Современный британский художник. Matthew J Cutter

Современный британский художник. Matthew J Cutter

Молодые британские художники

Молодые британские художники (англ. Young British Artists, иногда также YBA, Brit artists, Britart) – группа современных художников, которая изначально сформировалась вокруг выпускников (тогда еще студентов) колледжа Голдсмит в Лондоне. Началом творческой активности YBA считается выставка Freeze (Лондон, 1988), которую организовывал наиболее известный представитель группы — Дэмиен Херст.

Само название «Молодые британские художники» впервые было использовано в 1992 году Майклом Коррисом в журнале «Артфорум». Акроним YBA появился в 1996 году в журнале «Art Monthly».

В художественном смысле «Молодые британские художники» являются представителями концептуального искусства. Во многом это связано с тем образованием, которое большинство из них получили в колледже Голдсмит. Дело в том, что в 80-х годах XX века в этом учебном заведении была введена инновационная модель обучения будущих художников, упор в которой делался не на умение рисовать, писать красками и т.д., а на знании основ концептуального искусства и развитии личности студента, повышения уровня инициативности человека, желания создавать нечто принципиально новое, часто шокирующее публику. Работы представителей YBA зачастую отличаются именно необычным, часто даже отталкивающим содержанием, но при этом в них отчетливо прослеживается та традиция, основные тезисы которой можно обнаружить еще в «Параграфах о концептуальном искусстве» Сола Левитта (1969).

Огромную роль в становлении группы сыграл Чарльз Саатчи, который стал их покровителем и не только скупал сами работы, но и финансировал ряд проектов, в том числе инсталляцию с акулой в формальдегиде Дэмиена Херста, известную под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».

Большую популярность Молодые британские художники обрели в 90-х годах. Пиком здесь можно считать выставку «Sensation», которая была устроена Королевской академией, что само по себе может считаться показателем признания YBA. Скандалы, которые сопровождали ряд инсталляций только повысили популярность самих художников.

Одновременно со всем вышесказанным необходимо понимать, что YBA это не столько направление в искусстве, сколько группа художников, которые на протяжении определенного временного промежутка формировали некий общий дискурс, устраивали общие выставки и т.д. Вряд ли можно найти какой-либо исключительно художественный фактор, объединяющий всех представителей этой группы и выходящий за пределы концептуального искусства как такового. Впрочем, став на определенный момент неким флагманом концептуализма, а, возможно, и современного искусства вообще, YBA сформировали определенный вызов, одним из ответов на который можно считать стакизм.

Кристин Борланд, р. 1965 — шотландская художница, скульптор, автор инсталляций. В 1997 году была номинирована на премию Тернера

Новая смена: 10 по-настоящему молодых британских художников

На прошлой неделе в московском Мультимедиа Арт Музее открылась выставка Марка Куинна, одного из художников группы Young British Artists, который прославился в 1990-е благодаря своим провокационным работам и наряду с Дэмиеном Хёрстом, Трейси Эмин и братьями Чепмен стал одним из самых успешных художников современности.

Пока в Москве выставляются автопортрет Куинна, скульптура «Кейт-невидимка» и другие знаменитые работы, Look At Me попытался разобраться, кого сегодня можно по праву назвать «молодыми британскими художниками» и как на будущих звезд мировой арт-сцены повлияли суперуспешные художники прошлого поколения.

Расселл Хилл

Победитель Catlin Art Prize 2011, использует для инсталляций бытовые предметы

Художнику Расселлу Хиллу всего двадцать четыре, но он уже весьма успешен. В 2011 году Хилл получил Catlin Art Prize, которая вручается наиболее ярким и перспективным выпускникам британских творческих вузов. Кроме того, арт-критик The Guardian Ванесса Торп считает его представителем нового поколения серьезных художников, которые, в отличие от членов группы YBA, работают не с концепциями, а с объектами. Расселл Хилл использует бытовые предметы и пытается показать скрытую в них угрозу: например развешивает освежители воздуха так, что они начинают напоминать пули в обойме. При этом художник старается передать свою идею максимально ясно.

Мэттью Стоун

Шаман, муза Гарета Пью и самый активный лондонский художник последних лет

Художник, фотограф журнала I-D, автор музыки для показов Гарета Пью и Рика Оуэнса и лидер арт-группы !WOWOW!, которая делала перформансы в Tate Britain, Мэттью Стоун попробовал себя в очень многих областях искусства, и, по мнению газеты Sunday Times, является самым влиятельным в Великобритании художником моложе тридцати лет. Кроме того, Стоун недавно создал новое движение, которое называется «Оптимизм как культурный бунт» и утверждает оптимизм «как жизненную силу, которая формирует будущее». Серия произведений под этим названием довольно буквально изображает жизненную силу: она состоит в основном из инсталляций, сделанных из нарисованных на фанере молодых переплетенных тел, и живописных работ с такими же сюжетами.

Хьюго Уилсон

Мастер мрачной фигуративной живописи

Еще одна восходящая звезда Англии — Хьюго Уилсон, молодой художник, работы которого выставляются по всему миру и отлично продаются на знаменитой Frieze Art Fair в Лондоне. Но успеха он достиг совсем не так, как художники-провокаторы из группы YBA. Дэмиена Хёрста прославили шокирующие инсталляции с помещенными в формальдегид животными, а Уилсон занимается в основном живописью и если и изображает животных, то его работы скорее созданы под влиянием старых мастеров: у молодого художника есть картина, на которой изображена овца с нимбом. Уилсон изучал классическую живопись в Италии и прославился именно благодаря великолепной технике и умело перерабатывать классические мотивы.

Ник Хорнби

«Новый Энтони Гормли» — молодая звезда монументальной скульптуры

Молодого скульптора Ника Хорнби называют «новым Энтони Гормли». Как и его предшественник, он делает много монументальных работ, которые особенно здорово смотрятся в общественных пространствах. Скульптуры Хорнби созданы с помощью новейших технологий: сначала на компьютере рисуется 3D-модель будущего произведения, затем из синтетического мрамора изготавливается скульптура, которую Хорнби дорабатывает вручную.

Эдди Пик

Провокатор и последователь Young British Artists

Тридцатилетний Эдди Пик, в отличие от многих своих ровесников, обожает Дэмиена Хёрста, Трэйси Эмин и Марка Куинна и, чтобы прославиться, использует их методы: провокацию и СМИ. В одном из интервью молодой художник заметил, что всегда соглашался на любые предложения, и поэтому после окончания Slade School of Fine Art не было момента, когда его работы нигде не выставлялись. Такая тактика привела к успеху: этим летом поставленный им танцевальный перформанс показали в знаменитой Tate Modern, а в Риме прошла выставка его картин.

Читать еще:  Фигуративная живопись. Raymond Leech

Люк Фоулер

Художник, режиссер и музыкант из Глазго, номинант Turner Prize 2012

Люк Фоулер — самый молодой в этом году номинант главной британской премии в области современного искусства Turner Prize, которая, несмотря на критику, остается самой почетной и уважаемой наградой для художников в Великобритании. Помимо искусства, Фоулер занимается музыкой и режиссурой и известен благодаря своим фильмам о выдающихся личностях, чьи заслуги не были оценены. Его номинировали за выставку в Эдинбурге, на которой была показана трилогия фильмов о шотландском психиатре Р. Д. Лэнге.

Дуглас Уайт

Успешный скульптор, поэтизирующий разрушение

Как и работы большинства «молодых британских художников», произведения Дугласа Уайта отлично продаются. Его мрачные инсталляции, изображающие обугленные пальмы и разорванные шины, коллекционирует Джемайма Хан, Чарльз Саатчи и другой знаменитый британский коллекционер Фрэнк Коэн, которого называют «Саатчи с севера». Несмотря на эти внешние сходства, сам Уайт уверен, что художники его поколения более склонны к рефлексии, а критики отмечают, что он более интеллектуален, чем «молодые британские художники» — Уайт закончил Оксфордский университет, а не лондонский колледж Goldsmith.

Джордж Шоу

Живописец, отвергающий концептуализм YBA, номинант Turner Prize 2011

Хотя Джорджу Шоу уже сорок четыре, его относят к следующему после YBA поколению художников, потому что он начал свою карьеру только в самом конце 1990-х. В то время художник делал инсталляции и был увлечен концептуальным искусством, но со временем полностью поменял свои взгляды на искусство и начал рисовать пейзажи акварелью — довольно смелое решение во времена, когда концептуалисты из YBA были так успешны. В 2011 году он стал номинантом Turner Prize — некоторые критики считают это признаком того, что концептуализм больше не привлекает британских художников.

Элоиз Форниелес

Художница, знаменитая своими сюрреалистичными и мрачными перформансами

Художница с аргентинскими корнями Элоиз Форниелес делает сюрреалистичные перформансы, с помощью которых исследует подсознание. Одна из самых ярких ее работ — перформанс «Старение», во время которого она выпила лошадиную дозу транквилизаторов и затем спала два дня в галерее, в то время как все посетители могли попробовать повлиять на ее сновидения, шепнув что-нибудь в трубку мегафона около ее кровати. Кроме того, Элоиз связана с другими молодыми лондонскими художниками — ее брат Эд Форниелес и муж Дэвид Биркин тоже занимаются современным искусством.

Идрис Хан

Адепт цифровых технологий и мультиэкспозиции

Идрис Хан — еще один представитель нового поколения образованных и более спокойных, чем Хёрст, Эмин и Куинн, художников, о которых пишет Vanity Fair, а не таблоиды, как об их предшественниках. Самая известная работа Хана — In Struggling to Hear. — посвящена Бетховену и состоит из сотен наслоенных друг на друга с помощью Photoshop страниц с нотами. В результате получается темная картина, изображающая глухоту композитора. Кроме того, Идрис Хан — «половина» одной из известных лондонских творческих пар. Его жена Энни Моррис тоже занимается искусством и работает с Софией Даль, галеристом и братом Элис Делал Алексом Делалом и главой Burberry Кристофером Бэйли.

Расскажите друзьям

Комментарии

© 2007–2020 Look At Me. Интернет-сайт о креативных индустриях. Использование материалов Look At Me разрешено только с предварительного согласия правообладателей. Все права на картинки и тексты принадлежат их авторам.
Сайт может содержать контент, не предназначенный для лиц младше 16 лет.

5 современных британских художников, о которых нужно знать

От Дэвида Хокни до Трейси Эмин.

1. Дэвид Хокни

С именем Дэвида Хокни в первую очередь ассоциируются бассейны под синим небом Лос-Анджелеса и молодые купальщики, ныряющие в кристальную воду. В прошлом году Хокни стал самым дорогим художником в истории: его «Портрет художника» (одна из знаковых картин) был продан за рекордные $90 миллионов. Но за жизнерадостным поп-артом, воспевающим калифорнийскую мечту, скрывается сложная натура художника из английской провинции, сублимирующего свои впечатления и переживания в живопись. Картина «Мистер и миссис Кларк и их кот Перси» (1970-1971) на первый взгляд кажется идиллическим кадром из богемной жизни молодой пары. Но уже через секунду конфетно-пастельную тональность картины разрезает ток напряжения между мужем и женой. В этой работе Хокни перевернул «Портрет четы Арнольфини» (1434) фламандца Яна ван Эйка: вместо собаки (символа верности) он разместил на коленях у мистера Кларка белого кота. А большое французское окно разделяет пару, усугубляя психологическую дистанцию между ними.

2. Аниш Капур

Британцы так ценят творчество Капура, что в 2015 году новые паспорта Соединенного Королевства украшали рисунки с его скульптурами. И это неслучайно. Художник прославился работой с трехмерным пространством, но его путь начался с рисунка. Постепенно форма, цвет и объем вырвались из плоскости бумаги и перешли в скульптуры, которые сам Капур называет «необъективными объектами». Объектами – за их простоту и стремление к природным материалам (в этом плане художник не изобретает велосипед и пользуется традиционным гранитом, известняком и пигментированным стеклом). Необъективными – за то, что скульптуры передают нематериальные психологические состояния, которые почти невозможно описать словами.

3. Трейси Эмин

Сегодня Трейси Эмин – одна из двух женщин-профессоров за всю историю Королевской академии художеств, а все начиналось в 1980-х, когда Эмин стала работать в кругу Young British Artists («Молодые британские художники»). Она знаменита своим непринципиальным отношением к художественным медиа: выражать свое бунтарское «я» Эмин может на бумаге или холсте, через видео или фотографию, в неоновых надписях и детских аппликациях. В 1997 году Трейси представила свою первую работу «Все, с кем я спала в 1965–1995». Внутри походной палатки художница наклеила имена всех, с кем она провела в одной постели хотя бы одну ночь. Слово «спала» художница трактовала в прямом смысле – поэтому внутри палатки есть имена ее близких и родственников, любовников, любовниц и нерожденных детей. Через эту работу Эмин показывает универсальную, вселенскую любовь, которая выплескивается далеко за рамки сексуальных связей.

Читать еще:  Современный художник-импрессионист. Brent Jensen

4. Грейсон Перри

Греческие вазы и вышивки – в двух словах о творчестве самого остросоциального британского художника. А если подробнее, то Грейсон Перри использует классические формы (те же вазы), раскрашивая их в сатирические сцены из современной жизни. Таким образом художник спорит с предрассудком о том, что декоративные предметы (что может быть ненужнее огромной вазы и вышивки на всю стену?) не могут транслировать идеи. Поэтому на объектах он запечатлевает эпические сцены на тему мира, войны и трудностей самоидентификации. Работы Перри автобиографичны: в рисунках часто можно увидеть Клэр (женское альтер эго художника) и Алана Мислеса, плюшевого медведя из его детства. Кстати, Перри очень продуктивно исследовал проблему гендера и выпустил цикл документальных фильмов на британском телевидении. И их однозначно стоит посмотреть, чтобы подготовиться к восприятию его искусства.

Современное британское искусство — «Брит-арт»

1980-е ознаменовались для Британии появлением нового поколения художников, получивших название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).

  • Дата публикации: 16 мая 2020
  • Текст: Катя Карцева
  • Время на прочтение: 3 — 5 мин.

В 1980-е Британия переживала радикальные политические и экономические изменения. Британское искусство тоже искало новые пути. Это время стало периодом расцвета для Голдсмитского колледжа (Goldsmiths College), входящего в Лондонский университет и предлагавшего очень прогрессивную программу обучения искусству под влиянием выдающихся педагогов таких, как Майкл Крейг Мартин. Результатом этого стал всплеск постмодернистского искусства, выразившийся в появлении нового поколения художников. Они получили название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).

Эти художники имели мало общего, кроме молодости и приверженности постмодернистским практикам. Они работали в самых разнообразных медиа – живопись, скульптура, фотография, видео-арт, инсталляции, концептуальное искусство. Произведения Брит-арта могли включать в себя: личинки, трупы животных (Херст); куски зданий (Рейчел Уайтреад); не заправленную кровать, со следами мочи, семенной жидкости, использованных презервативов (Трейси Эмин); навоз слона (Крис Офили); замороженную человеческую кровь (Марк Куинн). Это лишь некоторые из многих и разнообразных материалов, которыми новое британское искусство шокировало зрителя.

Художники несомненно подвергались серьезной критике за отсутствие мастерства и других художественных качеств. Тем не менее, профессиональное сообщество, а также многие другие, с большим энтузиазмом восприняли их искусство. Одной из причин этому стало то, что Молодые британские художники обновили и оживили почти все средства современного искусства, заметно увеличив число его поклонников.

Автопортрет Марка Куинна, который он в течение года наполнял собственной кровью

Со становлением значимости движения молодых британских художников в истории искусства связывают три выставки: Freeze в 1988, «Современная медицина» в 1990, куратором обеих стал неизвестный студент Голдсмитского колледжа Дэмьен Херст, а также выставка «Сенсация» в Королевской Академии в 1997 г. Выставки, организуемые выпускниками Голдсмитского колледжа, общее количество которых было около 50 человек, разительно отличались от того, что показывалось тогда в галереях современного искусства.

Выставка Freeze прошла в июле 1988 г. в пустом здании администрации лондонского порта в лондонских доках. Куратор выставки Дэмиен Херст показал работы шестнадцати других студентов Голдсмитского колледжа и собственное творение – композицию из картонных коробок, раскрашенных малярными латексными красками.

Как куратор Херст лично отбирал работы, заказывал каталог и планировал церемонию открытия. Freeze стала стартовой точкой для молодых британских художников.

Выставка не имела широкого паблисити в СМИ, тем не менее Херст сумел договориться, чтобы ее посетили некоторые авторитетные представители художественного сообщества, включая Чарльза Саатчи, который приобрел большую часть экспонатов. Оглядываясь назад, он вспоминал, что не художественное качество искусства побудило его к покупке, а «обнадеживающая хватка нового искусства». Британское искусство с тех пор стало синонимом радикального высказывания.

Марк Куинн. «Эволюция».

После выпуска из Голдсмитского колледжа в 1989 году Херст курирует в промышленных пространствах еще две значимых выставки. «Авантюра» (Gamble), организованная в 1990-м, в ангаре заброшенного здании завода Bermondsey вместе с Карлом Фридманом. И «Современная медицина» тоже в 1990-м, на которой Саатчи оказывается заворожен его инсталляцией «Тысяча лет» – наглядное изображение жизни и смерти, приобретение которой стало началом долгого и плодотворного сотрудничества между галеристом и художником. Уже на деньги Саатчи, в 1991 году Херст создает свою знаменитую инсталляцию «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», представляющую собой аквариум с тигровой акулой, длиной 4,3 метра.

Работа обошлась Саатчи в 50 000 фунтов. Акула была поймана уполномоченным рыбаком в Австралии и имела цену в 6 000 фунтов. За эту работу Херст был номинирован на премию Тернера. Сегодня эта инсталляция широко известна тем, что была продана в декабре 2004 года коллекционеру Стиву Коэну за 12 миллионов долларов.

Международное признание приходит к Херсту в 1993 году на Биеннале в Венеции в рамках секции молодых художников, которую курировал куратор Франческо Бонами. Херст выставляет инсталляцию «Разделенные мать и дитя», представлявшую собой части коровы и теленка, помещенные в раздельные аквариумы с формальдегидом.

В результате, коммерческие галереи, такие как Serpentaine или Shoreditch обращают свое внимание на новое британское искусство и делают из него бренд. Молодое британское искусство стало поводом для появления нового поколения современных галерей, таких как «Белый куб» Джея Джоплинга, галереи Victoria Miro, Karsten Schubert, Sadie Coles, Maureen Paley’s Interim Art, Antony Wilkinson Gallery, а также стимулировали широкое распространение британских журналов об искусстве Frieze, Art Monthly, Art Review, Modern Painters, Contemporary Art. Журнал Frieze в 2000-е перерастет в одну из престижнейших мировых арт-ярмарок.

Читать еще:  Чувственное наслаждение. Tom Henderson Smith

С 1984 г. ведет свою историю Премия Тернера в области современного искусства для британских художников, сегодня одна из самых авторитетных в мире, а также одна из самых скандальных. На нее номинируется, как правило, самое радикальное искусство, неудивительно, что молодые британские художики не раз были среди номинатов.

Лауреатами Премии Тернера в разные годы были Рейчел Уайтреад (1993), Дэмиен Херст (1995), Дуглас Гордон (1996), Джиллиан Норинг (1997), Крис Офили (1998), Стив Маккуин (1999), Марк Валлингер (2007).

Учеба в Royal College of Art: культурное разнообразие и протекающие потолки. Читать далее.

Мэттью Смит (художник) — Matthew Smith (painter)

Сэр Мэтью Смит , CBE (22 октября 1879 г. — 29 сентября 1959 г.) был британским художником обнаженной натуры, натюрмортами и пейзажами. Он изучал дизайн в Манчестерской школе искусств и искусство в Художественной школе Слейда . Смит учился у Анри Матисса в Париже и заинтересовался фовизмом . Во время Первой мировой войны он был ранен в битве при Пасшендале . В 1949 году Смит был назначен командующим Ордена Британской империи (CBE). Он был посвящен в рыцари в 1954 году.

Он женился на Гвен Салмонд, и их отношения распались, когда он закрутил роман с Верой Кунингем . Смит жил, работал и выставлялся в Англии и Франции.

Содержание

Ранние годы

Мэтью Арнольд Брейси Смит родился 22 октября 1879 года в Галифаксе, Западный Йоркшир, в семье Фредерика и Фрэнсис Смит. Его отец был производителем проводов и музыкантом, который приглашал к себе домой приезжих музыкантов. Мэтью ходил в школу Гигглсвик . В семнадцать лет он пошел на шерстяную фабрику в Брэдфорде, а через год на семейные работы, где проработал четыре года.

Образование

Он изучал дизайн в Манчестерской школе искусств с 1901 по 1905 год и живопись в Художественной школе Слейда в Лондоне с 1905 по 1907 год.

В 1908 году Смит отправился в Пон-Авен в Бретани , Франция. В 1911 году он был в Париже, где учился у Анри Матисса в своей недолгой школе и находился под влиянием него и других фовистов . Это влияние можно увидеть в таких картинах, как « Обнаженная фигура на Фицрой-стрит № 1» (1916) и его серия пейзажей Корнуолла .

Личная жизнь

Смит познакомился с художницей Гвен Салмонд в 1907 году в Уитби, и она стала его «величайшим наставником». Они поженились, у них родилось двое сыновей. Брак был недолгим, и именно Салмонд вырастил мальчиков, Фредерика Марка Смита и Дермотта Смита, родившихся в 1915 и 1916 годах соответственно. Смит бросил жену и сыновей, потому что чувствовал, что они «душат его карьеру». Оба сына служили в Королевских ВВС во время Второй мировой войны и были убиты во время войны.

Смит познакомился с коллегой-художницей Верой Кунингем в 1922 или 1923 году и переехал в Париж, где они жили на вилле Брюн, 6 бис. Британский музей заявляет, что они оба выставлялись в 1922 году в Société des Artistes Indépendants и Amis de Montparnasse. Смит и Cuningham были в Woolhope, недалеко Херефорда, в 1932 году картин Смита Веры между 1923 и 1926 включает в себя Вера Cuningham, голову и плечи, Вера Cuningham в кресле, Вера полулежа в розовом скользит, и Веру в желтом платье , всем из которых находятся в Корпорации Лондонской Коллекции. Она умерла в 1955 году.

Смит оставался во Франции до начала Первой мировой войны в 1914 году, которая помешала ему вернуться в Англию, но позже смог добраться до Корнуолла , Англия. Он тренировался для армии в Херфортшире в 1916 году. Он был назначен временным вторым лейтенантом лейбористской компании. Он был ранен в сентябре 1917 года в битве при Пасшендале . После госпитализации он вернулся на действительную службу в 1918 году, был назначен лейтенантом и был отправлен в лагерь для военнопленных Аббевиль.

Между Первой и Второй мировой войнами он часто жил в Париже и Экс-ан-Провансе , Франция. В этот период у него было плохое психическое и физическое здоровье. Его работа, однако, отражает использование цвета в смелой, неестественной манере, перекликающейся с фовистами .

В 1920 году он стал членом Лондонской группы . Семья проводила лето в Корнуолле в 1920 году. К осени 1920 года он жил и писал пейзажи в районе Сент-Колумб-Майор. В следующем году он жил в Бретани, Париже и Лондоне. Затем он провел зиму со своей семьей в Грезе, Уаза , Франция.

Его лечили недалеко от Женевского озера в Clinique Valmont, а затем у доктора d’Espiney в Лионе, Франция. В следующем году он начал отношения с Верой Кунингем, и она переехала с ним в его дом в Париже, Вилла Брюн. О Смите в книге «Гонка на препятствиях: судьбы женщин-художников и их работы» говорится :

В начале двадцатых годов обычные недостатки его здоровья в сочетании с ощущением того, что что-то нереализованное в личной жизни привели к серьезному срыву; и только когда он нашел в Вере Кунингем идеальную модель своего искусства, он восстановил и, действительно, удвоил свою способность работать.

Его первая персональная выставка прошла в галерее Tooth’s Gallery, Лондон, в 1926 году. Он проводил выставки в London Group, Международной выставке Карнеги, галерее Lefevre и галерее Mayor. Его работы были куплены Роджером Фреем и галереей Тейт.

В 1944 году в серии «Пингвины современных художников» в мягкой обложке была напечатана иллюстрированная биография Филипа Хенди, в которую вошли его работы.

Его работы выставлялись на Венецианской биеннале в 1938 и 1950 годах. В 1949 году он был награжден кавалером Высшего ордена Британской империи (CBE). Он был посвящен в рыцари в 1954 году.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector