Традиционная живопись. German Merelas Martinez

Традиционная живопись. German Merelas Martinez

«И сумрачный германский гений. » Немецкий импрессионизм.( Часть 2)

«Видеть, чувствовать, выражать – в этом все искусство».
Братья Э. и Ж. Гонкур.

В 1898 году был создан Берлинский сецессион, объединение более 60 оппозиционно настроенных по отношению к академическому направлению художников, первым его президентом был Макс Либерман. Одной из причин раскола в среде художников послужил отказ жюри готовившейся выставки от участия в ней пейзажа Вальтера Лейстикова.

Берлин медленно, но неуклонно становится столицей искусства, а Берлинская Академия художеств, членом и профессором которой был Либерман, приобретает мировую известность. В Сецессионе проповедовались либерализм и толерантность в искусстве, но преобладали все-таки импрессионисты, появился даже термин – «берлинский импрессионизм», а зарождающийся экспрессионизм практически не принимался жюри для участия в выставках.
Одним из ведущих художников берлинского Сецессиона, сменившим в 1915 году Либермана на посту президента, был
Ловис Коринф (Lovis Corinth, 1858-1925), настоящее имя Франц Генрих Луи, родился в семье кожевенника, рано начал рисовать,

учился живописи в Академии Кёнигсберга, а затем Мюнхена, который считался в 1880-е годы одним из центров авангардного искусства Европы. В тот период на него оказали большое влияние творчество Курбе и художников Барбизонской школы (Руссо, Милле, Дюпре и другие).

После возвращения в 1888 году в Кёнигсберг он берет себе псевдоним, под которым и работает всю жизнь. После недолгого пребывания в Мюнхенской академии Коринф присоединяется к группе художников Мюнхенского сецессиона, а в 1899 году принимает участие в выставке, организованной уже участниками Берлинского сецессиона.

Мюнхенский период не был особенно продуктивным из-за пристрастия к вину, но после переезда в Берлин и открытия в 1902 году своей школы живописи для женщин Коринф влюбился в одну из своих студенток, на 20 лет моложе него, женился на ней, она стала его музой, матерью его детей, семейная жизнь и ее радости стала главной темой его творчества.

В 1911 году после перенесенного инсульта и левостороннего паралича у него начинается тремор рук, хромота, но благодаря заботе своей жены он уже через год возвращается к мольберту, важной темой его картин и офортов были в это время пейзажи Баварских Альп, где у семьи был дом.

В 1925 году во время пребывания в Нидерландах он заболел пневмонией и умер в Зандворте. Ловис Коринф прошел за свою творческую жизнь как художник и гравер путь от академической традиции через импрессионизм до экспрессионизма и синтеза его с импрессионизмом, воплощая библейские сюжеты, создавая портреты, сцены семейной жизни, великолепные пейзажи.

Третьим художником, кроме Либермана и Коринфа, говоря о немецких импрессионистах, обычно называют
Макса Слевогта или Слефогта (Мах Slevogt 1868-1932), живописца, гравера, иллюстратора, сторонника и пропагандиста пленэрной живописи.

Он родился в семье капитана Фридриха фон Слевогта, рано потерял отца, после окончания школы учился в Академии изящных искусств в Мюнхене, там появились его первые пейзажи в коричневых тонах, изображающие окрестности Нойкастля. К концу 90-х годов его палитра постепенно меняется, приобретает более светлые тона и импрессионистский характер.

После поездки с другом по Италии он возвращается в Мюнхен и начинает работать как профессиональный художник с большим кругом интересов в живописи, акварели, графике, книжной иллюстрации. Он считал, что художник должен не только передавать зрительные впечатления на холсте, но и давать волю воображению, будить фантазию.

В 1900 году Слевогт участвовал во Всемирной выставке в Париже со своей работой «Шехерезада», там был потрясен знакомством с работами Эдуарда Мане и после путешествия в Египет создает свой, свободный от чужих влияний стиль письма, светлый и блестящий.

Он подружился со знаменитым португальским баритоном Франциско d’Андраде и, обладая неплохим голосом, даже подумывает о певческой карьере.

В 1914 году Слевогт путешествует по Египту, пишет акварели и картины, ставшие гордостью немецкого импрессионизма. Во время Первой мировой войны он был военным художником на Западном фронте, ему пришлось искать новые выразительные средства для передачи ужасов войны. Слевогт становится членом Академии искусств в Берлине, ведет там мастер-класс живописи, создает декорации для «Дон Жуана» Моцарта, работает над иллюстрациями к «Фаусту» Гете.

Его 60-летие отмечается большой выставкой в Берлине, а последние годы жизни он посвятил религиозной росписи в Церкви мира в Людвигсхафене. Похоронен Макс Слевогт в семейной гробнице в Нойкастле.

Еще один представитель немецкого импрессионизма, получивший признание уже в самом начале своей карьеры, привлек меня своей светлой палитрой, легкостью письма, наибольшей близостью к манере французских импрессионистов.

Готтард (Готхард) Кюль (Gotthardt Kuehl, 1850 —1915) родился в Любеке, учился живописи в Дрезденской академии и в Мюнхене, одиннадцать лет жил в Париже, путешествовал по Италии и Нидерландам, был профессором в Дрезденской академии, всю жизнь занимался преподавательской работой, участвовал в деятельности Берлинского сецессиона.

Наиболее известны его пейзажи и сюжеты городской жизни, большая часть которых хранится в музея родного Любека, Дрездена и Мюнхена.

Лессер Ури (Lesser Ury, 1861 – 1931), известен своими пейзажами, натюрмортами, большую часть жизни провел в Берлине, любил этот город и был его обер-бургомистром в качестве признания «художественного прославления имперской столицы».

Он прекрасно владел разными техниками, писал маслом и пастелью, которая помогала ему насытить свои пейзажи воздухом и светом. Макс Либерман чувствовал в нем сильного конкурента, всячески препятствовал его участию в выставках, и только после смерти Либермана Ури смог участвовать в деятельности Берлинского сецессиона, а в 1921 году стал его почетным членом.

В 1931 году планировалось устроить чествование художника в связи с его 70-летием, но он не дожил три недели до него, умерев от сердечного заболевания.

Еще один художник, вызвавший у меня интерес своей биографией и творчеством —
Лев Путц (Leo Putz, 1869 – 1940), родился в Тироле (Австро-Венгрия), но учился и жил в Мюнхене, участник Мюнхенского сецессиона, его творчество отражает и арт-нуво, и импрессионизм, и элементы экспрессионизма, был награжден несколькими медалями за свои работы.

После шестилетнего плодотворного пребывания с семьей в Южной Америке и преподавания там он вернулся в 1935 году для участия в крупной выставки в Мюнхене и увидел совсем другую Германию. Его работы были отнесены к «дегенеративному искусству», его несколько раз допрашивали в гестапо, он был отстранен от работы и, в конце концов, вынужден был бежать в Южный (итальянский) Тироль.

Завершая тему немецкого импрессионизма (а ее можно продолжать еще долго), можно сделать вывод о том, что он был более экспрессионистичен, более «яростен», более «осязаем», чем французский, в творчестве этих художников видны истоки живописи всех последующих поколений немецких экспрессионистов.

Читать еще:  Художник-реалист. Olga Formisano

«И сумрачный германский гений. » Немецкий импрессионизм.( Часть 1)

Родившись во Франции, импрессионизм быстро распространился за пределы страны и стал международным явлением, покоряя одну за другой страны Европы и перешагнув через океан. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха», легший в основу пленэрной живописи импрессионистов, нашел свое отражение и в творчестве некоторых немецких художников, оппозиционно настроенных по отношению к застывшим нормам официального академического искусства.

«Для немецких импрессионистов неизменно важную роль играет композиция картины, живопись решает формальные задачи, она по сравнению с французской оказывается более индивидуалистичной, плоской и куда более темной.» (Ютта Хюльзевиг-Йонен)
Немецкая живопись более пространственна и конструктивна, немецкие художники изображают объекты, людей, пространство, а не идущий от них переливающийся свет, они вовсе и не стремились повторить французские образцы они сделали определенные выводы из французского опыта, но их живопись вовсе не является «недотянутым» импрессионизмом, сравнивать их картины со знаменитыми французскими образцами не стоит: немецкий импрессионизм – самостоятельное, отдельное явление. Коротко можно сформулировать отличие немецкого импрессионизма от французского так: французская традиция — это традиция видимости, немецкая – осязаемости, немецкий импрессионизм гораздо более экспрессионистичен, больше тяготеет к сюжету, творчество немецких импрессионистов говорило столько же уму и сердцу, сколько и глазу.
Хронологически немецкий импрессионизм возник на два десятилетия позже французского, в нем чувствовалось влияние голландской школы и немецкого художника-реалиста Вильгельма Лейбла, которого можно считать предтечей немецкого импрессионизма.

Немецкие импрессионисты ориентировались скорее на его технику alla prima («в один присест» — разновидность техники масляной живописи, также используется и в акварели, позволяющая выполнить картину за один сеанс). Лейбль смешивал краску прямо на холсте, его мазки были свежими и энергичными. Лейбль был сторонником наполнения картины «говорящими» деталями, которые повествовали о трудной судьбе простого народа.

Вильгельм Лейбль (Wilhelm Maria Hubertus Leibl, 1844 — 1890), был пятым ребенком из шести в семье кёльнского капельмейстера. Он рано покинул школу, свое художественное образование получил в Академии художеств Мюнхена, дружил с Гюставом Курбе, во время короткого путешествия в Париж в 1870 году познакомился с живописью Эдуарда Мане, которая безусловно оказала влияние на его манеру письма, в чем вы сами можете убедиться на примере двух этих картин.

Родоначальником немецкого импрессионизма считается
Макс Либерман (Max Liebermann, 1847 – 1935), родившийся в Берлине в ортодоксальной семье богатого еврейского текстильного промышленника.

В семье было еще пятеро детей, воспитывавшихся в строгости, поэтому его родители не были в восторге от увлечения сына рисованием, и хотя оплачивали его частные уроки живописи, не разрешили упоминать имя Либерманов при первой публикации его работ (тогда ему было 13 лет). После окончания средней школы он начал изучать химию, но вместо лекций ездил в Тиргартен на этюды

и, в конце концов, был отчислен из университета за «отсутствие прилежания», что вызвало конфликт с отцом, но после долгих споров он разрешил ему учиться живописи в Саксонской школе искусств Веймара, где на него произвела большое впечатление живопись Рембрандта. Брат Георг финансирует его поездку в Нидерланды, где он пишет много пейзажей. Его первая большая реалистическая картина, написанная вскоре после возвращения, была выставлена в Гамбурге и ясно отражала влияние «голландцев».

Не найдя отклика в сердцах немцев, Макс уезжает в Париж и открывает студию на Монмартре, лето проводит в Барбизоне возле леса Фонтенбло, увлекается импрессионистами, потом опять едет в Нидерланды¸ изучает творчество Франса Хальса, едет в Венецию, ищет свой собственный стиль, начинает использовать эффект света уже в импрессионистической манере.

Летом 1880 года Либерман отправился в Брабант в село Донген, и там, наконец, он начинает писать в импрессионистическом духе, фильтруя свет, что позже получило название «солнечные пятна Либермана». Через два года несколько его картин были выставлены в парижском салоне, и французская пресса приветствовала появление нового художника-импрессиониста.

Вернувшись в 1884 году в Берлин, Макс Либерман присоединился к берлинской ассоциации художников, участвовал в выставке Академии художеств, позже в парижском Салоне и в первой презентации неофициальной немецкой живописи на французской земле в рамках Всемирной выставки.

В 1892 году в Берлине одиннадцать независимых художников создали Ассоциацию ХI, ставшей основой для последующего движения Сецессиона (secessio — «разделение»), оппозиционного по отношению к консервативной школе живописи Академии, реакционность которой только усугублялась под влиянием Вильгельма II.

В середине 90-х годов Либерман впервые обратился к портретной живописи и рисованию движущихся тел в открытом свете. Он сопровождает директора Национальной галереи в его поездках в Париж, консультируя его в выборе картин французских импрессионистов, подружился с Дега, а при поездке в Лондон знакомится с американским художником Джеймсом Уистлером, творчество которого оказало на него некоторое влияние.

К концу века консервативная Берлинская Академия начала постепенно открываться для новых веяний, и это нашло отражение в присуждении Либерману Большой золотой медали и звания профессора.
«Палитра Либермана становится светлой и радостной в передаче красок солнечного летнего дня. Световая моделировка сменяется цветовой. Наблюдаемые на натуре рефлексы обретают динамику, отражая неуловимое и изменчивое взаимодействие света и цвета».

После начала Первой мировой войны он посвятил себя художественной пропаганде войны и создавал рисунки для еженедельных художественных листовок. На время художник-еврей перестал чувствовать себя аутсайдером, после речи кайзера «К моим дорогим евреям» Либерман посчитал себя обязанным оказывать содействие в войне. Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».

Прусская Академия художеств устроила большую (около 200 картин) ретроспективу работ художника по случаю его 70-летия, в 1918 году в Национальной галерее открылся зал Макса Либермана, а в 1920 году он стал президентом Берлинской Академии художеств, Берлин присвоил ему звание почетного жителя города.

В мае 1933 года, в день сожжения книг, Либерман сложил с себя все свои полномочия и объяснил прессе:
«В течение моей долгой жизни всеми силами я пытался служить немецкому искусству. По моему убеждению, искусство не имеет ничего общего ни с политикой, ни с происхождением, поэтому я более не могу относиться к прусской Академии художеств, поскольку моя точка зрения больше не имеет значения».
В 1934 году, после тяжелой болезни появился его последний автопортрет.

Читать еще:  Французские старики берут реванш

Одному из своих друзей Либерман признался:
«Я живу исключительно из ненависти. Я больше не смотрю в окно этой комнаты, я не хочу видеть новый мир вокруг меня».
Либерман умер 8 февраля 1935 года в своём доме на Парижской площади, не дожив, к своему счастью, до «окончательного решения еврейского вопроса». Похороны великого художника одновременно явились символическим прощанием с целой эпохой, представителем которой он являлся.
Предлагаю вашему вниманию слайдшоу (в котором гораздо больше репродукций), в сопровождении музыки известного немецкого композитора и дирижера, дружившего с Максом Либерманом, Рихарда Штрауса.

НЕМЕЦКАЯ ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ

Автор — Булгакова_Татьяна. Это цитата этого сообщения
НЕМЕЦКАЯ ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ

Немецкий художник Йозеф Карл Штилер (1781-1858)

Портрет Кресентии Боерджин

Портрет Каролины Лициус

Портрет молодого человека в военной форме

Софи, Эрцгерцогиня Австрии (урожденная принцесса Баварии)

Антонетта Корнелия Веттерлейн

Портрет Августы Штробль

Помолвка принцессы Людовики Баварской и герцога Максимилиана Иосифа в Баварского

Портрет Анны Хиллмайер

Джейн Элизабет Дигби, леди Элленборо — английская аристократка, которая жила жизнью романтических приключений, охватывая десятилетия и два континента. У нее было четыре мужа и много любовников, включая короля Людвига I из Баварии, его сына Короля Отто из Греции, государственного деятеля Феликса Шварценберга и греческого генерала Христодулоса Хатзипетроса. Она умерла в Дамаске, Сирия, как жена арабского шейха Меджуила эль Мезраб, который на 20 лет был ее младше.

Портрет Марии Анны фон Байерн

Евгения Гортензия Августа Наполеоне де Богарне, герцогиня Лейхтенбергская — герцогиня Лейхтенбергская, дочь Евгения Богарне и принцессы Августы Амалии Баварской, в замужестве принцесса Гогенцоллерн-Гехингенская.

Баронесса Амалия фон Крюденер, урожд. графиня Лерхенфельд, во 2-м браке графиня Адлерберг — известная красавица высшего света XIX века, в которую был влюблён и которой посвящал стихи Фёдор Тютчев.

Огюст Шарль Эжен Наполеон де Богарне — 2-й герцог Лейхтенбергский, принц-консорт Марии II Португальской.

Портрет девятнадцатилетней Амалии фон Шинтлинг – дочки майора Лоренца фон Шинтлинга. Незадолго после того как был сделан её портрет, в том же 1931 году, она заразилась туберкулёзом и умерла.

Шарлотта фон Хагн – немецкая актриса, получившая признание в комедийных пьесах. Пользовалась большой любовью у поклонников благодаря красоте и очарованию. Спустя 20 лет ушла из театра, вышла замуж за помещика Александре фон Овена. Её брак продлился недолго, спустя 3 года они развелись. Прожила 82 года.

Портрет Шарлотты,баронессы фон Овен

Барон Фридрих Вильгельм Генрих Алекса́ндр фон Гу́мбольдт — немецкий учёный-энциклопедист, физик, метеоролог, географ, ботаник, зоолог и путешественник

Каролина фон Холстейн – была из семьи дворянского происхождения, пятым ребёнком. После смерти отца, в 16 лет, не по любви, вышла замуж за 34 летнего графа Бавариии Карла Теодора Холстейна. Позже уехала в Мюнхен, где её положение открыло ей двери в почётные круги. Там на одном из многочисленных банкетов она встретила и влюбилась в женатого дворянина Вильгельма Фрейхерна. Хотя Каролина уехала от мужа, он не давал ей развода, у неё родились внебрачных дети и лишь после его смерти она смогла официально оформить новые отношения. Прожила 44 года.

Портрет Регины Даксенбергер

Портрет Каролины фон Гамппенберг

Художественное искусство Германии

Изобразительное искусство Германии берет свое начало еще далекие времена, с того момента как племена германцев пришли на территорию Римской империи. Богатейшее художественное наследие хранится в многочисленных музеях страны, галереях и выставочных центрах. Его также можно увидеть в интерьерах и на фасадах старинных и современных зданий. Изобразительное искусство Германии включает в себя древние фрески, искусно нарисованные портреты, орнаменты, витражи и великолепные картины всех стилей, созданные знаменитыми и никому не известными художниками.

Фрески и витражи

Самые древние фрески, найденные на территории современной Германии, относятся к эпохе Каролингов, продлившейся до 843 г. Они были обнаружены в одном из подземных помещений аббатства Св. Максимина (Reichsabtei St. Maximin) в Трире. На сегодняшний день эти великолепные фрески хранятся в церкви Св. Георгия на территории монастыря Райхенау (Kloster Reichenau). А в Трирском музее Собора и Епархии выставлен купол старинного Римского дворца, украшенный великолепно сохранившимися фресками.

Аббатство Св. Максимина (Фото © Stefan Kühn / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-SA-2.5,2.0,1.0)

Множество красивых витражей было создано в Романскую эпоху в период с X по XIII ст. Большая их часть посвящена религиозной тематике. Красивейшие витражи Романской эпохи украшают Кёльнский собор и собор в Аугсбурге. К XV ст кёльнские мастера стали создавать витражи, изображающие живописные пейзажи. Самые яркие образцы такого искусства сегодня хранятся в художественном музее в Гамбурге (Hamburger Kunsthalle).

Немецкий Ренессанс развивался в направлении итальянского Возрождения. Его главным представителем был немецкий живописец и график Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer), который не уступал в своем таланте знаменитым итальянским мастерам. Несколько его работ хранится в Старой Пинакотеке в Мюнхене и в Нюрнбергском доме Дюрера (Albrecht-Dürer-Haus), где выдающийся живописец жил и работал до самой своей смерти.

По эскизам Дюрера были созданы великолепные витражи на религиозную тематику. Его работы украсили церкви Св. Лаврентия в Нюрнберге и Св. Якоба в Штраубинге, а также дом нюрнбергского гуманиста Сикста Тухера и бенедиктинский монастырь Св. Эгидия.

Самые роскошные фрески были созданы в эпоху барокко, которая продолжалась с XVII по середину XVIII ст. Фрески покрывали стены большинства возведенных в тот период дворцов. Они позволяли визуально увеличить пространство помещений, придать им изысканность и помпезность. Самым ярким примером барочных фресок является Большая лестница Бальтазара Нойманна.

Немецкое гравюрное искусство

Расцвет искусства гравюры пришелся на начало эпохи Возрождения. Его развитию послужила доступность и невысокая стоимость нового на тот период материала для книг – бумаги. Данный вид искусства привлек к себе внимание ведущих немецких мастеров. Основная тематика была отражением актуальных на то время событий (война, проституция, крестьяне).

Среди самых известных немецких гравюр:

    «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера.

Гравюра «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера (Фото © Albrecht Dürer / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-PD-Mark)

  • «Смерть, швейцарские воины и военная проститутка» Урса Графа.
  • «Смерть хватает епископа» Ганса Гольбейна.
  • Романтизм

    Основными тематиками изобразительного искусства в стиле романтизма выступали религия и мистика. Яркими представителями данной эпохи были Каспар Дэвид Фридрих и Филипп Отто Рунге. Большинство работ Фридриха выставлено в гамбургском Кунстхалле и Старой берлинской национальной галерее.

    Читать еще:  Уникальные рисунки. Anthony Lister

    Художественный музей Гамбурга демонстрирует самые известные работы Филиппа Отто Рунге, произведения искусства движения Назарейцев, а также художественные произведения искусства Вильгельма Лайбла, созданные в стиле позднего романтизма.

    Период между двумя мировыми войнами

    В период между Первой и Второй мировыми войнами изобразительное искусство Германии словно замерло и погрузилось в спячку. Множество столичных деятелей искусства были отправлены в изгнание, а некоторые художники и вовсе уничтожены нацистами.

    Нацисты ненавидели такие течения изобразительного искусства, как дадаизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. Практически все течения модерна были поставлены под клеймо «деградация» (Entartung). Множество картин Клее, Дикса, Бекманна и других представителей модернизма были изуродованы или просто уничтожены.

    В 1938 году в Германии был принят закон, позволяющий изымать из частных коллекций картины «деградированного искусства». Апогеем событий стало публичное сожжение в 1939 г в Берлине около 4 тыс картин.

    От начала XX ст до наших дней

    Огромное значение для современного изобразительного искусства Германии имели колонии художников в Ворпсведе (Künstlerkolonie Worpswede) и Дармштадте (Darmstädter Künstlerkolonie), которые действовали в начале XX ст. Здесь проживали и работали в различных стилях художники, оставившие миру множество потрясающих произведений искусства. Большинство работ было создано в стиле модерн.

    После окончания Второй мировой войны влияние таких известных деятелей экспрессионизма, как Кандинский и Нольде, были возрождены. Абстрактный экспрессионизм приобрел новые краски и черты. Самые яркие работы в данном стиле были созданы художниками Эрнстом Вильгельмом Наем и Вилли Баумейстером.

    Самые захватывающие произведения искусства современности принадлежат немецкому скульптору Ансельму Киферу. Его работы украшают берлинский зал Гамбургского железнодорожного вокзала, расположенного в Берлине.

    Лучшие работы современных художников выставлены в современной Пинакотеке в Мюнхене, Музее дизайна Vitra в Вайле-на-Рейне, музее Баухауса в Веймаре, берлинских галереях Eigen+Atr и Кунст-Верке, Новом музее в Нюрнберге. На их территории действуют временные и постоянные выставки.

    Пинакотека в Мюнхене (Фото © Guido Radig / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-3.0)

    Видео о живописи в Германии смотрите по ссылке ниже:

    Художник Мауро Мартинес, бывший наркоман, который превращает мемы в картины

    34-летний американский художник Мауро Мартинес (Mauro Martinez) стал известным благодаря тому, что превратил в картины интернет-мемы. В юности он страдал от героиновой зависимости, однако с помощью поддержки семьи смог преодолеть ее и заняться живописью.

    Свои первые картины он писал «в стол»: Мартинес выкладывал их в Instagram, но у него не было ни подписчиков, ни связей в мире современного искусства. Со временем ему удалось превратить картины в основной источник заработка и стать успешным современным художником: сегодня работы Мартинеса выставляются в разных европейских и американских галереях.

    Художник Мауро Мартинес родился в 1986 году в техасском городе Ларедо рядом с мексиканской границей. Его двоюродная тетя была библиотекарем и имела внушительную личную коллекцию книг об искусстве. По ним Мартинес в детстве учился рисовать. Затем мама показала ему комиксы Гэри Ларсона. Познакомившись с ними, он понял, что искусство может быть веселым.

    Кот с руками, известный в русскоязычном интернете как ЪУЪ Съука, — популярный в 2019 году шаблон, который использовали как для обозначения злости и раздражения, так и для абстрактных мемов.

    Название картины — Hellmo — состоит из английского слова Hell, означающего ад, и Элио, персонажа «Улицы Сезам».

    Детство Мартинеса пришлось на те времена, когда не у каждой семьи был доступ к интернету. В старших классах у него наконец появился компьютер. Мартинес вспоминает, что проводил много времени в AOL Instant Messenger — культовой среди американских детей 90-х программе для обмена сообщениями. Там будущий художник впервые увидел смайлики.

    Картина «Социальная дистанция» из серии, посвященной пандемии.

    Мартинес завел Instagram в 2012 году. Он не знал никого из мира искусства, поэтому просто создавал картины и выкладывал их в соцсеть. В то же время он узнал о хештегах, геотегах и других способах увеличить аудиторию.

    Спустя год он открыл онлайн-магазин и начал продавать свои работы по 25 долларов. К сентябрю 2014 года продажа картин стала приносить такой доход, что Мартинес смог уволиться с работы.

    Художник, однако, соглашается с тем, что в чем-то мемы все же проигрывают картинам:

    Первую вдохновленную мемом работу Мартинес создал в 2016 году.

    «Марк Толстерберг» (Mark Thickerberg) — еще одно построенное на каламбуре название: thicker переводится с английского как «более толстый». Пользователи сети регулярно троллят основателя Facebook Марка Цукербера за внешность, при любом удобном случае пытаясь найти доказательство того, что он пришелец.

    Однако художник считает, что искусство может быть своеобразным буфером и стимулом для продуктивной дискуссии.

    Критики видят в работах Мартинеса метафоры, иронию и черный юмор.

    Критики уверены, что своими работами Мартинес задает вопрос:

    Unit London устроила показ работ Мартинеса — первую европейскую персональную выставку в его жизни — в сентябре 2020 года. Месяц, посвященный экспозиции Мартинеса, совпал с месяцем, когда художник отмечал личный праздник: ровно десять лет назад он поборол героиновую зависимость.

    В 2019 году Мартинес создал серию работ о том, как люди фотографируются вместе с картинами.

    По его мнению, в этом контексте произведение искусства превращается в продолжение человека и получает новое значение.

    Картина под названием «Метакартина» отсылает к мему о странных временах, основанному на старом анекдоте. Ребенок спрашивает родителя, почему его сестру зовут Роза, и узнает, что причина в том, что его мама любит розы.

    Мальчик благодарит отца за ответ, а из следующей реплики читатели узнают имя ребенка. В классических версиях мема в качестве имени мальчика использовались названия автомобилей, алкогольных напитков или продуктов. В версии Мартинеса ребенка назвали Метакартины.

    Мартинес признается, что ему сложно долго работать внутри одной серии. Тем не менее он уверен, что у всех его работ есть нечто общее: все они нацелены на документацию, а именно в документации времени он видит свое назначение как художника. При этом Мартинес считает, что мемы — это один из лучших способов запечатлеть современность.

    Во время пандемии коронавируса Мартинес посвятил серию работ тому, как инфекция повлияла на жизнь обычных людей. Для своих картин он использовал изображения, публикуемые аккаунтами, на которые он подписан. Свой проект он назвал «Лето 2020».

    Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

    Ссылка на основную публикацию
    Adblock
    detector