Сюрреалистические коллажи Erin Case

Сюрреалистические коллажи Erin Case

6 сюрреалистов–коллажистов, о которых вы должны знать

Рубрика: Арт, искусство, Декабрь 21, 2015 — 10:10, Tags Eugenia Loli, Sarah Eisenlohr, коллаж, сюрреализм

Работы сюрреалистов – это не только красиво и стильно. Это произведения искусства. Так в чем же сила сюрреализма, брат? Мощность сюрреализма проявляется в инстинктивной эмоциональной реакции зрителя на изображения, которые воссоединяют в себе самые неожиданные и несочетаемые (только на первый взгляд) символы. Сюрреалистические коллажи — это наши с вами сновидения, неуловимые фантазии, это наше с вами подсознание, которое успел захватить художник.

В «Манифесте сюрреализму» (1924), французский поэт Андре Бретон, основоположник сюрреалистического движения, писал, что «сюрреализм основывается на вере в высшую реальность определённых ассоциативных форм, которыми до него пренебрегали, на вере во всемогущество грёз, в бескорыстную игру мысли».

В действительности, образы, созданные нашим подсознанием, в состоянии сна, кажутся нам более реальными и истинными, чем сцены, окружающие нас в физическом мире. Если реальность — это иллюзия, то привнесение наших бредовых грез в этот мир, кажется не такой уж плохой затеей. По сути, сюрреализм – это самый блестящий вид художественного выражения. Поднимая безумие из глубин нашего подсознания, сюрреализм возвышается над ограниченной физической реальностью, доказывая нам, что это не просто нематериальная ерунда.

Сегодня художники по всему миру собирают по кусочкам наше подсознание в интернете (спасибо Google images за это), создавая сюрреалистические коллажи, изображающие необычные сцены из жизни современного общества. Рене Магритт (1898-1967), бельгийский художник-сюрреалист, объяснял свое увлечение сюрреализмом так: «Ум любит неизвестность, он любит образы, смысл которых неизвестен, так как смысл самого ума – неизвестность».

Коллажи американской художницы (штат Монтана) пропитаны духовностью и верой. Сара пытается привлечь внимание общественности своими коллажами к проблемам: на них изображены идеализированные, нетронутые ландшафты из старинных журналов и «большие» люди, которые пытаются изменить и поработить природу.

Невероятный испанский художник, который разрабатывал рекламные кампании таким брендам, как: Celine, Elie Saab, Mango, Swarovski, Six Lee, Moda Operandi, Louis Vuitton, Yves Rocher. По словам Эрнесто: «Коллажи помогают создать новый порядок – можно рвать и вырезать. Я думаю, что коллаж заставляет меня бросить вызов обыденности».

Калифорнийская художница, родившаяся в Греции, черпает вдохновение для своих коллажей из старых художественных журналов. Часто ее работы напоминают кадры из какого-то сюрреалистического фильма, историю которого мы уже додумываем сами. Для достижения такого эффекта, ей приходится выбирать сначала базовое изображение и уже отталкиваться от него. Но, несмотря на это, Евгения пробует себя в разных стилях — от «поп» до дадаизма, от современных иллюстраций до традиционного сюрреализма. Также у Лоли есть свой интернет-магазин, где вы можете приобрести футболку с ее фирменным принтом. «Я считаю, что искусство теряет свою ценность, когда оно становится коммерческим, потому что художник пытается угодить своим клиентам и угнаться за последними тенденциями. Как я могу объяснить? кто я такой, когда все имеет цену?» — так, Евгения Лоли объясняет почему она размещает свои произведения бесплатно, в полном разрешении на сайте Creative Commons (сайт, где авторы и правообладатели могу распространять свои произведения, не только искусства, свободно).

Фотограф, веб-дизайнер, проживающий в Мадриде, специализируется на экспериментальных портретах. Росио соединяет человеческое тело и природу, листья и цветы разрывают человеческое тело, при этом человек «теряет свое лицо», индивидуальность – это основная концепция его работ. Он также передает эмоциональное состояние человека, путем редактирования изображения, выражая свое понимание мира вокруг них, с помощью эстетических элементов.

Художница из Берлина своими работами демонстрирует нам глубокую связь между человеком и природой. Люди и ландшафты связаны бесшовной непрерывностью. Стоит отметить, что она славится не только как художник, но и как скульптор, а также фотограф. Стрит–арт ей тоже подвластен, так что не одними карандашами и чернилами едины!

Молодой шведский художник, который конвертирует человеческие эмоции, через призму сюрреализма, сопровождая все это описаниями состояния ума. Например, эту работу он подписал так: «Это человек с психологическими проблемами, шизофрения, безумие, депрессия или другое заболевание. Его бесконечные крики съедают его ум. Бывают периоды в моей жизни, когда я чувствую себя также. Я хотел проиллюстрировать мои мысли и боль внутри». Чаще всего пишет он карандашом и углем.

Необычные и странные сюрреалистические коллажи нидерландского художника Тона Йосена (19 фото)

Тон Йосен ( Toon Joosen ) — арт-директор и визуальный дизайнер из Нидерландов, который в свободное от работы время создаёт собственные работы, просто наблюдая за окружающим миром.

Он наиболее известен своими странными сюрреалистическими коллажами, которые регулярно появляются в его Instagram-аккаунте на радость более 9 тысяч его подписчиков.

Его коллажи — это сочетание старого и современного, достигнутое благодаря сочетанию изображений из старых журналов с современными элементами.

Предлагаем вам взглянуть на несколько странных и необычных коллажей Тона Йосена.

все фотографии: toonjoosen/Instagram

Дорогой друг, чтобы комментировать, необходимо войти на сайт под своим логином, либо авторизоваться через свою соцсеть.

Авторизация займет буквально два клика, и затем вы получите много возможностей на сайте, кроме того случится магия с уменьшением количества рекламы. Попробуйте, вам понравится!

The Photonews Post

• The Art of Photography • Contemporary Art • Historical events and not only •

Читать еще:  Современный индийский художник. Bhavesh Zala

18 марта, 2013

СКРОМНОЕ ОБАЯНИЕ ПИКТОРИАЛИЗМА.

Когда мы говорим о пикториалистической фотографии, мы подразумеваем фотографическое изображение, напоминающее живописное полотно.

Отсутствие четких форм и линий, не совсем естественная цветопередача (если фото цветное), быстрые и широкие «мазки», свойственные экспрессионизму, короче, отсутствие всех тех свойств фотографии, которыми она и заслужила свою популярность. Четкость, документальность, оперативность – это все уходит на второй план.

Может это остаточная зависть к людям, которые умеют видеть кистью и красками, а не просветленными линзами оптического инструмента? Ведь в процессе написания живописного полотна видение художника может несколько раз поменяться, в результате изменится и живописное полотно. «Светописное полотно» неизменно.

Остановись мгновение, ты прекрасно! Как часто мы слышим эти слова, и как часто фотограф, глядя на неудавшуюся фотографию, с тоской думает, что второй попытки у него не будет. Живописное полотно – уникально априори. Фотографическое — нет.

Даже когда фотография появлялась в темной комнате, прорываясь из глубин фотоэмульсии, она была уникальна. С одного и того же негатива разные мастера фотопечати получали разные отпечатки. Потому так и ценятся на аукционах авторские работы фотохудожников прошлого.

Цифровая фотография обезличила процесс фотопечати, отдав его на откуп цифровым гаджетам. «Цветовые профили», «микрозатворы лазерной печати», «микродюзы струйных принтеров» заменили колдовские пассы мастера в потоке экспонирующего света. У фотографов отобрали еще один творческий инструмент – ручную фотопечать. Творить теперь можно перед монитором, не запираясь в душную ванную. И не будут больше руки пахнуть кислым и необычным, но столь приятным каждому старому фотографу запахом гипосульфита… Затратная часть фотоизображения снизилась до минимума — пица, пиво и компьютер… А осталось ли в этом наборе место для души? И станут ли эти изображения на мониторе когда-нибудь фотографиями? Пусть напечатанными на плохоньком офисном принтере, но все-таки бумажными фотографиями, а не бездушными мегапикселями…

Великий мастер литовской фотографии Антанас Суткус как-то сказал, что он против автоматики в фотоаппарате, потому, что это снимает с фотографа ответственность. Он перестает думать, как ему получить хорошее фото, а нет ничего хуже, чем бездумное клацание.

Но даже в те времена, когда фотограф таскал за собой огромную деревянную камеру на треноге и килограммов с десять стеклянных негативов, его обвиняли в бездушном копировании действительности.

Самое интересное в том, что всплеск интереса к фотографическому искусству в конце 19 века совпал с развитием такого нового и очень прогрессивного стиля живописи, как импрессионизм. Художники стали использовать абсолютно новые для того времени приемы живописи, которые позволяли отразить на холсте не столько сам объект, сколько личные впечатления об этом объекте во всей его подвижности и изменчивости. Были отброшены академические салонные сюжеты на темы мифологии и библейских сюжетов. Новое демократичное искусство изображало обычную будничную жизнь, природу, маленькие бытовые праздники. Художники покинули мастерские и вышли на пленэр. Время создания картин значительно сократилось . У художественной фотографии появился очень серьёзный конкурент.

Первая знаковая выставка художников нового направления состоялась весной 1878 г. в мастерской известного французского фотографа Надара. Выставлялось 165 полотен 30-ти художников. Говорят, что под влиянием работы Моне «Впечатление. Восходящее солнце» и появился термин импрессионизм. Некоего журналиста Луи Леруа очень возмутила эта картина и в своей статье он раскритиковал экспозицию и пренебрежительно обозвал художников «впечатлителями» (импрессионистами). Но название прижилось…

В эти времена всеобщего творческого подъёма искусство фотографии не могло остаться в стороне. Фотографы не отставали от художников. Идеи запечатлеть на негативе мимолетное настроение, умудриться передать на фотографии ощущения мастера и привели к появлению нового фотостиля. Фотографы начинают активно использовать объективы с неисправленными оптическими аберрациями (монокль) или несимметричные конструкции объективов – перископы. Применяют также специальные фильтры и насадки, используют специальные «пикториальные» виды фотобумаги с рифленой поверхностью.

Вообще считают, что понятие пикториальной фотографии было введено английским фотографом и художником Генри Пич Робинсоном (Henry-Peach-Robinson,1830-1901). В своих книгах — «Художественное творчество в фотографии»(Picture-Making in Photography), «Художественный эффект в фотографии»(Pictorial Effect in Photography), «Искусство фотографии в кратком изложении»(Art Photography in Short Chapters), «Письма о пейзажной фотографии»(Letters Landscape Photography) — он посвящает читателей в искусство пикториализма.

Идеи пикториальной фотографии быстро завоевали симпатии фотографов по всему миру.

Однако, до признания фотографии искусством было ещё далеко. То, чего не удалось осуществить английским и французским мастерам пикториализма, осуществили американские мастера светописи. В 1902г. американский фотограф Альфред Стиглиц начинает издавать фото журнал Camera Work, где публикует работы своего «клуба» Photo-Session, а в 1905 году открывает знаменитую Нью-Йоркскую галерею «291» . В галерее экспонируются не только работы фотографов, но и полотна А. Матисса, О. Ренуара, П. Сезанна, Э. Мане и других художников. В результате изменяется отношение публики и критики к фотографии — её начинают воспринимать как самостоятельный вид изобразительного искусства.

Ну а что же можно сказать о наших фотохудожниках? Как ни странно, но на этот раз Киев оказался «впереди планеты всей» (пардон, России). Наиболее видным проводником пикториализма в Российской империи стал киевлянин Н.А. Петров. В 1890-х годах он учился в Европе, где и произошло его знакомство с новомодным течением в фотоискусстве. Вскоре после возвращения на родину Петров возглавил Киевское фотообщество «Дагер» и в начале XX века организовал международную фотовыставку, на которой были представлены не только фотоработы европейских пиктореалистов, но и работы украинских фотохудожников. Интерес к пикториальной фотографии продержался до Первой Мировой войны.

Читать еще:  Современные художники Сербии. Ljubomir Ivankovic

В двадцатые годы прошлого века на гребне второй волны массового увлечения пикториализмом снова проявился интерес к «живописной фотографии». Появилось много литературы, в которой рассматривались технические стороны жанра и давались рекомендации по конструированию мягкорисующих «пикториальных» объективов. Потом снова спад, и фотографы, начинавшие как пикториалисты, переключались на «композиционно-ракурсные эксперименты». Ну и так далее.

Что тут говорить? Всемирный закон развития и эволюции. За каждым спадом обязательно следует подъём. Ну а с нынешним развитием фотографии, когда она превратилась в стиль жизни, эти подъёмы и спады прослеживаются очень хорошо. Как мутации у мушки-дроздофиллы 🙂

С развитием цифрових технологий такая «отдушина» для творческого развития фотографа , как пикториальная фотография, просто не может не привлечь творческого человека.

И, несмотря на то, что до настоящего времени энтузиасты этого жанра продолжают конструировать самодельные объективы и светофильтры, и устанавливать их на цифровые камеры, редакторы изображений также не стоят в сторонке , и никто не мешает Вам проводить «цифровые эксперименты». Но, все-таки, настоящая «пикториальная фотография» получается без применения значительной цифровой обработки. И поверьте мне, старому фотографу, творческий зуд вещь очень заразная и не лечится. Ну, а если Вы все же заболели этой странной болезнью, то не пытайтесь бороться. Лучше расслабьтесь и получите удовольствие:)

Сюрреалистические коллажи
Бена Гуссена

Работы Бена Гуссена в первый момент вызывают некоторый шок. Ты силишься уловить значение его коллажей и включить их в свою привычную систему координат. А они в нее не укладываются, как ни старайся! Это чем-то напоминает карточную игру «Имаджинариум», где необходимо особым образом подобрать внятную ассоциацию к сюрреалистичным картинкам, что получается далеко не всегда. И, наверное, так же современники разглядывали первые работы Сальвадора Дали или, например, Рене Магритта. Тоже, кстати, бельгийца.

. Бен Гуссен всю жизнь прожил в Бельгии и 35 лет трудился в качестве арт-директора в рекламных агентствах.

Он всегда находился рядом с фотографами и фотосессиями (куда без этого арт-директору?), но сам профессионально за фотоаппарат не брался со студенческой скамьи.

Бен окончил Школу искусств, где, помимо прочего, преподавали и фотографическое мастерство.

И едва ли он тогда думал, что выйдя на пенсию, вдруг настолько увлечется изрядно подзабытым к тому моменту фотоделом, что станет одним из самых оригинальных авторов!

В самих коллажах Бена, кстати, исходные фотографии не особенно проступают. Более того, многие посетители его выставок уверены, что все полностью нарисовано в фотошопе.

Однако это совсем не так. В основе каждой работы лежит тщательно продуманная и выстроенная фотография. И лишь убедившись в качестве исходника, Бен берется за обработку в графических редакторах.

Так что основной его инструмент — самая обыкновенная зеркальная камера Nikon D300. Ну и немалый талант, — без него в таком деле никак не обойтись.

Когда-то тот же Дали рисовал свои безумные сюрреалистические полотна красками на холсте. Теперь его последователи берутся за фотошоп.

И нельзя не отметить, что у большинства результат получается, скажем так, невпечатляющим. А вот работы Бена Гуссена цепляют. В них, пожалуй, нет ни особой глубины, ни собственной философии.

Но они интересны и эмоциональны, а кроме того — действительно профессионально сделаны. Не зря же автор получил за них золотую и серебряную медали крупнейшего мирового фотосалона Trierenberg Super Circuit.

И, разумеется, многочисленные успешные выставки и публикации в лучших изданиях — видимый результат правильного подхода к такому непростому делу, как сюрреалистический коллаж.

The Photonews Post

• The Art of Photography • Contemporary Art • Historical events and not only •

18 марта, 2013

СКРОМНОЕ ОБАЯНИЕ ПИКТОРИАЛИЗМА.

Когда мы говорим о пикториалистической фотографии, мы подразумеваем фотографическое изображение, напоминающее живописное полотно.

Отсутствие четких форм и линий, не совсем естественная цветопередача (если фото цветное), быстрые и широкие «мазки», свойственные экспрессионизму, короче, отсутствие всех тех свойств фотографии, которыми она и заслужила свою популярность. Четкость, документальность, оперативность – это все уходит на второй план.

Может это остаточная зависть к людям, которые умеют видеть кистью и красками, а не просветленными линзами оптического инструмента? Ведь в процессе написания живописного полотна видение художника может несколько раз поменяться, в результате изменится и живописное полотно. «Светописное полотно» неизменно.

Остановись мгновение, ты прекрасно! Как часто мы слышим эти слова, и как часто фотограф, глядя на неудавшуюся фотографию, с тоской думает, что второй попытки у него не будет. Живописное полотно – уникально априори. Фотографическое — нет.

Даже когда фотография появлялась в темной комнате, прорываясь из глубин фотоэмульсии, она была уникальна. С одного и того же негатива разные мастера фотопечати получали разные отпечатки. Потому так и ценятся на аукционах авторские работы фотохудожников прошлого.

Цифровая фотография обезличила процесс фотопечати, отдав его на откуп цифровым гаджетам. «Цветовые профили», «микрозатворы лазерной печати», «микродюзы струйных принтеров» заменили колдовские пассы мастера в потоке экспонирующего света. У фотографов отобрали еще один творческий инструмент – ручную фотопечать. Творить теперь можно перед монитором, не запираясь в душную ванную. И не будут больше руки пахнуть кислым и необычным, но столь приятным каждому старому фотографу запахом гипосульфита… Затратная часть фотоизображения снизилась до минимума — пица, пиво и компьютер… А осталось ли в этом наборе место для души? И станут ли эти изображения на мониторе когда-нибудь фотографиями? Пусть напечатанными на плохоньком офисном принтере, но все-таки бумажными фотографиями, а не бездушными мегапикселями…

Читать еще:  Фото художник из Турции. Kemal Kamil Akca

Великий мастер литовской фотографии Антанас Суткус как-то сказал, что он против автоматики в фотоаппарате, потому, что это снимает с фотографа ответственность. Он перестает думать, как ему получить хорошее фото, а нет ничего хуже, чем бездумное клацание.

Но даже в те времена, когда фотограф таскал за собой огромную деревянную камеру на треноге и килограммов с десять стеклянных негативов, его обвиняли в бездушном копировании действительности.

Самое интересное в том, что всплеск интереса к фотографическому искусству в конце 19 века совпал с развитием такого нового и очень прогрессивного стиля живописи, как импрессионизм. Художники стали использовать абсолютно новые для того времени приемы живописи, которые позволяли отразить на холсте не столько сам объект, сколько личные впечатления об этом объекте во всей его подвижности и изменчивости. Были отброшены академические салонные сюжеты на темы мифологии и библейских сюжетов. Новое демократичное искусство изображало обычную будничную жизнь, природу, маленькие бытовые праздники. Художники покинули мастерские и вышли на пленэр. Время создания картин значительно сократилось . У художественной фотографии появился очень серьёзный конкурент.

Первая знаковая выставка художников нового направления состоялась весной 1878 г. в мастерской известного французского фотографа Надара. Выставлялось 165 полотен 30-ти художников. Говорят, что под влиянием работы Моне «Впечатление. Восходящее солнце» и появился термин импрессионизм. Некоего журналиста Луи Леруа очень возмутила эта картина и в своей статье он раскритиковал экспозицию и пренебрежительно обозвал художников «впечатлителями» (импрессионистами). Но название прижилось…

В эти времена всеобщего творческого подъёма искусство фотографии не могло остаться в стороне. Фотографы не отставали от художников. Идеи запечатлеть на негативе мимолетное настроение, умудриться передать на фотографии ощущения мастера и привели к появлению нового фотостиля. Фотографы начинают активно использовать объективы с неисправленными оптическими аберрациями (монокль) или несимметричные конструкции объективов – перископы. Применяют также специальные фильтры и насадки, используют специальные «пикториальные» виды фотобумаги с рифленой поверхностью.

Вообще считают, что понятие пикториальной фотографии было введено английским фотографом и художником Генри Пич Робинсоном (Henry-Peach-Robinson,1830-1901). В своих книгах — «Художественное творчество в фотографии»(Picture-Making in Photography), «Художественный эффект в фотографии»(Pictorial Effect in Photography), «Искусство фотографии в кратком изложении»(Art Photography in Short Chapters), «Письма о пейзажной фотографии»(Letters Landscape Photography) — он посвящает читателей в искусство пикториализма.

Идеи пикториальной фотографии быстро завоевали симпатии фотографов по всему миру.

Однако, до признания фотографии искусством было ещё далеко. То, чего не удалось осуществить английским и французским мастерам пикториализма, осуществили американские мастера светописи. В 1902г. американский фотограф Альфред Стиглиц начинает издавать фото журнал Camera Work, где публикует работы своего «клуба» Photo-Session, а в 1905 году открывает знаменитую Нью-Йоркскую галерею «291» . В галерее экспонируются не только работы фотографов, но и полотна А. Матисса, О. Ренуара, П. Сезанна, Э. Мане и других художников. В результате изменяется отношение публики и критики к фотографии — её начинают воспринимать как самостоятельный вид изобразительного искусства.

Ну а что же можно сказать о наших фотохудожниках? Как ни странно, но на этот раз Киев оказался «впереди планеты всей» (пардон, России). Наиболее видным проводником пикториализма в Российской империи стал киевлянин Н.А. Петров. В 1890-х годах он учился в Европе, где и произошло его знакомство с новомодным течением в фотоискусстве. Вскоре после возвращения на родину Петров возглавил Киевское фотообщество «Дагер» и в начале XX века организовал международную фотовыставку, на которой были представлены не только фотоработы европейских пиктореалистов, но и работы украинских фотохудожников. Интерес к пикториальной фотографии продержался до Первой Мировой войны.

В двадцатые годы прошлого века на гребне второй волны массового увлечения пикториализмом снова проявился интерес к «живописной фотографии». Появилось много литературы, в которой рассматривались технические стороны жанра и давались рекомендации по конструированию мягкорисующих «пикториальных» объективов. Потом снова спад, и фотографы, начинавшие как пикториалисты, переключались на «композиционно-ракурсные эксперименты». Ну и так далее.

Что тут говорить? Всемирный закон развития и эволюции. За каждым спадом обязательно следует подъём. Ну а с нынешним развитием фотографии, когда она превратилась в стиль жизни, эти подъёмы и спады прослеживаются очень хорошо. Как мутации у мушки-дроздофиллы 🙂

С развитием цифрових технологий такая «отдушина» для творческого развития фотографа , как пикториальная фотография, просто не может не привлечь творческого человека.

И, несмотря на то, что до настоящего времени энтузиасты этого жанра продолжают конструировать самодельные объективы и светофильтры, и устанавливать их на цифровые камеры, редакторы изображений также не стоят в сторонке , и никто не мешает Вам проводить «цифровые эксперименты». Но, все-таки, настоящая «пикториальная фотография» получается без применения значительной цифровой обработки. И поверьте мне, старому фотографу, творческий зуд вещь очень заразная и не лечится. Ну, а если Вы все же заболели этой странной болезнью, то не пытайтесь бороться. Лучше расслабьтесь и получите удовольствие:)

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector