Современный канадский художник. Shelley Adler

Современный канадский художник. Shelley Adler

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Собственный стиль Джонатана Адлера

Дизайнер и декоратор Джонатан Адлер (Jonathan Adler) – одна из самых заметных фигур на американской сцене. Непревзойдённый мастер смелых сочетаний, способный создать в интерьере элегантный микс, определяет собственный стиль как Modern American Glamour.


Пятидесятилетний дизайнер выступает ещё и как автор книг: в своих текстах он призывает к смелости и иронии, ведь именно так можно придать жилищу особый характер, построенный на кураже и остроте решений. «Дизайн – это смешение, бесстрашие, жажда экспериментировать с цветом. Поверьте, это очень весело!».

Jonathan Adler – не только имя человека, но и имя целого бренда. Джонатан охотно рассказывает историю своих отношений с декором (на сайте компании можно даже отыскать таймлан с такой засечкой): Адлер начинал как мастер по керамике, затем освоил текстиль, а потом в 2002 году сделал ещё один большой шаг и начал собственную декораторскую практику. Сегодня под именем Jonathan Adler производятся предметы мебели, светильники, ткани и посуда.

Ковры и керамика Jonathan Adler

Одновременно это имя означает и определённую эстетику: гламурный шик и любовь к эклектике, а также умение тонко чувствовать и сочетать нюансы превратили Адлера в настоящего гуру, который, однако, и не думает воспринимать себя всерьёз.

Собственный дом дизайнера одновременно служит и его главным манифестом: здесь роскошь материалов, текстур и оттенков сливается с произведениями искусства и дизайн-иконами разных лет. При этом яркие декоративные элементы соседствуют с нейтральными белыми поверхностями, благодаря чему и сами предметы, и орнаменты на них выглядят как художественные объекты и производят по-настоящему сильное впечатление.


Собственные апартаменты дизайнера в Нью-Йорке

Сложно не заметить, что и геометрия мебели, и само её положение в пространстве в работах Адлера напоминают о роскошных интерьерах ар-деко, которые были популярны почти сто лет назад. Современный виток роскоши сопровождается новыми технологическими приёмами и новыми представлениями о гармонии, но родство с предыдущими эпохами по-прежнему ощущается в нём, если приглядеться.

Адлер очевидно увлечён не только яркими красками и замысловатыми орнаментами, но и металлом: в его мебели и светильниках всегда есть тонкие серебряные и латунные элементы, которые работают и как звучные линии, и как отражающие поверхности. Эти многочисленные детали соединяют интерьер воедино, задают определённый ритм пространства.

В иных случаях металл становится главной частью массивной конструкции – тем поэтичнее рифмы между массивным светильником и тонкими ножками стула, выполненными из одного материала.

Несмотря на любовь Адлера к натуральным материалам и тканям, он не боится работать и с пластиком: так, стол на опорах в форме лиловых антилоп демонстрирует любовь дизайнера к цвету и сложным технологическим решениям, а стол с прозрачными ножками прекрасно сочетается с изящным стулом.

Роскошь по Адлеру состоит из множества компонентов: это безмерный комфорт каждого кресла, красота и высокое качество каждого текстильного элемента, наполненность пространства изящными и элегантными предметами, а главное, хорошее настроение и тактильное удовольствие, которое человек получает. Роскошь по Адлеру – это гедонизм, воплощённый в интерьере.

Читать еще:  Скелеты из света. Janne Parviainen

14 самых успешных ныне живущих женщин-художниц
ARTinvestment.RU 18 апреля 2016

Аукционные успехи ныне живущих женщин-художниц по-прежнему сильно уступают достижениям их коллег мужчин. Однако каждый раз обращаясь к теме женского искусства, приятно видеть хоть небольшие, но подвижки в лучшую сторону. Особенно в последние годы в женский авангард на аукционном рынке выдвинулась пусть небольшая, но крепкая группа художниц, о которых стоит знать. Портал artnet на основе своих данных составил рейтинг 14 самых дорогих произведений ныне живущих женщин-художниц, прошедших через аукционные торги с 1985 по 2016 год включительно. Помимо хорошо знакомых нам гранд-дам аукционного рынка вроде Яёи Кусамы, в рейтинг попали также работы молодых и многообещающих представительниц прекрасного пола. Итак, приступим.

1. Кэди Ноланд

С 2011 года самой дорогой работой американской художницы Кэди Ноланд (р.1956) была работа «Oozewald», изображающая Ли Харви Освальда, единственного подозреваемого в убийстве американского президента Дж. Ф. Кеннеди. Её на торгах Sotheby’s продали за 6,578 миллиона долларов. Однако в мае 2015 года персональный рекорд Кэди Ноланд обновился: другое изображение Ли Харви Освальда «Bluewald», испещренное «пулевыми» отверстиями, было продано за 9,797 миллиона долларов. Сегодня это самый лучший аукционный результат среди ныне живущих женщин-художниц.

2. Яёи Кусама

Японская художница Яёи Кусама (р.1929) обновила свой персональный рекорд на торгах Christie’s 12 ноября 2014 года: ее живописная работа «Белый № 28» 1960 года была продана за 7,1 миллиона долларов. Работа относится к звездному периоду жизни Кусамы в Нью-Йорке, когда японская художница стала одной из самых ярких фигур протестной культуры 1960-х.

3. Синди Шерман

Королева арт-рынка под прикрытием, мастер перевоплощений Синди Шерман (р.1954) замыкает первую тройку самых успешных ныне живущих художниц. На торгах Christie’s 12 ноября 2014 продажа 21 фотографии из знаменитой серии «Кинокадры без названия» (1977–1980) стала главным до сегодняшнего дня аукционным успехом Шерман: лот ушел с молотка за 6,77 миллиона долларов. Полностью серия насчитывает почти 70 фотографий, которые выглядят как кадры из старых кинофильмов, но при этом являются постановочными снимками с художницей в главной роли.

4. Марлен Дюма

Южноафриканская художница Марлен Дюма (р.1953) занимает четвертое место среди ныне живущих женщин-художниц с проданной в 2008 году за 6,33 миллиона долларов работой «Посетитель». Прямо сейчас в одном из новых помещений Музея Метрополитен Met Breuer, посвященного современному искусству, проходит персональная выставка Марлен Дюма.

5. Бриджет Райли

Оптические иллюзии это конек художницы Бриджет Райли (р.1931). Самая дорогая её «иллюзия» на сегодняшний день – картина 1967 года под названием «Хорал 2». На торгах Sotheby’s в 2008 году работа была продана за 5,1 миллиона долларов.

6. Розмари Трокель

Розмари Трокель (р.1952) вошла в список со своим диптихом «Без названия» 1988 года, проданным на Sotheby’s в 2014 за $4,98 млн. Творчество Трокель, сочетающее в себе приемы декоративно-прикладного и изобразительного искусства, создает необходимый противовес преимущественно мужскому искусству немецкой арт-сцены. В работе «Без названия» Трокель иронично противопоставляет различные статусы женщины в обществе при помощи узоров с логотипами компаний Woolmark (домохозяйка) и Playboy (воплощение сексуальности).

7. Джули Мерету

Художница эфиопского происхождения Джули Мерету (р.1970) имеет в своем послужном списке несколько солидных аукционных продаж, и среди них на первом месте работа «Retopistics: A Renegade Excavation» (2001), проданная на Christie’s в 2013 году чуть дороже 4,6 миллиона долларов.

8. Трейси Эмин

Легендарная работа художницы из группы Young British Artists Трейси Эмин (р.1963) «Моя кровать» была продана на торгах Christie’s в 2014 году за 4,36 миллиона долларов. Инсталляция с неубранной постелью, пустыми водочными бутылками, рваными колготками и окурками оценивалась в 1,3–2 миллиона долларов. Английская художница прославилась на весь мир своими эпатажными и провокационными работами. Из её последних акций – женитьба на большом камне-валуне.

9. Дженни Савиль

Если речь идет о фигуративном искусстве, то имя англичанки Дженни Савиль (р.1970) приходит на ум одним из первых. Своим крайне натуралистичным стилем её работы напоминают творчество достопочтенного Лусиена Фрейда. В первую десятку ныне живущих женщин-художниц Дженни Савиль вошла с одним из своих портретов. Работа «План», написанная в 1993 году, на торгах Christie’s в 2014-м была продана за 3,49 миллиона долларов.

10. Вия Келминс

Фотореалистичные полотна американской художницы латвийского происхождения Вии Келминс (р.1939) приглянулись многим коллекционерам. В 2005 году девелопер Эдвард Р. Бройда даже завещал музею МоМА коллекцию из 17 работ Вии Келминс, которая суммарно оценивалась в 50 миллионов долларов. Почти десять лет спустя, в 2014-м, картина Келминс «Горящий самолет» ушла с молотка на Sotheby’s за 3,4 миллиона долларов.

11. Чэнь Си

Работы китайской художницы Чэнь Си (р.1969), исходя из данных базы artnet, продавались на аукционах, как правило, в районе 50 тысяч долларов. Однако в 2011 году уход серии картин «Работы по памяти» (2006 – 2010) на торгах Holly International Auction за 3,27 миллиона долларов принес художнице 11-е место в рейтинге.

12. Тауба Ауэрбах

Самая молодая участница рейтинга – Тауба Ауэрбах (р.1981) – уже достигла нескольких многомиллионных продаж в своем возрасте. Рекордной для Таубы стала продажа в 2014 году на Phillips её работы «Без названия (Складка)» (2010) за $2,285,000.

13. Беатрис Мильяшес

В игривых холстах Беатрис Мильяшес сочетаются образы традиционной бразильской культуры и отсылки к модернизму. В последние годы её работы начали привлекать коллекционеров на аукционных торгах. В 2012 году на аукционе Sotheby’s работа Мильяшес «Meu Limão» была продана почти за 2,1 миллиона долларов. Два года спустя, в 2014-м, картина «Palmolive» ушла на торгах Christie’s за $1,685,000.

14. Паула Рего

Прошедший 2015 год стал успешным в карьере португальской художницы Паулы Рего. Две её картины, напоминающие книжные иллюстрации, были проданы на аукционе Sotheby’s в июне за 1,8 и 1,5 миллиона долларов. Самой дорогой стала работа «Кадет и его сестра».

Материал подготовила Мария Онучина, AI

Смотрите на AI и другие рейтинги, посвященные женщинам-художницам:

Что случилось с Шелли Дюваль?

Она была женщиной, завернутой в сказку. Вы можете знать ее по классике, по «Сиянию» (1980) или «Энни Холл» (1977). Возможно, ни один другой талант 1970-х не развлекал мир с таким сочетанием харизмы, глубины и магического эскапизма.
Если когда-либо существовала муза для дней карантина, так это Дюваль…

«Шелли Дюваль похожа на драгоценный фарфор», — писал кинокритик Роджер Эберт в 1980 году, вскоре после того, как «Сияние» вызвало сенсацию: «Она выглядит и звучит почти как никто другой… Во всех ее проявлениях.

В ролях, в ней есть открытость — и она просто спонтанно становится героиней». Это немного похоже на магический трюк — наблюдать за тем, как она использует свою энергию в каждом фильме. Когда она росла в Техасе, мать Дюваль называла ее «Маниакальная мышь». Когда она делала себе имя, люди стали называть ее «Техасская Твигги».
Но Дюваль просто жила сама по себе, странно очаровательная длина нежной, знакомой всем волны.

Ее обнаружил режиссер Роберт Олтмен в 1970 году.
Он убедил Дюваль, который в то время была гораздо более заинтересована в том, чтобы «стать ученым», пойти в кинематограф. «Я была в смятении», — сказала она и получила свою первую роль в Брюстере МакКлауде.

Читать еще:  Яркие картины. Байрам Саламов

Дюваль расцвела как одна из величайших муз Альтмана и получила номинацию на Каннском кинофестивале за роль в психологическом триллере «3 женщины» (1977).

Фильм проложил путь для роли Энни Холла у Вуди Аллена, где она снялась и начала встречаться с певцом-автором песен Полом Саймоном.
Их часто видели танцующими всю ночь напролет в Студии 54 Манхэттена.

Вообразите образ, нарисовав несколько лепестков ресниц под глазами. Выловите свой старый комбинезон и свитера 1980-х годов. Отправляйтесь в крестовый поход Etsy, вооруженный такими ключевыми словами, как «платье 80-х» и «винтажное лоскутное одеяло». И получите образ времен расцвета популярности Дюваль.

Но она была красавица, не так ли? Эта оригинальная внешность.

И в это время … подошло и вовлекло в себя «Сияние» — серьезный переломный момент в ее жизни.

Какое это было удовольствие иметь эксцентричного коллегу — звезду Джека Николсона, верно?
«Почти невыносимо», — признался Дюваль Эберту.
Но не из-за Николсона. Не совсем.
Просто тогда во всей жизни юной Дюваль начался Ад.

«Характер Джека Николсона должен был быть сумасшедшим и злым все время. И мне приходилось плакать 12 часов в день, весь день, последние девять месяцев подряд, пять или шесть дней в неделю», — сказала она.

Вражда, которую сварганил Кубрик по отношению к девушке на съемочной площадке, была ощутимой.
Она была почти материальной.
Он убедил Николсона быть жестоким, впоследствии актер засвидетельствовал, что они с режиссером так и поступали.

Стэнли Кубрик был не только гениальным режиссером, но и истеричным перфекционистом, доводя каждый кадр до индивидуального уровня высокохудожественности.

Шелли Дюваль стала одной из жертв его «маньячных» методик: Кубрик всячески критиковал актрису, придирался к ней по причине и без, кричал, заставлял ее рыдать по 12 часов в день, ко всему прочему попросил съемочную группу относиться к ней пренебрежительно – все это ради правдоподобности, конечно.

Такая травля измотала актрису и довела ее до настоящего невроза, что, естественно, сказалось на съемках: сцена, где Венди Торренс запирает своего мужа Джека (Джек Николсон) в холодильнике, настолько подавила девушку, что та почти упала в обморок.

Сломленное психологическое состояние перекочевало со съемочной площадки и в реальную жизнь актрисы.

Ведь Кубрик хотел, чтобы она чувствовала себя изолированной и сломленной, чтобы она стала Венди, чтобы образу поверил зритель.

Это было вообще в его стиле – он ломал морально своих актрис, унижал, пугал, издевался. Только кажется, что непременно был другой способ добиться совершенной игры .

С Дюваль никто не разговаривал, она должна была есть одна.
Остальные были проинструктированы шептать или менять тему, когда она приходила на съёмку.

Как создалась культовая сцена бейсбольной биты? 127 дублей.

В конце съемок ее страдание уже не было даже игрой.
Дюваль подарила Кубрику волосы, которые она потеряла, когда закончилась работа.
Это был прощальный подарок.

Тем не менее, Дюваль сказала, что потом ей «не предложили много ролей», что, вероятно, стало одной из причин, по которой она рассказала об ужасных выходках Кубрика.
После того, как все было сказано и сделано, она вернулась к работе почти исключительно с Альтманом.

Дюваль стала заниматься проектами, ориентированными на детей, в 1990-е годы и взяла на себя свою последнюю роль в киноиндустриальном фильме «Небесная манна» в 2002 году.

Она попала в заголовки газет в 2016 году после интервью с доктором Филом, в котором он сказал, что актриса страдает от психического заболевания.
Ее хрупкое состояние шокировало публику.
Что случилось с дорогой Дюваль?
Получала ли она поддержку, в которой нуждалась?
Было ли это продолжающееся сражение, или, возможно, остатки ущерба ее здоровью, нанесенного Кубриком?

И это открыло новый диалог о важности дестигматизации дискуссий по психическому здоровью.

Чем занимается Дюваль до наших дней, остается загадкой. (По имеющимся сведениям, Фонд актеров Америки обратился к ней с предложением предоставить ей лечение — в ответ она даст несколько интервью.)

Но где бы она ни была, ее всегда будут любить за то, что она привносит такую ​​ уникальную откровенность и остроумие не только в свои роли .

Дюваль помогла развеять миф о том, что детское телевидение нельзя воспринимать всерьез.

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

Читать еще:  Фигуративные картины в наивном стиле. Мариана Калачева

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector