Стрит арт искусство. Jana & JS (street art)

Стрит арт искусство. Jana & JS (street art)

Стрит арт искусство. Jana & JS (street art)

Стрит – арт: искусство городского преображения

Отношение к такому явлению городской культуры как стрит-арт может быть самым разнообразным — от обвинения художников в вандализме до восторженных отзывов и благодарностей за украшение серых стен мегаполисов. Примеры мирового масштаба наглядно демонстрируют высокий уровень работ современных уличных художников. Разукрашенные дома, действительно, становятся достоянием и могут наделить эстетической составляющей даже самый неуютный и отдаленный район города.

Высокая концентрация граффити отмечается в столице Бельгии. Брюссель привлекает внимание туристов огромными настенными изображениями – иллюстрациями к комиксам про народного любимца, энергичного журналиста Тинтина. В помощь туристам созданы специальные карты, по которым можно найти точки размещения произведений. Другие работы уличных художников, не связанные с приключениями Тинтина, также выполнены безупречно – интересные сюжеты, яркие цвета, интересные формы. Такие изображения радуют глаз и позволяют посмотреть на стрит-арт под новым углом.

За последние годы расцвел благодаря граффити еще один бельгийский город – Антверпен. Этому поспособствовал художник, известный под псевдонимом Dzia (Джиа). Его работы легко узнать по объединяющей их стилизации под мозаику. Все герои его изображений собраны из четко прорисованных геометрических фигур разных цветов. Найти его рыбок, птиц, насекомых можно в разных районах города – в заброшенных ангарах и в серых подворотнях.

Аналогичная манера исполнения характерна для парижского уличного художника – его мозаичные женские портреты стали своеобразным объединяющим элементом городского пространства. Некоторое время назад он расширил рамки своего творчества и создал яркое 3D-изображение – получился эффект взрывающейся картинки.

Уроженец Пуэрто-Рико Alexis Diaz (Алексис Диас) работает по всему миру. Его сюрреалистические работы можно найти на зданиях в США и Европе. Часто героями его настенных картин становятся животные. Но они представлены, как правило, в измененном обличии – художник, играя со своим воображением, создает скорее мифических, чем реальных персонажей. Его работы отличаются особой проработанностью и детальностью, а также скрытыми метафоричными смыслами. Диас отходит от ярких красок и погружается в графические формы.

Немецкий уличный художник Klaus Klinger (Клаус Клингер) использует стены домов в качестве пространства для создания новых миров. Его произведения – интересные сюжетные полотна – занимают большую площадь и превращают дом в отдельное произведение искусства. В Дюссельдорфе под его руководством осуществлен крупный проект, в основе которого лежит идея «лихорадки цветов». Он и его соратники из других стран превратили город в изобразительный музей под открытым небом. При этом каждая работа соответствует специфике улицы и создавалась при учете мнения жителей домой.

Австро-французская команда Jana & JS не стремится к масштабности. Их работы, созданные при помощи трафаретов, можно найти в самых необычных и не привлекающих внимания местах – на месте отрубленного сучка на дереве, на развалившемся чердаке, над кучей земли в опустевшем доме. Есть у них и большие настенные проекты. Как правило, героями их граффити становятся девушки, которые, судя по позам и общей атмосфере рисунка, напуганы или скрытны.

Тонкие, глубокие и детальные композиции создает аргентинская художница Hyuro (Хиюро). Поэтичные рисунки появляются на стенах и конструкциях Испании. Ее почерк быстро стал узнаваемым: черные очертания фантастических персонажей. Это могут быть ангелы, которые выпадают из головы человека и, приземляясь, теряют крылья. Это мальчик, окруженный маленькими рыбками, с аквариумом вместо головы. Это девушки, сидящие в клетках, вокруг которых летают птицы.

Райтер Алексей Медный – участник многочисленных конкурсов и выставок. Некоторое время назад он украсил фасад заброшенного общежития по улице Трубной в Москве. На площади в 180 квадратных метров он обустроил цирковую зону – на ярком фоне расположились тигр, медведь, обезьяны и птицы.

Не будем забывать, что и в Уфе появляются островки стрит-арта. Команда молодых уличных художников оставляют красочные следы во многих районах города – Сипайлово (портрет Юрия Гагарина на доме по одноименной улице), Зеленая роща (танцующая девушка напротив ТЦ «Иремель») в центре (воины в районе гостиницы «Башкортостан»).

Стрит-арт – это не только изображения на стенах: понятие включает в себя различные объемные инсталляции, текстовые послания и т.д.

Художников, работающих в этом направлении, становиться все больше и больше. Города по всему миру приобретают новые черты и смыслы. Можно предположить, что стрит-арт-мастера наделяют душами серые и привычные пространства, дарят им дыхание, настроение и характер. Художники играют с архитектурой и ландшафтом, размышляют на остросоциальные темы, фантазируют.

Книга «Лекарство от нервов» — Роберт Лихи

Новое расписание мультимедийной галерии

В Уфе открыли мультимедийную аллею талантливых людей

© Центр современного искусства «Облака», 2018

Искусство, выросшее на улице: как пандемия отразилась на стрит-арте

Первые имена российского современного искусства у Дмитрия Пумпянского в Екатеринбурге

Арт-консультант Марат Гельман активно поработал во время карантина, создав три коллекции российского современного искусства. Одним из собраний, к которому приложил руку Гельман, стало собрание Дмитрия Пумпянского. Основанная более 10 лет назад коллекция из 1500 работ строго держала курс на региональное уральское искусство. Новые кураторы развернули угол обзора на 180 градусов — теперь это собрание художников Урала, Сибири в контексте всего современного искусства России и стран СНГ. Управляющая коллекцией Анна Пумпянская, арт-директор Sinara SA и глава представительства галереи «Синара Арт» в Женеве, в карантин времени не теряла.

По рекомендации Марата Гельмана Пумпянские купили в Америке несколько работ Кабакова и Меламида. В коллекции появились знаковые произведения Виноградова — Дубосарского, AES+F, «Синих носов», Олега Кулика, Эрика Булатова — всего 150 работ, из них часть из собрания самого Марата Гельмана. Как рассказала Forbes Анна Пумпянская: «В Женеве мы на перекрестке художественной жизни. Имеем возможность возвращать в Россию знаковые работы. Несмотря на пандемию, искусство летает через океан без всяких проблем». Женеву Пумпянские расценивают как плацдарм для продвижения молодых российских художников в Европе и Америке. Премьера пополненной и радикально обновленной коллекции Пумпянских намечена на февраль 2021 года. В Екатеринбурге, в «Синара-центре» (пространстве, созданном Дмитрием Пумпянским в 2019 году за 2 млрд рублей на руинах комплекса городской больницы начала XIX века) откроется экспозиция «Все это — вы!».

Паблик-арт у Сергея Галицкого в Краснодаре, у Александра Лебедева в Алуште и на выставке на Клязьме

В парке, примыкающем к стадиону «Краснодар» Сергея Галицкого, недавно появились два новых объекта авторства группы Recycle — «Геолокация» и барельеф «Искусственная среда». (Цены на крупные объекты Recycle начинаются от €60 000.) По сообщениям кубанских СМИ, решение о покупке работ в парк принял лично Сергей Галицкий. На вопрос Forbes о своем увлечении современным искусством Галицкий не ответил.

Александр Лебедев, собравший более 50 объектов уличного искусства для парка в своем отеле Château Gütsch в Люцерне, этой весной перевез значительную часть собрания в Алушту. Работы установлены на территории спа отеля «Море», принадлежащего Лебедеву, и на городской набережной, привлекая внимание туристов и к отелю, и к городу. Инвестиции в создание арт-парка Лебедев оценивает в 140 млн рублей. «В 2020 году мы заметили смещение фокуса интересов коллекционеров на уличные объекты. В разгар изоляции у нас купили две двухметровые стрит-скульптуры стоимостью около 1 млн рублей из проекта Сергея Шеховцова «Погром», — рассказывает Полина Толокова из галереи Jart. В сентябре галерея провела выставку «ЧА ЩА» на берегу Пироговского водохранилища, где было показано 42 уличных, точнее лесных, объекта. Самый большой интерес у коллекционеров вызвала инсталляция художника Димы Филиппова «Даль» (300 000 рублей).

Читать еще:  Уличный художник Дэвид Уокер (David Walker)

Частные сады с outdoor-объектами

Соседка Александра Лебедева по Рублевке и его однофамилица, предпринимательница Марина Лебедева увлеклась outdoor-объектами в начале 2000-х годов. Ее коллекция развивается одновременно с формированием садов. Самый первый сад Лебедевой в подмосковной Жуковке занимает 2 га: 45 работ вписаны в садовый ландшафт и по-честному «работают» круглый год. Предмет особой гордости коллекционера — работы, участвовавшие в крупных мировых выставках, которые Лебедева разглядела первой. Например, инсталляция «Грачи прилетели» Николая Полисского была выставлена на архитектурной биеннале в Венеции в 2008 году, объекты Александра Шишкина-Хокусая — в российском павильоне на биеннале в Венеции в 2019-м. Работу Ирины Кориной, участника Венецианской биеннале, Лебедева купила на фестивале «Архстояние», а «Счастье не за горами» (€10 000) в ее саду стало первой официальной копией объекта художника Бориса Матросова, в 2009-м установленного в Перми.

«У нас долгое время не было культуры сада, — говорит Лебедева. — А сейчас, когда у всех дальние дачи, ближние дачи, Крым, Сочи, все хотят обустраивать свои сады». Сейчас Марина Лебедева вместе с ландшафтным дизайнером Александром Гривко развивает коллекции современного искусства в открытых для публики садах во Франции, Этрете и Пьерфоне, а также планирует открыть новый сад с коллекцией в Подмосковье.

После отмены карантина несколько заказов на большие объекты художника Игоря Шелковского (от €50 000) получила его галерист Алина Пинская. (Осенью 2019 года Алина и Дмитрий Пинские подарили три объекта Игоря Шелковского Третьяковской галерее.) Среди коллекционеров работ Игоря Шелковского — Ирина и Анатолий Седых, весной установившие скульптуру в своем саду.

Стрит-арт (street art) – это разновидность современного урбанистического искусства. Сложно определить, когда настенные рисунки появились впервые, такое изобразительное искусство является одним из древнейших. Но, несмотря на это, не утихают споры относительно этой деятельности, ведь многие люди считают, что стрит-арт – это акт вандализма. Но, так ли это? Окунемся в мир стрит-арта глубже и попробуем разобраться – что это такое на самом деле.

Что такое уличное искусство и каким оно бывает?

Стрит-арт в переводе с английского языка означает “уличное искусство”. Под этим направлением подразумеваются:

  • Настенные рисунки;
  • Изображения в общественных местах и на различных объектах;
  • Уличные инсталляции;
  • Стикеры;
  • Постеры и др.

К этому направлению можно отнести всё, что является урбанистическим стилем изобразительного искусства. Бытует широкое заблуждение, что граффити является единственным проявлением street-art. Однако, это не так. Граффити является лишь одним из видов уличного искусства, но далеко не единственным.

История стрит-арта с момента появления и до наших дней

Правильно было бы отметить, что уличное искусство существует с момента появления Человека разумного. Сначала творчество проявлялось в виде наскальных рисунков. Позже, уже в цивилизованном обществе (в Древнем Риме, Греции, Египте и т.д.), люди начали выражать свои мысли посредством нанесения надписей на стены. Это были рекламные послания, признания в любви, выражение политических мыслей и др.

Стрит-арт, такой, каким мы привыкли видеть его сегодня, предположительно появился во время Второй Мировой Войны. Первым случаем принято считать появление вирусной надписи “Kilroy was here”. Ее наносил некий Kilroy, который (предположительно) работал на заводе по производству бомб в Детройте (США). Сначала надпись появилась на всех ящиках с бомбами, изготовленными на этом заводе. Затем фраза была дополнена рисунком и далее распространялась американскими солдатами.

Расцвет уличного искусства в 1960-х годах пришелся на Филадельфию. Это место по-прежнему принято считать историческим центром граффити-культуры. В 1970-х годах локализация переходит в Нью-Йорк. Всё началось с манхэттенского квартала под названием Washington Heights. В этот момент и был придуман “теггинг”. Тогда же появилась традиция ставить номер улицы рядом с никнеймом. Первым, кто это сделал, стал Julio 204. Среди граффитистов того времени вспыхнуло соперничество за признание лучшим. Это сподвигло райтеров разработать новую манеру исполнения – так появились коды и стили граффити.

Примечателен и тот факт, что до 2012 года нигде в мире не было создано музея стрит-арта; не существовало и отделов, которые могли представить этот стиль публике. Впервые Музей Стрит-арта был открыт в Санкт-Петербурге. Главной целью этого музея является предоставление информации об уличном искусстве и граффити. Также музей осуществляет помощь в организации современных проектов, занимается поддержкой молодых художников. Представители музея стараются внедрить новый подход к развитию творчества, используя для этого индустриальные объекты, находящиеся далеко от центра города.

Ежедневные подборки лучших работ из мира уличного искусства в наших социальных сетях:

Виды и техники стрит-арта

Разделение на стили можно наблюдать, в основном, среди граффити. Выделяются следующие техники:

  • Writing – процесс нанесения граффити без привязки к стилю. Включает в себя абсолютно все разновидности;
  • Bombing – быстрое нанесение рисунка при экстремальных условиях;
  • Tagging – подпись художника, его никнейм.

Помимо техники нанесения, различают и виды граффити, которые отличаются по стилю:

  • Bubble-letter – графика с использованием больших букв и объемных форм, похожих на пузыри;
  • Throw-up – Нью-Йоркский стиль, подразумевающий использование двух цветов и простых форм;
  • Character – изображение персонажей в стиле автора-граффитиста;
  • Wild style – один из самых распространённых видов, подразумевающих нанесение сложных рисунков. Требует высокого уровня мастерства;
  • 3D-style – изображение в стиле 3D, а также оптические иллюзии.

Существует огромное множество техник нанесения рисунков и исполнения инсталляций. Регулярно появляются новые направления, художники стараются найти свой собственный стиль и выделиться из толпы других райтеров.

Известные представители направления

В уличном искусстве, как и в любом другом направлении, имеются известные представители:

  • Banksy – этого художника называют “золотым стандартом” современного искусства. Его личность так и не была раскрыта. Многие его работы занесены в реестр охраняемых объектов. Родом из города Бристоль, работает и выставляется по всему миру;
  • Vhils – Александр Фарту, родом из Португалии. В своей технике он использует электрическую дрель. Сотрудничал с легендарной группой U2;
  • Above (TavarZawacki) – начал свою деятельность в США, но затем перебрался в Берлин. Объектом его работ выступают темы о несправедливости современной системы, а также бедность определенных слоев населения;
  • Roa – в своих работах изображает животных, зачастую изнеможденных, с органами, открытыми взгляду. Ему свойственно имитировать эффект рентгена в своих работах;
  • C215 – французский уличный художник, который путешествует по миру и украшает улицы. Его любимая тема – это его собственная дочь Нина, которую можно наблюдать на изображениях, то в виде маленькой девочки, то преобразовавшейся в молодую женщину;
  • Жан Мишель Баския – ныне покойный художник, который оставил яркий след в истории. Начинал как граффитист, в расцвет своей карьеры реализовал много трафаретных проектов в сотрудничестве с Энди Уорхолом.

Современное уличное искусство имеет множество проявлений. Порой райтерами затрагиваются сложные темы. Но, творчество райтеров не становится от этого менее прекрасным. Теперь мы можем видеть, как многие работы превращаются в национальное достояние, а художники со всего мира реализуют свой творческий потенциал.

Ежедневные подборки лучших работ из мира уличного искусства в наших социальных сетях:

Мы разрушим музеи

Стрит-арт стал истинным искусством XXI века

Сначала это называлось хулиганством: первые граффити на стенах и вагонах метро, жалобы в полицию и обвинения в вандализме. Уличных художников преследовали, штрафовали, их дома обыскивали, но стрит-арт постепенно эволюционировал в этой борьбе, к концу XX века стал модным, а в начале XXI — обрел признаки большого искусства. Сегодня, когда работы Бэнкси продаются на аукционах за десятки тысяч долларов, стрит-арт оказался единственным достойным ответом консервированным акулам и бриллиантовым черепам.

Читать еще:  Турецкий художник. Rezzan Yildiz

В середине апреля в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе открылась первая в США крупная выставка стрит-арта — «Искусство улиц» (Art in the Streets). Эта выставка стала одним из главных культурных событий года не только в Лос-Анджелесе, но и вообще в США: в первые десять дней работы ее посетили 20 тысяч человек, а открытие выставки сопровождалось десятками публикаций в СМИ. Выставку с восторгом встретила не только публика, но и музейщики — директор одного из лос-анджелесских музеев классического искусства заявила: «Я заранее ненавидела эту выставку, но она оказалась просто потрясающей».

Ликование музейщиков связано прежде всего с тем, что стрит-арт был извлечен из естественной среды и помещен в понятный им контекст. Как только работа, даже самая провокационная, попадает в музей, она автоматически делается неприкасаемой, легитимизируется, как ругательство, еще вчера запретное, а сегодня включенное в толковый словарь. Контекст этот, хотя и помогает взглянуть на искусство объективно, дает ложное ощущение справедливости восприятия, к чему — как к успеху и признанию — стрит-арт никогда не стремился.

В начале 1970-х годов граффити начинает широко распространяться в Нью-Йорке. Это время пионеров стрит-арта — таких персонажей, как Julio 204 и Taki 183. Они, как и первые их последователи, просто оставляли на стенах и заборах свои подписи — сначала в своем районе, а затем и в других частях города. Со временем между нью-йоркскими граффитистами началось соперничество, побудившее их придумывать все более оригинальные способы оставить память о себе в общественных местах. Так возник стиль граффити, и так появились первые уличные художники.

Работы французского художника Space Invader. Фото с сайта thestupidmammals.com

Примерно в это же время Blek le Rat, познакомившийся с граффити во время поездки в Нью-Йорк в 1971 году, начинает рисовать в Париже. Он идет дальше простых подписей и придумывает использовать для своих работ трафарет, с тех пор ставший одним из основных инструментов уличных художников. Самый известный современный представитель стрит-арта Бэнкси в интервью не раз признавал, что из всех художников сильнее всего на него повлиял именно Blek le Rat. Этот художник работает до сих пор — в 2006 году в Лондоне состоялась его первая персональная выставка.

В середине 1970-х в нью-йоркском стрит-арте появляются первые художники в полном смысле этого слова — Ли Киньонес и Жан-Мишель Баскиа. Киньонес, разрисовывавший старые машины и целые вагоны нью-йоркского метро, стал одним из главных участников первой выставки стрит-арта в Америке, состоявшейся в Вашингтоне в 1981 году. Что касается Баскиа, то в 1980-х годах он стал одним из первых представителей стрит-арта, превратившихся в серьезных художников, признанных арт-сообществом. Сейчас стоимость его работ на аукционах достигает 14 миллионов долларов.

Однако случай Баскиа был, скорее, исключением — в то время как хулиганский характер его ранних работ со временем изменялся и он все больше склонялся к неоэкспрессионизму, искусство стрит-арта продолжало развиваться в другом направлении и получало все более широкое распространение. Постепенно уличные художники уходили от граффити (которое сейчас уже почти перестало ассоциироваться со стрит-артом) и, уже в 1990-х, вслед за трафаретами стали использовать постеры и стикеры, видеоарт и даже устраивать инсталляции. Это время стало для стрит-арта временем нового поколения художников — Бэнкси, Шепарда Фейри, Ces53, Space Invader, 108, Ash и многих других.

Одной из наиболее характерных черт стрит-арта всегда была анонимность. Сама идея уличного искусства — показать свою работу как можно большему числу людей, использовать общественные места для выражения своих идей или для того, чтобы заставить человека задуматься, не предполагала акцента на авторстве. Поэтому имен многих, даже самых известных уличных художников, до сих пор не знает никто, и прежде всего это относится к Бэнкси.

Несмотря на то что Бэнкси стал настоящей суперзвездой стрит-арта, его работы продаются на торгах крупнейших аукционных домов, а снятый им документальный фильм «Выход через сувенирную лавку» был номинирован на премию «Оскар», все, что известно о нем на сегодняшний день, — он англичанин и родился в Бристоле. Работы Бэнкси можно найти как в его родном Бристоле, так и в некоторых других городах — прежде всего в Лондоне и Лос-Анджелесе, а также на Израильском разделительном барьере.

Трафарет Шепарда Фейри. Иллюстрация с сайта obeygiant.com

Работы Бэнкси обладают всеми признаками искусства как творческого воспроизведения действительности — они талантливы, злободневны и остроумны. Он не только популярен, но и коммерчески успешен — за последние годы на аукционах было продано работ Бэнкси на общую сумму более полумиллиона фунтов стерлингов (не считая «подправленной» им работы Дэмиена Херста «Keep It Spotless», проданной за 1,9 миллиона долларов).

Мало кто из представителей стрит-арта может похвастаться такой репутацией. Одним из немногих сравнимых по масштабу с Бэнкси художников является американец Шепард Фейри. Он приобрел широкую известность благодаря работе «Obey», изображающей рестлера Андре Гиганта, и, не в последнюю очередь, как создатель знаменитого постера «Hope» для предвыборной кампании Барака Обамы.

Как бы то ни было, и Фейри, и Бэнкси — исключения из общего правила: большинство самых известных уличных художников нельзя назвать знаменитостями. Это, например, и Space Invader, который клеит мозаичных космических захватчиков по всему миру, и итальянец Blu, и американец Above, и многие другие. Они не стремятся к признанию, но привлекают внимание публики, а затем и арт-галерей; что немаловажно, именно в такой последовательности.

Основные центры стрит-арта — это, конечно, Нью-Йорк, Париж (Space Invader и Zevs) и, благодаря Бэнкси, Бристоль; в этих городах работает больше половины известных уличных художников. Как ни странно, кроме Нью-Йорка, стрит-арт в США распространен только в Лос-Анджелесе, где живут Mear One и Шепард Фейри. Зато в Европе стрит-арт активно развивается, прежде всего в Берлине, Лондоне и в ряде итальянских городов (например, в Болонье, на родине Blu).

Помимо Европы и США, в мире существует только три крупных города, представляющих интерес для любителей стрит-арта, — это Мельбурн, Сан-Паулу и Буэнос-Айрес. Причем в аргентинской столице, что в историческом контексте большая редкость, власти не только не противостоят уличному искусству, но даже поддерживают его. В России стрит-арт находится в зачаточном состоянии, хотя ряд более-менее известных художников есть и у нас — это в первую очередь команда «Зачем» и Zuk Club.

Вне зависимости от того, какие цели преследуют уличные художники — политическая агитация, донесение до людей собственных идей, высказывание на актуальную тему или просто самовыражение, стрит-арт представляется искусством, которое лучше всего отвечает тенденциям времени. Наподобие того как камерные оркестры дают уличные концерты, уменьшая расстояние между слушателем и музыкой, искусство из галерей и музеев перемещается в город, становясь бесплатным, общим и одновременно ничьим.

В сравнении с тем, что сейчас принято называть современным искусством — взращенными влиятельными галеристами вроде Чарльза Саатчи и Ларри Гагосяна художниками наподобие Дэмиена Херста и Джеффа Кунса, стрит-арт лишен избыточности искусственных смыслов. Это искусство, критерии качества которого определяются исключительно вкусом зрителя, и ничьим больше, поэтому его нельзя заподозрить во лжи. Говоря о взаимоотношениях стрит-арта с традиционным арт-сообществом, директор Музея современного искусства в Лос-Анджелесе и организатор выставки «Искусство улиц» Джефри Дейтч заявил, что уличные художники сделали шаг вперед.

Читать еще:  Смелое, радикальное и авангардное. Jae Dougall

«В будущем, как показывает пример Шепарда Фейри, искусству не нужны будут критики, журналы, музеи и галереи в их нынешнем виде, потому что художники нашли способ доносить свое искусство до людей напрямую. Бэнкси лучше, чем кто-либо, изучил методы Мальколма Макларена, историю ситуационизма. Он понимает, как создать шумиху в СМИ и как снять фильм, который номинируют на ‘Оскар’. Ему не нужно рассылать свои портфолио по галереям, ходить на открытия выставок и обхаживать критиков. Он нашел способ выйти за пределы этой системы».

Стрит арт искусство. Jana & JS (street art)

«Если в здании разбито одно стекло и никто его не заменяет, то через некоторое время в этом здании не останется ни одного целого окна» — гласит популярная теория, разработанная в начале 80-х годов XX века американскими социологами Джеймсом Уилсоном и Джорджем Келлингом. Согласно этой теории попустительство в отношении мелкого хулиганства приводит к общему ухудшению криминогенной обстановки. К мелким хулиганам, отравляющим общество, социологи относили безбилетников, тех, кто мусорит на улице, и вандалов, бьющих окна и рисующих граффити на городских стенах.

Эта теория на долгие годы стала основой отношения общества к уличным художникам, которые раз и навсегда были записаны в число вандалов, способствующих геттоизации городских районов. Лишь к началу нового века взгляд на граффити стал постепенно меняться — пока не превратился в диаметрально противоположный. Ярчайший пример этих перемен — судьба одного из самых знаменитых нью-йоркских граффити — Crack Is Wack. В 1986 году его автор, художник Кит Харинг, был арестован, а сама работа закрашена властями. Но практически сразу после этого департамент парков Нью-Йорка, обративший внимание на невероятную популярность этого граффити и его острый социальный месседж, обратился к Харингу с просьбой воссоздать работу на прежнем месте — уже легально. Вслед за Нью-Йорком власти многих других городов убедились, что при разумном подходе к делу уличное искусство может стать важным инструментом регенерации общественных пространств.

Росписи Харинга можно встретить не только на его родине, в США, но и в Европе (на фото — работа, сделанная им в Пизе). Фото: Shutterstock

Так, в 2005 году в Рио-де-Жанейро (Бразилия) начал работать проект Favela Painting Foundation, организованный двумя голландскими художниками Хаасом и Ханом. Они стали буквально раскрашивать фавелы, превращая в живописное полотно не одну стену, а целые кварталы. Разумеется, для этой работы требовалась серьезная бригада, и они нанимали на работу местных жителей, включая тех, кто недавно освободился из тюрьмы, — это стало одним из основных принципов работы Favela Painting Foundation.

В фавеле Санта-Мария художники из Favela Painting Foundation при помощи 25 местных жителей расписали 34 дома. После этого канал CNN включил фавелу в список десяти самых красочных мест мира. Фото: Shutterstock

Со временем проект перешагнул за пределы Рио: кварталы в неблагополучных районах, расписанные Хаасом и Ханом, можно встретить в Филадельфии (США), на Гаити и Кюрасао. «На первый взгляд наша работа кажется баловством,&nbsp— говорят Хаас и Хан, — но на самом деле она действительно меняет жизнь многих людей. Мы не просто раскрашиваем стены: попутно мы занимаемся мелким ремонтом — поправляем осыпавшуюся штукатурку, ремонтируем лестницы и так далее. Мы создаем рабочие места для местных жителей и помогаем им освоить работу маляров и штукатурщиков, мы привлекаем внимание журналистов. При этом мы понимаем, что не можем оказать радикального влияния на изменение обстановки — к примеру, в одних только фавелах Рио живет больше 60 тыс. человек, и многие из них вовлечены в непрекращающийся конфликт между уличными группировками и полицией. Но мы делаем то, что можем, и пытаемся создавать позитивные инфоповоды, иначе эти районы будут привлекать только негативное внимание».

Несколькими годами позже, в 2010 году, в Будапеште (Венгрия) группа художников, работающих под названием Neopaint Works, задумала проект TűzfalRehab («Реабилитация брандмауэров») и получила поддержку мэрии Эржбетвароша — одного из центральных районов Будапешта. В рамках этого проекта на обшарпанных, не ремонтировавшихся примерно со времен революции 1956 года брандмауэрах, придающих Эржбетварошу крайне неряшливый вид, появляются росписи, как правило, так или иначе связанные с историей, культурой и традициями Венгрии: копия витража знаменитого художника эпохи ар-нуво Микши Рота, фотореалистичная сценка из жизни одного из городских кварталов, кубик Рубика, газетные вырезки, посвященные легендарному футбольному матчу, в котором сборная Венгрии с разгромным счетом обыграла английскую сборную, и так далее. Эти росписи не просто оживили город, но вошли в число его достопримечательностей, став обязательным пунктом туристических экскурсий.

«Баварский мальчик» — одна из знаменитых работ выдающегося венгерского художника Микши Рота, витражи которого стали символом будапештского ар-нуво. Группа Neopaint часто использует в росписях венгерское культурное наследие. Фото: Neopaint.hu

Моделями для этой росписи Neopaint на будапештской площади Клаузал служили реальные обитатели квартала. Так, продавщицу овощного магазина писали с тети Жужи, которая действительно работает в магазине через дорогу. Фото: Neopaint.hu

Похожий проект некоторое время спустя возник в Турине (Италия), где с помощью росписи брандмауэров попытались вдохнуть новую жизнь в старый заброшенный индустриальный квартал Барьера-ди-Милано, и в Риме, где уличные художники расписали 20 фасадов депрессивного квартала Тор Маранция.

«Шанхайская Богоматерь» — одна из росписей в римском квартале Тор Маранция, который из-за своей бедности много лет носил прозвище Шанхай. Фото: Shutterstock

История граффити в России началась примерно на полтора десятка лет позже, чем на Западе. Первые работы уличных художников стали появляться в крупных российских городах на рубеже 1980-х и 1990-х годов. Интересно, что в этой области регионы развивались куда более динамично, чем столица. Так, первый специализированный журнал об уличных художниках начал издаваться в Нижнем Новгороде (там вообще сложилась очень яркая и самобытная школа стрит-арта), а первый успешный опыт интеграции уличного искусства в публичное пространство произошел в Екатеринбурге, где еще в 2003 году начал работу ежегодный паблик-арт-фестиваль «Длинные истории». В 2010-м, когда создатели «Длинных историй» Наиля Аллахвердиева и Арсений Сергеев переехали в Пермь, в Екатеринбурге возник другой фестиваль — «Стенограффия». Его с самого начала поддержали местные власти и крупный бизнес, дав художникам возможность спокойно и легально работать на специально выделенных городских поверхностях, не опасаясь того, что их деятельность будет расценена как хулиганство. На межрегиональный уровень фестиваль смог выйти благодаря тому, что стал частью программы «Родные города» (сейчас он проводится в десятке городов и поселков — от Санкт-Петербурга до Ямала).

«Фестиваль привозит художников, например, в Заполярье, где никто и не думал о том, что можно рисовать на стенах домов, — говорит одна из участниц «Стенограффии» художница Наталья Пастухова. — Потом они уезжают, но остаются их работы, которые много лет будут радовать местных жителей. Когда искусство на улице, а не спрятано в галереи, оно доступно каждому и имеет большую сферу влияния. С его помощью можно украшать пространство, решать социальные проблемы».

Таким образом, благодаря активному развитию в России программ социальных инвестиций, появляется возможность не только постепенно изменить взгляд общества на стрит-арт, но и менять к лучшему жизнь городов, принимающих фестиваль.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector