Современный американский художник. Steven Hileman

Современный американский художник. Steven Hileman

Самые богатые и успешные художники современности

Самые богатые художники мира по версии ARTINFO

Джефф Кунс (Jeff Koons) современный американский художник. Известен своим пристрастием к китчу, особенно в скульптуре. Его работы входят в число самых дорогих произведений современных художников.

Он получил признание в 80-х годах, после чего создал студию-завод в Сохо (Нью-Йорк) Сейчас художник является президентом корпорации Jeff Koons LLC со штаб-квартирой в Нью-Йорк и 135 сотрудниками. Фактически это фабрика по производству предметов современного искусства — Кунс создаёт образы и модели на компьютере, а коллектив работает над их воплощением в материале.

В 1988 году Кунс сделал четыре скульптуры Майкла Джексона и его шимпанзе в натуральную величину окрашеные в золото. В 2001 году одна из них была продана за 5,6 миллона долларов. В 2007 году его работа Сердце была продана за $ 23,6 млн. на аукционе Сотбис и установила рекорд по самым дорогим произведением искусства, проданных на аукционе художника при жизни.

Дэмьен Стивен Херст (Damien Hirst) английский художник, предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Акула была продана в 2004 году за $ 12 млн.

Такаси Мураками современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер. Живёт и работает в Токио и Нью-Йорке.

Мураками известен своим сотрудничеством с Marc Jacobs по созданию сумок и других товаров для Louis Vuitton. В своих работах Мураками играет с такими противоположностями, как Восток-Запад, прошлое и настоящее, высокое и низкое, оставаясь при этом забавным и доступным. Его работы объединяют мир популярной японской современной культуры и исторической японской живописи.

В 2008 скульптура Такаси Мураками «My Lonesome Cowboy» (1998 г) была продана на аукционе Sotheby за $15.2 миллионов.

Аниш Капур (Anish Kapoor) скульптор, член группы «Новая Британская Скульптура», лауреат Премии Тернера.

Произведения скульптора как правило просты, имеют изогнутые линии, монохромны и ярко окрашены. Ранние работы часто были покрыты пигментом, который покрывал работу и пол вокруг нее. Порой работы Аниша Капура имеют зеркальную поверхность, отражающую и искажающую зрителя и окружение.

С конца 1990-х Капур создал ряд масштабных работ, включая Тарантара 35-метровое произведение, установленное в Baltic Flour Mills в Гейтсхеде, Англия и Марсий большая работа из стали и поливинила в Турбинном зале Галереи Тейт-Модерн. В 2000 г, одна из работ Капура Параболические воды, состоящая из вращающейся окрашенной воды, была показана в Лондоне. В 2001 г Зеркало неба, большое зеркальное произведение, которое отражало небо и окружающее пространство, было установлено в Ноттингеме.

Джаспер Джонс (Jasper Johns) современный американский художник.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса «Флаг» (1954—1955), которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Его работу порой относят к нео-дадаизму а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись.

В 1998 году Музе метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за «Белый флаг» Джонса.В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником.

Брайс Марден (Brice Marden) — американский художник — минималист.

В Йеле Марден разработал формальные принципы, которые характеризовали его графику и живопись в последующие десятилетия: преобладание прямоугольных форматов, повторяющееся использование приглушенной индивидуальной палитры. Эти ранние монохромные работы покрыты толстым слоем энкаустики, открывая следы мастихина, сохраняя следы работы художника. Это отличает манеру Мардена от современников-минималистов, которые предпочитали индустриальное качество работ, к которым будто не прикасалась рука художника.

Читать еще:  Эстетическое восприятие природы и человеческой красоты. Lubomir Duhlinski (цифровой художник)

Джулиан Шнабель (Julian Schnabel) — американский художник и кинорежиссер.

Картины Шнабеля в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины.

Новые потрясающие работы Стивена Уилтшира (Stephen Wiltshire) — художника с феноменальной памятью

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

В три года у него диагностировали аутизм, а точнее – синдром саванта. Это редкое состояние, при котором человек может проявлять удивительные способности в одной или нескольких областях знаний, обладать феноменальной памятью и иметь обостренное чувство времени, тогда как социальное взаимодействие и общение могут быть серьёзно нарушены.

В возрасте пяти лет мальчик был зачислен в школу для детей с особенностями развития «Квинсмилл» (Queensmill School) в Западном Лондоне. Именно там впервые открылся его удивительный талант. Уилтшир всё еще не говорил, был замкнут и часто впадал в истеричные состояния, но педагоги замечали, что ребёнок может и хочет общаться, однако только посредством рисунков. Со временем они придумали способ подтолкнуть мальчика к диалогу. Намеренно забирая у него принадлежности для рисования, они добились того, что всякий раз, когда мальчик хотел рисовать, он кричал: «бумага!»

В 1987 году вышел документальный фильм BBC «The Foolish Wise Ones», в котором рассказывалось о синдроме саванта. Один из эпизодов фильма был посвящен мальчику, который с поразительной точностью воспроизводил на бумаге сложную лондонскую архитектуру. Это был двенадцатилетний Стивен Уилтшир. Хью Кассон, блестящий архитектор, дизайнер и искусствовед, назвал тогда Уилтшира «лучшим юным художником Великобритании».

Сегодня Уилтшир – один из самых известных британских художников. В 2005 после получасового путешествия на вертолете над Токио, он в течение семи дней воссоздал по памяти панораму города, уместившуюся на шестнадцатиметровом холсте. С тех пор он успел запечатлеть впечатляющие панорамы Рима, Иерусалима, Гонконга, Франкфурта, Мадрида и других городов мира. В 2006 году Стивен Уилтшир стал кавалером ордена Британской империи (СВЕ) за заслуги в области искусства. Более ранние работы художника можно посмотреть здесь.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Фотограф Стивен Майзел. «Супермодели в реабилитационном центре» и другие фотосессии

Многие фотосессии Майзела вызывают бурные дискуссии и скандалы. Но в его гениальности не сомневается никто.

В средствах массовой информации Стивена Майзела (Steven Meisel) называют «крёстным отцом» моды и супермоделей. Это один из самых влиятельных фотографов в фэшн-индустрии. Он снимает редакционные фотографии для таких изданий, как Harper’s Bazzar, Vanity Fair, Soho, Self Magazine, Weekly News, Mademoiselle, Lei. В 1988 году Майзел начал сотрудничать с Vogue Italia и вскоре стал единственным автором всех обложек этого журнала на протяжении более двух десятков лет.

Майзел входит в число наиболее успешных коммерческих фотографов. Он снимал рекламные кампании для мировых брендов: Versace, Valentino, Dolce & Gabbana, Louis Vuitton, Balenciaga, Calvin Klein. С 2004 года он снимал все коллекции Prada для каждого сезона.

С самого начала карьеры Стивен Майзел любил фотографировать понравившихся ему девушек даже просто на улице. Для большинства такие съёмки становились поворотным событием и трамплином в модельном мире.

Стивен Майзел помог многим начинающим моделям найти образ, который удачно сказывался на их карьере. Например, британскую супермодель Карен Элсон он уговорил сбрить густые брови и сделать оригинальную стрижку. Новый образ принёс девушке контракт с крупным модельным агентством и стал её визитной карточкой. Среди других звёзд моды, которым помог Майзел: Линда Евангелиста, Наоми Кэмпбелл, Кристи Тарлингтон, Кристен Макменами, Эмбер Валетта, Лара Стоун, Коко Роша, Карен Элсон, Даутцен Крус, Ракель Циммерман, Дарья Вербова, Марина Линчук и многие-многие другие.

Нередко его снимки вызывают широкий общественный резонанс. Фотограф считает своей целью сказать что-то особенное и признаётся, что самые спорные фотосессии становятся для него самыми любимыми. Потому что они выражают больше, чем просто красавица в шикарном наряде.

Читать еще:  Яркая цветовая палитра. Мексиканский художник. Veronica Chauvet

Он затрагивает темы, которые несвойственны модной фотографии. Среди них политические, экологические и социальные проблемы. Майзел ненавидит войну и насилие, поэтому пытается против них протестовать, например, фотосессия «Чрезвычайное положение» о войне в Ираке и терроризме. В «Лицах будущего» Майзел поднял тему злоупотребления пластической хирургией. Но его интерпретируют по-разному и даже обвиняют в «гламуризации» серьёзных проблем.

Стивен Майзел сфотографировал многих знаменитостей. К съёмкам он всегда готовится досконально, изучает личность звезды, склад характера, удачные ракурсы, сильные и слабые стороны. В нашей подборке работы Майзела из серии «Супермодели в реабилитационном центре», «Косметическое безумие», «Венера в мехах», «Бесполая революция», «Чрезвычайное положение», портреты знаменитостей и др.

Morgan Weistling современный американский художник

УДИВИТЕЛЬНО ДОБРЫЕ И ТРОГАТЕЛЬНЫЕ КАРТИНЫ современного американского художника Morganа Weistlingа.

Его полотна как письма, рассказывающие занимательные истории о любви, старании, трудолюбии, борьбе, радости, непосредственности, да и просто о повседневной жизни.

Сам Морган говорит: «В некоторых стилях живописи, чем ближе вы к холсту, тем больше вы увидите. В моём, чем больше шаг назад, тем больше деталей вы увидите. Для меня искусство — это мой язык, используемый для связи с другим.»

Morgan Weistling — известный современный американский живописец родился в 1964 году, в семье художников. С ранних лет он жил среди мольбертов и красок, и первые, самые важные книги по искусству из обширной семейной библиотеки он читал, сидя ещё на коленях отца. Любовь к искусству, воспитанная отцом в раннем возрасте, привели Моргана к твердому решению самостоятельно изучить курс живописи по книгам.

«Мой папа и я погружались в рисунок и говорили друг с другом картинами. У отца был огромный талант к тому, чтобы рассказывать истории в форме комиксов. Именно тогда искусство стало для меня языком общения.»

В возрасте 12 лет Вейстлинг был настроен пройти весь курс живописи самостоятельно. Но в 15 лет он пришел к выводу, что его исследования анатомии, рисунка, и живописи нуждались в руководстве наставника.
И его обучением занялся иллюстратор Фред Фикслер. Школа Фреда, названная Brandes Art Institute, была посвящена одной вещи: изучению жизни. И Морган успешно проучился у Фреда три года, при этом работая неполный день дворником, чтобы иметь возможность оплатить учебу.

В один счастливый для художника день, как это обычно случается, неожиданно, работы Моргана, ещё студента, увидел видный иллюстратор, зашедший в школу. На следующий день Вейстлинг оказался нанятым в одно из главных киноагентств в Голливуде. «Тогда единственное, что я хотел делать — это быть иллюстратором. И в один день это свершилось!», — говорит сам Морган. И в течение следующих 14 лет он успешно создавал иллюстрации для всех киностудий Голливуда.

Ну а в свободное время Морган рисовал для души, и, первая же серьёзная картина была оценена по достоинству совладельцем галереи «Trailside», Маривонном Леш. А дальше случилось невероятное! То о чем все художники могут только мечтать: «Он послал нам свои картины без рам, но ещё до того, как они были развешаны, их продали! Его первый показ состоял из 26 картин, и все они были проданы в течение пяти часов». А в следующем году, на его второй персональной выставке, все картины были так же проданы задолго до открытия.

Со своей женой Джоанн Морган познакомился в художественной школе, как когда-то и его родители, они женаты с 1990 года. А у самой Джоанн тоже множество выставок в Трейлсайд Галереи. Она работает под псевдонимам «J. Перальта» в честь своей бабушки.

У них две дочери, Бретани и Sienna. Именно они частенько становятся моделями для картин отца.

Канадская художница Мод Льюис

История об очень скромной и доброй Мод Льюис (Maud Lewis), которая стала великой канадской художницей и вселила радость в людей, живущих и за пределами захолустного городка, из которого не позволяла ей выбраться болезнь.

Мод Льюис (1903-1970) родилась в Новой Шотландии у Джона и Агнес Доули. В детстве, Мод провела большую часть своего времени в одиночестве, в основном потому , что она чувствовала себя некомфортно в связи с отличием от других детей. Она родилась почти без подбородка и всегда была намного меньше , чем все остальные. Вместе с тем, Мод была счастливым ребенком проводившим время вместе со своими родителями и братом. Мать Мод научила ее живописи на рождественских открытках , которые продавались и , таким образом , она начала свою карьеру художницы.

Читать еще:  Сюрреалистический бред. Peter Martensen

В раннем детстве она заболела артритом, который скрючил ее руки и навсегда наградил болезненной походкой. Но она смеялась над своей болезнью! Живя безвыездно в доме своих родителей, Мод начала рисовать. Пастелью и цветными карандашами она рисовала радостные картинки.

В 1935 году отец Мод умер затем в 1937 году умерла ее мать. Как было характерно в то время, ее брат унаследовал семейный дом. После того, как она прожила некоторое время с братом, после продажи дома она переехала в Дигби , чтобы жить со своей тетей. Там она познакомилась с Эверетт Льюис, странствующим разносчиком рыбы, и вышла за него замуж в 1938 году.

У них был крошечный однокомнатный дом на старой заброшенной дороге.

Свой маленький очаг Мод украсила множеством красок: окна разрисовала букетами тюльпанов, двери — птицами и бабочками. Даже мусорный ящик расписала маргаритками. В доме топилась печь, а поначалу освещала его маленькую комнатку лишь керосиновая лампа.

Мод Льюис рисовала сцены на открытом воздухе, мыс острова, лодки на воде, лошадей ,сани, фигуристов, портреты собак, кошек, оленей, птиц и коров. Ее картины были вдохновлены воспоминаниями детства, а также местаит Дигби . Большинство ее картин совсем маленькие — часто не больше , чем 20 на 25 сантиметров, хотя она , как известно, сделала по крайней мере пять картин 60 на 90 сантиметров. Размер был ограничен тем, насколько она могла двигать руками. Она использовала в основном плиты и трубы , с краской на масляной основе. Техника Мод состояла из первого покрытия доски белым, а затем рисуя контур и нанесением цветной краски непосредственно из тюбика. Она никогда не смешивала несколько цветов.

«Мой ребенок нарисовал бы лучше», — качает головой владелец бакалейной лавки, не понимая, почему открытки Мод пользуются такой популярности. «Но не нарисовал же. Идиот», — защищает жену Эверетт. В картинах Мод соседствуют разные сезоны, часто отсутствуют тени, животные принимают причудливые формы, а пропорции искажаются в соответствии с замыслом художницы. Они кажутся примитивными, но только на первый взгляд. Больше всего подкупает отношение самой Мод к искусству: ее не интересуют слава и даже деньги, которые начинают приносить ее произведения.

Заинтригованные искусством художницы, её оригинальным духом и замкнутой жизнью, к дому Льюисов стали стекаться туристы и поклонники ее творчества. Они покупали ее рисунки за 2, 3, а потом за 5 долларов. Мод не решалась просить больше. Так она стала главным кормильцем семьи, благодаря своему таланту. «Пока я могу просто сидеть у окна и держать в руках кисточку, я счастлива», — говорит она.

Мод Льюис продолжала писать свои весёлые картинки и сохраняла свой неизменный оптимизм до смерти в 1970 году.

Сейчас в галерее Новой Шотландии находятся 55 картин Льюис, включая главное достижение — её собственный дом.

(Ее дом помещается в музее . )

Посетители удивляются, как человек мог жить 30 лет в таком маленьком пространстве и излучать столько радости, создавая маленькие шедевры!

Ее муж Эверетт был убит, когда грабитель убил его во время попытки ограбления в доме в 1979 году.

В 2016 году вышел в прокат художественный фильм «Maudie» о жизни Мод Льюис. Салли Хокинс играет Мод, а ее мужа играет Итан Хоук.

«Моди» — предсказуемая и линейная история, Хокинс придает ей такую степень правдивости и обаяния, что за отношениями Мод и Эверетта зритель все равно будет следить с интересом и сопереживанием, прощая даже грубые клише. Ради роли художницы актриса специально училась рисовать в течение нескольких месяцев перед съемками, еженедельно встречаясь в Лондоне с преподавателем по наивной живописи.

В мае 2017 года одна из ее картин была продана с аукциона за 45 000 долларов.

По-моему, волшебные, добрые и позитивные картины. а ее маленький дом — чудо. =)

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector