Современный британский художник-портретист. David Cobley

Современный британский художник-портретист. David Cobley

Современный британский художник-портретист. David Cobley

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Читать еще:  Фигуративный художник. Alia E. El-Bermani

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

12 скандальных художников, которые вошли в историю, не прибивая мошонок

Когда-то художники умели удивлять, не прибивая мошонки к брусчатке. Впрочем, в разные периоды был разный градус предпочтений. В этой подборке — 10 самых скандальных работ художников, которые не просто умели эпатировать публику, но и вошли в историю.

«Большая одалиска», Жан Энгр, 1819 год

Картина Энгра стала невероятно скандальной для своего времени. А всё потому, что он писал её для сестры Наполеона Каролины Мюрат. Картина так и не была принята заказчицей. Знала бы она, от чего отказалась.

Кресло от дизайнера Аллена Джонса, 1969 год

Художник Аллен Джонс в середине 60-х был известен как один из самых ярких представителей британского поп-арта, а его работы считались радикальными, эпатажными, экстраординарными. Большинство работ художника вызвали резкую волну критики от женского населения и считались «сексистскими» за чрезмерную откровенность. В марте 1986 года активистами эта работа была облита краской.

«Театр мира», Хуанг Йонг Пинг, 6 октября 1989 года

Основная критика была направлена на три видеоработы выставки «Искусство и Китай после 1989 года», в которых животных использовали в качестве экспонатов. На первом видео были сняты две спаривающиеся свиньи, почти полностью покрытые татуировками; на втором — восемь американских питбулей, расположенных парами друг напротив друга в состоянии агрессии, но прикованных к беговым дорожкам; на третьем — прозрачный купол, где находились сотни насекомых и рептилий, которые в итоге охотились друг на друга и погибали.

«Стёртый рисунок Де Кунинга», Роберт Раушенберг, 1953 год

В 1953 году Раушенберг продемонстрировал всем работу под названием «Стёртый рисунок Де Кунинга» (Erased De Kooning Drawing) — карандашный набросок Виллема Де Кунинга, который был стёрт. Художник своей работой поставил под сомнение саму идею традиционного искусства. Люди задались вопросом, может ли стёртая работа другого художника стать полноценным творческим актом и самостоятельным произведением. В своё время эта работа считалась вызовом и провокацией.

«Дерьмо художника», Пьеро Мандзони, май 1961 года

В мае 1961 года Пьеро Мандзони сообщил поклонникам современного искусства о создании нового произведения: он разделил собственные фекалии на порции по 30 граммов, разложил в 90 баночек и запечатал их. Баночки были пронумерованы, и на каждой красовались надписи на четырёх языках — «Дерьмо художника», а также автограф самого Мандзони. Каждая баночка была соответствовала по стоимости одному грамму золота на тот период.

«Званый ужин», Джуди Чикаго, 1979 год

Своей работой «Званый ужин» художница решила покончить с патриархатной традицией сохранения мужских гениев, создав канон из 39 выдающихся женщин разных периодов истории. Художница изобразила своих героинь в виде вагин, разложенных по тарелкам на большом треугольном столе. Тринадцать женщин по каждую сторону стола в инсталляции отсылают к знаменитой работе Леонардо да Винчи «Тайная вечеря».

«Наклонная арка», Ричард Серра, 1981 год

«Наклонная арка» Ричарда Серра, установленная в 1981 году на Федеральной площади Нью-Йорка, вызвала ожесточённые споры среди общественности. Люди, работавшие в зданиях, расположенных на площади, выражали недовольство тем, что скульптура Серра якобы мешает движению. По итогам общественных слушаний (1985) было принято решение о перемещении скульптуры на другую площадку, но Серра утверждал, что она была создана специально для данного пространства и поэтому не может быть размещена нигде больше. В конечном счёте в 1989 году работа была демонтирована и пущена на переплавку.

«Окаймлённые острова», Жанна-Клод де Гийебон, 1983 год

В 1982 году художники Кристо и Жанна-Клод де Гийебон покрыли 11 островов в заливе Бискейн в Майами розовой полипропиленовой тканью. Экологи выступили против работы, беспокоясь о влиянии синтетического пластика на ламантинов.

«Я», Марк Куинн, 1991 год

Британский художник Марк Куинн (Marc Quinn) сотворил поистине безумный проект под названием Self — «Я», в рамках которого он создаёт скульптурные автопортреты из собственной крови. Это странный и тревожный проект художник стал реализовывать ещё в 1991 году. Каждые пять лет Марк изготавливает новую скульптуру своей головы из крови, чтобы запечатлеть себя и понаблюдать за собственным старением.

«Моя кровать», Трейси Эмин, 1998 год

«Моя кровать» представляет собой неряшливую, неубранную постель, вокруг которой разбросан различный бытовой мусор. Считается, что произведение отражает новую, современную эстетику, превращающую внешне безобразные объекты в предмет искусства. В 2014 году инсталляция была продана за $4,3 млн на аукционе Christie’s.

Читать еще:  Современное искусство. Rachel Herrera

«Акула», Давид Черни, 2005 год

Скульптура чешского художника Давида Черни «Акула» в 2005 году сначала получила специальный приз Пражского биеннале, а после была запрещена. Инсталляция изображает полуобнажённого Саддама Хусейна, плавающего в аквариуме с формальдегидом. Сам Черни говорил, что это пародия на произведение Дэмьена Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», однако на её демонстрацию всё равно наложили запрет в ряде стран, например в Польше и Бельгии.

«Дерево», Пол Маккарти, 2014 год

В октябре 2014 года на площади Вандом в Париже была установлена гигантская скульптура, вызвавшая смятение среди жителей города. Многие сравнивали её с секс-игрушкой. Художник даже был избит за свою работу. Незнакомец ударил его три раза по лицу со словами: «Ты не француз! Тебе нечего делать на этой площади!» — и убежал. В социальных сетях жители возмущались, что Вандомская площадь обезображена, а Париж унижен.

Картину британского художника Хокни выставили на аукцион за $80 млн

Анонимный частный коллекционер выставил на аукцион Christie’s картину британского 81-летнего художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)». Аукционный дом оценил произведение в $80 млн, говорится в сообщении, опубликованном на официальном сайте компании.

Полотно размером 213,5х305 см было написано в 1972 году акрилом на холсте для выставки в Нью-Йорке. Художник работал над картиной по 18 часов без остановок в течение двух недель. На ней изображены двое мужчин: один стоит у края бассейна в ярко-красном пиджаке и в белых брюках, другой плавает в бассейне. После Нью-Йорка полотно выставляли в музее Tate Modern в Лондоне, а также в Центре Помпиду в Париже.

Торги запланированы на 15 ноября 2018 года в Нью-Йорке. Перед аукционом картину Хокни выставят в Гонконге, Лондоне и Лос-Анджелесе. $80 млн — стартовая цена, которая в ходе торгов может вырасти. Председатель департамента послевоенного и современного искусства аукционного дома Алекс Роттер в разговоре с Би-Би-Си заметил, что через 10–20 лет эта работа будет стоить гораздо больше.

«Christie’s имеет честь представить «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)», который является одним из величайших шедевров современной эпохи, — отметил Роттер. — Этой картиной Хокни укрепил свои позиции в мире самых почитаемых художников, в ноябре его картина готова стать самым дорогим произведением искусства ныне живущего мастера, когда-либо проданным на аукционе».

Нынешний рекорд по продаже картины художника-современника был установлен в 2013 году: тогда с молотка за $58 млн ушла скульптура из нержавеющей стали Balloon Dog (Orange) постмодерниста Джеффа Кунса. Самой дорогой когда-либо продававшейся на аукционах картиной является «Спаситель мира». Она приписывается Леонардо да Винчи и датирована 1499 годом. Ее в прошлом году выставил на продажу российский миллиардер, экс-владелец «Уралкалия» Дмитрий Рыболовлев. Ее продали за $450,3 млн анонимному покупателю, позже появилась информация, что это член саудовской королевской фамилии.

Художник, фотограф и теоретик искусства Дэвид Хокни родился в Англии в 1937 году. Один из заметных представителей поп-арта, согласно опросу​ среди тысячи британских деятелей искусства, он признан самым влиятельным английским художником всех времен. Работы Хокни представлены в собраниях ведущих музеев мира, в том числе в Метрополитен-музее и Национальной портретной галерее в Лондоне. Лауреат множества премий и кавалер орденов. Живет в Лос-Анджелесе.

Самый дорогой художник современности – Дэвид Хокни

С овременного художника Дэвида Хокни в статьях, посвящённых ему, часто называют «британо-американцем». Появился он на свет в Англии, в графстве Йоркшир, но приехав в зрелом возрасте в Калифорнию, влюбился в неё. Самый дорогой художник современности – основатель британского поп-арта, Хокни получил известность и как автор спорной искусствоведческой теории.

Этапы становления

Дэвид Хокни появился на свет 9 июля 1937 года. Семья была достаточно необычной. Отец мальчика, бухгалтер Кеннет Хокни, всю жизнь испытывал тягу к рисованию, был художником-любителем. Кроме того, являясь пацифистом, он принципиально отказался от службы в армии во время Второй мировой войны. Мать Дэвида, Луиза Хокни, придерживалась строгих взглядов методической церкви, и не ела мясных блюд – диковинка в то время.

Ещё один интересный факт. Кеннет Хокни разделял позицию коммунистов, и одевался, подражая Фиделю Кастро. Его сын начал носить вещи в стиле русских крестьян, за что его прозвали «Борисом». Мальчик рано начал рисовать, и отец этому только радовался. В 50-х годах Дэвид окончил Школу искусств Брэдфорда, В армии он служить не стал, как и Кеннет, предпочтя альтернативный вариант – работу санитаром в госпиталях. Затем юноша уехал в Лондон и поступил в Королевский художественный колледж.

Уже в то время Дэвид приобретает популярность. Он рисует плакаты в поддержку ядерного разоружения. То, что его работы замечательны – признают и преподаватели, и студенты. Но тут показывает себя непокорная натура Хокни. Он отказывается делать дипломный проект, полагая, что о художнике должны говорить его картины. Когда юноше пригрозили, что ему попросту не выдадут диплом, он нарисовал скетч на эту тему. Но в итоге руководство колледжа всё-таки пошло навстречу, и образование Хокни завершил.

Это время, когда художник вырабатывает свой стиль. В 1960 году он раз за разом посещает выставку Пикассо. Впоследствии Хокни придерживался убеждения, что кубизм современным обществом недооценён. Год спустя Дэвида приглашают принять участие в выставке «Молодые современники». Она была развёрнута в Королевском колледже искусств, с неё и начался британский поп-арт. Работы Хокни обратили на себя внимание.

Его музой стал Лос-Анджелес

Вскоре после этого Дэвид с друзьями отправился в Нью-Йорк. Здесь можно было вволю ходить по музеям и картинным галереям. А также по гей-клубам – Хокни уже понял, что он принадлежит к представителям нетрадиционной ориентации. Наиболее значимые его работы этого периода – офорты «Похождения повесы в Нью-Йорке». На них изображён этакий «ботаник», пустившийся во все тяжкие. У искусствоведов не вызывает сомнений, что офорты – ответ на оперу «Похождения повесы» Стравинского.

А картина Хокни «Два сцепившихся мальчишки» позже получила премию Джона Моора. Дэвид живёт насыщенной жизнью – путешествует по Берлину и Египту, читает лекции в университетах США, создаёт серию иллюстраций к стихотворениям своего любимого поэта Константиноса Кавафиса.

А затем иллюстрирует сказки братьев Гримм. Хокни прочёл их все, и долго находился под впечатлением сюжетов и поэтического слога авторов. В 1966 году Хокни поселился в Лос-Анджелесе. Он просто влюбился в этот город, залитый солнечным светом. Калифорния напоминала ему Италию – родину великих художников. Здесь он написал самые известные свои картины. Одна из них «Большой всплеск» – настоящая икона 20-го века. Дэвида интересовали работы Леонардо да Винчи, изучавшего структуру и законы воды.

Вот в бассейн прыгнул юноша. Вода взметнулась на пару секунд. Именно этот момент и запечатлел Хокни. В это время определяется стиль работ Дэвида Хокни. Краски на его полотнах насыщены и, вместе с тем, прозрачны, наивность сочетается с отрешённостью. Ещё одна знаменитая картина «Питер вылезает из бассейна Ника», на ней запечатлён Питер Шлезингер, любовник художника.

«Бассейн с двумя фигурами» бьёт рекорды

Затем Хокни возвращается в Англию, принимает участие в публичных демонстрациях, вместе с другими отстаивая гражданские свободы. В 1968 году проходит большая выставка художника, после чего Дэвида начинают считать основателем британского поп-арта. В начале 70-х годов Хокни жил в Париже, а в 1979 году стал одним из основателей Музея современного искусства в своём любимом Лос-Анджелесе.

Читать еще:  Стремление к счастью и спокойствию. Eli Gross

80-е годы принесли ему новую славу – Дэвид начал создавать фотоколлажи. Картины получались из разрезанных полароидных снимков. Обрезки собирались таким образом, что зрителю казалось – изображение движется. В 90-е годы художник пишет пейзажи родного Йоркшира, изображает на полотнах своих любимых собак. Известность получила и гипотеза Хокни-Фальк, выдвинутая в 2001 году. Художник и физик утверждали, что развитие живописи в эпоху Ренессанса обусловлено прогрессом в оптике – появились сферические зеркала и другие инструменты.

Итогом новой теории стала книга Хокни «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров». В 2011 году Хокни объявили «самым влиятельным художником Великобритании всех времен». Но Дэвида Хокни можно назвать и самым дорогим художником современности. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана в Нью-Йорке на аукционе за 90,3 млн долларов. Это рекорд. Причём полотно купили сразу – не прошло и 10 минут с начала торгов. Покупателем стал миллиардер Джо Льюис.

Ещё:

*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.

Дэвид Хокни: 10 фактов из биографии художника

Живописец, график, фотограф, сценограф, живой классик британского искусства Дэвид Хокни (David Hockney, р. 9.07.1937) почти 60 из своих восьмидесяти лет потратил на то, чтобы построить свой счастливый мир при помощи кисти и холста.

Хокни — главный герой арт-года. Калифорнийские бассейны, пейзажи, портреты, оптические эксперименты — более 160 работ показывает парижский Центр Помпиду. До этого обширную ретроспективу подготовила Tate Britain, RA (Королевская Академия искусств в Лондоне) организовала выставку его портретов. Его называют самым влиятельным британским художником (20 тыс. билетов на выставку Хокни в Тейт были распроданы еще до открытия — рекордный показатель для галереи).

«Борис» Хокни — сын бухгалтера из Брэдфорда. Отец в свободное от службы время посещал вечерние курсы в местной художественной школе и, сочувствуя коммунистам, одевался в духе кубинского лидера Фиделя Кастро. Подражавший отцу Дэвид в том же сэконд-хэнде покупал вещи «под русского крестьянина», за что получил прозвище «Борис». «Отец научил меня не обращать внимания на то, что скажут соседи». Мать — Лаура Хокни — была вегетарианкой (редкость в то время) и методисткой, воспитывала детей в религиозном духе.

Скандал в Королевском колледже искусств Хокни отказался писать дипломную работу, заявив, что художника можно оценивать только по его работам. Администрация пригрозила, что не выдаст ему бумагу об окончании. Студент в знак протеста нарисовал скетч под названием «Дипломная работа» (The Diploma). Учитывая растущую уже в то время популярность Хокни, после скандала художник все-таки получил диплом.

Сказки В 1960-х Хокни работал как иллюстратор. По словам Хокни, он прочел все 350 сказок братьев Гримм. 39 офортов на медных пластинках были выполнены для шести из них: «Рапунцель», «Птица-найденыш», «Старый Ринкранк», «Маленький морской заяц», «О том, кто ходил страху учиться» и «Румпельштильцхен». Художник использовал старую и достаточно изощренную технику акватинты для того, чтобы добиться глубокого черного цвета.

Калифорния и мужская красота В Калифорнии Хокни прожил 30 лет, впервые приехав сюда в 1964 году. «Калифорния по-настоящему потрясла меня. Где-то в глубине себя я уже знал, что полюблю ее. Когда мой самолет пролетал над Сан-Бернардино, и я увидел бассейны и дома, и солнце — это взволновало меня больше, чем какой-либо другой город. Я никогда не видел таких домов». В Лос-Анджелесе Хокни начал писать натуралистичные произведения: на них были души и бассейны с прозрачной голубой водой, тропическая растительность и, конечно, мужские фигуры. В качестве набросков Хокни начал использовать полароидные снимки. Музой и любовником художника стал Питер Шлезингер, с которым он познакомился в 1966 году. В Калифорнии созданы знаковые работы: «Большой всплеск», «Калифорнийский коллекционер», «Питер вылезает из бассейна Ника», «Политая лужайка» и др.

Восемь раз на выставке Пикассо В 80-х Дэвид Хокни делал фотоколлажи, которые называл joiners (англ. «столяры»). Множество полароидных снимков одного и того же объекта художник разрезал на куски и воссоздавал первоначальное изображение уже в виде коллажа. Иногда фото могли делаться в разное время или с разного ракурса, что создавало ощущение «динамики изменений». Работы Хокни, выполненные в технике фотомонтажа, сравнивают с кубизмом, учитывая интерес художника к данному направлению: в 1960 году Хокни, по собственным воспоминаниям, восемь раз посетил выставку Пикассо в галерее Тейт. В 1985 году Дэвид Хокни сотрудничал с Vogue и даже сделал портрет Селии Биртвел в технике коллажа для обложки журнала. Хокни утверждает, что кубизм так и не получил должного развития, поскольку подавляющее большинство воспринимает его лишь как стиль, не более.

Тезис Хокни-Фалько В 2001 году Дэвид Хокни вместе с физиком Чарльзом М. Фалько (р. 1948), специалистом в области оптики тонких пленок, выдвинули теорию, которая впоследствии получила название «гипотеза Хокни-Фалько». Суть гипотезы была в том, что прогресс, достигнутый в западноевропейской реалистичной живописи с началом Ренессанса вызван исключительно техническим прогрессом (появлением камеры-обскура, камеры-люцида и сферических зеркал), а не эволюцией мастерства и талантом живописцев. Хокни опубликовал книгу «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров» (англ. Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters, 2001).

После смерти любимой таксы Стэнли в 2004 году Хокни вернулся в Йоркшир и стал писать йоркширские пейзажи, мысленно возвращаясь назад в солнечные края. «Простая смена времен года становится чем-­то особенным для того, кто долго жил в Калифорнии». Оранжевые стволы, едко­-зеленая трава, фиолетовая земля, ярко­-бирюзовые деревья… Это полотно Хокни «Зимний лес» (2009). Британские тусклые кусты и травы предстают в пышном цвету, поля залиты солнцем — живопись в духе Ван Гога и примитивистов.

«Сборные» полотна Многие картины Хокни имеют гигантские размеры, составлены они могут быть из 6, 15, 32, 60 (!) холстов. Например, «Приход весны в Волдгейте», Восточный Йоркшир, 2011, достигает более 3 метров в высоту и 10 в длину. Все это для того, чтобы зритель мог «войти в пейзаж, ощутить себя внутри». Cвою самую большую картину — Bigger Trees Near Warter (4,6 на 12 метров) — Хокни подарил лондонской Tate. Дэвид Хокни также автор шестиметрового витража Вестминстерского аббатства.

С сигаретой в зубах Хокни — курильщик с огромным стажем, chain smoker, как говорят англичане. Активно выступал за отмену запрета на курение в пабах, утверждая, что это «уничтожит богемную жизнь».

«Я согласен со старой китайской истиной: живопись требует трех вещей — руки, глаза и сердца»

Акварель, масло и «цифра» Хокни, который, по его словам, «никогда не изменял живописи» и в совершенстве освоил жанр картины, еще и экспериментировал с Polaroid, факсом, компьютером, а в 73 года увлекся продукцией Apple — сделал серию пейзажей на iPhone и iPad при помощи приложения Brushes. С момента, когда он открыл для себя «цифровые игрушки», художник нарисовал сотни портретов, натюрмортов и пейзажей. «Потребовалось некоторое время, прежде чем я осознал, насколько это серьезный прибор. Я считаю это восхитительным изобретением».

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector