Современные художники Венесуэлы. Mario Ciceron

Современные художники Венесуэлы. Mario Ciceron

Современные художники Венесуэлы. Mario Ciceron

Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal

Художник Barrios Armando — Венесуэла- Кубизм

Пытаюсь
услышать музыку в живописи..
Так вот -,
основные характеристики стиля:

Кубизм (фр.cubisme, от cube – куб) – художественное направление во французском искусстве начала ХХ века, основателями и крупнейшими представителями которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж.Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни.

По существу кубизм – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма.

родился 21 августа 1920 года в Каракасе (Венесуэла). Его родители — Серапио Барриос и Кармен Родригес -испанцы. В 12 лет Барриос поступил в школу прикладных искусств в Каракасе. Будущего художника особенно интересовали импрессионисты и кубисты.
В 1942 году получил свою первую награду за картину Ла-Нинья ан Azul (Девушка в синем) на ежегодном салоне искусств в столице.

В 1945 году, после нескольких поездок за границу, продолжил изучение живописи и музыки. Спустя несколько лет получил награду «Хосе Лорето Арисменди»

В 1952 году архитектор Карлос Рауль Вильянуэва поручил ему создание нескольких мозаичных панно для университета Каракаса, два из которых расположены на фасаде Олимпийского стадиона и еще одно на площади. В 1958 году Барриос стал директором

Музея изобразительных искусств Каракаса. Умер 2 декабря 1999 года. Морг часовни, где захоронены его останки, находится там же, где находилась его студия живописи

Особенность его творчества состоит в своеобразном переплетении тенденций кубизма. Он всегда стремился услышать музыку в живописи, что сказалось на выборе тем его картин.

Почти во всех его картинах присутствует женская фигура — средоточие этой взаимосвязи.


в 1936 году Академия изменила свое название на «Школу визуальных и прикладных искусств»

Антонио Эдмундо Монсанто и другие ведущие художники того времени были преподавателями

.в 1937 году он переехал в Европу в 1949 году и принял участие в семинаре Жана Dewasne и Эдгар Пилле, Париж.

В этом городе он начал переход от фигуративной живописи к геометрической абстракции.

Участвовал в группе диссидентов.

С 1956 Армандо Барриос работал в качестве директора музея изобразительных искусств

В 1961 году он получил орден Андреса Белло.

Основные персональные выставки: MBA, 1947 и 1948, Wildenstein Gallery, Нью-Йорк, 1958; Сала Мендоса Фонд, 1967 и 1970; Acquavella галерея, 1965, 1975, 1982; Галерея Freites, 1986, 1989, 1995.

В 1977 году ГВУ представила ретроспективу его работ.

Автор Мария Laterza

Так я продолжу о кубизме.
В своем развитии кубизм пережил три периода: сезанновский, аналитический и синтетический.

Для первого периода (до 1909г.) были характерны массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий. Второй период (1909 – 1912) отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы».

Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж, и портрет). Основным приемом синтетического периода (1913-1914) стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет.

Основные теоретические идеи кубизма были изложены самими участниками движения (А.Глез и Ж.Метценже «О кубизме», 1912) и симпатизировавшими движению критиками (Г. Аполлинер «Художники-кубисты», 1913). Русский философ Н.А. Бердяев назвал кубизм «самой полной и радикальной революцией со времен Ренессанса». Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Мастера кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот.

Художник Barrios Armando — Венесуэла- Кубизм

Пытаюсь
услышать музыку в живописи..
Так вот -,
основные характеристики стиля:

Кубизм (фр.cubisme, от cube – куб) – художественное направление во французском искусстве начала ХХ века, основателями и крупнейшими представителями которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж.Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни.

Читать еще:  Чувства и эмоции. Jose Madrid Sanz

По существу кубизм – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма.

родился 21 августа 1920 года в Каракасе (Венесуэла). Его родители — Серапио Барриос и Кармен Родригес -испанцы. В 12 лет Барриос поступил в школу прикладных искусств в Каракасе. Будущего художника особенно интересовали импрессионисты и кубисты.
В 1942 году получил свою первую награду за картину Ла-Нинья ан Azul (Девушка в синем) на ежегодном салоне искусств в столице.

В 1945 году, после нескольких поездок за границу, продолжил изучение живописи и музыки. Спустя несколько лет получил награду «Хосе Лорето Арисменди»

В 1952 году архитектор Карлос Рауль Вильянуэва поручил ему создание нескольких мозаичных панно для университета Каракаса, два из которых расположены на фасаде Олимпийского стадиона и еще одно на площади. В 1958 году Барриос стал директором

Музея изобразительных искусств Каракаса. Умер 2 декабря 1999 года. Морг часовни, где захоронены его останки, находится там же, где находилась его студия живописи

Особенность его творчества состоит в своеобразном переплетении тенденций кубизма. Он всегда стремился услышать музыку в живописи, что сказалось на выборе тем его картин.

Почти во всех его картинах присутствует женская фигура — средоточие этой взаимосвязи.


в 1936 году Академия изменила свое название на «Школу визуальных и прикладных искусств»

Антонио Эдмундо Монсанто и другие ведущие художники того времени были преподавателями

.в 1937 году он переехал в Европу в 1949 году и принял участие в семинаре Жана Dewasne и Эдгар Пилле, Париж.

В этом городе он начал переход от фигуративной живописи к геометрической абстракции.

Участвовал в группе диссидентов.

С 1956 Армандо Барриос работал в качестве директора музея изобразительных искусств

В 1961 году он получил орден Андреса Белло.

Основные персональные выставки: MBA, 1947 и 1948, Wildenstein Gallery, Нью-Йорк, 1958; Сала Мендоса Фонд, 1967 и 1970; Acquavella галерея, 1965, 1975, 1982; Галерея Freites, 1986, 1989, 1995.

В 1977 году ГВУ представила ретроспективу его работ.

Автор Мария Laterza

Так я продолжу о кубизме.
В своем развитии кубизм пережил три периода: сезанновский, аналитический и синтетический.

Для первого периода (до 1909г.) были характерны массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий. Второй период (1909 – 1912) отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы».

Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж, и портрет). Основным приемом синтетического периода (1913-1914) стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет.

Основные теоретические идеи кубизма были изложены самими участниками движения (А.Глез и Ж.Метценже «О кубизме», 1912) и симпатизировавшими движению критиками (Г. Аполлинер «Художники-кубисты», 1913). Русский философ Н.А. Бердяев назвал кубизм «самой полной и радикальной революцией со времен Ренессанса». Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Мастера кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот.

Марио Сирони

Mario Sironi

Марио Сирони

Mario Sironi

  • Дата рождения: 12 мая 1885 г. ; Sassari, Sardinia, Italy
  • Дата смерти: 13 августа 1961 г. ; Milan, Italy
  • Национальность:итальянец
  • Направление:Футуризм , Метафизическая живопись
  • Школа/группа:Новеченто итальяно (Novecento Italiano) , Миланская футуристическая группа
  • Сфера:живопись
  • Испытал влияние:Футуризм
  • Учителя:Джакомо Балла
  • Арт-институции:Римская академия изящных искусств
  • Друзья и коллеги:Джино Северини , Умберто Боччони
  • Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Сирони,_Марио

Заказать
репродукцию

Марио Сирони (итал. Mario Sironi, 12 марта 1885 года, Сассари — 13 августа 1961 года, Милан) — итальянский художник, представитель итальянского футуризма и новеченто.

Марио Сирони родился в семье инженера, и сам в 1896—1902 годах изучал в Риме технические науки. После получения диплома поступил в частную школу живописи. Во время своего обучения в Риме Сирони знакомится с будущими основоположниками итальянского футуризма Маринетти, Северини и Боччони, с которыми его затем связывают узы дружбы долгие годы. В 1908 году художник едет с Боччони в Германию и Францию, а в 1913 году отправляется в Париж, где изучает современную живопись, увлёкшись кубизмом. В работах Сирони начиная с 1908 года ощущается сильное влияние живописи Боччони. В 1914 году римский галерист Джузеппе Спровиери впервые выставляет на «Свободной футуристической выставке» 16 работ Сирони. Через год Маринетти объявляет о вступлении Сирони в миланскую группу футуристов.

Со вступлением Италии в Первую мировую войну Марио Сирони уходит добровольцем в армию, что не мешает ему рисовать. В его работах 1917/1918 годов ощущается существенное влияние метафизической живописи, тем не менее первая персональная выставка художника прошла в 1919 году в «Каса д’арте Брагалья» (Casa d’arte Bragaglia) — единственном существовавшем в Италии футуристическом художественном салоне. Эта выставка была в журнале «Валори пластичи» (Valori Plastici), печатном органе, ориентировавшегося на «метафизическую живопись», подвергнута резкой критике.

К 1920 году художник постепенно отходит от футуристического искусства и в том же году, совместно с художниками Леонардо Дудревиллем, Акилле Фуни и Луиджи Руссоло издаёт художественный манифест «Contra tutti i ritorni in pittura» («Против любого повторения в живописи»), где художники настаивали на создании окончательного, определённого стиля и формы в рисовании.

В 1922 году Марио Сирони в качестве художественного критика начинает сотрудничать в газете «Il Popolo d’Italia» («Народ Италии»), выпускавшейся Муссолини. В том же году, совместно с 6 другими художниками, образует художественную группу новеченто. В 1932 году, совместно с художниками Энрико Прамполини и Джерардо Доттори, участвует в организованной в Риме грандиозной Mostra della Rivoluzione Fascista («Выставки фашистской революции»), украсив её залы футуристическими работами. В годы правления в Италии фашистского режима Марио Сирони пользовался покровительством властей и выполнял многочисленные заказы по монументальной настенной живописи, создавал мозаики и барельефы. После Второй мировой войны работы художника принимали участие на выставках современной живописи документа I, II и III в Касселе (соответственно в 1955, 1959 и 1964 годах).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Марио Сирони — итальянский художник, представитель итальянского футуризма и новеченто.

Марио Сирони родился 12 марта 1885 года в Сассари в семье инженера. В 1896 —1902 годах изучал в Риме технические науки. После получения диплома поступил в частную школу живописи. Во время своего обучения в Риме, Сирони знакомится с будущими основоположниками итальянского футуризма Маринетти, Северини и Боччони, с которыми его затем связывают узы дружбы долгие годы. В 1908 году художник едет с Боччони в Германию и Францию, а в 1913 году отправляется в Париж, где изучает современную живопись, увлёкшись кубизмом.

В работах Сирони начиная с 1908 года ощущается сильное влияние живописи Боччони. В 1914 году римский галерист Джузеппе Спровиери впервые выставляет на «Свободной футуристической выставке» 16 работ Сирони. Через год Маринетти объявляет о вступлении Сирони в миланскую группу футуристов.

Со вступлением Италии в Первую мировую войну, Марио Сирони уходит добровольцем в армию, что не мешает ему рисовать. В его работах 1917-1918 годов ощущается существенное влияние метафизической живописи.

Первая персональная выставка художника прошла в 1919 году в «Каса д’арте Брагалья» (Casa d’arte Bragaglia) — единственном существовавшем в Италии футуристическом художественном салоне. В журнале «Валори пластичи» (Valori Plastici), ориентированном на «метафизическую живопись», эта выставка была подвергнута резкой критике.

Пара со статуями

К 1920 году художник постепенно отходит от футуристического искусства и, в том же году, совместно с художниками Леонардо Дудревиллем, Акилле Фуни и Луиджи Руссоло издаёт художественный манифест «Contra tutti i ritorni in pittura» («Против любого повторения в живописи»), где художники настаивали на создании окончательного, определённого стиля и формы в рисовании.

Заказ на итальянскую тему

Заказ на итальянскую тему

«Манифест настенной живописи» был опубликован в журнале «La Colonna» в декабре 1933-го. Помимо самого Сирони манифест подписали Массимо Кампильи, Карло Карра и Акилле Фуни.

Пейзаж с самолётом

Пейзаж с деревом

Искусство будет принимать очертания понемногу, как результат долгого труда лучших из нас. То же, что можно и должно сделать на данный момент — это избавиться от препятствия, которое ставят перед художниками двусмысленности, наличествующие в великом множестве.

Композиция с обнажённой фигурой

Искусство призвано взять на себя социальную обязанность: обязанность воспитания. Оно должно производить этику нашего времени. Должно дать единство стиля и размера линий совместной жизни. Искусство, таким образом, вернется к тому, чем оно было в свои высочайшие периоды в лоне величайших цивилизаций: совершенным орудием в руках духовного правительства.

Конец пирата в 20 веке

Индивидуалистское понятие «искусства ради искусства» устарело.
Актуальное Искусство отрицает те изыскания, эксперименты, на образцы которых был так плодовит предыдущий век. Отрицает, прежде всего, «похмелье» вызванное этими экспериментами, злополучным образом, продолжающееся и по сей день. Внешне различные, и часто противоречащие между собой, все эти эксперименты имеют, однако, общее происхождение в материалистическом мировоззрении, которое характеризует прошлый век и которое нам глубоко ненавистно.

Настенная живопись – это социальная живопись «par excellence». Она действует на воображение масс более непосредственно, чем любая другая форма живописи и более непосредственно вдохновляет прикладные виды искусства. Художник вынужден закалить себя в том решительном и мужественном исполнении, которого требует сама техника настенной живописи: он принуждается довести до зрелости свой замысел и организовать его в законченном виде. Любые формы живописи, не требующие планировки и строгости композиции, любые формы «жанровой живописи» не выдержали бы испытания большим форматом и техникой росписи стен. Воспитательная функция живописи это, прежде всего, вопрос стиля. Не столько посредством сюжета, сколько посредством впечатления, производимого окружающей средой, посредством стиля, искусство сумеет придать новые очертания душе народа.

Композиция с чёрным конём

Композиция с поездом и человеком

Вопросы «сюжета», слишком легко решаются, чтоб быть существенными. Одна только ортодоксальная политика «сюжета» недостаточна — это удобная отговорка ложных «сторонников содержательности». Дабы стать созвучным духу Революции, стилю Фашистской Живописи придется быть и античным, и новейшим одновременно: он должен будет решительно отвергнуть, до сих пор преобладающую, тенденцию искусства мелочного и машинального, опирающегося на мнимый и ошибочный в самой своей основе «здравый смысл» и отражающего ментальность, которую нельзя назвать ни «современной», ни «традиционной»; он должен будет бороться против тех псевдо-«возвратов», которые являются заурядным эстетством и очевидным надругательством над традицией в ее истинном смысле.

Обложка проспекта Миланского триеннале. 19332

Обложка проспекта Миланского триеннале. 1933

Россия и Венесуэла встречаются в Третьяковке

Выставка Николая Фердинандова и Армандо Реверона

Николай Фердинандов. «Сахарный тростник рядом с домом Армандо Реверона». 1919. Картон, акварель. 26,9х34,4. Галерея национального искусства Венесуэлы

Творчество русского художника Николая Фердинандова, эмигрировавшего в Венесуэлу, так же мало известно в России, как и работы его ученика Армандо Реверона. Государственная Третьяковская галерея восполняет этот пробел новой выставкой . С 14 сентября в Инженерном корпусе в Лаврушинском переулке открыта выставка «Встреча. Николай Фердинандов и Армандо Реверон. Две гаммы одного вдохновения». Их живопись и графику в Москву привезли из Галереи национального искусства Венесуэлы, которая выкупила немногие уцелевшие во время Второй мировой войны работы Фердинандова, и, конечно, обладает большим собранием Реверона, одного из ведущих латиноамериканских мастеров ХХ века.

Николай Фердинандов «Рассвет на кладбище «Дети Бога». 1919. Картон, гуашь. 69х54,5. Галерея национального искусства Венесуэлы

Знакомство Фердинандова и Реверона произошло в Венесуэле, в одном из кружков творческой богемы под названием «Общество изящных искусств». В число молодых художников, писателей и критиков «Общества» входил и талантливый Армандо Реверон. Все они, а Реверон в особенности, попали под обаяние живописца, ювелира и художественного проектировщика Николая Фердинандова, или Эль Руссо, как стали его называть. К тому моменту Фердинандов, уехавший из России в 1915 году, уже окончательно обосновался в Венесуэле.

Николай Фердинандов стал мостом между уходящей от аграрного строя Венесуэлой и обладавшей огромным культурным наследием Европой. В начале XX века основными жанрами венесуэльской живописи все еще были религиозная картина и портрет, и она искала свой национальный путь в живописи, одновременно желая приобщиться к общемировым течениям. Фердинандов повлиял на Армандо Реверона, Федерико Брандта, Рафаэля Монастериоса — художников, определивших главное лицо современной живописи Венесуэлы.

Николай Фердинандов. «Кипарисы на кладбище «Дети Бога». 1919. Картон, гуашь. 54,5х59,5. Галерея национального искусства Венесуэлы

Для Реверона Фердинандов был Учителем с большой буквы, и его философии венесуэльский художник следовал не только в творчестве, но и в жизни. Эль Руссо считал, что искусству необходимо предаваться в уединении, и Реверон стал отшельником, посвятив живописи всю свою жизнь. Он старался передать особенности цвета и света креольского пейзажа, постепенно отходя от предметной живописи и переходя к абстракции. Армандо приобрел большую известность как в своей стране, так и за рубежом: одна из его последних выставок прошла в 2007 году в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке.

Армандо Реверон. «Автопортрет с куклами». 1949. Бумага на картоне, карандаш, мел, пастель, уголь. 64,7х83,8. Галерея национального искусства Венесуэлы

Московская экспозиция «Встреча. Николай Фердинандов и Армандо Реверон. Две гаммы одного вдохновения» будет работать до 11 ноября. В том же Инженерном корпусе Третьяковской галереи сейчас проходит выставка Марка Шагала, которая закроется уже 30 сентября. Если вы еще не успели посетить ее, советуем поторопиться!

Армандо Реверон. «Хуанита в розовом». Ок. 1939. Бумага на холсте, водные краски. 77,5х55. Галерея национального искусства Венесуэлы

Армандо Реверон. «Внутренний дворик санатория Сан Хорхе». 1954. Бумага, мел, пастель, уголь. 65,6х105,4. Галерея национального искусства Венесуэлы

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector