Современные художники Америки. Paulo Jimenez

Современные художники Америки. Paulo Jimenez

Самые богатые и успешные художники современности

Самые богатые художники мира по версии ARTINFO

Джефф Кунс (Jeff Koons) современный американский художник. Известен своим пристрастием к китчу, особенно в скульптуре. Его работы входят в число самых дорогих произведений современных художников.

Он получил признание в 80-х годах, после чего создал студию-завод в Сохо (Нью-Йорк) Сейчас художник является президентом корпорации Jeff Koons LLC со штаб-квартирой в Нью-Йорк и 135 сотрудниками. Фактически это фабрика по производству предметов современного искусства — Кунс создаёт образы и модели на компьютере, а коллектив работает над их воплощением в материале.

В 1988 году Кунс сделал четыре скульптуры Майкла Джексона и его шимпанзе в натуральную величину окрашеные в золото. В 2001 году одна из них была продана за 5,6 миллона долларов. В 2007 году его работа Сердце была продана за $ 23,6 млн. на аукционе Сотбис и установила рекорд по самым дорогим произведением искусства, проданных на аукционе художника при жизни.

Дэмьен Стивен Херст (Damien Hirst) английский художник, предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Акула была продана в 2004 году за $ 12 млн.

Такаси Мураками современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер. Живёт и работает в Токио и Нью-Йорке.

Мураками известен своим сотрудничеством с Marc Jacobs по созданию сумок и других товаров для Louis Vuitton. В своих работах Мураками играет с такими противоположностями, как Восток-Запад, прошлое и настоящее, высокое и низкое, оставаясь при этом забавным и доступным. Его работы объединяют мир популярной японской современной культуры и исторической японской живописи.

В 2008 скульптура Такаси Мураками «My Lonesome Cowboy» (1998 г) была продана на аукционе Sotheby за $15.2 миллионов.

Аниш Капур (Anish Kapoor) скульптор, член группы «Новая Британская Скульптура», лауреат Премии Тернера.

Произведения скульптора как правило просты, имеют изогнутые линии, монохромны и ярко окрашены. Ранние работы часто были покрыты пигментом, который покрывал работу и пол вокруг нее. Порой работы Аниша Капура имеют зеркальную поверхность, отражающую и искажающую зрителя и окружение.

С конца 1990-х Капур создал ряд масштабных работ, включая Тарантара 35-метровое произведение, установленное в Baltic Flour Mills в Гейтсхеде, Англия и Марсий большая работа из стали и поливинила в Турбинном зале Галереи Тейт-Модерн. В 2000 г, одна из работ Капура Параболические воды, состоящая из вращающейся окрашенной воды, была показана в Лондоне. В 2001 г Зеркало неба, большое зеркальное произведение, которое отражало небо и окружающее пространство, было установлено в Ноттингеме.

Джаспер Джонс (Jasper Johns) современный американский художник.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса «Флаг» (1954—1955), которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Его работу порой относят к нео-дадаизму а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись.

В 1998 году Музе метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за «Белый флаг» Джонса.В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником.

Брайс Марден (Brice Marden) — американский художник — минималист.

В Йеле Марден разработал формальные принципы, которые характеризовали его графику и живопись в последующие десятилетия: преобладание прямоугольных форматов, повторяющееся использование приглушенной индивидуальной палитры. Эти ранние монохромные работы покрыты толстым слоем энкаустики, открывая следы мастихина, сохраняя следы работы художника. Это отличает манеру Мардена от современников-минималистов, которые предпочитали индустриальное качество работ, к которым будто не прикасалась рука художника.

Джулиан Шнабель (Julian Schnabel) — американский художник и кинорежиссер.

Картины Шнабеля в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины.

Эдгар Франсиско Хименес — Édgar Francisco Jiménez

Содержание

Он изучал изобразительное искусство в Национальном университете Колумбии в Боготе, который окончил в 1977 году и начал рисовать предметы, изображающие Атлантическое побережье Колумбии, маслом и углем. В 1979 году он получил вторую премию на первом региональном художественном конкурсе провинции Магдалена в Санта-Марте, Колумбия. Прочитав роман Гарсиа Маркеса «Осень патриарха» , он был вдохновлен на создание серии картин, отражающих магический реализм, представленный в романе. Эта работа была выставлена ​​в 1980 году в Ocher Gallery в Каракасе, Венесуэла.

Читать еще:  Швейцарский художник. Martina Niederhauser

В 1980 году он уехал в Париж и там, в «Ателье 17» со Стэнли Уильямом Хейтером , изучал цветное офортное искусство. Это позволило ему развить тему кумбии , ритмичного колумбийского танца, но это была мощная ссылка на его культурную самобытность, которая позволила ему впервые продемонстрировать свои личные ощущения от жизни за границей. В Испании он изучал литографию в Школе искусств и ремесел Барселоны , где в 1982 году у него были собственные индивидуальные выставки в галерее Cercle Artistic de Sant Lluc и галерее Sarro.

В сентябре 1983 года он получил стипендию от Коломбо-китайского культурного обмена, чтобы получить степень магистра традиционной китайской живописи в Китайской центральной академии изящных искусств в Пекине до 1986 года. Там он изучил технику и философию китайской живописи и каллиграфии. он создал особый стиль, соединив очертания китайской каллиграфии с движениями колумбийских танцев, придав своей работе уникальное выражение — сочетание западных и восточных чувств.

После окончания учебы в Пекине он отправился в Гонконг, где преподавал экспрессию китайскими чернилами в Центре искусств и был учителем рисования в Международном французском лицее Виктора Сегалена . В 1989 году он начал исследовать акрил на холсте, сохранив танец как главный предмет своего художественного творчества. Пять лет спустя, участвуя в нескольких семинарах по духовному развитию, он начал медитировать во время рисования, создав серию абстрактных картин, которые стали его новой формой выражения. За 12 лет работы в Азии у него были индивидуальные выставки в Гонконге, Южной Корее, Таиланде, Китае, Японии и Макао. В поисках новых горизонтов в 1995 году он отправился в Канаду, где разработал серию эротических картин, вдохновленных эротическим мистицизмом Тантры, которые были выставлены в 1996 году в галерее Foundation of Contemporary Art в Майами и в галерее Here and Now в Торонто. С тех пор у него были персональные выставки в Колумбии, Гонконге и Тайване, а также участие в групповых выставках в Бразилии, Перу, Чили, Эквадоре, Колумбии, Доминиканской Республике, Тайване, США, Германии, Египте и Канаде, где он участвовал в передвижная выставка «Руки за позитивные перемены» в Национальном выставочном центре Эстебана, Библиотеке Вейберна и Монреальской галерее современного искусства, организованная организацией Canadian Heritage и посольством Колумбии в Оттаве.

Энрико Буччи назвал свой стиль «фрагментацией форм» и добавляет: «На первый взгляд это похоже на пуантилизм, но это не так, это техника Эдгара Франциско, применение цвета в точках, которое при просмотре дает нам ощущение, что фигуры парализованы или окаменели в захваченном анимационном моменте. Таким образом, движение и неподвижность становятся новым живописным изобретением ». Его картины находятся в постоянных коллекциях Музея графических искусств и Центра Зулиано-Американцев в Маракайбо, Венесуэла, Культурного центра Гонконга, Коллекциях произведений искусства Колумбийских консульств в Нью-Йорке, Майами и Гонконге, Коллекции произведений искусства Посольства Колумбии и Посольства Венесуэлы в Пекине, Китай, Берлинской международной школы и посольства Эквадора в Берлине, Германия, художественная коллекция Fenalco в Боготе, Колумбия; музей

С миру по нитке, а у меня блог.

Есть женщины, похожие на утро:
Глаза — из голубого перламутра,
Спорхнувшие с изящных и душистых
Картин иных салонных портретистов.
Любовь таких – как дымка из тумана:
Полна и сладкой неги, и обмана,
Легка, непринуждённа и беспечна,
Но, словно сон под утро, быстротечна.

Есть женщины, похожие на полдень,
Сошедшие с Матиссовских полотен.
Глаза – огонь, ведь в них на самом донце
Горячее полуденное солнце.
Любовь подобных дам – одни напасти:
(Подобно танго – танцу жгучей страсти)
Пьяняще – обжигающе – прекрасна,
Но, как смертельный яд, она опасна.

Есть женщины, похожие на вечер:
Глаза мерцают тихо, будто свечи,
Из-под ресниц задумчиво темнея…
Те рождены полотнами Ромнея.
Любовь их – мудрость, что присуща даме,
(Вино, в сосуде зревшее годами),
Спокойна, не несёт в себе упрёка,
Но к чувствам рассудительно-жестока.

Есть женщины, похожие на ночи,
Глаза черны, рот чувственно-порочен.
Красавицы, что созданы (не даром!)
Французским живописцем Ренуаром.
Любовь их, пусть недолга и случайна, —
Загадка, обольстительная тайна.
Но таинство любовного урока
Несёт в себе, увы, следы порока.

А женщина, что сочетает мудро
В себе горячий полдень, лёгкость утра,
Загадку ночи, вечера блаженство, —
И есть самой природы совершенство,
Одна (средь миллионов, тысяч, сотен!)
Сошедшая с божественных полотен.

Юлия Вихарева

ИСПАНСКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 1.

Мы уже говорили раньше о немецком, американском и итальянском направлениях импрессионизма, каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности, вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, многие из них долгие годы жили и работали в Париже, в отличие от итальянцев они много путешествовали, разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами, стиль многих из них был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании».

Читать еще:  Талантливый британский художник. Geoffrey Laurence

.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании — CARLOS DE HAES (1826-1898). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико (1833-1908), родившийся в артистической семье, получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал как рисовальщик и гравер. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием его работ пейзажи Рико становятся более «очеловеченными»,

а его путешествия по Европе, знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняют его к импрессионизму. Он очень много времени проводит в Англии, Франции, Швейцарии.

Любимым и последним местом в его жизни становится Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах,

получивших признание зрителей и критики, и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Ignacio Pinazo Camarlench (1849 — 1916), один из самых известных художников Валенсии, родился в бедной семье и вынужден был с раннего возраста зарабатывать на жизнь укладчиком декоративной плитки и ювелирными работами по серебру. После смерти родителей он жил с дедушкой и бабушкой, страсть к рисованию привела его в Художественную академию Сан-Карлос в Валенсии, он обеспечивал свое существование в это время изготовлением шляп. Первый успех пришел к нему в возрасте 21 года на Национальной выставке в Барселоне.

После пятилетнего пребывания в Италии Игнасио вернулся на родину, резко изменив свои пристрастия: вместо обычных для него исторических тем он перешел к семейным сюжетам, сценам из повседневной жизни и обнаженной натуре.

Это было уже началом более интимного импрессионистского направления не только по сюжетам, но и по более живому, рыхлому стилю, использованию пленэра, хотя у него все еще преобладали более темные краски, характерные для классической испанской живописи.

Луис Хименес Аранда (1845 — 1928), родился в Севилье, в семье художников и первые навыки рисования получил у своего брата Хосе, а затем продолжил свое образование в Академии искусств Севильи. После завершения учебы, он переехал в Мадрид, где в течение непродолжительного периода жил и знакомился с творчеством испанских мастеров в музее Прадо.

В 1867 году он отправился в Рим для дальнейшего изучения живописи, написав несколько картин, имевших успех на мадридских выставках. В Италии он находит свой стиль и темы, рисуя бытовые сцены в элегантных интерьерах и садах 18-го века.

В 1874 году Хименес впервые приезжает в Париж, чтобы заключить контракт с артдилерами на продажу своих картин. В 1876 Луис поселился в Париже, и уже в следующем году начинает выставляться в Парижском Салоне, пользуясь репутацией мастера, сильного в характеристике изображаемых лиц и происшествий, блестящего в колорите и виртуозно владеющего кистью.

С 1890 года Хименес, благодаря знакомству со многими парижскими художниками и увлечению творчеством Сорольи, заинтересовался передачей света и «воздуха» в работах импрессионистов, что и привело его окончательно в их лагерь.

Теперь я перехожу к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, ее дух, ее ландшафты в своих картинах очень по-разному, но ярче всех представляли своими работами импрессионистское направление в испанской живописи того времени. Это художники Beruete, Sorolla и Regoyos.

Laureano Barrau (1863 — 1957), родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем учиться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он уже спустя два года получает Римскую премию в Барселоне, давшую ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Он приобретает известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвует в выставках Парижского Салона изящных искусств.

В 47 лет Барро поселяется с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой, он пишет там свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остается там до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывает в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин.

На мой взгляд, его работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Joaquín Sorolla y Bastida (1863 — 1923) родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей, вероятно, от холеры, и их воспитывали родственники матери. С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает получать образование сначала в своем городе, а 18 лет оправляется в Мадрид изучать наследие великих испанцев в Прадо.

Читать еще:  Толстые слои масляной краски. Abraham Fisher

После службы в армии, благодаря полученному гранту, он в течение четырех лет учится живописи в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.

В 1988 году Соролья возвращается в Валенсию, женится, у него рождаются один за другим трое детей, а в 1985 году вся семья переезжает в Мадрид, где он увлечен написанием больших полотен на исторические и мифологические темы, успешно участвует в выставках в Мадриде, Европе и США.

Вскоре он становится признанным главой современной испанской школы живописи, выставляется в Париже на Всемирной выставке, за участие в которой награждается почетной медалью и орденом Почетного легиона, становится членом сразу трех академий — Парижа, Лиссабона и родной Валенсии.

Участие Сорольи в 1906 году в большой выставке (около 500 его работ) в Париже, принесло ему звание «Офицера ордена Почетного легиона». В 1911 году он начал большую серию картин об Испании по контракту с американским магнатом и меценатом Хангтингтоном. В этих работах, которые были закончены в 1919 году, с любовью и вдохновением представлена жизнь и природа испанских провинций.

Три последних года жизни художник был парализован после инсульта, случившего у него во время работы в саду за мольбертом. Он оставил после себя свыше двух тысяч произведений, все оставшиеся работы вдова передала в дар Испанской республике, и они составили основную коллекцию Музея Сорольи в его доме в Мадриде.

О третьем художнике из триумвирата наиболее знаменитых, Darío de Regoyos, и о современных испанских импрессионистах я расскажу во второй части.
Как всегда,предлагаю посмотреть слайдшоу, в котором в три раза больше репродукций и музыка Мануэля де Фальи.

Первопроходец перуанской фотографии – индеец Мартин Чамби

Мартин Чамби оказался в числе первых фотографов из Перуанских Анд и стал ведущим портретистом в Куско, открыв там фотостудию в 1920 году. Но, будучи коренным кечуа, он считал своим долгом документировать жизнь индейцев и наследие инкской культуры, путешествовал по Андам, снимал пейзажи, руины Мачу-Пикчу и традиции местных жителей.

Мартин Чамби Хименес (Martín Chambi Jiménez) родился в 1891 году в бедной перуанской деревушке провинции Карабая, недалеко от озера Титикака. Впервые увидел фотоаппарат у британца на золотом руднике, где работал его отец. Узнав о чудесной технике, Чамби тогда же решил, что станет фотографом. В 1908 году переехал в Арекипу, чтобы изучить искусство фотографии. В этом городе он встретил фотографа Макса Варгаса, обладавшего продвинутой для своего времени техникой и стилем. У него он провёл в учениках следующие девять лет.

В 1917 году Чамби организовал свою первую выставку, после чего покинул Арекипу и отправился с женой в Сикуани. На новом месте открыл фотостудию, где оттачивал своё художественное видение. Уже чувствуя себя профессионалом, в 1920 году решил переехать в Куско, город, который манил своей богатой историей и стремительным экономическим развитием. Здесь фотограф проделал свою самую важную работу и прожил до самой смерти.

Перуанский мастер быстро превратился в ведущего портретиста Куско. В студии он использовал набор жалюзи, сделанных специально для того, чтобы изменять естественное освещение в соответствии с нуждами съёмки. И в то же время большую часть снимков коренных народов Чамби сделал на улицах. Ещё он создал множество пейзажных фотографий, которые часто продавал в виде открыток, чего никто до него не делал в Перу.


Мачу-Пикчу и Мартин Чамби, автопортрет.

Его работу можно разделить на две части: коммерческую, которая состояла из заказных студийных и уличных портретов, и ту, что создавалась ввиду личной заинтересованности автора, – социально-документальную съёмку коренного населения, многочисленные городские виды Куско и археологические находки. Его работы оказались передовыми не только в истории фотографии Перу, но и во всей Латинской Америке.

Наибольшее значение для него имела съёмка индейцев. В 1936 году Чамби сказал: «Я читал, что в Чили считают, будто у коренных южноамериканских народов нет культуры, что они нецивилизованны, интеллектуально и артистически уступают белым и европейцам. Я никогда в это не верил, потому что знаю своих братьев. но я считаю, что наглядные свидетельства красноречивее просто высказанного мнения. Вот почему я взялся за это дело».


Мартин Чамби, автопортрет, студия в Куско, 1928.

Труд фотографа оценили на международном уровне. В 1979 году Музей современного искусства в Нью-Йорке устроил ретроспективу фотографий Мартина Чамби. Позже выставка побывала в Цюрихе и Мадриде. Часть архива доступна онлайн на сайте , посвящённом его работе.


Семья Чамби, студия в Куско, 1930.


Свадьба дона Хулио Гадеа, префекта Куско, 1930.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector