Современный американский художник. Juan Travieso

Современный американский художник. Juan Travieso

18 загадочных работ гениального последователя Пикассо Жоана Миро, вокруг которых ведутся споры и сегодня

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Портрет Винсента Нубиолы, 1917 год

Миро написал эту картину в возрасте двадцати четырёх лет, и, по мнению некоторых, влияние Ван Гога, кажется, заметно. Винсент Нубиола — ключевая фигура этой работы, был профессором в области сельского хозяйства в Школе изящных искусств Барселоны. Миро познакомился с ним, когда он был студентом художественного факультета Cercle Artistic de Sant Lluc в Барселоне. На этой картине главный герой изображён сидящим на стуле рядом со столом с фруктами, цветком в горшке и порро (сосуд для вина, из которого можно непосредственно пить вино). На фоне фигуры Нубиолы изображены абстрактные символы дуг и треугольников. Рубашка с воротником у Винсента красная, символизирующая его политический радикализм. Однажды приобретённый Пикассо на определённый период, этот портрет стал постоянной коллекцией музея Фолькванг в Германии.

2. Красное Солнце, 1948 год

Тема абстрактного экспрессионизма, в котором специализировался Миро, была замечена именно в этой картине. Большой красный круг, словно солнце, сидит на фоне голубой равнины, которая является ясным небом. Абстрактные линии и круги также видны вокруг фигуры. Стоит обратить внимание, что у художника была особая склонность проецировать различные элементы Вселенной на своём полотне, о чём и свидетельствует эта работа.

3. Живопись, 1933 год

Между 1929 и 1938 годами Жоан представил серию своих работ через свободные, уверенные мазки кисти, а также через плоские цвета и простые формы. Это особое произведение искусства, состоящее из двух картин, изначально было частью серии уникальных коллажей, полученных из каталогов и газетных вырезок, изображающих детали машин и предметы повседневной жизни.

4. Петух, сериография

Обилие цветов и абстрактных образов, используемых в этой картине, придают ей неповторимый вид, делая её одной из самых ярких и загадочных работ.

5. Ферма, 1921-1922 гг.

Эта удивительная картина была создана в период между летом и зимой 1921 и 1922 годов соответственно. Примитивный реализм в сочетании с кубизмом — вот что такое «Ферма». Особое произведение искусства суммирует жизнь Миро, проведенную в сельской местности. Эрнест Хемингуэй, известный американский писатель, купил эту картину, чтобы подарить её своей жене. Мэри Хемингуэй (его четвёртая жена) подарила это произведение Национальной Галерее искусств, расположенной в Вашингтоне, округ Колумбия, которая сохраняет его в настоящее время.

6. Натюрморт со старым ботинком, 1937 год

«Натюрморт со старым ботинком» — одна из самых странных и важных картин художника, где он выражает свою озабоченность и агонию по поводу ситуации в Испании, которая была в полном опустошении из-за Гражданской войны, которая захватила её полностью. Фактически, через картину он пытается описать злые и чудовищные силы войны, полностью искалечившие человеческую жизнь. Слева лежит яблоко, проткнутое вилкой, а также ботинок. Красный, кислотный жёлтый и чёрный являются основными цветами, доминирующими на холсте, символизируя катастрофический пейзаж. Круглые формы линий на горизонте создают ощущение динамизма, в то время как абстрактные формы на горизонте напоминают тёмные облака, предсказывающие начало трагедии. Эта работа, как говорят, имеет поразительное сходство с «Герникой» Пикассо из-за чувства запустения и разрушительной темы войны, изображенной на картине.

7. Триптих Голубое I, II, III, 1961 год

Это произведение искусства представляет собой трёхчастную презентацию абстрактных картин Миро маслом, которые изображают мысли, проходящие через его подсознание. Синий цвет символизирует эфирную ночь, где сны существуют в чистом виде, свободном от влияния рационального и сознательного мышления. В «Blue II» было использование редких, но равномерных мазков, добавляющих ощущение пустоты к данной части. Все три картины идентичны друг другу с точки зрения простых линий, соответствия цветов и форм.

8. Танцор, 1925 год

«Танцор» Миро — это абсолютное воплощение поэзии, влившейся в произведение искусства. Холст сначала заливали коричневой краской, а затем быстрыми и широкими движениями смазывали ультрамариновым синим слоем. Однако конечный результат таков, что синий слой доминирует над всей картиной, в то время как коричневый оттенок появляется по краям. Танцор занимает правую часть полотна, представляя собой круг-голову, в оттенках светлого и тёмного. Сама же фигура связана с красным сердцем, кончик которого имеет гениталии, прикреплённые к нему. Прямые, непрерывные линии, идущие сверху вниз, указывают направление танца. Миро был вдохновлён сделать эту картину во время Рождества в Барселоне, когда он наблюдал выступление танцоров на концерте Eden (бар).

9. Портрет II, 1938 год

Нарисованное здесь изображение напоминает тотемные фигуры, с нанесением чистых цветов на большие площади. Это ещё одна из тех картин, через которые Миро пытается проецировать свои чувства о злых последствиях войны.

10. Автопортрет, 1937 год

Используя сдержанный, но при этом насыщенный чёрный цвет, мазки кисти, наряду с серией ярких цветов, Миро создаёт свой собственный портрет с отчетливыми чертами.

11. Женщины и птицы на рассвете, 1935 год

После 1945 года использование ярких поверхностей сделало Миро популярным среди публики. И картина «Женщины и птицы на рассвете» — отличный тому пример, ведь женская фигура в центре, представленная в слегка сладострастном виде, с маленькими птицами, порхающими вокруг, создаёт великолепный эффект, приковывающий к себе внимание.

12. Женщина, Птица, Звезда (дань Пабло Пикассо), 1966-73 гг.

Использование геометрических форм и линий, придают этому абстрактному искусству осмысленное значение, делая эту картину поистине оригинальной и уникальной в своём роде.

13. Лунная птица, 1944-1946 гг.

Миро испытывал странное увлечение скульптурой с тех пор, как ему исполнилось девятнадцать лет, и эта работа является отражением его творческого гения. Он начал лепить миниатюрные бронзовые статуи с 1944 года, и в этом случае лицо объекта имеет лунную форму, что напоминает некоторые работы художника, основанные на теме космического мира.

Читать еще:  Сочетание академической живописи и поп-культуры. Trent Call

14. Женщина и птица, 1963 год

Стоя на высоте 21 метра, это произведение искусства намекает на тему женственности, где птица преодолевает женскую форму. Работа была первоначально известна как «Леди-гриб с лунной шляпкой», которая оправдывает то, как фигура была представлена, надевая шляпу с полумесяцем, сидящим на вершине. Керамическая плитка синего, красного, зелёного и жёлтого цветов покрывает скульптуру. Интересным является тот момент, что в феврале 2014 года это произведение искусства должно было быть выставлено на аукцион от 6,5 до 11,5 миллионов долларов, но по неизвестным причинам лот был снят с аукциона.

15. Цирковая лошадь, 1927 год

Это произведение является частью 7 dream pictures, созданных Миро под влиянием повествовательной геометрии Пауля Клее и сюрреалистического подхода. Эта картина представляет собой цирк с синим фоном, обеспечивающим танцевальную сцену для лошади. Жёлтый хлыст мастера манежа пересекает холст, добавляя уникальности картине. Один критик как-то заметил, что эта необычная картина Миро производит волшебное впечатление.

16. Шифры и созвездия в любви с женщиной, 1941 год

Это одна из 23 частей серии «Созвездие». Это чистая работа абстракции, где художник представляет птицу, женщину и звезду, которые накладываются друг на друга, создавая особое цветовое пространство. Фон в большинстве картин серии имеет мягкие тона. Пересекающиеся чёрные линии показывают большинство картин, в то время как видные черты изображены с использованием основных цветов.

17. Поющая рыба, 1972 год

В этой работе Миро сочетает абстрактные формы, чтобы представить своё художественное воображение. Голова рыбы находится слева, где два круга были использованы для изображения её глаз. Чувство игривости и простоты доминирует в живописи художника, а чистые цветовые тона можно заметить во всём, что он создаёт.

18. Верёвка и люди I, 1935 год

Верёвка — центр притяжения этой картины, была нарисована в вертикальном положении, представляя человеческую фигуру. А уникальный способ представления делает её похожим на удлинённое тело. Верёвка символизирует насилие, возможно, таким образом, Миро изображал агонию, выступая против последствий ужасной войны.

В продолжение темы – работы легендарных художников-реалистов, чьё творчество перевернуло сознание человека о прекрасном и не только.

По материалам сайта artisticjunkie.com

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Художник Чжан Хуань создал серию работ «Love», посвященную пандемии

Китайский художник Чжан Хуань создал серию работ «Love» / «Любовь», посвященную пандемии коронавируса. Цикл станет частью выставки в Эрмитаже, рассказали «Афише Daily» представители музея. Узнать подробнее о мероприятии можно здесь.

Серия создана специально для проекта «Чжан Хуань. В пепле истории», который откроется в Эрмитаже до конца 2020 года. Открытие выставки было запланировано на 15 мая, но в связи с пандемией было перенесено на более поздний срок. Экспозиция выставки включит в себя более 30 работ художника, многие из которых были созданы специально для Эрмитажа.

«Любовь» — это все тот же белый холст и красный акрил, где дождь из «Реинкарнации» превратился в стекающие дорожки красной краски, стеной закрывающие сочащийся, пульсирующий сгусток. Эмоциональное напряжение «Красной серии» усилилось в разы. Что за образ возникает на холсте — вырванное сердце? Покинутый человеческий зародыш? Потеки краски льются словно в немой истерике, в желании укрыться, сжаться, спастись от окружающего кошмара», — рассказал куратор выставки Дмитрий Озерков.

Серия стала откликом на личные истории людей, пострадавших от коронавируса: название отсылает к трагической истории беременной женщины, скончавшейся от вируса. «Любовь» создана в рамках новой в творчестве художника «Красной серии», ознаменовавшей собой смену творческого курса Чжан Хуаня и его возвращение к технике живописи. Первые работы серии объединены названием «Реинкарнация». Для них характерны активное использование красного цвета на стерильно белом фоне, общее эмоциональное напряжение и образ «красного дождя», переходящий из работы в работу, отмечают представители Эрмитажа.

«Любовь произрастает из пылинки, свободно парящей в лучах солнца. Люди, которые любили тебя, и люди, которых ты когда‑то любил; те, кого ты знал и с кем не был знаком; люди, о которых ты слышал, и те, кто просто когда‑то жил в этом мире, — каждый в конце концов проводит свою жизнь здесь, на этой земле. В масштабах вселенной наша планета — такая же пылинка в потоке солнечного света. Но энергия Вселенной происходит из любви, из этой пылинки в лучах солнца», — рассказал о новых работах Чжан Хуань.

Чжан Хуань стал известным после ряда громких перформансов в Китае и США. Создает живописные произведения в уникальной технике: большинство его масштабных работ написаны пеплом от благовоний из буддийских храмов. В своих работах художник регулярно затрагивает вопросы религии, семьи, политики, культуры, бедности и голода.

Дракон против течения

Она проходит в рамках проекта «Эрмитаж 20/21» при поддержке Pearl Lam Galleries и ряда китайских арт-фондов, работающих с современным искусством, в частности, China Art Foundation, DС Foundation, Asymmetry Art Foundation.

Пандемия внесла коррективы в этот проект, не только сдвинув сроки открытия с весны на осень. Одной из частей выставки стала экспрессионистская серия «Любовь», ставшая откликом художника на события этого года. Рядом с огромными полотнами, где пульсирующее, истекающее кровью сердце выглядит почти абстракцией, — воссозданные на холсте из пепла и благовоний фрагменты известных полотен — «Возвращение блудного сына» Рембрандта и репинский «Иван Грозный и его сын Иван». 55-летний Чжан Хуань принадлежит к поколению детей, выросших в эпоху культурной революции, и к первому поколению китайских художников, которые идеально вписались в мировую инфраструктуру современного искусства. Собственно, Чжан Хуань стал одним из самых ярких символов международного успеха китайских современных художников на рубеже веков, и не только на арт-рынке. Его работы — частые гости Биеннале Уитни и Берлинской академии художеств. Он участвовал в постановке оперы Генделя «Семела», переложившей античный сюжет на древнекитайский лад. Его пятиметровый Будда, созданный из 20 тонн пепла сожженных благовоний, собранных в буддистских монастырях для биеннале в Сиднее, постепенно разрушаясь, стал своеобразной «живой скульптурой», символом быстротечности и бренности жизни.

Читать еще:  Цвета и контрасты. Trinidad Ball

В центре внимания выставки в Эрмитаже — серия «Пепел истории» — около 30 работ, многие из которых созданы в последние годы в мастерской художника под Шанхаем. Чтобы оценить масштаб этих работ, достаточно увидеть монументальное — во всю длину парадного Николаевского зала Эрмитажа — «фотоувеличение» снимка «15 июня 1964», где Великий кормчий Мао Цзэдун снят вместе с партийными деятелями и представителями армии. Снимок превращен художником в огромное полотно, создававшееся пять лет из пепла. Представлена в экспозиции и серия «Мой Зимний дворец», созданная по мотивам картин из собрания Эрмитажа. Увеличенные репродукции полотен, наклеенные на старинные тяжелые деревянные двери, становятся контуром работы резчиков по дереву из Дунъяна, где традиции художественной резьбы по дереву восходят к VII-Х векам.

Отличие творчества Чжан Хуаня от фотореализма не только в том, что, возвращая фотоизображению «ауру» уникальности, Чжан Хуань использует не живопись, а трудоемкую резьбу по дереву. Не меньше его интересует и материал, который он используется для арт-послания. Он работает как «арт-медиатор», переосмысливая «каналы» коммуникации и акцентируя на них внимание зрителей. Но вместо цифровых образов исследует потенциал аспектов культурной коммуникации, связанных с буддистской традицией или искусством резчиков по дереву.

Не зря художник как-то сравнил себя с «драконом, плывущим против течения». Судя по выставке в Эрмитаже, ему интересно взаимодействие традиционно восточных элементов с европейской картиной и архивной фотографией. Он варьирует масштабы, материалы, технику, выделение фрагментов. Кажется, он ищет возможность открыть самобытную оптику, которая придаст земному взгляду новое расширение.

Список музеев и галерея, в которых есть работы Чжан Хуаня, похож на список кораблей у Гомера. Он начинается с нью-йоркских тяжеловесов МоМА, Метрополитен-музея, Музея Соломона Гуггенхайма, а завершается Художественным музеем Шанхая и парижским корпоративным фондом Карминьяка. Между ними — музеи Австралии, Англии, Европы, США, Китая, Японии… После нынешней выставки, для которой Чжань Хуань сделал ряд работ, вдохновленных полотнами Рембрандта, Снайдерса, Рафаэля, Рубенса, Тициана из коллекции в Зимнем дворце, а также «Последним днем Помпеи» Карла Брюллова, Эрмитаж тоже, по-видимому, получит в коллекцию одну работу, войдя таким образом в этот эпический музейный список.

«Бродяга Дхармы»: пепел компартий в Эрмитаже от классика китайского перформанса Чжана Хуаня

В Эрмитаж привезли 37-метровое полотно с членами коммунистической партии КНР, сложенное из пепла и еще 29 работ китайского классика современного искусства Чжан Хуаня, причем 26 было создано специально для выставки в Петербурге. Сотрудник музея Анна Тыренко специально для «Собака.ru» рассказывает, как художник пришел от перформансов с сырым мясом обратно к живописи, при чем тут дзен-буддизм и почему проекты крупных авторов в Эрмитаже — это почти всегда признание в любви его собранию.

Алексей Бронников, Государственный Эрмитаж

Алексей Бронников, Государственный Эрмитаж

Вы могли никогда не слышать о Чжан Хуане, но наверняка видели фотодокументацию его перформанса «Семейное древо»: художник покрывает свое лицо иероглифами, описывающими историю собственных родственников, пока оно не становится полностью черным. Хуань — художник «мультинструменталист»: живописец, паблик-артист и перформансист, сидевший облепленный мухами напротив общественного туалета и лежавший голый на ледяной глыбе в центре Нью-Йорка. Если у вас в уме всплывают фотографии этих скандальных перформансов, то экспозиция в Зимнем дворце вас поразит. Приятно или неприятно, зависит от субъективной оптики: кто-то оценит появившуюся философскую глубину его творчества и некое воспарение над схваткой, кто-то же будет разочарован формальным отказом от радикальности.

Творчество Чжан Хуаня на сегодняшний день можно разделить на три периода. В начале девяностых он вместе с единомышленниками образовывает авангардную художественную группу «Пекинский Ист-Вилладж», с которой создает свои первые шокирующие перформансы. Например, в «12 м2» художник покрыл свое обнаженное —как чаще всего будет и в других его перформансах — тело медом и рыбьим жиром и неподвижно сидел в грязном публичном туалете, позволяя мухам облепить его и заползать в уши, глаза, нос. Тут, конечно, считывается отсылка к концептуалисту Йозефу Бойсу — «главному» по меду и жиру в истории contemporary art. Чжан Хуань не скрывает своего внимательного изучения истории современного искусства, однако в этом перформансе делает еще и реверанс в сторону Ай Вэйвэя (пожалуй, самому известному китайскому художнику сейчас), чей отец, поэт-диссидент, был вынужден мыть публичные туалеты. Перформанс «Ангел» 1993 года стал причиной государственного преследования и последующей эмиграции: художник покрыл себя кроваво-красной краской и разрывал тела пластмассовых кукол, что власти сочли критикой политики «одна семья – один ребенок».

В 1998 году Чжан Хуань переезжает в столицу перформанса Нью-Йорк, где продолжает прилежно изучать современные перформативные практики, однако внезапно осознает свою национальную идентичность. В первом перформансе американского периода он покрыл традиционную китайскую кровать кубами льда и лег обнаженным сверху, к кровати также были привязаны породистые собаки. Затем случилось то самое покрывание лица каллиграфическими иероглифами до состояния «блэкфейса». Иногда Хуань выступал в качестве отстраненного политического комментатора — например, в своих прогулках по Нью-Йорку после 11 сентября в костюме, сделанном из сырого мяса и имитирующем гипертрофированные мускулы. В 2005 году художник возвращается в Китай, и тут начинается его, скажем так, буддийско-национальный период, который читается в эрмитажной экспозиции.

Алексей Бронников, Государственный Эрмитаж

Алексей Бронников, Государственный Эрмитаж

В Петербурге китайского мэтра привозят впервые (десятилетие назад показывали в Москве, но не в таком масштабе), но выставка «Чжан Хуань.В пепле истории» — не ретроспектива. Эрмитаж в очередной раз знакомит свою аудиторию с современным искусством через собственную призму, внедряя свою идентичность в ткань творчества художника. Так было и с Яном Фабром, и с Ансельмом Кифером, не говоря уже о прошлогодней выставке Адриана Гени, где почти все работы были написаны специально для эрмитажной выставки.

Читать еще:  Черно-белые фотографии. Hossein Zare

Такую иерархию в отношениях «институция-художник» можно трактовать по-разному, в зависимости от степени лояльности музею. Сам Эрмитаж говорит, что для него важна уникальность экспозиции — даже в случае с приехавшей из лондонской Tate выставкой Ильи и Эмилии Кабаковых «В будущее возьмут не всех» в Главном штабе была выстроена своя архитектура и подключены целые залы работ из постоянной коллекции музея. Возможно, Эрмитаж чувствует необходимость смягчить шок впечатлительной общественности от столкновения с современным искусством в традиционном музее — публика в Петербурге все еще консервативная. Аккуратно добавленные отсылки к вечным шедеврам таким образом легитимизируют «рискованный привоз» широко известного за рубежом (но не широкому кругу местных зрителей), в святая святых. Музей занимает проактивную позицию и высказывает свое мнение относительно того или иного явления — в противовес нейтральной позиции выставочного «белого куба».

Хуан Юнпин. Эстетические
ценности

Этот современный китайско-французский художник взял на себя миссию пересмотреть эстетические ценности, принятые во всем мире. Хуан Юнпин (Huang Yong Ping) создает нарочито провокационные работы, больше напоминающие вызов в чистом виде. Кучу бумаги, например, он выставлял в Центре современного искусства, современный экономический мир изобразил в виде металлического скелета с восемью островами под стеклянным куполом. А главному «буйнопомешанному» мира искусства Марселю Дюшану ответил инсталляций с отрубленными руками, прикрепленными к железкам. Очаровательный творец, правда?

Сначала его учителями были Дюшан, Бойс и Кейдж. Они взывали к нестандартному разуму Хуана со страниц журналов по искусству. Затем парень понял, что неплохо бы получить академическое образование и сделал это в 28 лет. А затем он увлекся дадаизмом, авангардистским течением в искусстве, которое существовало в Европе с 1916-го по 1920-е годы. Сюрреализм и экспрессионизм пошли именно от него. В Китай дадаизм пришёл гораздо позднее, в 1982-м году, когда Хуан Юнпин организовал коммуну Дада.

Благодаря этому и появилось на свет первое знаковое произведение автора, нашумевшая инсталляция «Краткая история современного искусства после двух минут в стиральной машине, 1987». Затраты на работу были минимальны: требовались книжки по искусству и стиральная машинка. Таким образом Хуан посмотрел на историю искусства под новым углом. И заставил сделать то же самое своих поклонников. Эту самую мешанину из страниц художник через 11 лет представит на выставке Inside Out: New Chinese Art в 1998-м году.

В начале статьи мы заявили, что Юнпин — китайско-французский художник. Как это получилось? В 1989-м году, в то самое время, когда в Китае была разогнана выставка авангардных художников и произошли знаменитые беспорядки на площади Тяньаньмэнь, Хуан находился в Париже на выставке «Маги земли». И благоразумно решил не возвращаться на Родину. С тех пор он живёт и работает в Париже. Искусствоведы говорят, что этого человека сложно причислить к той или иной культуре. Его интересуют критика, политика, глобальные вопросы человечества, религия, восточная философия – продолжать этот список можно бесконечно. В 2016-м году Юнпин получил престижную премию Вольфганга Хана размером в 100 000 евро. Интересно, что эта сумма не просто выплачивалась наличными. Победитель премии должен был за эти деньги продать любое свое произведение Музею Людвига. Хуан продал работу «Меморандум, 2004».

Говорят, что его работы сочетают в себе даосизм, буддизм и европейский эпатаж. Зная любовь европейцев к перфомансам и инсталляциям – чем масштабнее, тем лучше – Хуан Юнпин бросился в бой, вооружившись фантазией и подручными материалами. Например, те самые руки, о которых мы говорили выше – одна из самых знаменитых работ мастера. Он повторял её дважды, в 1996-ом и в 2012-ом годах. Эта «выставка отрубленных конечностей» на самом деле — «100 рук Гуанинь», так называется работа.

Руки выполнены из пластика (в 2007-м году их заменили на алюминиевые) и зажимают в своих пальцах различные религиозные штуки. В чём вся «соль»? Гуанинь – это богиня, спасающая народ от различных бедствий, её имя переводится как «Рассматривающая звуки мира». По одной из легенд Будда Амитабха дал ей тысячу рук, чтобы она могла помочь всем нуждающимся.

Другим скандальным и не менее неприятным проектом Хуана является инсталляция «Внутренности Будды, 2006». На ней изображен золотой Будда со вспоротым животом, кишки из которого клюют стервятники.

Что это? Идея невозмутимости, самопожертвования и любви или намёк на что-то более суровое?

В конце 90-х шуму наделала работа «Театр мира». Инсталляция представляла собой прозрачный ящик с живыми тарантулами, жабами и скорпионами, которые боролись за выживание под пристальными взглядами посетителей выставки.

Какой ужас, не правда ли? Гуманисты всего мира, наверное, в ярости брызгали слюной. А слава Юнпина тем временем росла. Вполне, кстати, заслуженно: метафора-то была и впрямь роскошной!

В 2012-м году Хуан Юнпин представил нового «монстра»: 130-метровую фигуру змеи, выходящую из воды (недалеко от французского города Нанте). Это постоянная скульптура «Океанский змей», сделанная для фестиваля современного уличного искусства Estuaire.

Немного пугает, что змея «живет своей жизнью»: в зависимости от уровня воды видны разные ее части, и иногда кажется, будто ещё чуть-чуть, и монстр выползет из воды. Искусствоведы говорят, что таким образом Хуан обозначил экологическую проблему. Тема воды и всяких морских гадов очень близка Юнпину. В 2010-м году в Океанологическом музее в Монако он подвесил к потолку огромного осьминога. Это произведение вновь поднимает с морских глубин тему экологической катастрофы нашей планеты.

Кто он – Хуан Юнпин? Провокатор, играющий на людских эмоциях, или же философ, пытающийся достучаться до людей? На этот ответ каждый должен ответить себе сам. Или не отвечать, ведь искусством можно просто наслаждаться.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector