Яркие цвета. Французский художник. Anne Zamo

Яркие цвета. Французский художник. Anne Zamo

Как Ив Кляйн придумал свой синий цвет

В день рождения французского художника вспоминаем его вклад в моду и кино.

Уроженец Ниццы, Ив Кляйн рассказывал, что в 1947 году сидел вместе со своими друзьями на вечернем пляже и делил с ними мир поровну. Арман Фернандес захотел взять себе землю и все ее богатства, Клод Паскаль выбрал воздух, а Ив оставил за собой небо. В будущем он скажет, что именно небо стало его первой работой и породило в нем желание находить радикально новые способы показывать бесконечное и нематериальное в своих работах.

Поворотным моментом в его карьере стал 1962 год – именно тогда Кляйн создал свой легендарный синий оттенок, который запатентовал и благодаря которому получил широкую известность. Оттенок International Klein Blue (или IKB) – не просто синий, он невероятно интенсивный, насыщенный и глубокий, создающий эффект той самой неизмеримости, бесконечности, к которым стремился Кляйн. Особенность формулы была в том, что пигмент сохранял яркость благодаря синтетической смоле Rhodopas M60A.

Возможно, разрабатывая IKB, художник и не представлял, насколько сильное впечатление он произведет на художников, дизайнеров и режиссеров. Причем обратную связь он получил весьма скоро.

В «Безумном Пьеро» Жан-Люка Годара можно разглядеть отсылки ко многим художникам XX века. Так, например, в одной из сцен за спиной Анны Карина видны работы Пабло Пикассо, обилие красного и синего в кадре наталкивает на мысли об Анри Матиссе, но все же особенно сильно в картине ощущается влияние Ива Кляйна.

Стоит отметить, что фильм был снят спустя несколько лет после того, как художник явил миру не только свой насыщенный синий, но и серию антропометрических картин: обнаженные женщины, выкрашенные в синий цвет, прилегали к белым холстам, оставляя отпечаток тела.

В финале картины Фердинанд (Жан-Поль Бельмондо) раскрашивает свое лицо синей краской, и, скорее всего, Годар держал в голове именно эти полотно, прорабатывая сцену с синим гримом главного героя.

Кроме того, Кляйн также экспериментировал с огнем: на холстах он оставлял абстрактные следы с помощью горелок и огнеметов. В «Безумном Пьеро» главный герой, закончив с гримом, обматывает себя динамитом и исчезает в языках пламени. Финальные кадры – безграничное небо и море, сопровождаемые закадровым голосом, цитирующим Артюра Рембо.

Синий Кляйна не только закрепился в мире современного искусства или кино, но оставил след даже в литературе и музыке, тут можно вспомнить участников нью-йоркской группы Blue Man, выступающих в образах эдаких инопланетян.

Группа Blue Man

Они носят исключительно черную одежду, а вот лица гримируют краской оттенка International Klein Blue.

В 2019 году институт Pantone назвал «классический синий» цветом 2020 года, отмечая, что он действует умиротворяюще. Эксперты как в воду глядели: спокойствие – это действительно то, в чем мы особенно сильно нуждаемся в эти тревожные месяцы.

Примечательно в истории и то, что тон, выпущенный под номером Pantone 19-4052, можно не только видеть, но еще и слышать, трогать и даже попробовать на вкус. Швейцарская парфюмерная компания Firmenich, например, выпустила свечу, а команда Tealeaves создала чайную смесь, посвященную «Классическому синему». Все это по сути идеи Кляйна о том, что синий цвет безграничен.

В модном мире синий цвет, причем столь же интенсивный, что и у Кляйна, может, и не всегда лидирует, но занимает почетное место практически в каждом сезоне. В прошлом непосредственно к картинам художника обращалась Фиби Файло. В коллекции Celine были платья с принтами знаменитых антропологических работ Кляйна, а в прошлой весенне-летней коллекции след авангардиста, точнее отпечаток руки, был в мужской коллекции Дриса ван Нотена.

Dries Van Noten, весна-лето 2019

В нынешнем сезоне об оттенке IKB вспомнили в Berluti, Dior Men и GmbH. Цвет очень активный и насыщенный и лучше носить его в небольших количествах, ограничиваясь одним элементом или аксессуаром.

Почему шедевр француза Жана Фуке, посвящённый Деве Марии, посчитали кощунственным: «Меленский диптих»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

О художнике

Еще одним важным результатом путешествия в Рим стало то, что Фуке ввел концепции и методы итальянского искусства эпохи Возрождения во французскую живопись. Его последующие работы в области живописи, панно, манускриптов и портретной живописи принесли ему репутацию самого важного французского художника 1400-х годов. В Италии Фуке вдохновлялся фресками Фра Анджелико. Работы знаменитого флорентийца оказали глубокое влияние на него самого. Новая наука о перспективе в итальянском искусстве также повлияла на его творчество. По возвращении из Италии Фуке создал иедивидуальный стиль живописи, сочетающий в себе элементы монументальной итальянской и детализированной фламандской живописи.

В 1447 году Фуке завершил великолепный портрет короля Карла VII. Эта работа стала одной из самых известных французских картин эпохи Возрождения. Впоследствии Жана Фуке пригласили работать художником короля Карла VII. Переживая тяжелую болезнь, Карл VII заблаговременно поручил Фуке создать цветную посмертную маску для публичных похорон. Это свидетельство не только высочайшего мастерства Фуке, но и безграничного доверия короля. При преемнике Карла, Людовике XI, Фуке был назначен peintre du roy (официальным придворным художником). В этой почитаемой должности Фуке руководил большой мастерской, которая создавала картины и рукописи для двора.

«Меленский диптих»

Около 1450 года Фуке создал свою самую известную работу под названием «Меленский диптих». Религиозный диптих Жана Фуке из Соборной церкви Нотр-Дам в Мелён — один из шедевров французской живописи и искусства XV века. Заказчиком был Этьен Шевалье, казначей короля Карла VII, для которого Жан Фуке уже создал великолепный иллюминированный манускрипт «Часослов».

Читать еще:  Украинский художник. Денис Саражин

Шедевр, который сейчас считается одной из величайших картин эпохи Возрождения во Франции XV века, состоит из двух частей. На левой панели в коленопреклоненной позе изображен заказчик Этьен Шевалье. Слева от него – святой Стефан. Последний, облаченный в мантию дьякона, держит книгу, на которой находится зазубренный камень — символ его мученичества. Из смертельной раны на макушке капает кровь. В руке у него главные опознавательные атрибуты – Евангелие и камень, которым он впоследствии был убит. Оба героя смотрят на правую панель с Богородицей.

На правой створке изображена Мадонна, которая восседает на троне в абстрактном пространстве. Фон выполнен в стиле итальянского Возрождения и очень похож на церковный интерьер. Он демонстрирует пилястры, чередующиеся с инкрустированными мраморными панелями. Отчетливо видна фреска с надписью «Estienne Chevalier» (отсылка к заказчику работы). Еще одно упоминание о донаторе содержит Иисус. Младенец сидит на коленях у Мадонны. Его палец указывает в сторону Шевалье, как бы предполагая, что его молитва о божественном милосердии будет услышана. Мадонна изображена с удивительно тонкой талией, модной стрижкой и в великолепном наряде. Ее трон украшен внушительными жемчужинами, драгоценными камнями и изысканными золотыми кистями. Фон заполнен херувимами, раскрашенными в ярко-красный и синий цвета. Лицо и кожа Аньес окрашены в бледно-серый цвет, напоминающий гризайль. Вероятно, это авторский намек на факт ее смерти в 1450 году.

Скандальный фурор

Обнаженная грудь остается загадкой. Совершенно ясно – на полотне нет и намека на то, что Мадонна собиралась кормить Иисуса. Большие размеры, дерзкий вид и идеально сферическая форма — это преднамеренная демонстрация чувственной красоты, что совершенно неуместно для Царицы Небесной. Если учесть местоположение диптиха – в церкви – изображение выглядит просто кощунственно. Однако, как утверждают придворные летописцы Частеллен и Энеа Сильвио Пикколомини (позже Папа Пий II), полотно сыграло в пользу королю. Более того, в то время мало кто из верующих посчитал бы кощунственным называть умершую королевскую любовницу Девой Марией. Мнение о работе было различным. Например, картина не нашла одобрения у голландского историка искусства и средневекового летописца Йохана Хейзинга, который назвал картину ужасающей.

Левая панель с портретом Этьена Шевалье и изображением святого Стефана попала в коллекцию Берлинской картинной галереи в 1896 году. А правая панель, изображающая Мадонну, принадлежала Королевскому музею изящных искусств Антверпена с начала XIX века. Кроме того, сохранился эмалевый медальон с автопортретом Жана Фуке, некогда украшавший раму диптиха, а сейчас хранящийся в Лувре. В январе 2018 года в Берлине произошло сенсационное воссоединение двух частей диптиха (хоть и на короткое время). Событие помогло восстановить утраченное единство великого произведения искусства.

Забытый после смерти, но вновь открытый в XIX веке Фуке по сей день считается выдающимся художником в европейском искусстве. Историки искусства считают его величайшим французским художником XV века, который сочетал в себе методы итальянских художников раннего Возрождения и технику нидерландских художников эпохи Возрождения.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

20 самых красивых и известных картин Поля Сезанна

Поль Сезанн — яркий французский импрессионист середины — конца 19 века. Его эксперименты и титанический труд имели огромное влияние на живопись того периода. В течение всей своей жизни он пытался отыскать свой стиль, сочетать классику и современные живописные течения. Сейчас мы покажем вам самые популярные картины Поля Сезанна.

Блюдо с яблоками (1876)

Яблоки — излюбленные предметы в натюрмортах Сезанна. Красные, жёлтые, зелёные — эти плоды Эдема вдохновляли художника на написание череды роскошных живописных натюрмортов. Одним из таких ранних шедевров является картина «Блюдо с яблоками». Простая композиция и красочная палитра подают зрителю на фарфоровом блюде эффектный и сочный натюрморт.

Купальщик (1885)

Тема купания в творчестве Сезанна использовалась неоднократно. Картина 1885 года «Купальщик» — выделяется из общего ряда подобных картин, так как это настоящий портрет в полный рост. Молодой полуобнажённый мужчина написан на фоне морского побережья. Холодная голубовато-бежевая гамма картины эффектно подчёркивает гибкость и красоту мужской фигуры. Это изображение не классической идеализированной фигуры, а обычного «земного» человека.

Мальчик в красном жилете (1888)

Одним из лучших произведений художника считается необычайно яркий и динамичный портрет «Мальчик в красном жилете». Портрет молодого натурщика Сезанн писал с разных ракурсов четыре раза — в 1888, 1889 и дважды в 1890 году.

На всех полотнах мальчик одет в белоснежную рубашку, тёмные брюки и ярко-красный жилет. На этом полотне юный натурщик изображён анфас, практически в полный рост (от колен). Эффектная поза, яркое пятно жилета, широкополая шляпа создают необычайно запоминающийся образ.

Мост через Марну в Кретее (1888)

Созерцание летнего пейзажа «Мост через Марну в Кретее» кисти Сезанна навевает грусть. Зритель видит застывшее зеркало реки и абсолютно безлюдный берег. Сиреневое небо и желтоватые облака отражаются в безупречной водной глади. Яркая зелень словно утрамбована в крупные геометрические формы. Эти формы рассыпаются, отражаясь в воде. Возле этой удивительно красивой картины можно стоять часами и наслаждаться её непревзойдённым цветом.

Персики и груши (1890)

Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина обладает настоящей жемчужиной — дивным по своей красоте натюрмортом Поля Сезанна «Персики и груши». Сочные и спелые фрукты красиво уложены на белой тарелке и на столе, укрытом смятой белоснежной скатертью с алыми полосами. В левой части натюрморта белоснежная фарфоровая сахарница и кувшин уравновешивают своими формами яркий цвет фруктов.

Читать еще:  Чуткая и поэтичная, иногда ностальгическая. Cedric Marachian

Белизна посуды и скатерти относительна. При близком рассмотрении картины можно отметить только несколько небольших белоснежных бликов на сахарнице и смятой скатерти. Все остальные белые предметы — это сочетание всевозможных оттенков голубого, розового, жёлтого, зелёного и синего. Но сделав шаг назад, возникает настоящее оптическое чудо — зритель ощущает эту сияющую белизну: хрустящая накрахмаленная скатерть вздымается волнами и острыми вершинами над яркими «горящими» фруктами, а фарфор сверкает изысканной чистотой.

Пьеро и Арлекин (1888–1890)

Герои итальянской комедии представлены в традиционных костюмах и изображены в полный рост. Широкий белоснежный костюм, остроконечная шляпа и динамическая поза Пьеро контрастирует с ярко-красным в синие ромбы обтягивающим трико, треуголкой и статичной позой Арлекина. Незамысловатый фон картины складывается из сотен цветовых пятен различных оттенков синего и голубого. Жёлтая цветастая драпировка подчёркивает некую театральность портрета молодых людей.

Натюрморт с яблоками (1890)

Ритмичная яркая картина «Натюрморт с яблоками» в процессе написания имела кардинальные авторские корректировки. Сезанн обрезал полотно, так как искал более эффектную композицию. Красные яблоки, лежащие на тарелке, как главный акцент, сдвинуты художником вправо. Слева их уравновешивают лимон, два зелёных яблока и часть цветочного горшка, попавшего в поле зрения художника. Длинные и небрежные мазки хаотичны, но именно они добавляют натюрморту динамизм и яркий темперамент.

Натюрморт с корзиной яблок (1894–1895)

Этот натюрморт стал настоящим прорывом в живописи конца 19 века. По столу из наклонённой корзины на белую скомканную скатерть рассыпались спелые яблоки. Бутылка вина и тарелка с едой словно ожидают своей очереди для подачи на стол.

Натюрморт смотрится очень цельно, так как Сезанн тщательно подбирал место для каждого предмета. Он любил экспериментировать с формой, цветом и контрастом. Его яблоки, рвущиеся с полотна, хочется попробовать, а белую скомканную скатерть — расправить руками. Крупные, немного грубоватые мазки добавляют предметам фактуру и объём. Необычный цветовой подход и передовые живописные приёмы Сезанна сделали эту картину настоящим живописным шедевром.

На нашем сайте most-beauty вы можете прочитать о выдающихся работах Сандро Боттичелли.

Игроки в карты (1890–1896)

В течение 1890-1896 годов Сезанн создаёт серию из пяти картин, которые изображают процесс карточной игры. Картины имеют разные размеры и отличаются композицией, цветовым решением и количеством игроков.

Моделей для своих картин Сезанн отбирал из местных крестьян. Они терпеливо позировали художнику, что вызывало у Сезанна огромное уважение к этим людям. На его картинах мужчины выглядят очень достойно, не пошло, не жалко, и не статично. Каждый игрок обладает своим характером и темпераментом. Простой интерьер не отвлекает внимание от персонажей, а цветовая гамма каждой картины имеет своё собственное «я».

Полотно с четырьмя игроками имеет самую холодную гамму, тот же вариант, но с пятью игроками (мальчиком, спрятавшимся за спиной центрального игрока) — становится уже более тёплым. Варианты с двумя игроками также развиваются в сторону горячих тонов, от контрастного к монохромному изображению.

Натюрморт со статуэткой (1895)

Натюрморт построен на контрасте холодного и тёплого. Яркие «горячие» яблоки и бежевый стол контрастируют с голубовато-белесым цветом стены и гипсовой скульптуры. Сезанн использовал для своего натюрморта необычную композицию. Вытянутая скульптура просила вертикальное полотно, но художник вписал её в небольшой прямоугольник, расположенный по горизонтали.

Сезанн мастерски уравновесил композицию створкой буфета и складками измятой драпировки позади скульптуры. Перспектива картины демонстративно нарушена, особенно это заметно в крышке стола. Художник делает этот ход специально, для усиления восприятия картины зрителем. Кажется, что сейчас, вместе с решительным шагом фигурки пухлого ангела, придут в движение и все предметы, лежащие на столе.

Игроки в карты (1896)

Это пятая и последняя картина из серии «Игроков в карты». Два серьёзных человека играют в карты в простом кафе. Картина практически монохромная и выполнена в тёплых тонах. Фон картины тёмный и однородный не отвлекает внимание от персонажей.

Казалось бы, Сезанн изобразил абсолютно статичные позы, но они невероятным образом оживляются жестами и интересными выражениями лиц игроков. Левый игрок с трубкой в зубах собирается сделать ход, а правый игрок в чудной заломленной шляпе пытается вникнуть в сочетание своих карт.

Большие Купальщицы (1898)

Это полотно стало завершающим в серии «Купальщиц» Сезанна. У художника был собственный взгляд на красоту человеческого тела. Он не подражал идеалистичному изображению обнажённой натуры. Его женские фигуры целомудренные и чисты. Купальщицы чувствуют себя абсолютно естественно на лоне природы и их не трогают посторонние взгляды.

Серия Го­ра Сен-Вик­ту­ар

Поль Сезанн обожал вид на гору Сен-Виктуар и рисовал его множество раз с различных ракурсов и в различную погоду. Эту серию объединяет одинаковое цветовое решение: синие, голубые, изумрудные, зелёные мазки, положенные наискосок справа налево изредка перекрываются бежевыми или светло-оранжевыми включениями (крыши и стены домов, акведук, дорога).

В некоторых полотнах на передний план выступают сосны или их серебристо-коричневые стволы с раскидистыми кудрявыми ветками. Причудливый горный массив на каждой картине постоянно подвергается трансформации, как будто художник пытался отыскать геометрическую суть этой горы.

Пирамида из черепов (1900)

Пирамида из черепов в исполнении Поля Сезанна — это настоящий гимн скоротечности жизни и постоянства смерти. Необычный натюрморт выглядит несколько устрашающе, но очень живописно. Верхний череп — самый светлый, на нём видны холодные рефлексы от окружающих его предметов, не видимых для зрителя. Эти крупные голубые мазки создают необычайный накал страстей. Череп выглядит устрашающе и предупреждает о неминуемом конце для каждого человека.

Читать еще:  Фотография и театр. Gergana Zmiicharova. Romeo & Juliet

Ещё картины Сезанна:

Нам очень сложно выбрать лучшие картины Сезанна среди самых популярных, а рассказывать обо всех довольно долго, поэтому ниже мы разместим ещё несколько картин великого живописца, но без описания.

Pierre Joseph Redouté(1759-1840).Цветы.Часть 1

Пьер-Жозеф Редуте был официальным придворным художником Марии-Антуанетты, рисовал ее сады в Petite Trianon. Позже ему покровительствовала императрица Жозефина.

Ему удалось пережить и французскую революцию, и период Террора.В годы правления Наполеона он создал и издал свои наиболее роскошные книги, изображающие растения из Японии, Южной Африки и Австралии, а также Европы и Америки.


Louis-Léopold Boilly
Pierre Joseph Redouté(1759-1840)

Пьер-Жозеф Редуте -бельгийский художник и ботаник, известный своими картинами роз, лилий и других цветов в садах Мальмезон.

Он родился в Сент-Юбер, Люксембург, который сейчас является частью Бельгии.
Его дед и отец были художниками, но сам Редуте не получил профессионального художественного образования. Он покинул родительский дом в возрасте до 13 лет, чтобы заработать себе на жизнь, как странствующий художник.

Получая заказы, он оформлял интерьеры, писал портреты и картины на религиозные темы.
В 1782 он приезжает в Париж, где его старший брат Антуан Фердинанд работал декоратором и сценографом.

Редуте изучал традиции фламандских и голландских художников, рисовавших цветы.

Парижский коллекционер Шевье познакомил Пьера-Жозефа с художником Герардом ван Спайндоком, рисовавшим ботанические растения сада Du Roi, ставшего после Французской революции основой Ботанического сада Музея естественной истории.

В этом саду Редуте познакомился и подружился с ботаником и книголюбом Шарлем Луи Ле Херитье де Брютеллем. Они и стали учителями молодого художника, Ван Спайндок учил рисовать растения, Ле Херитье научил его препарировать цветы и изображать их
диагностические характеристики.

4. 5. Французский классицизм XVII в. Ленен, Латур

4.5. Французское искусство XVII века. Классицизм
XVII век — время формирования единого французского государства, французской нации. Во второй половине столетия Франция —самая могущественная абсолютистская держава в Западной Европе.

Это и время сложения французской национальной школы в изобразительном искусстве, формирования классицистического направления, родиной которого по праву считается Франция.

В сфере изобразительного искусства процесс формирования классицизма был не таким единым, здесь переплелись влияния маньеризма, фламандского и итальянского барокко. На французскую живопись первой половины века имели влияние и кавараджизм, и реалистическое искусство Голландии.

Главные приметы караваджима это максимальная реалистичность, отсутствие театрального антуража (нарядных костюмов, пышных платьев, барочных завитков и так далее), максимальная передача объемности фигур, а также резкий контраст света и тени, придуманный Караваджо (градации светлого и тёмного, распределение различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющее воспринимать изображаемый предмет объёмным).

Картины нарисованы на темном фоне, силуэты людей светлые. Преобладают мрачные цвета: коричневый, черный, пурпурный, иногда темно-зеленый — кажется, что действие картины происходит в плохо освещенной комнате. Чуть позже импрессионисты говорили «надоело рисовать различными цветами кофе».

На творчестве живописцев братьев Ленен особенно Луи Ленена отчетливо прослеживается влияние голландского искусства. Луи Ленен (1593—1648) изображает крестьян без пасторальной слащавости, без сельской экзотики, не впадая в умиление. В живописи Ленена нет, конечно, следов социальной критики, но его герои полны внутреннего достоинства и благородства, как персонажи жанровых картин молодого Веласкеса.

Творчество французских художников XVIII века братьев Ленен в течение двух столетий является загадкой для историков искусства. Известно, что их было трое — Антуан, Луи и Матье. Известно и то, что они работали вместе и подписывали свои картины общим именем — Ленен.

Братья родились в Лане и работали в Париже, им принадлежат картины из жизни крестьян и мелких буржуа. Работали в близкой манере, подписывались одной фамилией, поэтому их работы с трудом поддаются различению. Более известен Луи, ему приписывают преобладающую часть картин из крестьянской жизни, например, «Счастливое семейство.(Лувр)». Преобладающую часть миниатюр приписывают Антуану, портреты — Матье, например, «Портрет юноши» или «Игроки».

Бытовая жизнь передаётся Лененом возвышенно «Крестьянская трапеза.1642». В них нет повествовательности, иллюстративности, композиция строго продумана и статична, детали тщательно выверены и отобраны ради выявления прежде всего этической, нравственной основы произведения.

К этому же направлению относится творчество художника Жоржа де Латура (1593— 1652). В своих первых работах на жанровые темы Латур выступает как художник, близкий к Караваджо «Гадалка.1633-1639». Вторая половина 30-х —40-е годы —время творческой зрелости Латура. Он меньше обращается в этот период к жанровым сюжетам, например, «Шулер с трефовым тузом», видно, что есть нечто таинственное во взаимоотношениях персонажей. Игра здесь всего лишь предлог. Мастер использует ее, чтобы вывести наружу три порочных искушения в соответствии с моралью XVII века: игра, женщины и вино.

Латур пишет в основном картины религиозные. Темы Священного Писания дают художнику возможность раскрыть языком живописи самые значительные проблемы: жизнь, рождение, смирение, сострадание, смерть. Огромное символическое значение в произведениях Латура имеет свет (обычно это свет свечи или факела), придающий его композициям оттенок таинственного, неземного, например, «Святая Ирина, врачующая Святого Себастьяна.1652».

Художественный язык Латура — предвестие классицистического стиля: строгость, конструктивная ясность, четкость композиции, пластическое равновесие обобщенных форм, безукоризненная цельность силуэта, статика. Все это сообщает образам Латура черты извечного, надмирного.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector