Современный импрессионизм. David Agenjo

Современный импрессионизм. David Agenjo

Современный импрессионизм. David Agenjo

Sneaky peek into the studio — June 2020

Some new paintings will come soon, please stay up to date on Facebook/Instagram
or subscribe to my newsletter. Thank you!

I am pleased to announce that my painting ‘Under Construction’
has been shortlisted for this year pretigious

Lynn Painter-Stainers Prize

Exhibition of shortlisted artists — 05 — 17 March 2019 at:

Limited Edition Prints — available on PRINTS STORE

All prints are hand-signed and numbered by David Agenjo.

Prints are delivered worldwide (free of charge in Europe and £15 rest of the world) and come rolled in a tube along with a signed certificate of authenticity.

Custom orders: If you would like a print of a painting not shown for purchase on the Prints Store section, please email: info@davidagenjo.com

‘Artworks Open 2018’ 24 Nov — 09 Dec, 2018

For the 10th year, Barbican Arts Group Trust will put together an exhibition of artworks by hortlisted artists of ‘Artworks Open 2018’ prize.

PV and Prize Awards:
Friday 23th November, 6:30pm — 9pm

Exhibition Venue:
ArtWorks Project Space, 114 Blackhorse Lane, London E17 6AA

‘PORTRAY’ 6th — 10th October ’18

Opening Reception: 05th Oct / 6pm — 9pm.

The ART Nº23 Gallery will host an exhibition at the Old Biscuit Factory, presenting a variety of artworks that relate to the art of portraiture!

«. I am pleased to announce that my painting ‘Bin Bag’ has been selected and it’s now exhibited at the Royal Academy of Arts for the 250th Summer Exhibition «

Exhibition runs from June 12 — August 19, 2018
RA address: Burlington House, Piccadilly, London, W1J 0BD


David Agenjo / Bin Bag — Oil on linen — 71 x 91 cm.
250th Summer Exhibition 2018 / Royal Academy of Arts

. Video release.

«HOME» Exhibition

by Ramdom Artists Collective


HOME. is a place of comfort; a safe space in which to belong. is in the mind, made of memories. is privacy and personal. is where the heart is, a place of family, friendship and connectivity. is a dwelling,
full of objects and a place to lay your head. is an alien environment. is unbounded for the nomadic digital age. is full of rituals that transcends cultures and geography. is beset by margins; the outsider spaces inhabited by the squatters, unemployed, artists and homeless. is a collaboration of sustainable communal living. is physical separation: the boundaries of a homeland provoked by nationalism. is a construct of mainstream, global and corporate culture. is structured by economic factors that affect and corrupt our lives. is in need of a moral compass. is a horizon that recedes into the future. is a larger world of new possibilities.

HOME is where the art is.
HOME is a group show.
HOME is 28 October – 4 November 2017

Импрессионисты и фотография: секреты создания некоторых шедевров

Эдгар Дега. Четыре танцовщицы

В середине 1895 года знаменитый художник-импрессионист Эдгар Дега принимает танцовщицу в своей студии и фотографирует в различных танцевальных позах. Результат — три фотопластины, которые художник использует для создания разных композиций. Месяцы спустя Дега находит способ объединить три пластины, которые позволили ему завершить свою знаменитую картину «Голубые танцовщицы».

Дега был одним из первых, кто использовал фотографическую технику для своих картин. В конце 19-го века изобретение Ньепса и Дагера произвело революцию в подходах к живописи. Рама, движение, свет. Путь приближения к реальности в живописи внезапно был потрясен появлением первых фотографий. Тем не менее, изменился не только способ восприятия и изображения натуры. В своей подробной работе по импрессионизму и фотографии профессор Антонио Гонсалес Гарсия раскрывает десятки примеров, демонстрирующих, что многие из самых известных импрессионистических композиций были вдохновлены фотографическим оригиналом.

Художники, такие как Ван Гог, Тулуз Лотрек, Моне или Гоген, использовали фотографии для своих работ и переводили фотокомпозиции на свой родной язык живописи. Хотя в этом не было ничего плохого, большинство авторов скрывали оригиналы, опасаясь, что раскрытие секрета их использования уменьшит значимость их картин.

Поль Гоген

Поль Сезанн

Анри Тулуз-Лотрек

Винсент Ван Гог

Эдгар Дега

В начале 90-х годов художник по имени Том Стэнфорд пролистал старые фотографии в антикварном магазине и обнаружил смутно знакомый дагерротип. Он купил его за доллар и отвез домой. Затем, после тщательного анализа фотографии, он заключил, что это сам Винсент Ван Гог и на фото он очень похож на некоторые из самых успешных автопортретов художника.

Изображение было сделано в 1886 году, Ван Гог предстаёт на нём в костюме и галстуке-бабочке, дагерротип подписан фотографом Виктором Морином, который делал снимки местного духовенства в Брюсселе. Эксперты, проанализирвоавшие фотографию, сразу заявили, что это портрет художника, и что нет никаких сомнений в том, что Ван Гог использовал его для выполнения некоторых из своих знаменитых автопортретов.

Идея была немедленно отвергнута музеем Ван Гога в Амстердаме. Представители музея сказали, что каждый год они получают более 300 фотографий и рисунков от людей, которые считают, что они нашли голландские портреты художника.

Читать еще:  Фигуративные картины. Andrew Conklin

Но более поздние исследования, которые выполнялись путем дублирования изображения с некоторыми портретами Ван Гога, были неопровержимыми: человек на фотографии — Винсент Ван Гог, и тот же образ использовался для создания некоторых автопортретов. То есть Ван Гог скопировал свою фотографию.

Как объясняет профессор Гонсалес Гарсия, прогрессивные технические достижения, удешевление и коммерческий запуск камеры Kodak облегчили для многих живописцев занятие фотографией в качестве любителей, не отказываясь от живописи. И в этом смысле Эдгар Дега был настоящим пионером, учитывая его одержимость фотографией.

На изображении, приведённом выше, показаны два его друга, поэт Стефан Малларме и художник Огюст Ренуар, вместе позирующие для Дега. В зеркале, как призрак Веласкеса, мы можем различить Дега и его камеру, а также жену и дочь Малларме. Как объяснил поэт Поль Валери, для фотографирования требовалось «девять ламп с маслом . и ужасная четверть часа неподвижности снимаемых людей».

В октябре 1895 года Жюли Мане, дочь Берты Моризо и племянница Эдуара Мане, пишет в своем дневнике: «Мсье Дега только и думает, что о фотографии. Он пригласил всех нас к себе на ужин на следующей неделе и собирается изобразить нас искусственным светом». Действительно, фотографируя, Дега становился настоящим перфекционистом, приказывая своим гостям принять ту или иную позу и смотреть в камеру определённым образом. «В такие моменты, — рассказывал свидетель этих сессий, — его друзья всегда относились к нему с настоящим ужасом. Если он пригласит вас на вечер, вы знаете, чего ожидать: два часа военного повиновения».

Эдгар Дега. Автопортрет

Перевод с испанского Маритты Кесич при помощи Гугл-переводчика.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Читать еще:  Чилийский художник. Jorge Zamora Navarro

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Фотоимпрессионизм

Обзор приемов в фотоимпрессионизме на примере работ некоторых фотографов.

Все знают такое направление живописи, как импрессионизм, когда художники стремятся наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления (impressions), которые краски предметов и фигур производят при различном освещении, избегая при этом всяких подробностей.

Уверен, у большинства импрессионизм ассоциируется с полотнами французских художников конца 19 века. В то время главными покупателями искусства была городская буржуазия и, следовательно, к ее требованиям и вкусам стремились приспосабливаться профессиональные портретисты, в том числе и фотографы. Нельзя, конечно, проводить полную аналогию в становлении живописи и фотографии, но основные тенденции их развития во многом совпадают. Художественная фотография, как и живопись, пережила декаданс, выражавшийся в разрушении формы, вычурности рисунка, аллегоризации.

В буржуазных салонах на рубеже двух веков большим успехом пользовались символические фотокомпозиции австрийца Пихие и американки Анны Бригман.

Фото Анны Бригман

В их работах, благодаря увлечению ритмом линий и световыми эффектами, человек как объект изображения представал бездушной величиной, приравненной к натюрморту.

В 1912 году популярный журнал «Солнце России» опубликовал специальную статью «Фотоимпрессионизм», иллюстрировав ее работами мюнхенских фотографов.
В фотоимпрессионизме обозначился отход от четкости реальных форм ради светового пятна, расплывчатого силуэта. Тающие контуры, прозрачная дымка полутонов, раздробленность композиции — все это демонстрировало пренебрежение материальной предметностью мира.

Некоторые критики в пылу поверхностных сравнений выделяли в фотоэкспрессионизме преобладание резкоконтрастного, «рембрандтовского», света.
Так проявляло себя эпигонство формалистов, выражавшееся в отказе от идейно-образного познания действительности.

Фотографы всегда пытались преодолеть гиперреализм фотографии, используя оптические искажения, различные методы печати и прочие уловки.

Еще в конце XIX века в европейском и американском фотографическом искусстве возникло течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. Пикториализм – часто называют фотографическим импрессионизмом. Для достижения пикториального эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати: мягкорисующие объективы, фильтры, обработка позитива бихроматами, солями серебра.

Светлана Маковецкая – один из современных российских мастеров пикториальной фотографии. Журналист по образованию, Светлана начала профессионально работать в художественной фотографии в 1995 году. Участница многих Российских и зарубежных выставок, лауреат фотобиеналле в Токио за серию “Японцы глазами Европейца”, а ее серия “Японский сад” экспонировалась в Музее Востока.

Мультиэкспозиция позволяет получить нечеткие границы объектов, передавая краски предметов. Например американский фотограф Пеп Вентоза (Pep Ventosa) накладывает друг на друга множество снимков одного и того же знаменитого туристического места, получая при этом нечеткое, но необычное изображение.

Игра с водой, съемка отражений в воде и любых причудливых зеркальных поверхностях – еще один способ получить импрессионизм в фотографии.

Похожие на полотна художников импрессионистов фотографии создаёт Барбара Коул (Barbara Cole), фотограф из Торонто. Серию фотографий Chromatics с первого раза легко принять за картины, а не за искусные подводные фотографии.

Cristophe Jacrot – фотограф дождя из Франции. “Мне нравится романтический дождь и воздушный снег. Эта погода – прекрасное фотографическое поле, визуальный мир природы. В этом мире большинство из нас слишком заняты, чтобы скрыться от осадков. Человек становится призрачной фигурой, блуждающим и послушным капризам дождя и снега”.

Длинные выдержки вкупе со сдвигом камеры и зумированием использует Nikhil Bahl в своих работах. Однако эта техника не совсем простая, какой кажется на первый взгляд. Результат должен быть в голове у автора перед съемкой, это не просто хаотичные движения камерой.

Читать еще:  Современные художники Аргентины. Gabriel Perrone

Приемов у фотоимпрессионистов много, но главное – это быть импрессионистом в душе. Видеть в первую очередь цвет и свет, замечать красоту в каждом лучике и, в идеале, – уметь передать эту частичку другим.

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector