Современные художники Мозамбик. Anabela Faia

Современные художники Мозамбик. Anabela Faia

Современные художники Мозамбик. Anabela Faia

ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА ПРИ ПОСОЛЬСТВЕ РОССИИ В МОЗАМБИКЕ

Традиционная художественная культура Мозамбика

Одна из особенностей африканского искусства состоит в том, что оно коренится в повседневной жизни. Это проявляется в том значении, которое придается таким обыденным предметам, как чашки, выдолбленные из тыквы, табуреты, посуда, гребни, ножи, копья, барабаны, шкуры животных, расписанные в различных декоративных стилях. Все они находят практическое применение, но знающий, посвященный видит в них не только слияние предметов искусства с повседневной жизнью, он может прочесть послания и духовные символы, зашифрованные в характерных узорах, украшающих каждый отдельный предмет.

В традиционной художественной культуре Мозамбика значительное место занимают такие виды африканского искусства, как деревянная скульптура и маски. Африканская скульптура редко окрашивается. Обычно она сохраняет естественный цвет дерева. Материалом для скульптуры почти всегда служит так называемое красное или черное дерево, т.е. наиболее плотные и твердые породы.

Обрабатывать мягкие породы деревьев легче, но зато они не стойки. Фигурки, изготовленные из мягких пород деревьев, ломки, хрупки и подвержены нападению муравьев-термитов. Поэтому их раскрашивают в белый, черный и красно-коричневый цвета с попыткой предохранить их от разрушения.

Основанием для белых красок служит каолин, для черных – уголь, для красно-коричневой – красные сорта глины.

Особый интерес представляет деревянная скульптура народа маконде — выполненные из одного куска дерева женские, мужские фигурки и скульптурные группы.

Статуэтки раскрашивались редко, но зато почти всегда их украшали или, точнее, дополняли одеждой и украшениями. На руки фигурок надевали кольца, на шею и туловище – бусы, на бедра надевали передник.

Африканские художники достигли большого мастерства в передаче ритма в композиционном сопоставлении объемов.

Особую категорию деревянной резной скульптуры представляют маски. Назначение их тесно связано со своеобразными учреждениями первобытной общины – обрядами и тайными союзами. В первобытном родовом обществе все члены племени представляют собой тесно связанную группу. Выражением единства является общее родовое имя, часто название зверя или предмета, так называемый тотем.

В отличие от фигурок, которые всегда изображают человека, маски чаще всего изображают морду животного. Это понятно, потому что маска в основе своей связана с животными–тотемными покровителями рода.

Наряду с древнейшими масками-тотемами большое распространение получили маски т.н. тайных союзов. От прежних тотемных инициаций тайные союзы унаследовали их обрядность, но маски, потеряв непосредственную связь с тотемными представлениями, сохранили лишь функцию устрашения и приняли весьма причудливые формы.

Пестрая раскраска должна еще больше подчеркнуть необычность, фантастичность фигуры и внушать ужас. Эти маски изображают обычно духов и предназначены для того, чтобы наводить страх на людей, не принадлежащих к тайному союзу.

Почти всегда маска делается из одного куска дерева. Ее укрепляют на голове в различных положениях. Она может быть укреплена на темени, может закрывать всю голову, может закрывать только лицо. Настоящие старинные маски производят впечатление высокой художественности.

Маскам, как правило, присущ определенный внутренний ритм; они создаются в определенном «эмоциональном ключе». Последние десятилетия скульптуры и маски в связи с постепенным преодолением восходящих к первобытным временам верований и обычаев теряют свой магический и религиозный характер.

Во все большей степени они производятся на рынок для заезжих и местных любителей искусства. Культура их исполнения, естественно, при этом падает.

Но замечательные самобытные традиции художественного ремесла, необычайное чувство ритма, экспрессивной выразительности, мастерство композиции, накопленные народом, не исчезнут.

Они творчески перерабатываются, преображаются и поставлены на службу складывающейся национальной культуре освободившегося от колониализма народа Мозамбика.

Исследование провела Матюхина О.В., учитель технологии

Современные художники

Дамы – блюз от Isaac Maimon

Isaac Maimon — современный израильский художник с французскими корнями.

Родился в 1951 году в Израиле. С самых ранних детских лет демонстрировал свои художественные способности, которые с энтузиазмом были восприняты и поддержаны его семьей. После службы в вооруженных силах окончил Институт изобразительных искусств в Тель-Авиве. И посвятил большую часть своей жизни карьере в искусстве.
В 1980 году он начал преподавать в Школе визуальных искусств в Беэр-Шева и в Академии художеств, стал профессором в университете Бен-Гуриона в Беэр-Шева.

В творчестве его захватила «культура бульвара» — та уникально французская атмосфера,
которая так заинтриговала Lautrec, Bonnard и других художников.
Вторая карьера Исаака Маймона, как владельца ресторана и паба, способствовала развитию
его художественного таланта. Он делал наброски с натуры в кафе и возвращался в студию,
чтобы положить цвета и идеи на холст.

Дама у стойки бара,
Профиль от Нефертити.
Томно танцуют пары,
Дождь о стекло рвёт нити.
Тает в бокале кубик,
Вспыхнули звуки блюза,
Сакс вдохновенно любит.
Роза на белой блузе

Читать еще:  Школьницы из Мордовии — среди лучших в конкурсе «Красота божьего мира — 2015»

Не выбирая цели,
Бродит дымок по залу.
Взгляд дамы метко целит,
Им сотни фраз сказала.

Губы прячут улыбку,
Руки обняли плечи.
Шаг осторожный, зыбкий
Блюз подхватил беспечно.
Тело, слушая даму,
Тайну делило с блюзом.
Ночь, повторяя гаммы,
Грусть загоняла в лузы.

«Меня привлекает атмосфера кофейни, и я пытаюсь воссоздать это в моих картинах»,
— говорит Isaac Maimon .

Его работы в настоящее время находится в частных и общественных коллекциях,
их можно увидеть на выставках и в галереях по всему миру

Маски и скульптуры народности Makonde

Makonde являются этнической группой, которая проживает на юго-востоке Танзании (1,1 млн человек), на севере Мозамбика (230 тыс) и Кении (несколько тысяч).

Маконде успешно сопротивлялся хищникам африканских, арабских и европейских работорговцев. Они не попали в колониальную зависимость вплоть до 1920-х годов. Впрочем, в конце 19 века вожди 19 племен Танзании заключили договор о протекторате с Германией. По итогам Первой мировой войны власть в Танганьике и Занзибаре получили англичане.

В 1960 году Танзания получила независимость в результате революции, которую организовали Маконде. Революционное движение FRELIMO финансировалось от продажи резных фигурок Маконде, и эта революционная группа стала основой революционного движения. В Мозамбике Мадонде, благодаря своей роли в сопротивлении португальскому колониальному правлению, остаются группой влияния в политике страны.

Маконде говорят на английском в Танзании, португальском в Мозамбике, а также суахили и макуа в обеих странах. Маконде традиционно являются обществом матрилинейных отношений, в котором дети и наследование имущество переходит по женской линии. Традиционная религия — это анимистическая форма поклонения предками, хотя Маконде из Танзании номинально мусульмане, а в Мозамбике — католики и мусульмане.

Маконде наиболее известны своей резьбой по дереву, в основном из черной древесины ( Dalbergia melanoxylon, или mpingo), и соблюдением ритуалов связанных с половым созреванием. Также Маконде вырезают предметы домашнего обихода и маски. После 1930-х годов португальские колонизаторы и другие миссионеры прибыли на плато Маконде и сразу же проявили большой интерес к искусству Маконде, так как были очарованы резьбой по дереву.

Колонизаторы сразу начали заказывать у мастеров Маконде разные предметы — от религиозных до бюстов политических деятелей. Скульпторы Маконде, заметив такой интерес, решили вырезать новые фигуры с помощью pau-preto (древесины черного дерева, Diospyros ebenum) и pau-rosa (Swartzia spp.)

Этот первый контакт с западной культурой можно считать первым введением классического европейского стиля в традиционный стиль Маконде. Начиная с 50-х годов прошлого века было разработано так называемое современное искусство Маконде. Важным шагом было превращение в абстрактные фигуры, в основном духи, Шетани , которые играют особую роль. Этот стиль Шетани возник в начале 1950-х годов мастером-резчиком Самаки Ликанкоа, чей покровитель Мохамед Пера, художественный куратор в Танзании, сыграл важную и решающую роль в влиянии на современное искусство искусства Маконде. Некоторые скульпторы Маконде, самый известный из которых — Джордж Лугвани, полностью обрели абстрактный стиль резьбы.

Маконде также являются частью современных современных художников Африки. Самым признанным в мире таким художником был Джордж Лиланга .

Экслибрис ритуального искусства Маконда — это уникальные маски Мапико, которые использовались в ритуалах совершеннолетия до контакта с миссионерами в XIX веке. Эти маски кропотливо вырезаны из единого куска светлого дерева (обычно «sumaumeira brava») и могут представлять духов («shetani»), предков или живых персонажей (реальных или фантастических). Танцовщица носит их так, что видит сквозь рот маски, и маска смотрит прямо, когда он наклоняется вперед.

Самым популярным является стиль Shetani («шетани»), созданный Самаки Ликанкоа в 1960-х годы. Существует легенда о том, что Самаки принес заказчику работу в реалистическом стиле. Случайно скульптуру уронили, и она раскололась на две части. Вид двух половинок, каждая с одной рукой, одной ногой, одним глазом, одним ухом, одной ноздрей понравился белым. Первая скульптура Самаки в таком стиле была моментально продана.

«Шетани» — это дух или демон восточноафриканской мифологии. Физически shetani может появляться как искаженный человек и любое животное в деформированном виде.

Второе направление резьбы Маконде — изготовление «Дерева жизни», которое может достигать 2 метров в высоту.

Третье направление — стиль «мавингу», автором которого является Клемент Нгале. Из дерева вырезается фигура, напоминающая человека «без лица», в подобии головного убора. В правой поднятой руке — «луна», в левой опущенной руке – «земля». Нгале свое первое создание назвал «мавингу» (на суахили облака) и сказал, что идея пришла к нему, когда он любовался прекрасным ранним утром.

Читать еще:  Современный импрессионизм. David Agenjo

Стили Джилиджиа, Кимбулумбулу, Мандандоса, Тимбатумба, вдохновленные традиционными верованиями, придумал один человек — скульптор Чануо Маунду. Для Джилиджиа характерно изображение фигуры с большим выпуклым глазом и страшными находящимися наружу зубами. Скульптура олицетворяет страх человека, который он испытывает, находясь один в лесу. На языке маконде слово «кулиджиа» означает «быть пораженным».

Кимбулумбулу возник в начале 1990-х годов. Скульптура антропоморфической фигуры с чертами лица, изображенными абстрактно. Огромный глаз, нос и рот, размещенные в не соответствующих им положениях, ноги такой формы, что напоминают голову.

Скульптура кимбулумбулу представляет растяпу, который все делает как попало. Скульптор берет за основу слово «куумбулука», что на языке маконде означает нервное поведение.

Стиль Мандандоса воплощает злой дух, с помощью которого колдуны наносят вред в племенном сообществе. В былые времена, когда между семьями маконде вендетта являлась вполне обычным делом, мандандоса использовалась как тайное оружие.

Тимбатумба появился в середине 1980-х годов. Он представляет скульптуру тыквообразной формы, украшенную выгравированными узорами, напоминающие татуировки маконде. Первоначально Чануо вырезал фигуру «ситумба» (тыква), а потом она стала половиной тыквы, половиной другой фигуры. Современные стили Маконде и под-стили продолжают создаваться и в современное время.

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

Читать еще:  Физкульт-привет. Ганкевич Анатолий

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Базиль Эде и его прекрасные картины птиц

Базиль Эде (Basil Ede) – английский художник, родился 12.02.1931 года, в графстве Суррей, Англия.

Как школьник, выросший во время Второй мировой войны, он наполнил свои тетради эскизами военных самолетов.

Он получил образование в Школе Иоанна, Лезерхед. Позже он посетил Школу искусств Кингстона в Суррее.

В 1949 году Эде был призван на обязательную военную службу в британской армии, первоначально с учебной единицей Королевской артиллерии, а затем после периода в Кадетской школе офицеров Монс он стал уполномоченным офицером в РАСР.

После ухода из армии в 1951 году Эде присоединился к флоту торгового флота взяв на себя роль преследователя на борту корабля Orient Line Empire Orwell. Установленный маршрут судна был между Саутгемптоном и Японией через Суэц, Коломбо, Гонконг, Сингапур и Пусан.

Задача у данного судна было перевозка британских войск и оборудования в Корею.

Эде был очень впечатлен азиатским искусством и всем Дальним востоком в целом. Это, несомненно, оказало влияние на его более поздние работы.

После того, как Эде отслужил и остался на суши, он начал трать все свое свободное время на рисование птиц.

В 1958 году его картины были выставлены в Лондоне в Трион галерее.

С 1964 году он смог посвятить все свое время орнитологической живописи. В том же году был его первый американский показ в Национальной коллекции Смитсоновского института изящных искусств.

В 1965 году первая книга Эде «Птицы города и деревни» была опубликована «Country Life Books». В этой книге содержится 36 работ художника. Публикация содержит предисловие, написанное принцем Филиппом, герцогом Эдинбургским и текстом орнитологом WD Campbell, переизданным Chartru Books в 2004 году.

В 1971 году Эде по заказу Уолтера Анненберга нарисовал серию восточных пенсильванских птиц.

В 1971 году случайная встреча с другим американским коллектором, Джеком Уорнером, привела к началу создания серии «The Wild Birds of America».

Это был очень амбициозный проект. По замыслам организаторов Эде должен был нарисовать 650 диких птиц, проживающих в Северной Америке. Птицы должны быть изображены такого же размера, как в жизни и отображать характер и повадки каждой из птиц.

Проект был прерван в 1989 году, после того, как Эде перенес серьезную болезнь.

В 1991 году книга «Дикие птицы Америки — искусство Базиля Эде» была опубликована Гарри Н. Абрамсом, в которой было представлено 103 цветных репродукции из серии «Wild Birds of America», а также репродукции из полевых заметок и эскизов Эде.

После тяжелого удара в 1989 году Эде остался с парализованной правой рукой, но, не смотря на это, он продолжил рисовать, только уже левой рукой.

Для того, чтобы рисовать также совершенно левой рукой, ему понадобилось 3 года обучения и практики.

В мае 1992 года некоторые из новых работ Эде в маслах были выставлены в галерее Tryon and Morland в Лондоне в рамках их шоу «Двадцать лет на Корк-стрит».

Также в 1992 году Эде был удостоен «Премии за достижения в жизни» на Юго-восточной экспозиции дикой природы в Чарлстоне, Южная Каролина.

Базиль Эде был одним из основателей Общества художников дикой природы и почетным попечителем Ducks Unlimited (организация по охране диких животных и водно-болотных угодий) в Соединенных Штатах. Он также был членом и сторонником Королевского общества Защиты птиц.

Базиль Эде умер 29.09.2016 года в возрасте восьмидесяти пяти лет.

Работы Эде собраны во многих галереях и музейных экспозициях.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector