Современные художники Америки. William Oxer

Современные художники Америки. William Oxer

hist_etnol

История и этнология. Факты. События. Вымысел.

Artist William Oxer

Artist William Oxer

Ты, Непонятная для всех.

Ты, Непонятная для всех,

Но и Невероятная,

Так хочется с тобою вверх,

Где небо необъятное.

Побыть с тобою один миг,

Равно длинною в век,

Услышать сладостный твой крик,

Понять: слаб человек.

Пред красотой не устоять,

Растаять видя грудь

И в мыслях тихо повторять: —

Господь, не обессудь.

Я в омут брошусь с головой,

Чтоб лишь понять тебя,

И в этой страсти роковой

Поймёшь ли ты меня?

© Copyright: Владимир Прохода, 2016

Уильям Оксер пишет профессионально уже более двадцати лет. Его врожденный талант художника и, приобретенные с годами, навыки позволили ему, помимо великолепных картин, воплотить в жизнь много других проектов, включая исторический декор и выставки дизайна в таких местах, как Кристис, Сент-Джеймс (галерея Уильяма Бекфорда) и здание музея Ванна.

Художник Willem Haenraets. Когда несбывшееся зовёт нас…

Художник Виллем Хайенраетс (Willem Haenraets) родился в октябре 1940 года в Роттердаме. С самого раннего детства увлёкся живописью и уже в возрасте 16 лет поступил в Антверпенскую художественную академию.

Через четыре года обучения Willem Haenraets был удостоен правительственной стипендии от бельгийского правительства – эта стипендия позволила молодому художнику обучаться в Национальном институте изящных искусств (г. Антверпен). Параллельно с обучением в институте Виллем Хайенраетс брал уроки у знаменитых художников и педагогов Sarina (Atelier Opsomer) и Vaarten.

Во время обучения в институте художник организовал свою первую выставку и на заработанные деньги купил себе мотороллер. На этом мотороллере Виллем объездил вдоль и поперёк окрестности Антверпена – с большим удовольствием художник работал в порту. Именно в порту он познакомился в одним обеспеченным судовладельцем, которые делал молодому художнику щедрые заказы. Однако, этот благополучный период скоро закончился – судовладелец умер и Willem Haenraets отправился в Париж.

В Париже художник несколько месяцев отработал на площади Place de Tetre – ежедневно, с утра и до глубокого вечера писал портреты для гуляющих парижан. Работа была достаточно трудной, но позволила художнику скопить денег на небольшой дом в голландском Бергене и жениться на девушке Ханне. Однако, счастье длилось не долго – супруга художника погибла в автомобильной катастрофе и Виллем Хайенраетс остался с шестимесячной дочерью на руках.

Несколько лет сумбурной и беспорядочной жизни художника закончились, когда он вернулся в Херден и снова взялся за кисти – он очень много работал и продавал свои работы в Голландии и Германии, постепенно вернулся к нормальной жизни и даже снова женился на женщине у которой была маленькая дочь. А вскоре в семье появился и третий ребёнок.

В середине 80-х годов художник занялся маркетингом и организовал публикацию своих работ в СМИ и на полиграфической продукции. Этот ход существенно улучшил материальное положение большого семейства Willem Haenraets, а ещё о художнике узнали практически во всех странах мира – появилось огромное количество заказов не только из Европы, но и из Азии. Особенно творчество художника понравилось японцам.

С той поры художник провёл огромное количество выставок по всему миру, выставлял свои работы в крупнейших галереях на всех континентах, сотрудничал с издателями.

Очень сложно передать словами необычайную лёгкость и нежные цвета работ Willem Haenraets – это не просто картины. Это настроение, мечта, ощущение полёта и сказочной красоты окружающего мира.

Рано или поздно, под старость или в расцвете лет, Несбывшееся зовет нас, и мы оглядываемся, стараясь понять, откуда прилетел зов. Тогда, очнувшись среди своего мира, тягостно спохватясь и дорожа каждым днем, всматриваемся мы в жизнь, всем существом стараясь разглядеть, не начинает ли сбываться Несбывшееся? Не ясен ли его образ? Не нужно ли теперь только протянуть руку, чтобы схватить и удержать его слабо мелькающие черты?

Уильям Т. Уильямс — William T. Williams

Уильям Т. Уильямс (родился 17 июля 1942 года в Кросс-Крик, Северная Каролина , США) — американский художник. Он является профессором искусства в Бруклинском колледже , Городской университет Нью — Йорка , чей факультет он вступил в 1971 году.

Уильямс является лауреатом множества наград, в том числе стипендии Джона Саймона Гуггенхайма , двух премий Национального фонда искусств и премии Фонда Джоан Митчелл . Он также является лауреатом премии «Художник- студия-музей Гарлема » в 1992 году и получил премию Джеймса Ван Ди Зи от мастерской Brandywine за жизненные достижения в искусстве в 2005 году.

Он выставлялся в более чем 100 музеях и художественных центрах США, Франции, Германии, России, Венесуэлы, Нигерии, Кот-д’Ивуара, Китайской Народной Республики и Японии.

Содержание

Раннее детство

Уильямс — нью-йоркский художник, корни которого выходят на юг Америки. Он провел свое раннее детство в Спринг-Лейк, Северная Каролина .

Нью-Йорк: конец 1950-х.

После переезда семьи на Север его художественный талант был признан главой местного общественного центра, который предоставил ему комнату для студии. Он учился в Школе промышленного искусства на Манхэттене (ныне Высшая школа искусства и дизайна ), многие занятия которой проводились в Музее современного искусства и Музее искусств Метрополитен . В 1962 году Уильямс поступил в Институт Пратта, чтобы изучать живопись. На первом курсе он выиграл летнюю стипендию в Школе искусств Скоухеган и получил грант на поездку от Национального фонда искусств .

Студенческие годы

Он получил степень бакалавра изящных искусств в Институте Пратта в 1966 году и учился в Школе искусств Скоухеган . В 1968 году он получил степень магистра изящных искусств (MFA) в Школе искусства и архитектуры Йельского университета .

Читать еще:  Художник-портретист. Frank Ordaz

Уильямс быстро привлек внимание мейнстрима мира искусства. Музей современного искусства приобрел свою композицию «Элберт Джексон LAMF, часть II» в 1969 году, и к 1970 году его работа была быть выставлена на Fondation Maeght на юге Франции.

Художественная школа

После формального образования в Институте Пратта и Йельском университете в 1960-х годах по программе изобразительного искусства, он исследовал физические границы, которые редко встречаются в исследованиях в науке о цвете, и установил для себя стандарт достижения в своей работе неотъемлемой полноты. досягаемость других художников.

Конец 1960-х

В 1969 году он участвовал в выставке «Черный художник в Америке: симпозиум» , проходившей в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Он также принял участие в многочисленных выставках, в том числе в Музее-студии на открытии Гарлемского шоу, « Икс к четвертой силе» и « Новые приобретения» в Музее современного искусства. В 1970 году Уильямс был заказан Еврейским музеем (Нью-Йорк) и коллекцией Менил в Хьюстоне, штат Техас.

Основание художника по месту жительства в музее-студии

«Попечители Музея-студии в Гарлеме прочитали мое предложение, взяли у меня интервью и наняли меня, чтобы я начал программу» Artist-in-Residence «. Эта программа началась на первом месте музея над винным магазином на Пятой авеню (2033 Fifth). Авеню). Это был чердак, закрывающаяся фабрика, в которой было много швейных машин. Мэл Эдвардс и я физически убрали это пространство для программы «Художник по месту жительства». Это было началом. Я хотел создать контекст, а именно программу «Художник по месту жительства», через которую деньги можно было бы направлять художникам, что позволило бы им обдумать те проблемы и вопросы, которые возникают в программе для выпускников ». Киншаса Конвилл , бывший директор музея, говорит, что программа «стала критически важной для самобытности музея и его вклада в большую арену искусства».

Инсталляция Риз Пэлли

Первая персональная выставка Уильямса в галерее Риз Пэлли в Нью-Йорке в 1971 году привела к продаже каждой картины. В том же году Музей американского искусства Уитни дважды выставлял его работы; коллекционеры, такие как AT&T и General Mills, купили его искусство; и его работы были представлены в журналах Life и Time . Валери Дж. Мерсер

1970-е: новое вдохновение

Уильямс вернулся домой на пыльные грунтовые дороги Северной Каролины, чтобы вдохнуть новую палитру, рожденную блеском и сиянием слюды, фальшивого золота и лисьего огня из пульсирующего покрова земли. Рельеф Уильямса из живописи цветного поля был отмечен в новых работах, завершенных между 1971–77, такими как «Равноденствие» и «Бабье лето». В 1975 году Уильям также принял участие в программе обучения художников в университете Фиск в Нэшвилле, штат Теннесси.

ФЕСТАК Фестиваль

В 1977 году Уильямс участвовал во втором Всемирном фестивале афроамериканского искусства и африканской культуры в Лагосе , Нигерия (FESTAC). Этот фестиваль собрал более 17 000 художников африканского происхождения из 59 стран. Это было крупнейшее культурное событие, когда-либо проводившееся на африканском континенте.

1980-е годы

Ранние выставки

В 1982 году Уильямс был включен в список последних приобретений коллекции Шомбурга в Шомбургском центре в Нью-Йорке. В 1984 году Уильям принял участие в шоу под названием « С эпохи Гарлемского Возрождения» , которое посетило Университет Мэриленда , Университет Бакнелла и Государственный университет Нью-Йорка в Олд-Вестбери . Он также побывал в Институте искусств Мансона-Уильямса-Проктора в Ютике, Нью-Йорк, и в Художественном музее Крайслера в Норфолке, Вирджиния.

1987: выставка в Смитсоновском институте

В 1987 году Уильям получил стипендию Джона Саймона Гуггенхайма . Он также был участником шоу The Art of Black America in Japan, которое проходило в Токио, Япония . Уильям также принял участие в выставке Contemporary Visual Expressions в Музее Анакостии / Смитсоновском институте в Вашингтоне, округ Колумбия.

Эспириту и Материа

William’s отправился в Венесуэлу с художником Джеком Уиттеном и скульпторами Мэлом Эдвардсом и Тайроном Митчеллом на открытие их выставки Espiritu & Materia в Музее визуальных искусств Алехандро Отеро.

1990-е годы

1992: Музей-студия в Гарлеме Премия художника

В 1992 году Уильямс был удостоен награды «Художник- студия в Гарлеме » за достижения на протяжении всей жизни и его роль в создании программы постоянного проживания художника для музея.

Работа с Бобом Блэкберном

Боб Блэкберн впервые пригласил Уильямса сделать отпечаток в Printmaking Workshop в 1975 году. В течение следующих 22 лет Уильямс сотрудничал с Blackburn, чтобы выпустить 19 изданий и ряд уникальных проектов печати. Его последний проект в Printmaking Workshop был в 1997 году, когда он выпустил ряд монопринтов, подписанных меценатом майором Томасом.

2000: Чтобы сохранить наследие

В 2000 году Уильямс принял участие в обширном передвижном шоу под названием « Сохранить наследие: американское искусство колледжей и университетов, в которых исторически чернокожие люди» . Выставка организована Addison Галерея американского искусства в Академии Филлипса в Андовер, штат Массачусетс и Музей — студия в Гарлеме в Нью — Йорке , посетили восемь крупных музеев , включая Corcoran галерея искусств , в Художественном институте Чикаго , Фиск университет , Университет Дьюка и Художественные музеи университетов Хэмптона .

Джаз в Линкольн-центре

В 1994 году Уильямс участвовал в программе » Джаз в Линкольн-центре» под названием «Swing Landscapes: Jazz Visualized». Цель программы Jazz Talk заключалась в том, чтобы исследовать, что именно в джазе делает его цвета, ритмы и характеры такими привлекательными для глаза художника. Уильямс и автор Альфред Аппель-младший обсудили влияние джаза на современное искусство . Эта программа была частью общегородского празднования в Нью-Йорке в честь художника Ромара Бирдена .

Текущие события

Получает награду за жизненные достижения

В 2005 году Уильямс был приглашен для создания гравюры в Brandywine Workshop в связи с получением премии Джеймса Ван Дер Зи за заслуги перед жизнью. С июля по конец августа он совершил пять поездок в Филадельфию, оставаясь там по несколько дней. В результате этих поездок было выпущено четыре издания и ряд уникальных раскрашенных вручную гравюр. Мастерская Brandywine, расположенная в Филадельфии, была основана в 1972 году для поощрения интереса и талантов к гравюрам, одновременно культивирования культурного разнообразия в искусстве.

Читать еще:  Через призму памяти. Anne Herrero

Печать в Lafayette College

В 2006 году Уильямс был приглашенным ученым и художником в Институте экспериментальной гравюры (EPI) колледжа Лафайет , который включал лекцию Уильямса о его работе, спонсируемую Фондом серии посещенных лекций Дэвида Л. Старшего и Хелен Дж. Темпл. В этом году работы Уильямса также были показаны в Студии-музее в Гарлеме « Энергия и эксперименты: черные художники и абстракция 1964-1980».

2006: получает награду губернаторов Северной Каролины

В 2006 году Уильям Т. Уильямс получил Премию губернатора Северной Каролины в области изящных искусств от губернатора Майка Изли .

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

Читать еще:  Творческий дуэт. M Bleichner

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector