Спонтанные картины. Jiaur Rahman

Спонтанные картины. Jiaur Rahman

Jiaur Rahman

ABOUT ARTIST JIAUR RAHMAN

Jiaur Rahman Art Gallery

Artworks 17

watercolor on Paper

Rainy Day In Kolkata

watercolor on Paper

watercolor on Paper

watercolor on Paper

Old Kolkata

watercolor on Paper

watercolor on Paper

Storm And The Dusty Path

watercolor on Paper

watercolor on Paper

Yellow Flower

watercolor on Paper

watercolor on Paper

watercolor on Paper

watercolor on Paper

Ruined Palace

watercolor on Paper

Foggy Morning

watercolor on Paper

Life Journey

watercolor on Paper

Tribal Women

acrylic on Canvas

Tribal Women

acrylic on Canvas

Discover the world of art & craft with ArtZolo.com. ArtZolo.com is an online marketplace that helps art collectors/lovers and enthusiasts to buy and sell art with ease from any part of the world. ArtZolo.com caters to original art (art investment), sculpture, digital prints, craft, home decor and many more. Explore our online art gallery and grab your choice of painting or portraits or craft. Read More

Newsletters

Select the newsletter(s) to which you want to subscribe or unsubscribe.

Стили китайской живописи: гунби

Гунби или «тщательная кисть» — техника реалистической китайской живописи. Считается академической, поскольку была изобретена раньше остальных и противопоставляется свободному экспрессивному стилю се-и — «живописи идеи».

В технике гунби, в отличии от се-и, используется чёткий прорисованный контур со всеми ботаническими подробностями, без какой-либо независимой, экспрессивной вариации, что ограничивает художника в свободе взгляда на объект. В древности в технике гунби часто изображали фигурные композиции, божественные чертоги, мудрецов и повествовательные сюжеты.

Стиль китайской живописи гунби зародился около 2000 лет назад, в династию Хань (206 до н.э. — 220 н.э.), когда политическая стабильность Хань и её процветание благоприятствовали развитию и популяризации искусства.

Пика своего развития техника гунби достигла в эпохи Тан и Сун (с VII по XIII века), когда эти утонченные картины были одобрены императорскими семьями и начали коллекционироваться в дворцовых покоях.

Художники, работавшие у императора, обязаны были владеть стилем гунби. У императора был целый штат художников, работавших только в этой технике. Только богатые могли позволить себе приобретать такие картины. Свитки хранились в строжайшей тайне во дворце императора и покоях богатых семей.

Особенности техники гунби:

  1. Изображение объекта в контурной технике во всех подробностях;
  2. Покрытие контура цветом слой за слоем, с постепенным усилением контраста;
  3. Цель подобной техники — изысканное изображение объекта.

Самые известные художники стиля гунби:

  • Ян Либянь (ок. 600-673 )
  • Чжан Сюань ( 713-755 )
  • Чжоу Фан (ок. 730-800 )
  • Гу Хучжон ( 937-975 )
  • Император Хуэй Чжун (1082-1135)
  • Тан Инь (1470-1524)
  • Цю Ин (1494-1552)
  • Чэнь Хуншоу (1598-1652)

Техника могуфа

Могуфа одна из техник традиционной китайской живописи, в переводе с китайского языка буквально «бескостная живопись». По некоторым древним документам создание этой техники приписывают Чжан Сэн-юню, который жил в династию Лян в период Южных династий. В периоды Пяти династий и десяти царств художник по имени Хуан Цюань из бывшего княжества Шу значительно развил эту технику, которая в основном использовалась в жанре цветы-птицы (хуаняо), а также деревья и цветы, травы и насекомые, поскольку птиц продолжали традиционно рисовать в стиле гунби. Эта техника была названа «не имеющей костей», «бескостной».

Художники династии Тан, подражавшие технике Хуан Цюаня: Сюй Чунсы (династия Северная Сун, был приверженцем этой техники, вследствие чего его картины были названы мэйгуту, «картины в технике мэйгу«; кроме того, он впервые стал применять технику мэйгу в жанре пейзажа). Во времена Поздней Мин и Цин самым известным мастером этой техники был Юнь Шоупин.

Цветные пейзажи Чжана Сэн-ю династии Лян, монохромные изображения людей Лян Кая династии Сун, картины цветущих растений Юн Няньтяна династии Цинь когда-то шокировали жителей Поднебесной своими нестандартными приемами, но вскоре это впечатление «развеялось как дым». Бескостный метод рисования цветов и трав художника Юн Наньтяна использовался всего лишь 300 лет…

Китайская живопись в те времена воспринималась и понималась людьми только как живопись с четкими контурами (по-китайски чжунгуфа, буквально «метод тяжелой кости») или метод сянфа (линейный метод). В результате работы, выполненные в технике мэйгу подвергались «холодным» дискуссиям и к этим картинам было пренебрежительное отношение вплоть до того времени, пока те не исчезли совсем. И это несмотря на то, что метод мэйгу фактически составляет половину всей живописи Китая!

Все изменилось в династию Цинь, когда Сян Вэйжень, Цэн Яндун и другие начали использовать эту технику. Последователи художника Ван Жуюаня и его ученики Цай Сяоцю, Чжан Хунвэй, Чэн Маньчин стремились к новым веяниям в китайской живописи, сознательно подвергая себя нападкам, начали практиковать стиль могуфа. Итогом их усердия стала известность. В последствии их школа живописи получила название «школа живописи Юнцзя» по месту ее создания.

Читать еще:  Современный реализм. Bradley Stevens

Стиль могуфа основывается на заливке цветом больших участков картины без предварительной тщательной прорисовки контура. «Костями» в живописи называли тщательные линии стиля гунби. «Мясом» называлось заполнение контуров цветом. «Без костей» в данном контексте означает «без контура». Сначала цветом заливается форма листа, потом по сырому изображению наносятся тен, только после этого по высохшему пятну рисуются прожилки. При этом используется непромокаемая бумага для стиля гунби, пропитанная квасцами. Так же, как и в гунби, в технике могуфа присутствует окрашивание, смазывание, растирание и заливка.

Пикантное и страстное арт-деко художника Хуареса Мачадо

Хуарес Мачадо (Juarez Machado) — современный бразильский художник и как любой бразилец он любит карнавал. Ведь Бразилия это не только страна диких обезьян, но и знаменитого на весь мир карнавала. Неудивительно, что карнавал живёт в картинах Хуареса Мачадо, но почему-то не бразильский, а венецианский. Наверное, художнику ближе европейские традиции и культура. В картинах Мачадо, выполненных в стиле арт-деко, присутствуют все атрибуты праздника жизни обеспеченных мужчин, а потому и беззаботных. Это вино, биллиард, карты и, конечно же, женщины. Над картинами Хуареса Мачадо витает терпкий запах вина и манящие ароматы парфюма. Художник богат и знаменит.

Бразильский художник, скульптор, дизайнер, карикатурист, фотограф, писатель и актер.
Хуарес родился 16 марта 1941 в городе Жонвилль, в штате Санта-Катарина, Бразилия.
В 1954 году он переехал в город Куритиба и поступил в Школу музыки и изобразительных искусств штата Парана.
В 1961 году Хуарес занял 2-е место в Салоне молодых художников в Куритибе, на следующий год он стал абсолютным победителем в жанре и живописи, и скульптуры на этом же Салоне.
1962 год был очень урожайным — на нескольких выставках в Куритибе Мачадо получил серебряную и бронзовую медали.
В 1964 году состоялась первая персональная выставка Мачадо в Куритибе, в галерее Cocaco, принесшая художнику большой успех. В этом же году художник получил Золотую медаль XV Весеннего Салона.
В 1966 году Мачадо поселился в Рио-де-Жанейро, где он проживал в течение двадцати лет.
Кроме живописи художник занимался графическим дизайном, иллюстрациями и скульптурой.
Работал карикатуристом в ряде бразильских газет, выступал в программе Fantástico на телеканале «Глобо».
В конце 1970-х полностью вернулся к живописи, неоднократно выставлял свои работы в Европе и США. Художник — обладатель ряда наград бразильских выставок и международных призов на Биенале в Италии (1969), выставке «Nakamori» в Японии (1977) и др.
В 1978 году выставки Мачадо прошли в Нью-Йорке, Лондоне и Париже.
В 1986 году Мачадо перебрался в Париж, где создал свою студию. Он часто выезжает на семинары и мастер-классы в Рио-де-Жанейро и Жонвилль.
В 1990 году художник был удостоен Почетной медали французского города Champs-sur-Marne.

В чём черпал вдохновение для своих неподражаемых картин каталонский гений сюрреализма: Жоан Миро

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Жоан Миро был влиятельным художником ХХ века, скульптором, керамистом и гравёром, который родился в 1893 году в каталонском регионе Испании, недалеко от Барселоны. Он начал рисовать ещё в детстве, а позже посещал бизнес-школу, а также Школу изящных искусств Ла-Лонха.

В юности он познакомился с богатым фольклором Каталонии, который позже повлиял на его образы, в которых он видел все природные формы как существа, включая гальку и деревья. Во время посещения музея Каталонии в Барселоне он также познакомился с завершёнными интерьерами церквей с фресками IX-XII веков, с их относительно грубым исполнением и простыми, плоскими и карикатурными изображениями.

Все эти элементы можно увидеть в работах художника, а также использование различий масштаба, когда одна форма непропорционально больше, чем другие, метод, часто используемый детьми, когда они делают наиболее важные для них объекты самыми большими объектами на изображении.

После трёх лет обучения в бизнес-школе Жоан устроился на работу бухгалтером в аптеку, которую выбрали для него родители. Там он переутомился и серьёзно заболел, на грани «нервного срыва», за которым последовал приступ брюшного тифа. Затем родители отвезли его на свою новую загородную ферму Монтроиг, расположенную в уединенной каталонской деревне. Состояние его здоровья заставило родителей позволить ему заниматься тем, чем он больше всего хотел заниматься — рисовать. Он посещал Академию Гали в Барселоне (свободолюбивая академия с влиянием современных иностранных художников, где также был интерес к литературе и музыке). Он также научился рисовать одним лишь осязанием, а не зрением.

Читать еще:  Современный британский художник. John Tierney

В период дадаизма Ферра начал читать авангардных поэтов-сюрреалистов, таких как Аполлинер и Пьер Реверди. Он познакомился с Хосепом Льоренсом-и-Артигасом, который стал его другом на всю жизнь и с которым ему предстояло сотрудничать в гончарных проектах в последующие годы. Жоан также находился под влиянием фовизма (в частности, Анри Матисса) и кубизма, начавшегося в первые годы XX века, изначально отдав своё предпочтение написанию натюрмортов.

С 1915 по 1918 год он писал обнажённую натуру, затем портреты и пейзажи. А после он начал геометризировать формы и использовать цвета независимо от их существования в природе (как фовисты, которые использовали яркие цвета, не видимые в природе). Он также начал искать знаки и символы, изображающие людей и животных в напряжении или движении. В молодости на него оказали наибольшее влияние Поль Сезанн, Мане, Клод Моне и Винсент Ван Гог. Галерея Далмау в Барселоне была местом сбора иностранных посетителей. Именно там Жоан познакомился с Франсисом Пикабиа, художником-дадаистом.

На протяжении всей своей жизни он находился под влиянием своего каталонского наследия, такого как украшенная каталонская керамика и каталонские фрески, которые были восстановлены в 1920-х годах и окрашены плоскими узорами в народном стиле. Со временем он стал тяготеть к сюрреализму.

Миро демонстрировал свои работы на сюрреалистических выставках, и особенно на него повлияли поэты-сюрреалисты, которые в своём стремлении проникнуть в подсознание играли в такие игры, как «Изысканный труп», чтобы сочинять стихи. Изысканный труп (последствия) — это техника, при которой словарь передавался группе поэтов, каждый из которых выбирал слово случайным образом. Какие бы слова ни возникали, они выстраивались в стихотворение. Именно так было создано выражение «Изысканный труп». Они также использовали техники психического автоматизма (например, свободной ассоциации) и «систематического расстройства чувств».

В итоге, Жоан и другие художники разработали способ переноса этих техник на свою визуальную среду, используя свои сновидения и визуальные свободные ассоциации. На тот момент Ферра написал около ста картин из своих снов и это был его самый сюрреалистический период. Он также иллюстрировал сюрреалистические стихи в сотрудничестве с поэтами.

После переезда в Париж, в искусстве Жоана произошли большие перемены: он перешёл к более знакоподобным формам (например, иероглифам), геометрическим фигурам и общему ритму. Его формы включали кошек, бабочек, манекенов и каталонских крестьян, и в его образах было визуальное движение.

Позже он стал рисовать фигуры, заимствованные из каталонского народного искусства и картины, основанные на открытках некоторых голландских интерьеров, которые он видел в Голландии, таких художников, как Ян Стин. Образы, с которыми он работал, были переполнены формами. Жоан постепенно упрощал формы и сильно урезал изображение, используя геометрические деления и изгибные движения в композициях.

Затем он завершил первый этап своего творчества и начал подвергать сомнению и переоценке свою работу в течение следующих десяти лет, которые были для него борьбой, финансовой и художественной. Он начал экспериментировать с материалами — делал папье-коллажи и коллажи, используя изображения обычных предметов, таких как домашняя утварь, машины, а также настоящие гвозди, верёвки и т. д. Этот период экспериментов помог ему отбросить любые традиционные практики и избавиться от привычных деталей и техник в работе.

Используя объекты, не имеющие никакого значения, художники могут концентрироваться на абстрактных качествах объектов, а не на связанных с ними значениях или эмоциях, что обеспечивает большую формальную свободу. Эти нейтральные предметы, не имеющие особой эстетической ценности или значимости, отвлекают внимание от предмета и направляют его на формы и содержание изображения. После создания таких коллажей Миро переносил изображение коллажа на холст.

Хотя Миро часто характеризуют как абстрактного художника, сам он считал, что это не так — он даже считал оскорблением называть свою работу абстрактной, поскольку утверждал, что каждая форма в его изображениях основана на чём-то во внешнем мире, просто упрощенном в его характерные биоморфные формы и изогнутые линии.

Во время Гражданской войны в Испании произошло много зверств, совершённых фашистскими войсками Франко, как это изображено Пикассо в его знаменитой «Гернике». Несмотря на то, что Миро не был политическим художником, его формы в это время изображают определённую жестокость, с искажениями и кричащим цветом. Он создал фреску для испанского павильона на парижской выставке «Жнец».

Читать еще:  Художник и скульптор. Christopher Conte

В 40-41 годах он начал свою знаменитую серию из двадцати двух созвездий, состоящую из чёрных точек, представляющих звёзды на белом фоне, используя гуашь и разбавленное масло на бумаге. Во время Второй мировой войны художник остался в Испании и его творчество стало находиться под влиянием ночи, музыки и звёзд. Его формы стали ещё более абстрактными, и он использовал в своей работе целый ряд техник, например, когда линии пересекались, возникал всплеск основного цвета, когда красный и чёрный накладываются друг на друга, появляется жёлтый.

Спустя пару лет он вернулся к живописи, теперь добавляя каллиграфические качества своим изображениям и к 44 году начал приобретать международную известность благодаря своей ретроспективной выставке в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке и присутствию на международной выставке сюрреалистов в Париже, организованной Марселем Дюшаном и Андре Бретоном.

После выставок его пригласили сделать заказ на фреску для отеля в Цинциннати, штат Огайо. А затем он сделал ещё одну фреску для аспирантского центра в Гарварде. На протяжении 40-х годов он также рисовал некоторые «палочные фигуры», а в 50-х годах его изображения содержали формы, которые были почти как примитивные пиктограммы. Он рисовал керамику и вырезал из глины маленькие фигурки, похожие на примитивных богинь плодородия, и простые вазы с птицами и головами. Его стиль и техники постоянно меняли, привнося в творчество новые и более интересные штрихи и направления.

Читайте так же о том, как причудливые работы Сальвадора Дали со временем стали самыми настоящими шедеврами ювелирного искусства, стоимость которых буквально зашкаливает.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

«Подкопченные» картины: как сюрреалист Вольфганг Паален придумал технику «фюмаж»

Имя родившегося в 1905 году в Вене живописца и теоретика искусства Вольфганга Паалена (Wolfgang Paalen) чаще всего упоминается в связи с движением авангардистов. В 1935 году молодой художник стал единственным австрийцем в «Парижской сюрреалистической группе» и пытался с помощью изобразительных средств осмыслить и выразить идею разорванности жизни на самом глубинном уровне.

Находясь в постоянных поисках новых, более выразительных приемов, сюрреалист почти случайно придумал фюмаж. Сидя в ресторане, он слишком низко пронес руку с салфеткой над подсвечником, бумага едва не загорелась. Машинально разглаживая ее, Вольфганг заметил, что подпалины напоминают пышную крону дерева и вытянутое облако над ней. Так в арсенале художника появились копоть, сажа, зола и пепел, а новая техника получила название «фюмаж»: от французского fumage — задымление, копчение, окуривание.

Используя дым от свечи или керосиновой лампы, Паален «рисовал» на холсте или листе бумаги. Проступавшие эфемерные изображения использовал в качестве основы для живописи. Первая работа «Рука» демонстрировалась на Международной сюрреалистической выставке в Лондоне. В том же 1936 году создана программная картина, сочетающая фюмаж и масляные краски, — «Запретная земля».

По мере того, как развивался и совершенствовался метод, главное место в творчестве Паалена заняли фантастические пейзажи с потусторонним настроением. Вскоре они получили авторское определение — «космические абстракции». Их воздействие на публику и коллег по творческому цеху было настолько сильным, что технику взяли на вооружение такие известные художники как Сальвадор Дали (Salvador Dali), Иржи Георг Докупил (Jiri Georg Dokoupil), Хью Паркер Гиллер (Hugh Parker Guiler).

В 1940-1950-х годах творчество Паалена сыграло важную роль в изменении представлений о современной живописи, особенно это коснулось Нью-Йорка в период становления абстрактного экспрессионизма. В собственном журнале «DYN» он публиковал статьи, посвященные кубизму: по мнению Паалена, это направление указало путь искусству XX века, отвергнув традиционные методы изображения трехмерного пространства.

Новый день фюмажа: да вспыхнет пламя.

Среди современных мастеров технику фюмаж активно использует живущий в Канаде Стивен Спазук (Steven Spazuk). В одном интервью он рассказал, что идея поэкспериментировать с огнем пришла к нему во сне. Приснившийся черно-белый ландшафт был настолько необычен и в то же время реален, что художник решил его запечатлеть по памяти. Поразмыслив, он отложил в сторону привычные аэрограф, кисти, краски и выбрал свечу и зажигалку.

Позднее, уже освоив технические приемы, найдя собственный способ фиксации рисунка на бумаге, — Спазук добавил в число инструментов тонкие кисти, иголки, щеточки с металлическим ворсом и птичьи перья. С их помощью он кропотливо прорабатывает мелкие детали, формирует свет и тени, придает размытым пятнам сажи узнаваемые очертания, подчеркивает текстуру объектов.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector