Способ наблюдать и записывать. Marco Micceri (фотограф)

Способ наблюдать и записывать. Marco Micceri (фотограф)

Алогичные работы Марко Миччери: безумные сюжеты и галлюциногенный бред

Безумные идеи и образы в работах Марко Миччери (Marco Micceri )

Психоделические работы Марко Миччери (Marco Micceri) вызывают у зрителя не только шквал негодования и возмущения, но и повергают в некий безмолвный шок, заставляя задуматься над тем, что же на самом деле хотел сказать автор столь безумными сюжетами, больше похожими на галлюциногенный бред. Ведь для большинства, до сих пор так и остаётся загадкой, а в здравом ли уме был фотограф, создавая подобную серию снимков, которая ну никак не поддаётся логике…?

Алогичные работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Психоделические работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Безумные работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Специфические работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Своеобразные работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Противоречивые работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Работы, трудно поддающиеся логике. Автор: Марко Миччери (Marco Micceri )

Что уж говорить, а безумие и в самом деле не знает границ. Убедиться в этом помогут откровенно-провокационные работы современного фотографа Дениз Принц, которая, вдохновившись «клиническими» идеями, создала своеобразную серию снимков, где оживила алогичные сюжеты с не менее замысловатыми образами, рождёнными безудержной фантазией.

Автор работ: Марко Миччери (Marco Micceri )

Безумие в работах Марко Миччери (Marco Micceri )

Двоякие работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Странные Марко Миччери (Marco Micceri )

Алогичные Марко Миччери (Marco Micceri )

Психоделика в работах Марко Миччери (Marco Micceri )

Работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Неоднозначные работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Безумные работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Неординарные работы Марко Миччери (Marco Micceri )

Творчество Дэвида Стюарта так же заставляет усомниться в том, что автор был в здравом уме, создавая подобную серию фотографий, в которой запечатлены, настолько нелепые моменты из жизни, что, глядя на невозмутимый вид главных героев, по неволе начинаешь задумываться над тем, что мир окончательно сошёл с ума…

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Фотограф Марко Гроб: от предметов к портретам

Как зарабатывать деньги любимым делом, начать развиваться в портретной фотографии и снять обложку TIME за 45 секунд — об этом Марко Гроб рассказывает в своем интервью.

Фотограф Марко Гроб (Marco Grob) в течение 20 лет снимал натюрморты и занимался коммерческой предметной фотосъемкой в родной Швейцарии, пока в 2003 году не решил покинуть Европу. Он переехал в Нью-Йорк, сфокусировав свое внимание на портретной фотосъемке, после чего, как он считает, действительно влюбился в фотоискусство. Когда-то для своей первой фотографии мастер скрупулезно и точно выставлял свет, формируя блики на предметах, теперь же он скульптурно подчеркивает светом черты лиц своих моделей.

Вы родились и выросли в Швейцарии. Как это повлияло на эстетику ваших фоторабот?

Я родился в небольшом городке Ольтен, который располагается между Цюрихом и Берном. Мне кажется, на меня, скорее, оказало влияние искусство Англии 80-х годов, нежели непосредственно Швейцария. Я дитя поп-культуры того времени и большой поклонник группы DepecheMode. С 13 до 18 лет я подрабатывал, помогая по выходным самому крупному музыкальному промоутеру в Швейцарии. Я работал с такими иконами музыки как AC/DC и Queen, вращался среди людей, страстно преданных делу, которым они зарабатывали на жизнь. Вместе с тем они были непревзойденными экспертами в своей области. Я ежедневно наблюдал за тем, как усердно нужно работать, чтобы выйти на их уровень, насколько необходимо поддерживать и развивать свой талант. Это действительно оказало огромное влияние на принципы, которых я придерживаюсь в своей работе. Я уверен, что можно зарабатывать, занимаясь любимым делом.

Интересный факт, что два десятилетия Вы занимались предметной фотосъемкой, прежде чем переключились на портреты.

Мне всегда нравилось снимать портреты, даже когда я зарабатывал на жизнь предметной фотосъемкой. В то время я не был до конца честен с собой, не был уверен, что смогу зарабатывать тем видом съемки, который люблю больше всего. Самый большой урок, который я вынес, общаясь с музыкантами, — это то, что нужно как можно раньше вступать в игру. Да, я стал фотографом. Но говоря их языком,если ты гитарист, то какой именно? Если ты играешь рок, то какой именно рок? Необходимо быть честным с самим собой и найти собственное звучание. В 2003 году мне исполнялось 40 лет, и я пришел к выводу, что либо я попробую сейчас, либо уже никогда этого не сделаю. Я знал, что если хочу серьезно заняться портретной фотосъемкой, мне необходимо уехать из Швейцарии. Если вы хотите стать рыбаком, сначала вам нужно уехать на море, а если хотите ловить именно крабов, то лучше вам отправиться конкретно на Берингово море. Мне нужно было влиться в рынок, работа сама не пришла бы ко мне в руки.

Как Вы начали претворять свой план в жизнь?

Я не чувствовал в себе готовности ехать в Нью-Йорк, поэтому сперва направился в Кейптаун, в Южную Африку. Многие европейские журналы проводят там свои съемки во время летнего сезона. В возрасте 37 лет я снял там свою первую обложку. В Швейцарии нет рынка журнальной фотографии, а я твердо уверен, что без такого рода съемок фотограф не может развиваться.

Вы считаете, что по сравнению с рекламной съемкой в работе для журналов больше творчества и меньше границ?

Вы можете заработать большие деньги на рекламной фотосъемке, но так и не сформировать свой собственный стиль. В 2008 году я почувствовал себя готовым ехать покорять Нью-Йорк — своеобразную Мекку для фотографов. Самые известные мастера либо жили там, либо на каком-то этапе своего становления проходили через испытание Нью-Йорком, тот же Ричард Аведон, Ирвинг Пенн. И на то есть своя причина. Помимо того, что именно в Нью-Йорке находятся главные офисы всех ведущих журналов, также любая крупная знаменитость, будь то политик, ученый, художник, так или иначе здесь появляются по тому или иному поводу. К нам поступают звонки из журнала TIME или других изданий: «Сможешь завтра сделать его портрет?» Жизнь здесь сама предлагает тебе работу. Большую часть года я путешествую.

Читать еще:  Фотограф, художник и дизайнер. Emilie Mori

Опыт предметной фотосъемки как-то помог Вам в портретировании?

Этот опыт помог мне в плане творческого подхода к съемкам. От профессиональных музыкантов я слышал, что им понадобилось десять лет, чтобы научиться играть на гитаре, и еще десять, чтобы забыть то, чему их научили — выработать свой собственный стиль. Ты не играешь просто потому, что умеешь играть. Ты играешь, потому что считаешь, что должен заниматься именно этим. Я черпаю вдохновение в других видах искусства — предпочитаю работать именно так, нежели стараться поразить зрителя своим огромным багажом знаний о правильной установке света. Основная загвоздка в том, что многие люди упираются именно в технические вещи. Сейчас на съемках я обычно использую один-единственный источник света, а для коммерческой работы (я снимаю афиши для кино, и это мой основной источник дохода) разрабатываю свои схемы освещения. Я знаю, как все это организовать и на пару дней меня это захватывает.

Если хотите понять, к чему я стремлюсь, посмотрите документальный фильм «Мечты Дзиро о суши». Ученики работают с мастером в течение 10 лет, и единственное, что они говорят ему за все это время, — «хай». Это означает «да, я принимаю мастера таким, какой он есть». Много лет тому назад в Швейцарии я так работал с мастером по печати. Сейчас я веду классы по журнальной фотосъемке, и на этих уроках тоже выкладываюсь по полной. Я верю, что нужно иметь работать под давлением, верю в упорный труд.

Вы фотографировали во всех уголках Земли, и Ваши работы отличает мастерское умение комбинировать естественное и искусственное освещение. Как вы добиваетесь такого результата?

Все дело в правильном соотношении между естественным светом и светом от вспышки, важно не пересветить картинку. У меня есть базовый комплект света от Elinchrom, я всегда вожу его с собой. Сейчас я только что вернулся со съемок в Эфиопии. В начале постановки света я всегда прошу мою ассистентку обойти вокруг предмета съемки с включенным большим софтбоксом, чтобы подобрать оптимальное освещение. RangerRX от Elinchrom — фантастический прибор с импульсом в 400 Джоулей, который практически ничего не весит и подключается к генератору QuadraHybridASRX. Я снимаю на камеры Hasselblad, которые позволяют мне синхронизироваться на коротких выдержках (1/500с, 1/800с).

У Вас очень характерная манера освещения — очевидно, привнесенная из натюрмортной фотосъемки. Создается впечатление, будто Вы лепите лицо портретируемого с помощью света.

Да, это так. Я исследователь. Я люблю свет, исследую его, наблюдаю, как он падает на предметы и играет на них. Я постоянно слежу за работами коллег-фотографов и операторов, недавно я на целую неделю засел в классе колледжа с великим кинооператором Расселом Карпентером, снявшим «Титаник». Это постоянное обучение. И это именно то, что я люблю. Я постоянно спрашиваю себя, как подняться на новый уровень, улучшить свои навыки. Знаю, я везунчик! Я отхватил себе билет в первый ряд, оказался в нужный момент в нужном месте, и хочу сохранить его за собой на всю оставшуюся жизнь. Работа фотографом — самый интересный, захватывающий, фантастический способ заработать себе на жизнь.

Используемая фототехника

Я снимаю исключительно на Hasselblad H5D 60MP, использую объективы Hasselblad 80мм, 50мм, 35м и макро-объектив 120мм». Что касается света, уже больше 25 лет я отдаю предпочтение марке Elinchrom. В основном, использую импульсный свет — источники меньше весят, они довольно мощные, нужно меньше проводов и так далее. У меня несколько источников в 650 Дж и 1200 Дж. Также мы используем генераторы Ranger Quadras со съемными аккумуляторными батареями. Мы брали их с собой на съемки в Африку, и они отлично себя зарекомендовали, мощные и легкие — потрясающие!

Съемка Стива Джобса. Обложка TIME за 45 секунд

Профессионализм Марко Гроба прекрасно иллюстрируют кадры с площадки, на которой снимались портреты Стива Джобса. Портреты были опубликованы на обложках и разворотах двух номеров журнала TIME и стали последними фотографиями в жизни основателя империи Apple.

Для этих съемок Марко Гроб прилетел вместе со своей командой в штаб-квартиру Apple в Калифорнии в апреле 2010 года. На подобных съемках время — деньги, и большая часть времени уходит на подготовку, чтобы сама фотосессия прошла как можно быстрее и результативнее. Как вы можете наблюдать в видео, были подготовлены две отдельные сцены, чтобы в процессе съемок не тратить время на замену фона.

Вся фотосессия заняла 3 минуты 18 секунд, на первую обложку пошел уже второй сделанный кадр, снятый через 45 секунд после того, как Стив Джобс зашел на съемочную площадку.

Мужские портреты Марко Гроба

Портреты авторства Марко Гроба очень характерны — помимо того, что фотографии неординарных людей у него крайне неординарны. Он ставит себе на службу все — свет, эмоции, первоклассную фототехнику — и результатом становятся потрясающие кадры. По всей видимости, Марко отличный психолог и человек, умеющий не просто видеть основные черты личности, но и выражать их на фотобумаге.

В таких случаях остается только посмотреть, после чего просто поаплодировать:

Фотограф отлавливает случайных прохожих и за секунды превращает их в крутых моделей: фото до и после

Видеоролики, на которых запечатлён весь процесс, собирают в TikTok десятки миллионов просмотров.

Алекс Стемплевски — ещё вчера никому неизвестный парень, а сегодня один из самых популярных фотографов в мире. Одна простая идея подняла его на пьедестал мастеров, поработать с которыми желают все. Кто бы мог подумать, что ещё пару недель назад Алекс был в отчаянии от того, что модели отказываются работать с ним, так как у него нет портфолио!

Тогда я сказал себе: «Если гора не идёт к Магомеду, то Магомед идёт к горе…» Я просто понял, что, если есть сильное желание, ты можешь превратить в модель любого прохожего

» ratio=»1/1″ src=»https://static.life.ru/tmp/%D0%A1%D0%BD%D0%B8%D0%BC%D0%BE%D0%BA%20%D1%8D%D0%BA%D1%80%D0%B0%D0%BD%D0%B0%202020-05-17%20%D0%B2%2014.37.04-1589715433859.png» loading=»lazy» style=»width:100%;height:100%;object-fit:cover»/>

» ratio=»1/1″ src=»https://static.life.ru/tmp/%D0%A1%D0%BD%D0%B8%D0%BC%D0%BE%D0%BA%20%D1%8D%D0%BA%D1%80%D0%B0%D0%BD%D0%B0%202020-05-17%20%D0%B2%2014.37.04-1589715433859.png» loading=»lazy» style=»width:100%;height:100%;object-fit:cover»/>

Он так и сделал. Вышел на улицу и предложил первой встречной девушке поснимать её без студии, без грима и без софтбоксов. Весь процесс Алекс снимал на видео — ему было важно увидеть реакцию прохожих на результат. Это и стало секретом его успеха.

Читать еще:  Современные художники Америки. Robert Coombs

Стемплевски выкладывал короткие видеоролики, на которых было показано, как он подходит к прохожим, уговаривает их, снимает и затем показывает, что получилось. Его видео мгновенно прославились в TikTok.

Уже через неделю на его аккаунт было подписано 5 млн пользователей. На данный момент их число приближается к 8 млн. Нужно отдать должное: Алекс — действительно классный фотограф. Он находит красоту в каждом человеке и придумывает способ, как передать нужную эмоцию с помощью одного кадра.

Куда смотреть, чтобы увидеть цвет

Для того, чтобы научиться снимать хорошие цветные фотографии, прежде всего необходимо научиться видеть и чувствовать цвет, понимать его выразительные свойства. Точно также невозможно играть хорошую музыку, не понимая, что такое хорошая музыка.

Единственный путь научиться отличать хорошее от посредственного – получить достаточный опыт. В музыке это называется «наслушанность», в фотографии «насмотренность». Точно также, как путь музыканта начинается с меломании – пластинок и концертов, путь фотографа начинается со страсти к изобразительному искусству – музеев живописи и выставок фотографий.

Получив достаточный визуальный опыт, мы начинаем иначе относиться к окружающей нас действительности, смотреть на нее другими глазами, искать то, что интересно для нашего личного восприятия. Как Микеланджело, мы «просто берем глыбу мрамора и отсекаем от нее все лишнее».

Мышление фотографа-колориста существенно отличается от того, как думает и видит фотограф, снимающий на цветную пленку (или цветной RGB-файл). Для первого цвет имеет приоритетное значение, второй же готов мириться с недостаточно выразительным, а порой даже с плохим цветом ради сюжета, момента, композиции и других выразительных средств фотографии, вплоть до перевода картинки в ч/б.

Как говорит Гарри Груйер, «Цвет не должен восприниматься как некая добавка к изображению, он должен составлять его суть». При этом на своем мастер-классе в Москве в 2012 году великий цветной фотограф современности продемонстрировал. серию черно-белых фотографий, которую снимал 25 лет. На изумленные вопросы публики он ответил: «Я хотел снять серию про то, как растут мои дочери. Мне были важны их эмоции, а когда я снимаю на цветную пленку, я думаю только о том, какая на них одежда и на фоне каких обоев они стоят».

Если вы испытываете такую же страсть к цвету, как и я, то скорее всего поймете, почему в съемке этого сюжета с молодыми парнями и девицами, купающимися в фонтане, в итоге я снял фотографию. без парней и девиц. Изначально меня действительно привлек формальный повод, и поначалу я честно снимал экшен и мокрые груди. Я понимал, что многие фотографы позавидовали бы этому необычному сюжету, но мне самому получающиеся снимки удовольствия не доставляли. Поэтому я продолжал искать выразительный цвет, мысленно отмечая его в сюжете и постепенно отказываясь от всего лишнего.

1. Первый кадр иллюстрирует взгляд фотографа, просто снимающего в цвете – для нас интерес представляет сюжет, динамика, эмоции главных героев. Несмотря на то, что цвет этого снимка нельзя назвать плохим, хорошим его тоже не назовешь. В кадре слишком много почти полностью черных и почти полностью белых областей — сцена слишком контрастна для того, чтобы можно было проявить богатство тональных переходов и цветовых нюансов.

Безусловно, цвет можно несколько улучшить с помощью грамотной обработки:

Но этот снимок нисколько бы не потерял (а может быть даже выиграл), если его перевести в ч/б:

2. На втором снимке я попытался выстроить альтернативную композицию, используя в качестве «заднего плана» самую колористически интересную часть сюжета – дно бассейна сквозь толщу мутной воды. Именно в ней цвет проявляет себя в полной мере: он выразителен, гармоничен и вариативен (в живописи для этого используется слово «валёр»).

Этот вариант нравится мне куда больше, но в нем по-прежнему присутствуют высококонтрастные (белые и черные) области, которые не дают цвету полноценно себя проявить. Была бы моя воля, я переодел бы девушек в другую одежду, но, увы, в данной ситуации это было невозможно.

3. Поэтому, отсняв множество вариаций этого динамического сюжета, я сделал следующий шаг, и. отказался, собственно, от самого сюжета. Отошел в сторону и снял только цвет, создавая тем самым абстрактную колористическую композицию и новый (не существующий при первом взгляде на сцену) цветной сюжет. Именно эта фотография осталась в моем портфолио спустя 4 года после этой съемки. Все остальные снимки с этого места в него не вошли.

Я не считаю этот снимок гениальным и не призываю вас давать оценку приведенным фотографиям – они вполне могут нравиться или не нравиться. Я лишь демонстрирую (в определенной степени гротескно) сам принцип цветового мышления. Цветная фотография начинается не с обработки в Фотошопе, а с поиска цветного сюжета, с фотографического видения. Которое, в свою очередь, формируется на основе визуального опыта и понимания колористических традиций в фотографии и живописи. И закрепляется внутренними творческими приоритетами автора.

Подписывайтесь на мой канал в Телеграме. Я в других соцсетях — Инстаграм, Фейсбук, Вконтакте.

Работа с формами в рисунке. Опыт Марко Буччи

Знаете ли вы, что тщательная прорисовка натуры вредит настроению картины? Избежать этого поможет объединение форм. Вот как это сделать.


Статья — пересказ этого видео.

У себя на YouTube-канале художник-иллюстратор Марко Буччи рассказал, как сделать рисунок выразительнее с помощью объединения форм.

Что такое объединение форм?

Известный американский художник-реалист Ричард Шмидт сказал однажды, что художники на самом деле видят не больше, а меньше, чем другие люди. Руководствуясь этим принципом, Марко советует упрощать то, что вы видите в реальности, при переносе на бумагу. Одним из способов упрощения и является объединение форм.

Как это происходит? Давайте возьмём четыре предмета и попробуем их нарисовать.

Мы изобразили четыре формы, но вышло не очень удачно. Теперь представим, что эти предметы освещены и отбрасывают тени. Тогда на рисунке у нас получится целых девять форм.

Уже получше. Но несмотря на то, что мы так точно всё передали, рисунок выглядит безжизненно и не создаёт настроение. Свет на нём не воспринимается как свет.

Читать еще:  Фигуративный художник. Massimo Bandi

Чтобы решить эту проблему, попробуем объединить несколько форм в один большой силуэт, уменьшив количество подробностей на рисунке. Вместо девяти форм у нас снова четыре, но уже совсем другие.

За счёт этого мы снизим информационную нагрузку на мозг зрителя — теперь он будет смотреть на меньшее количество объектов. А в работе появится НАСТРОЕНИЕ — в чём и заключалась цель упрощения.

Зачем это нужно?

Объединение форм помогает усилить общую выразительность картины. Яркий пример — гравюры шведского графика Андерса Цорна, который любил опускать делали и сливать несколько фигур в одну.

Благодаря этому и свет, и персонажи, и настроение, и композиция в его работах получались отличные, несмотря на грубую работу карандашом.

Еще один хороший пример — работа американского иллюстратора Дина Корнуэлла. Для большей наглядности посмотрим на нее в чёрно-белой гамме.

В нижней части полотно настолько затемнено, что все предметы сливаются в одну форму величиной почти в половину листа. Для этого художник отказывается от многих деталей: брюк, пряжки ремня, пуговиц и т. д.

Вся эта информация изъята для того, чтобы дать понять зрителю — эта часть листа не важна, на ней не следует сосредотачивать внимание. Смотреть надо выше, на лицо персонажа — именно там сконцентрировано настроение картины.

Но и в верхней части полотна, гораздо более светлой и информативной, Корнуэлл находит возможность применить всё тот же приём. Он объединяет в одну фигуру нижние две трети лица персонажа, шею и рубашку. Это позволяет ему добиться впечатления таинственности, окружающей героя.

Объединением форм пользовался и видный американский иллюстратор Уолтер Эверетт. На первый взгляд, работа Эверетта изобилует деталями, а значит, и формами.

Но стоит применить к ней фильтр, как становится понятно: фигуры здесь сливаются, образуя светлые и темные области. Эти области определенным образом направляют взгляд зрителя.

Основой картины является сплошная темная зона. Ее окружают светлые пятна — вроде того, в которое сливаются головные уборы, воротники и лица женщин в верхней части полотна.

«Так что Ричард Шмидт был прав: благодаря объединению форм художник действительно видит меньше, чем есть на самом деле. Но он не упомянул, что рисовать меньше в действительности сложнее, поскольку для этого приходится серьезно идти против нашей природы, и изображать что-то не буквально, а сводить к сути». Марко Буччи

Инструкция по объединению форм

На примере уже своего собственного рисунка Марко шаг за шагом показывает, как выполнять объединение форм. Так его работа выглядит в готовом виде:

Художник намеренно выбирает сложную композицию с обилием деталей: здесь есть несколько лодок, сваи, здания, фигуры людей, отражения в воде, воздушная перспектива и т. д. Всё это дает нам очень много форм. При этом на полотне отчётливо выделяются две большие области — светлая:

Причём художник разделил картину на светлые и тёмные зоны ещё в самом начале работы, на этапе планирования композиции, и уже потом вписывал в них детали — или жертвовал деталями, когда они не вписывались. По словам Марко, это помогло ему избежать перегруженности полотна подробностями и сократить сроки работы — он смог закончить рисунок всего за полтора часа.

Из-за деления на зоны композиция поначалу выглядела довольно абстрактно.

Марко вообще считает, что всякое искусство начинается с абстракции.

«Сюжет — это вещь второстепенная. И я твердо уверен в том, что даже самый реалистичный рендер — это сначала абстракция, потому что художнику приходится иметь дело с формами, оторванными от реальности, но именно это и делает искусство таким увлекательным»
Марко Буччи

Он подчёркивает, что не нужно прорисовывать каждое окно в каждом доме — их нужно подразумевать. Чтобы проще было переключиться с буквального восприятия на абстрактное, художник использует текстуры.

Лодки на картине сливаются со своими отражениями в воде и частично — с домами. У себя в голове зритель сам должен провести условную границу, где заканчивается один предмет и начинается другой.

«Человеческий мозг удивительный. В реальной жизни мы всё время заполняем деталями какие-то области. Это связано с человеческой психологией. Когда вы идете по улице, вы не видите всего. Вы воспринимаете информацию только прямо перед вами. А мозг заполняет остальное. Это происходит постоянно. Эквивалентом этого в изобразительном искусстве, я полагаю, является слияние форм» Фрагменты из объяснений Марко Буччи

По его мнению, художник, показывая меньше, тем самым сообщает зрителю больше. Картина, где прорисованы все детали, будет скучной и невыразительной. А та, где часть деталей опущена, лучше передаст впечатления от места, которое на ней изображено.

Заполняя светлую и тёмную области деталями, Марко время от времени накладывает фильтр «Постеризация» (Posterize) — чтобы убедиться, что детали не выбиваются из общего фона. Это могут делать не только те художники, которые работают в цифровом формате — если вы рисуете на бумаге, работу можно в любой момент отсканировать и применить фильтр, чтобы проверить себя.

Итак, на картине люди, сваи, лодки, дома и отражения преимущественно сливаются воедино. Но среди всего этого нужно где-то разместить подсказку для мозга зрителя — какую-нибудь отчётливую форму, за которую зацепится взгляд. Благодаря ей человек сможет догадаться, что же всё-таки изображено на картине.

В данном случае подсказкой стал чёткий силуэт третьей снизу лодки, который контрастирует с поверхностью воды. В этой части полотна слияние форм отсутствует.

Зритель сразу опознаёт в тёмном предмете лодку, что задаёт контекст всему дальнейшему восприятию картины — как бы запускает дешифровку объединенных форм.

Кто автор урока?

Напомним, Марко Буччи — это известный художник-иллюстратор и преподаватель живописи из Канады. За 15 лет профессиональной деятельности Марко успел поработать с издательством Walt Disney Publishing Worldwide, производителями игрушек LEGO, Hasbro, Mattel Toys и Fisher-Price, разработчиком игр LucasArts, а также мультипликационными студиями Nelvana, GURU Studio, C.O.R.E. Digital Pictures и Yowza! Animation.

В качестве преподавателя Марко сотрудничал с онлайн-школой CGMA, Академией искусств Сан-Франциско, Колледжем Сентенниал в Торонто и другими учебными заведениями.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector