы указать через 44 страны и является давним жителем Манхэттена.

Критический ответ

“FeBland делает своего рода школу мусорщиков в сыром темпе хип-хопа. (Его) краска может быть пышной, точно густой и ярко цветной, но именно его критический анализ городской Америки через его предмет несет работу. Те осторожные, возбужденные несущиеся участники, бушуя и боясь в шумном городе, уполномочивают картины”.

“Хотя есть определенный элемент рассказа к картинам FeBland, рассказ явно никогда не говорится. Напоминающий о черно-белых фотографиях Гарри Виногрэнда или Роберта Франка ‘50-х, ‘60-х и ‘70-х, картины говорят что-то об американской жизни, но история архитипичная, не личная. Изображения находят отклик у подсознательного, как сообщение, показанное в мечте”.

«Эти изображения — вовлечение disarmingly. Хотя работа FeBland была по сравнению со школой мусорщиков Робера Анри и Джона Слоана – с намеками на Джорджа Беллоуса и Эдварда Хоппера также – его способность привить решительно эмоциональные элементы его работе также намекает на большее количество графики Бена Шэна и Диего Риверы. Это предлагает развитие социально сознательного реализма, что и художники Мусорного ведра и Шэн флиртовали с, очень американский ответ на советский социалистический реализм, который охватывает его более выразительные элементы …. [это] качество, которое дает фильмы Спайка Ли их острота, и это — дух, которого работы FeBland достигают лучше, чем его современники”.

«Его техника великолепно развита, но, как вся техника должна быть в прекрасном тандеме с содержанием, которому это наиболее приятно служит. Несмотря на это, FeBland — прямой потомок традиции Boldiniesque, которая стремится ошеломить зрителя с живописными шагами. Все же возможность FeBland произвести впечатление одной только бравурностью сдержана его способностью висеть в затруднительном положении и ударить в основе того, кто мы и как мы справляемся в городской окружающей среде, которая идет не в ногу с потребностями человека, все же непреодолимо частными. Он взял жестоко приоритетный мир и населил его, не с усмехающимися сумасшедшими, но людьми с насущной необходимостью и одержимой тоской. Требование FeBland наших умов и чувств состоит в его постоянной готовности сделать старый снимок и бежать с ним — пробег хорошо мимо наших обычных ожиданий к месту, где свод правил поддержался, чтобы высмеять после того, как с этим консультировались относительно тонкости строительства”.

Читать еще:  Фотограф, художник и скульптор. Алексей Гришанков

David FeBland.

Биографические данные:
Дэвид Феблан родился в Лондоне и ребенком эмигрировал в США. Год его рождения мне найти не удалось, но, исходя из того, что в 1971 г. он получил степень бакалавра политологии в УНиверситете Цинциннати, то родился он, скорее всего, в конце сороковых — начале пятидесятых годов прошлого века.
Затем, в 1972 г. он отправился изучать градостроительство в Университет Манчестера, а в 1974 г. стал магистром ландшафтной архитектуры Университета Вирджинии.

Совсем недолго Дэвид ФеБлан работал в области средового дизайна, а затем начал карьеру внештатного иллюстратора, и 15 лет сотрудничал с ведущими журналами, рекламными агентствами и издательствами. В конце 80-х годов он отказался от коммерческой деятельности и полностью посвятил себя изобразительному искусству. Сегодня он широко известен в США и в мире. Работы Дэвида ФеБлана можно увидеть в Майами, Нью-Йорке, Далласе, Торонто, Кёльне, Карлсруэ.
В настоящий момент он занимает пост доцента кафедры архитектурно-строительного черчения в Городском университете Нью-Йорка.
А ещё за последние 25 лет Дэвид ФеБлан объехал на велосипеде более 50 стран. В этих путешествиях он черпает вдохновение для новых работ.

Вот, что пишет художник в своём Творческом манифесте (Artist Statement):
«Моя работа исследует пространство возможности между желаением и реальностью. . И вот вы видите перед собой картины, отражающие мою повседневную жизнь, мои большие и маленькие путешествия, совершенные и вымышленные.

Многие из этих картин могут выглядеть, как непосредственное наблюдение событий, но это не так. Я свободно использую инфраструктуру мира вокруг меня, используя различные источники, включая память, создавая картины, полностью изобретённые в мастерской. Мои картины отражают мнения и сомнения, которые многие из нас разделяют, но зачастую не могут найти язык для выражения. Я счастливее, чем большинство, потому что со временем я выработал язык, позволяющий сформулировать эти идеи. На самом деле, я бы сказал, что мои картины — все о маленькой идее.»

Мнение обозревателя, (т.е. моё):
Мне будет непросто объяснить, чем же меня привлёк этот автор, но я попробую. Казалось бы, живопись «на приёме» (то, что я терпеть не могу в живописи, пожалуй, больше всего), но выглядит, должен признать, совершенно органично и оправданно. Порой довольно спорный и несколько слащавый, но, безусловно, всегда гармоничный колорит.

Но по-настоящему вытягивает всё энергичное композиционное построение и характерная пластика. В результате — имеем интересного художника с захватывающими работами. А на мой скромный взгляд, живопись и должна быть захватывающей 🙂

Магия света и цвета в загадочных натюрмортах американского художника Дэвида Чейфица

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Совершенство незавершенности

Нередко в живописи многие художники используют этюдную манеру письма, которая предполагает некую недосказанность и незавершенность. А вот Дэвид Чейфиц (Cheifetz David) сумел мастерски объединить в своем творчестве и недосказанность этюдной манеры, и абстракционизм, и реализм, которые и образовали неповторимый авторский стиль живописца. Изысканное сочетание цветов, игра контрастов, реалистичность и насыщенность – все это вдыхает жизнь в работы мастера. Поэтому, увидев однажды его работы — забыть их уже, действительно, невозможно.

Есть в произведениях Дэвида, что-то и от старых голландских натюрмортов, где темный фон играет особую роль. Он невероятно контрастирует с яркостью, сочностью, свечением предметов, которые зачастую не имеют четких границ. Отсюда у зрителя создается впечатление, что весь предметный ряд окружен световой оболочкой, подобной ауре или некой дымке.

Молодой художник научился мастерски показывать неповторимость и очарование в обыденных вещах, а также чувствовать и передавать красоту старинных предметов. Он также нашел изюминку в минимализме композиций, что является высшим пилотажем в его живописи. Его реалистическая манера письма также довольно необычна: насыщенные цвета, частые контрастные сочетания, игра света и тени, тонкая деталировка и фактурность. Иногда возникает желание потрогать руками тот или иной предмет, чтобы ощутить то, что он действительно нарисован, а не реален.

Уж больно притягателен свет и цветовая гамма каждой работы мастера. Яркие блики, контрастные тени и цветные рефлексы подчеркивают мощную энергетику каждого полотна настолько, что от них просто невозможно оторвать взгляд.

Читать еще:  Скульптор-философ. Alain Choisnet

Стоит особо отметить рефлексы, которые ложась не только на рядом стоящие предметы, драпировку и предметную плоскость, и даже воздушное пространство, невероятно оживляют картины и придают им особое очарование и некую таинственность.

Портреты и пейзажи Дэвида Чейфица

Помимо чудесных натюрмортов, которые прославили этого художника на весь мир, работает он и в других живописных жанрах. Он пишет портреты, городские пейзажи, фантастические сюжеты, в которых также использует свои излюбленные технические приемы.

И, как видим, живая, этюдная манера письма Дэвида Чейфица, акцентируемая на световом эффекте, его крепкий корпусный мазок, а также минимальная загруженность деталями, говорит о большом таланте молодого художника, впереди у которого большие творческие перспективы.

А незавершенность картин и вовсе создает у зрителя такое впечатление, что сейчас войдет художник с волшебной кистью и одним взмахом закончит свою работу. Разве это не волшебство?

О художнике

Дэвид Чейфиц (David Cheifetz) — родился в 1981 году на северо-западе тихоокеанского побережья Соединенных Штатов. В 2004-ом он окончил Университет Вашингтона и получил степень бакалавра изобразительных искусств и архитектуры. Несколько лет проработав архитектором, решил учиться живописи. В 2007-м поступил в школу изобразительных искусств Schuler School of Fine Arts в Балтиморе. Постигал азы живописи сразу на нескольких курсах. А мастерство совершенствовал, беря уроки у лучших художников. С 2009 года полностью окунулся в творчество, став профессиональным художником. А вскоре получил широкое признание и награды.

В сентябре 2010 года один из популярных художественных журналов отметил его как «восходящую звезду» среди художников в возрасте до 30 лет. А уже через два года о нем писали несколько крупных художественных изданий. В настоящее время художник живет и работает в Пало-Альто, штат Калифорния, со своей супругой Жасмин.

А уже на сегодняшний день David Cheifetz является известным живописцем Соединенных Штатов Америки. Ежегодно он принимает участие в различных выставках, в том числе и персональных. Его картины уходят в частные собрания коллекционеров, причем не только США. Работы художника пока оцениваются в пределах от 900 до 3500 долларов. А если учесть, что размеры его «миниатюр» колеблются в пределах 30х40 см, то это довольно неплохой старт для молодого перспективного мастера.

Художники во все времена вынуждены были искать свою нишу в искусстве, поэтому, уподобляясь изобретателям, они постоянно самосовершенствовались. В продолжение темы о поисках и находках новаторских техник, читайте в нашей публикации: Как украинский художник придумал новую технику живописи, за которую его назвали «гений современности».

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Познакомьтесь с Дэвидом Датуной — тем самым художником, который съел банан

— Что, по вашему мнению, определяет ценность произведения искусства?

— Чего мы ждем от искусства, в чем его ценность? Напрашивается один ответ: наслаждение и удовольствие, которое мы от него получаем. Это удовольствие относится к нашим чувствам. Суждение о хорошем и плохом в искусстве относится только к тому, кто судит. Так что попытка определить, что подлинно прекрасно, а что подлинно безобразно, так же бесплодны, как и поиск того, что доподлинно сладко, а что горько. Эстетические суждения говорят только о вкусе самого зрителя. Что касается моего искусства, то для меня важно, чтобы оно было еще и познавательным и являлось частью воспитательного процесса человека.

— Вы не боялись, что галерея Perrotin подаст на вас в суд за «уничтожение произведения искусства»?

— Вообще, да, я ожидал, что могу быть арестован и попаду под суд. Я к этому основательно подготовился: позвонил своему адвокату, приготовил необходимую сумму денег, чтобы внести залог. И еще нарочно надел старые джинсы, потому что понимал, что если меня арестуют в пятницу, то в тюрьме мне придется просидеть минимум до утра понедельника. В общем, да, я был максимально к этому подготовлен и морально, и материально. Но я не боялся этого суда и точно понимал, что делаю.

A post shared by David Datuna (@david_datuna) on Dec 7, 2019 at 11:49am PST

— В 2012 году вы создали приложение Viewpoints, которое позволяло создавать картины в вашем стиле, — оно все еще популярно?

— Это приложение было популярным где‑то до 2015 года. Потом появились другие идеи, другие проекты, тоже, кстати, связанные с технологиями. Сейчас мы, например, готовим инсталляцию для чемпионата мира по футболу 2022 года в Катаре. Это будет первая настолько огромная работа, соединяющая искусственный интеллект с современной инсталляцией.

— Считаете ли вы, что искусство должно иметь социальное значение?

— У всего, что я делаю, есть социальный смысл и социальные задачи. Поэтому, конечно, я считаю, что для меня искусство должно иметь социальный смысл. Но должно ли оно иметь социальный смысл для всех художников? Однозначно нет. Каждый сам выбирает, что ему ближе: эстетика, концептуальность, социальность или еще что.

Читать еще:  Фотографии и картины в чем их польза и какие лучше приобретать на память?

— Как вы решаете сделать портрет того или иного человека?

— Для меня любая работа — портрет, флаг или что‑то еще — это всего лишь зеркальное отображение действительности. Моя последняя работа — это «Всевидящий В.», портрет Владимира Путина (Датуна презентовал эту картину во время визита в Санкт-Петербург. — Прим. ред.). Если говорить о ней, то это не просто портрет человека, это зеркальное отображение всего, что есть в нем сейчас, хорошего и плохого, спорного и неинтересного, страхов, убеждений, и все это в одной форме. Главная моя задача в этой работе — это суметь заставить себя задать вопросы. А вообще в первую очередь я определяю, интересен мне человек или нет, есть ли смысл его изучать или нет.

Американский грузин Давид Датуна — самый дорогой, продаваемый и современный художник

ТБИЛИСИ, 13 сентября – Новости-Грузия. Что произойдет, если история заговорит языком современных технологий? Именно такими экспериментами прославился грузинский художник Дэвид Датуна — сначала в Америке, где он живет в последние двадцать лет, а потом и во всем мире.

Сейчас Датуна входит в число самых продаваемых и дорогих авторов современной арт-сцены благодаря своим работам, выполненным в уникальной технике.

С помощью современных технологий, усердия и блестящей идеи он доказал, что несмотря на этническую и культурную фрагментацию, весь мир связан цепью из выдающихся личностей и поступков.

В рамках специального арт-проекта Google Датуна первым в мире использовал в искусстве смарт-очки Google Glass в инсталляции «Портрет Америки», которую выставили в Национальной портретной галерее в Вашингтоне.

«Портрет Америки» — это огромный флаг США, созданный из более чем 2000 оптических линз. Благодаря Google Glass, инсталяция вдруг оживает и проецирует изображения, видео и события, связанные с важными моментами в американской культуре. Здесь можно разглядеть около 400 культовых личностей, которые создали Америку такой, какой мы знаем ее сегодня.

«Портрет Америки» задумывался как часть цикла из десяти работ под названием Viewpoint of Billions («С точки зрения миллиардов»).

Склеивая кусочки истории, художник пошел дальше — всего за несколько лет он создал более 500 флагов почти 80 стран, у каждого из которых своя философско-историческая концепция.

Среди сотен работ Дэвида Датуны есть и флаг Грузии. Картина под названием «Грузия — надежды миллионов» в 2013 году была подарена художником грузинскому народу в лице президента Георгия Маргвелашвили.

Прославила Датуну, однако, его первая выставка, посвященная президенту России Владимиру Путину. В 2011 году Датуна в Москве представил смелый цикл «Putin Couture» — четыре настенные инсталляции с изображениями Путина, который тогда занимал пост премьер-министра, а также флага России, отображающих главные события в стране после развала СССР.

Самым эффектным был портрет Путина, собранный из маленьких изображений Джоконды и заключенный в одеяние из линз.

«Мы до сих пор не знаем, кто такая Мона Лиза — хорошая она или плохая, мужчина или женщина. Так же мы не знаем точно, who is Mr Putin», — пояснил тогда свой замысел художник.

По слухам, портрет приобрел сам мистер Путин. Видимо, работа художника действительно понравилась российскому лидеру — уже через год выставка Датуны прошла на Красной площади.

Представленный тогда проект «Глаза в глаза: Путин, Николай II» в Кремле не оценили — выставка, призванная объяснить как два императора довели Россию до краха, была закрыта со скандалом.

Для Дэвида Датуны это послужило толчком для новых творческих замыслов и проектов.

Вскоре из крошечных изображений шестнадцатого президента США Авраама Линкольна, отменившего рабство, художник создал портрет Барака Обамы. Позже был портрет Стива Джобса, составленный из маленьких портретов Айн Рэнд — одного из самых значимых философов XX века, автора книги «Атлант расправил плечи», называемой библией капитализма. Еще одна популярная работа Датуны — шуточный коллаж Мэрилин Монро, который он собрал из маленьких портретов современной порнозвезды Саши Грей.

Сарказм с обилием оптических линз пользуется огромным спросом и продается за астрономические суммы.

По данным СМИ, работа «Путин — Мона Лиза» в 2011 году была продана за 269 000 долларов, инсталляция «Стив Джобс» — за 210 000 долларов, а работа «Водянова-Любовь миллионов» — за 600 000 евро.

В 2012 году художник совместно с американской «Global Art Group» создал мобильное приложение «Viewpoints» для ITunes, которое позволяет пользователям создавать произведения искусства в стиле «Датуны».

Сейчас художник работает над проектом своей мечты — впервые в истории человечества он планирует запустить в космос арт-спутник.

Собрав команду из ветеранов NASA, Датуна руководит созданием технологии Free Space. Уже совсем скоро каждый пользователь интернета сможет загрузить на космический спутник и сохранить для потомков свои работы — картину, фотографию или музыку.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector