Талантливая китайская художница. Xi Pan

Талантливая китайская художница. Xi Pan

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

В Петербурге — выставка Чжаня Хуаня. Осмотрите 37,5-метровый портрет из пепла и работы по мотивам эрмитажной коллекции

В Эрмитаже открылась масштабная выставка современного китайского художника Чжаня Хуаня «В пепле истории». Ее запуск перенесли с мая из-за пандемии коронавируса.

В музее представлены 30 произведений в разных техниках, часть из которых посвящена эрмитажной коллекции. Самая эффектная работа — 37,5-метровый групповой портрет членов китайской коммунистической партии, созданный из пепла.

«Бумага» рассказывает, что можно увидеть на выставке Чжаня Хуаня в Петербурге.

Время проведения: 9 сентября — 8 ноября

О чем эта выставка?

Выставка «Чжань Хуань. В пепле истории» — посвящение эрмитажной коллекции, России и перекличкам в истории нашей страны и Китая.

В Петербург приехали работы из нескольких серий, всего около 30 произведений. Большая часть была создана специально для Эрмитажа: примерно год назад художник приезжал осматривать коллекцию, это был его первый визит в Россию.

Читать еще:  Тёплые тона. Lamine Azzouzi

Анастасия Веялко
сокуратор выставки

— Эта выставка — личное высказывание художника не только об Эрмитаже, но в принципе о России. Кроме того, здесь переплетается множество концепций — в частности, размышления о жизни и смерти: художник буддист, для него это очень важный момент. Поэтому если говорить о генеральной линии, то это скорее размышления о жизни в эрмитажном ключе.

Чем интересна экспозиция?

«В пепле истории» — первая персональная выставка знаменитого китайского художника в России. Кроме того, для многих работ это вообще первое экспонирование.

Непосредственно шедеврам эрмитажной коллекции посвящены резные работы на дверях из китайских деревень, созданные мастерами из Дунъяна, где традиции резьбы восходят к VII–Х векам. В такой технике выполнены работы серии «Мой Зимний дворец» по мотивам «Мадонны Литты» да Винчи, «Флоры» Рембрандта, «Данаи» Тициана, «Дамы в голубом» Гейнсборо и других.

В Николаевском зале представлены преимущественно работы, выполненные пеплом от благовоний, который специально для мастерской Хуаня поставляли буддийские храмы Китая. Самая яркая из них — почти 38-метровый групповой портрет членов коммунистической партии КНР. Его пополняют также созданные пеплом произведения по мотивам обращений китайского и советского лидеров — Мао Цзедуна и Ленина — к народам.

Еще две работы в Николаевском зале — из новой серии Love, посвященной переживанию художником периода пандемии коронавируса и историям людей, пострадавших от инфекции.

В третьем зале, Западине, выставлены работы из другой новой серии художника — «Реинкарнация»: это живопись, главной темой для которой стал традиционный ритуал прощания с умершими в Китае.

Этикетки с названиями произведений и информацией о них находятся с торца стен, на которых они экспонируются. По замыслу кураторов, такое экспозиционное решение, как в галереях, способствует цельному восприятию. Для выставки также подготовлена карта, на которой обозначено, где какие работы представлены.

Почему это нужно увидеть?

Эта выставка — первое открытие Эрмитажа после паузы на время пандемии. И первое масштабное представление китайского искусства в музее.

Кроме того, техника работы с пеплом в качестве материала уникальна. Поставленный из буддистских храмов пепел сортируется по 24 оттенкам, наносится на клейкую основу, а затем дополнительно фиксируется сверху. Так как благовония используются в храмах при молитве, по мысли художника, в этом материале заключены самые светлые устремления китайского народа.

Умерла известная художница Qinni с DeviantArt. Иллюстраторы запустили флэшмоб в ее честь

Грустная история, которую мы не можем обойти стороной. Рассказываем о канадской художнице китайского происхождения Qinni и делимся реакцией интернета на ее утрату.

  • 8761
  • 12 февраля 2020

9 февраля художница Цинь Хан умерла после четырех операций на сердце и долгой борьбы с раком. Qinni в 2006-2007 годах стала одним из первых художников, получивших известность за пределами DeviantArt, хотя сама девушка на тот момент еще училась на художника. Она быстро набрала популярность в социальных сетях (и тысячи подписчиков), но Qinni всегда говорила о том, как для нее важен DeviantArt . Именно эта платформа оказала ей поддержку на старте, за что она безгранично благодарна порталу.

Вы наверняка встречали ее работы в социальных сетях. Одним из самых знаменитых рисунков стал человек, лежащий в луже своих слез. Qinni неоднократно рассказывала о своем здоровье — эта тема была и в ее рисунках. С 2015 года девушка делилась тем, как ей тяжело преодолевать операции на сердце, но делала это с юмором и самоиронией. В 2019-м у Цинь диагностировали четвертую стадию саркомы, и доктора сообщили, что девушке осталось жить максимум полтора года.

Well, no matter what happens, at least my meme sketch will be immortalized forever on the internets lol
saw someone use it just the other day xD

Через три дня после публикации этого арта о хрупкой девушке (в последние недели Qinni не могла сама передвигаться) ее друзья сообщили о смерти девушки . Фанаты и молодые художники, для кого Цинь была примером, стали публиковать арты в ее честь под тегом #galaxiesforqinni.

Наш видеоредактор Полина была знакома с Qinni:

Я общалась с Qinni примерно с 2013-2014 года. Она была сильным, неповторимым и превосходным человеком. Так как мы работали в одной области на DeviantArt, будучи начинающим художником, я обращалась к ней за профессиональным советом и помощью, что дальше перетекло в душевные переписки. Это тот человек, который старался дать всем максимально полезное, красивое и практичное. Она была очень сильной, талантливой и впечатляющей. Четыре операции на сердце при последней стадии рака, а она не теряла энтузиазм к творчеству — рисовала и играла на гитаре вплоть до последних дней. Я горжусь ей.

I am at a loss for what to say, @qinniart was a beautiful person and artist and I’m sad she is no longer with us and my heart goes out to her family and friends. May she live on in our hearts as her art continues to be an inspiration for generations to come. #galaxiesforqinni pic.twitter.com/e25nAWh66M

for @QinniArt, thank you for being a huge inspiration to many and staying strong until the end. may you rest peacefully among the stars and shine even brighter. #galaxiesforqinni pic.twitter.com/p0YwfKAVU3

Читать еще:  Французский художник. Raymond Poulet

Thank you for inspiring us to follow our dreams, never give up and smile no matter what @QinniArt , you will stay with all of us forever #qinniart #Qinni #galaxiesforqinni pic.twitter.com/ebsrWVmv46

— Kari’s Art ♌︎ (@Kari_Yordanova) February 10, 2020

Художник Чжан Хуань создал серию работ «Love», посвященную пандемии

Китайский художник Чжан Хуань создал серию работ «Love» / «Любовь», посвященную пандемии коронавируса. Цикл станет частью выставки в Эрмитаже, рассказали «Афише Daily» представители музея. Узнать подробнее о мероприятии можно здесь.

Серия создана специально для проекта «Чжан Хуань. В пепле истории», который откроется в Эрмитаже до конца 2020 года. Открытие выставки было запланировано на 15 мая, но в связи с пандемией было перенесено на более поздний срок. Экспозиция выставки включит в себя более 30 работ художника, многие из которых были созданы специально для Эрмитажа.

«Любовь» — это все тот же белый холст и красный акрил, где дождь из «Реинкарнации» превратился в стекающие дорожки красной краски, стеной закрывающие сочащийся, пульсирующий сгусток. Эмоциональное напряжение «Красной серии» усилилось в разы. Что за образ возникает на холсте — вырванное сердце? Покинутый человеческий зародыш? Потеки краски льются словно в немой истерике, в желании укрыться, сжаться, спастись от окружающего кошмара», — рассказал куратор выставки Дмитрий Озерков.

Серия стала откликом на личные истории людей, пострадавших от коронавируса: название отсылает к трагической истории беременной женщины, скончавшейся от вируса. «Любовь» создана в рамках новой в творчестве художника «Красной серии», ознаменовавшей собой смену творческого курса Чжан Хуаня и его возвращение к технике живописи. Первые работы серии объединены названием «Реинкарнация». Для них характерны активное использование красного цвета на стерильно белом фоне, общее эмоциональное напряжение и образ «красного дождя», переходящий из работы в работу, отмечают представители Эрмитажа.

«Любовь произрастает из пылинки, свободно парящей в лучах солнца. Люди, которые любили тебя, и люди, которых ты когда‑то любил; те, кого ты знал и с кем не был знаком; люди, о которых ты слышал, и те, кто просто когда‑то жил в этом мире, — каждый в конце концов проводит свою жизнь здесь, на этой земле. В масштабах вселенной наша планета — такая же пылинка в потоке солнечного света. Но энергия Вселенной происходит из любви, из этой пылинки в лучах солнца», — рассказал о новых работах Чжан Хуань.

Чжан Хуань стал известным после ряда громких перформансов в Китае и США. Создает живописные произведения в уникальной технике: большинство его масштабных работ написаны пеплом от благовоний из буддийских храмов. В своих работах художник регулярно затрагивает вопросы религии, семьи, политики, культуры, бедности и голода.

Новое в блогах

АБЕЛЬ ПАН — САМЫЙ ЕВРЕЙСКИЙ ХУДОЖНИК

Израильский искусствовед Давид Гилади писал: «Если бы за Абелем Паном не закрепилось звание «самого еврейского художника», его имя было бы золотыми буквами записано в Пантеоне французского искусства».

Талантливый израильский художник Абель Пан (настоящие имя и фамилия Аба Федерман) родился в 1883 году в местечке Креславка, Витебской губернии, ныне город Краслава, Латвия). Отец будущего художника, Нахум Федерман, был раввином и главой креславской иешивы. До 12 лет мальчик учился в хедере и получил начальное еврейское образование.

С ранних лет проявив интерес к рисованию, он отправился в Витебск, где в течение трех месяцев тайнами творчества с ним делился замечательный еврейский художник и педагог Иегуда Пэн, благодаря которому в большой мир искусства вошли Марк Шагал и Осип Цадкин.

Авраам, Исаак, Иаков

Авель

Абелю помог случай: на его талант в 1898 году обратил внимание некий богатый меценат и дал денег на учебу в Одесском художественном училище. Годы учебы и вольный ветер знаменитого приморского города, жаркие творческие споры и поиски своего места в жизни, общение с тамошней богемой постепенно формировали творческий почерк и характер художника.

Сыновья Ноаха: Сим, Хам, Иафет

Но, как это ни парадоксально звучит, дальнейшую судьбу Абеля Пана определил . Кишиневский погром 1903 года, всколыхнувший не только общественное сознание, но и болью отозвавшийся в сердце молодого художника. Буквально накануне окончания училища он отправился в Кишинев, чтобы своими глазами увидеть случившееся и запечатлеть трагедию своих соплеменников. Увиденное потрясло его, Абель сделал массу зарисовок с натуры, и одна из них позднее трансформировалась в большую самостоятельную картину маслом – «Через день после погрома», которая и стала его дипломной работой. Масса набросков и зарисовок с натуры, сделанные Абелем Паном в Кишиневе, стали как бы первой документально-художественной главой истории евреев, и этой истории, как сам позднее не раз писал художник, он посвятил всю свою жизнь.

Жители Сдома

После пяти лет серьезной учебы и страстного увлечения искусством живописи Абель Пан принял решение перебраться в Париж и продолжить учебу в Академии художеств. Это произошло в 1903 году. Абель учится и в то же время много и увлеченно работает над новыми произведениями, темы которых – преимущественно еврейские, взятые им не из книг, а из памяти сердца. На его картинах – простые евреи, тяжело работающие и бездельничающие, молящиеся и танцующие. Под кистью Абеля Пана они смеются и плачут, спорят и молчат, и это его сочувствие простым людям и любовь к ним доминируют в его творчестве.

Читать еще:  Художник-реалист. Sierk van Meeuwen

Лея

С 1910 года Абель Пан публикует в парижских еженедельниках «Мон диманш» и «Ле рир» наброски, отмеченные влиянием А. Тулуз-Лотрека и японской гравюры, экспонирует живопись в «Салонах». В то же время он создает и работы совсем другого плана – яркие, психологически точные юмористические рисунки и карикатуры, которые так же охотно печатают французские иллюстрированные журналы. Работы молодого еврейского художника нравились многим почитателям его таланта и принесли Пану ряд вполне заслуженных премий и медалей. В это нелегко поверить, но представьте: работы 25-летнего живописца из Витебской губернии выставлялись – где? В Париже! – вместе с работами Матисса и Ренуара!

Ривка с Яаковом и Эйсавом

В 1912 году Борис (Барух) Шац, директор Школы искусств и ремёсел «Бецалель» в Иерусалиме, наслышанный о парижском таланте русско-еврейского «разлива», предложил Абелю Пану преподавательскую работу, и спустя год художник принял приглашение, возглавив в 1913-1914 годах факультет графики. Один из его студентов, Нахум Гутман, позднее вспоминал, что Абель Пан оказал на них большое влияние: научил учитывать сочность местных красок и цвета и в то же время помог им освободиться от использования стиля академической живописи.

Давид

В августе 1914 года Пан отправился в Париж, чтобы подготовить и отправить в Иерусалим весь свой архив и небогатый скарб. Но начавшаяся Первая мировая война и запрет турецких властей на возвращение в Палестину вынудили художника оставаться во Франции, и в Иерусалим он вернулся лишь в мае 1920 года. Кстати, известно, что во время войны Пан не сидел без дела: он рисовал карикатуры на противника, на всевозможных плакатах и иллюстрациях к военным сводкам изображал варварство германских войск, укреплял своими работами моральный дух французской армии, воевавшей на стороне Антанты.


Пророк Нафан

Кроме того, в Париже в 1916 году Абель Пан создал серию картин (около пятидесяти) о налетах русских казаков на еврейские местечки. Эти работы наряду с картинами на библейские сюжеты Пан в 1917 году решил показать в Америке. Передвижная выставка его произведений пользовалась огромным успехом, и пресса единодушно назвала его «самым еврейским художником».

Рахиль

Именно там, в Америке, крупный производитель обуви из Цинциннати Маркус Фечхаймер приобрел серию рисунков Пана, посвященных еврейским погромам, и подарил их иерусалимскому музею «Бецалель» в память о своем погибшем сыне. Эти работы Пана составили экспозицию зала «Нод ха-дмаот» («Сосуд слёз»). Так же был назван изданный в 1926 году альбом авторских рисунков с 24 из этих картин. В 1925 году этот музей открыл одноименную выставочную галерею, в которой наряду с работами Абеля Пана были представлены такие артефакты, как окровавленные и оскверненные свитки Торы. Увы, спустя несколько лет экспозицию полностью обновили, и всё демонстрировавшееся прежде было оценено как «ужасное» и упрятано в запасники музея на долгие 75 лет.


Иаков и Рахиль

Абелю Пану настолько пришелся по душе альбом «Сосуд слёз», что, вернувшись в 1920 году в Палестину, он не только продолжил преподавательскую деятельность в «Бецалеле», но и энергично занялся новым для себя делом – основал издательский дом, ориентированный на выпуск произведений искусства, всевозможных художественных альбомов иллюстраций Библии.


Сара, Ревекка, Рахиль и Лея

Вернулся Пан в Иерусалим не с пустыми руками, а с печатным станком для тиражирования литографий и альбомов «Библия в картинках», над которым уже давно работал. В качестве библейских персонажей художник использовал образы йеменских евреев в их традиционных праздничных нарядах. После выставки в музее «Башня Давида» (1922 год, Иерусалим) своих карикатур, а также рисунков к книге «Бытия» художник представил публике в Тель-Авиве 150 своих работ на библейские сюжеты (они составили два альбома). Критики отмечали, что Пан рассматривает Библию не как некую сказочную субстанцию, а как реальность, наполненную живыми людьми и событиями, то-есть на его полотнах – увиденный глазами и душой художника настоящий Восток с его своеобразием и неповторимой красотой.

Раввин

В двадцатые-тридцатые годы с творчеством Абеля Пана познакомились посетители многочисленных выставок его произведений, прошедших в Западной и Центральной Европе. А с 1924 года, оставив преподавание, Мастер всецело посвятил себя подготовке последующих библейских циклов, в которых нарастал пафос и усиливались натуралистические мотивы. Спустя двадцать лет непрерывных поисков он создал серию пастелей (хранятся в музее «Яд ва-Шем»), посвященных Катастрофе европейского еврейства.

Шуламит

Именно тогда, в годы Второй мировой, наряду с темами Холокоста в творчестве Абеля Пана возникает тема Эрец Исраэль – не библейского Востока, а земли, дарованной Всевышним еврейскому народу. В связи с этим израильский искусствовед Давид Гилади писал: «Если бы за Абелем Паном не закрепилось звание «самого еврейского художника», его имя было бы золотыми буквами записано в Пантеоне французского искусства».

Яаков и Рахель

Умер Абель Пан в Иерусалиме в 1963 году, оставив истории художественного творчества еврейского государства свое имя – имя одного из самых популярных мастеров живописи Израиля и многочисленные работы, которые высоко оценивают коллекционеры и любители настоящего еврейского искусства во всем мире.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector