Южноафриканский художник. Sarah Danes Jarrett

Южноафриканский художник. Sarah Danes Jarrett

Сара Джонс (художник) — Sarah Jones (artist)

Сара Джонс (родилась в 1959 г.) из Лондона, Великобритания, визуальный художник, работающий в основном в области фотографии. Ее практика уходит корнями в историю искусства, и на нее влияют такие темы, как психоанализ , подростковый возраст и викторианский период . Она получила международное признание в середине 1990-х, когда в 1996 году получила степень магистра изящных искусств в колледже Голдсмит в Лондоне.

Содержание

Карьера и молодость

Карьера Джонс получила признание после получения ею степени магистра в колледже Голдсмита в 1996 году. В дальнейшем она принимала участие во многих известных выставках, в том числе в 3-й Международной Токийской биеннале фотографии, представленной в Метрополитен-музее фотографии Токио, и « Другая девушка, другая планета». куратор Грегори Крюдсон и 12 других известных современных фотографов.

Другая девушка, другая планета

Джонс также участвовал в шоу 1999 года « Другая девушка, другая планета» вместе с 9 другими женщинами-художниками, кураторами которого были Грегори Крюдсон и Джин Гринберг Рохатин в галерее Ван Дорен в Нью-Йорке, Нью-Йорк. Среди других артистов, участвовавших в шоу, были Анна Гаскелл , Кэти Граннан , Мэлери Мардер , Жюстин Курланд и другие. Шоу состояло в основном из тем, касающихся юности и женственности. Шоу были смешанные отзывы, многие критики, такие как Katy Зигеля, критиковал порнографические и сексуализированные элементы в шоу, имея в виду , в частности , на фотографии девочек — подростков. Сайгель опубликовал статью о фотографах, участвовавших в шоу, под названием «Dial P для трусиков: повествовательная фотография в 1990-е годы» и представил несколько резких обзоров, назвавших группу женщин-художников «фотографами в трусиках».

В другом обзоре New York Times, опубликованном в 1999 году, шоу описывается как мечтательное и эротически заряженное: « Широкоэкранные цветные фотографии Джастин Курланд, изображающие банды девочек без присмотра, играющих в лесу, портреты подростков Кэти Граннан ». люди, позирующие в нижнем белье в своих спальнях, большой прерафаэлитный образ Сары Джонс с задумчивыми близнецами в саду на заднем дворе или видение Малери Мардер девушки в бикини, плавающей на плоту у бассейна, — вы чувствуете настроение мечтательной, эротически заряженной бродяжничество, которым сами фотографы, кажется, так плодотворно одержимы ».

Сегодняшний день

Джонс — читатель и старший преподаватель фотографии в Королевском колледже искусств в Лондоне.

Работы Джонса выставлялись на многочисленных национальных и международных выставках. Персональные выставки включают: Музей Фолькванг, Эссен; Музей королевы Софии, Мадрид; Le Consortium, Дижон; Huis Marseille, Амстердам; Морин Пейли, Лондон и Галерея Антона Керна, Нью-Йорк. Групповые выставки включают; Тейт Британия; Тейт Ливерпуль; Художественный музей Вольфсбурга ; Staatliche Kunsthalle, Баден-Баден; Музей округа Ориндж, Лос-Анджелес, и Художественный музей Нортона, Флорида. Ее работы представлены как в государственных, так и в частных коллекциях на национальном и международном уровнях.

Джонс наслаждается фотографией за ее способность изучать что-то, останавливаясь на мгновение, чтобы рассмотреть это более внимательно. «Возможно, фотография позволяет нам мечтать; в мечтах время, кажется, растягивается». Джонс заявляет в интервью AM Homes для журнала Frieze. На нее также сильно повлиял психоанализ и теории Зигмунда Фрейда , Жака Лакана и других известных теоретиков психологии. Эти идеи психоанализа были исследованы в ее серии фотографий кушеток психоаналитиков. Она хотела исследовать пространства, которые позволяли людям заново пережить переживания и ослабить хватку, которую их прошлое оказывает на них. Поговорив с главой Британского института психоанализа, она узнала, что пациенты часто вели себя так, как будто на сеансе присутствовала третья сторона, что было интересно для нее в том смысле, что камера была третьим присутствием. Создание идеи аудитории.

Образы Джонса носят повествовательный характер, и ей интересно, как построено повествование. Она также считает, что фотография оставляет зрителю возможность привнести в изображение уникальный рассказ и впечатления. Она развивает свои повествования, используя различные визуальные коды, которые отсылают к ее многочисленным отсылкам, которые она делает в своей работе. Некоторые из этих кодексов включают использование ею ссылок на историю искусства и ее фетишизацию волос. Ее фотография «Лошадь (профиль) (черный) (I)» 2010 года была связана с черной лошадью Мейбриджа, а ее фотографии роз сравнивают с ботаническими исследованиями Карла Блоссфельдта.

Ее художественно-исторические отсылки очевидны в выборе цветов на фотографиях. У нее сильное присутствие синего, чтобы обозначить Возвышенное или расстояние в живописи Возрождения . А также сильные оттенки красного на ее фотографиях, таких как «Гостиная (Занавеска) (I)]». Ее серия «Цветок» находится под сильным влиянием готической эпохи , черпая вдохновение из эстетики того времени, чтобы создать «викторианские розарии» и богатые таинственные цвета и тьму.

На нее также сильно повлияла викторианская культурная одержимость фотографированием волос и тем, как волосы могут выступать в качестве аллегории местоположения и фигуры, или, по ее словам, волосы могут символизировать «слегка сошедшую с ума природу». Волосы напоминают ей розы, которые она фотографирует, «тонкие, тонкие и красивые, цветущие, но слегка больные».

Джерард Секото

Gerard Sekoto

Джерард Секото

Gerard Sekoto

  • Дата рождения: 9 декабря 1913 г. ; Botshabelo near Middelburg, Mpumalanga, South Africa
  • Дата смерти: 20 марта 1993 г. ; Paris, France
  • Годы активности: 1938 — 1989
  • Национальность:южноафриканец
  • Направление:Социальный Реализм
  • Сфера:живопись
  • Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Секото,_Джерард

Заказать
репродукцию

Джерард Секото (англ. Gerard Sekoto; 9 декабря 1913(19131209), Ботшабело[en], около Мидделбурга, Трансвааль — 20 марта 1993, Париж) — крупнейший южноафриканский художник, один из основоположников городского чёрного искусства. С 1947 года жил в эмиграции во Франции.

Джерард Секото родился на миссии немецкой лютеранской церкви в Восточном Трансваале. Провёл своё детство на другой миссии около Мидделбурга, куда был переведён его отец, священник и проповедник. Секото учился в школе в Вондерхуке, затем с 1930 года посещал институт Грас-Дьё, затем учился в колледже около Питерсбюрга и получил диплом учителя. С 1934 по 1938 год он преподавал в школе около Питерсбюрга.

Рано начал рисовать, но окончательно стал заниматься живописью в середине 1930-х годов, после окончания колледжа. В 1938 году он получил вторую премию на национальном художественном конкурсе. В 1939 году он принял решение оставить преподавание и профессионально заняться искусством. После этого Секото переехал в Йоханнесбург позже уничтоженный квартал Софиятаун). Там начал работать в масле, научившись этой технике у художников Алексиса Преллера и Юдит Глюкман. Позже жил в снесённых впоследствии кварталах Кейптауна, и Претории, где создал красочные картины, показывающие городскую жизнь.

В 1947 году Секото принял решение эмигрировать и более никогда не возвращался в Южную Африку. Главным образом это решение было основано на отсутствии политической свободы и перспектив его творческого развития. Его работы южноафриканского периода считаются вершиной творчества Секото.

Впервые Джерард Секото попал в фокус международного внимания, когда он принял участие в галерее Тейт в выставке южноафриканских художников. Начиная с 1953 года, он регулярно выставлялся в Париже, с 1963 года — в ЮАР. В 1966 году он впервые после своего отъезда вернулся в Африку, проведя около года в Сенегале. В это же время он был лишён южноафриканского гражданства.

В конце 1970-х годов здоровье художника ухудшилось, и он стал меньше выставляться. В 1989 году он получил степень почётного доктора Витватерстандского университета в Южной Африке.

Секото завещал все свои произведения и имущество для поддержки художественного образования детей Южно-Африканской Республики. Так как реализация завещания требовала усилий со стороны правительств Франции и ЮАР, был создан фонд Джерарда Секото. В 1998 году правительство Франции согласилось не облагать завещанное имущество налогом, и вся коллекция, насчитывающая около 3000 картин, была передана в Национальную Галерею в Кейптаун.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Гейнсборо. Портрет Сары Сидонс

Томас Гейнсборо. Портрет Сары Сиддонс. 1783 — 1785 годы.Лондонская национальная галерея.

Самым крупным английским художником XVIII века был Томас Гейнсборо (1727-1788). Классические традиции почти не оказали влияния на его творчество.
В своих портретах Гейнсборо почти никогда не дает типических характеристик, свойственных портретам Рейнолдса.

Его не интересует ни профессия, ни общественная роль изображаемого лица. В каждой модели художника прежде всего привлекает ее духовная индивидуальность, ее настроение. Отсюда удивительная психологическая тонкость и одухотворенность портретных образов Гейнсборо, который становится одним из самых признанных портретистов Англии, однако всеобщее восхищение вызывали и его пейзажи. В 1774 году Томас Гейнсборо получает звание придворного художника, его слава соперничает со славой самого Рейнолдса. Но портреты, которые они пишут, абсолютно различны по манере, технике, колориту. Палитра Гейнсборо становится все более светлой и воздушной, приближаясь порой по по своему нежному звучанию к пастели.

Техника живописи тоже обретает все большую своеобразность. Смелая и нервная кисть художника то оставляет на полотне почти графический штрих, то ложится пятнышками разноцветных мазков; при взгляде на расстоянии они образуют форму и фактуру предметов. В 80-е годы художник один за другим создает свои шедевры — Утреннюю прогулку и Портрет Сары Сиддонс. Картина Утренняя прогулка создана художником в 1785 году. Гуляющая по лесу пара возникает перед нами как образец супружеской гармонии и верности. Глядя на них, мы почти слышим их неторопливый разговор, шуршание травы под ногами. Изысканные наряды, требующая внимания белая собачка — все словно растворено в окружающем их прекрасном мире.

Портрет Сары Сиддонс — портретный шедевр Гейнсборо. Сара Сиддон, одна из двенадцати детей владельцев бродячего театра, сумела стать ведущей актрисой своего времени. Ее портреты писали и Рейндолдс, и Лоуренс. Однако, пожалуй, только Гейнсборо удалось увековечить облик этой великой актрисы, сумевшей прийти через все тернии к славе. Сара сидит в кресле на фоне красной драпировки, которая выгодно оттеняет голубой костюм актрисы (голубой был любимым цветом художника).
Ее изящный, чуть хищный профиль венчает черная шляпа с перьями, смотрящаяся на ней как корона. Желтый шарф актрисы хорошо сочетается с коричневой меховой муфтой, лежащей у нее на коленях. Всем своим видом Сара как бы говорит: «Смотрите на меня, вот я какая. И всем, что у меня есть, я обязана только самой себе».

Ее бледно-желтый шарф и коричневый мех контрастируют с синими лентами в декоре платьев, но еще более драматично контрастирует массивная черная шляпа с пером на ярко-красном фоне. Сара на портрете выглядит очень уверенно. Взгляд ее карие глаза острый и насмешливый. Она четко знает свою ценность, но не впадает в высокомерие.

СИДДОНС, САРА КЕМБЛ (Siddons, Sarah Kemble) (1755–1831), английская актриса. Известность актрисе принесли ее классическая красота, мастерство сценической речи, но прежде всего трактовка образа леди Макбет: Сиддонс считается едва ли не лучшей леди Макбет в истории мирового театра. К числу других ее актерских удач относятся Дездемона и Волумния в шекспировском Кориолане. Сиддонс оставила сцену в 1818 после ряда триумфальных прощальных спектаклей.
Умерла Сиддонс в Лондоне 8 июня 1831. Её статуя находится в Вестминстерском аббатстве.

Сара Джонс (художник) — Sarah Jones (artist)

Сара Джонс (родилась в 1959 г.) из Лондона, Великобритания, визуальный художник, работающий в основном в области фотографии. Ее практика уходит корнями в историю искусства, и на нее влияют такие темы, как психоанализ , подростковый возраст и викторианский период . Она получила международное признание в середине 1990-х, когда в 1996 году получила степень магистра изящных искусств в колледже Голдсмит в Лондоне.

Содержание

Карьера и молодость

Карьера Джонс получила признание после получения ею степени магистра в колледже Голдсмита в 1996 году. В дальнейшем она принимала участие во многих известных выставках, в том числе в 3-й Международной Токийской биеннале фотографии, представленной в Метрополитен-музее фотографии Токио, и « Другая девушка, другая планета». куратор Грегори Крюдсон и 12 других известных современных фотографов.

Другая девушка, другая планета

Джонс также участвовал в шоу 1999 года « Другая девушка, другая планета» вместе с 9 другими женщинами-художниками, кураторами которого были Грегори Крюдсон и Джин Гринберг Рохатин в галерее Ван Дорен в Нью-Йорке, Нью-Йорк. Среди других артистов, участвовавших в шоу, были Анна Гаскелл , Кэти Граннан , Мэлери Мардер , Жюстин Курланд и другие. Шоу состояло в основном из тем, касающихся юности и женственности. Шоу были смешанные отзывы, многие критики, такие как Katy Зигеля, критиковал порнографические и сексуализированные элементы в шоу, имея в виду , в частности , на фотографии девочек — подростков. Сайгель опубликовал статью о фотографах, участвовавших в шоу, под названием «Dial P для трусиков: повествовательная фотография в 1990-е годы» и представил несколько резких обзоров, назвавших группу женщин-художников «фотографами в трусиках».

В другом обзоре New York Times, опубликованном в 1999 году, шоу описывается как мечтательное и эротически заряженное: « Широкоэкранные цветные фотографии Джастин Курланд, изображающие банды девочек без присмотра, играющих в лесу, портреты подростков Кэти Граннан ». люди, позирующие в нижнем белье в своих спальнях, большой прерафаэлитный образ Сары Джонс с задумчивыми близнецами в саду на заднем дворе или видение Малери Мардер девушки в бикини, плавающей на плоту у бассейна, — вы чувствуете настроение мечтательной, эротически заряженной бродяжничество, которым сами фотографы, кажется, так плодотворно одержимы ».

Сегодняшний день

Джонс — читатель и старший преподаватель фотографии в Королевском колледже искусств в Лондоне.

Работы Джонса выставлялись на многочисленных национальных и международных выставках. Персональные выставки включают: Музей Фолькванг, Эссен; Музей королевы Софии, Мадрид; Le Consortium, Дижон; Huis Marseille, Амстердам; Морин Пейли, Лондон и Галерея Антона Керна, Нью-Йорк. Групповые выставки включают; Тейт Британия; Тейт Ливерпуль; Художественный музей Вольфсбурга ; Staatliche Kunsthalle, Баден-Баден; Музей округа Ориндж, Лос-Анджелес, и Художественный музей Нортона, Флорида. Ее работы представлены как в государственных, так и в частных коллекциях на национальном и международном уровнях.

Джонс наслаждается фотографией за ее способность изучать что-то, останавливаясь на мгновение, чтобы рассмотреть это более внимательно. «Возможно, фотография позволяет нам мечтать; в мечтах время, кажется, растягивается». Джонс заявляет в интервью AM Homes для журнала Frieze. На нее также сильно повлиял психоанализ и теории Зигмунда Фрейда , Жака Лакана и других известных теоретиков психологии. Эти идеи психоанализа были исследованы в ее серии фотографий кушеток психоаналитиков. Она хотела исследовать пространства, которые позволяли людям заново пережить переживания и ослабить хватку, которую их прошлое оказывает на них. Поговорив с главой Британского института психоанализа, она узнала, что пациенты часто вели себя так, как будто на сеансе присутствовала третья сторона, что было интересно для нее в том смысле, что камера была третьим присутствием. Создание идеи аудитории.

Образы Джонса носят повествовательный характер, и ей интересно, как построено повествование. Она также считает, что фотография оставляет зрителю возможность привнести в изображение уникальный рассказ и впечатления. Она развивает свои повествования, используя различные визуальные коды, которые отсылают к ее многочисленным отсылкам, которые она делает в своей работе. Некоторые из этих кодексов включают использование ею ссылок на историю искусства и ее фетишизацию волос. Ее фотография «Лошадь (профиль) (черный) (I)» 2010 года была связана с черной лошадью Мейбриджа, а ее фотографии роз сравнивают с ботаническими исследованиями Карла Блоссфельдта.

Ее художественно-исторические отсылки очевидны в выборе цветов на фотографиях. У нее сильное присутствие синего, чтобы обозначить Возвышенное или расстояние в живописи Возрождения . А также сильные оттенки красного на ее фотографиях, таких как «Гостиная (Занавеска) (I)]». Ее серия «Цветок» находится под сильным влиянием готической эпохи , черпая вдохновение из эстетики того времени, чтобы создать «викторианские розарии» и богатые таинственные цвета и тьму.

На нее также сильно повлияла викторианская культурная одержимость фотографированием волос и тем, как волосы могут выступать в качестве аллегории местоположения и фигуры, или, по ее словам, волосы могут символизировать «слегка сошедшую с ума природу». Волосы напоминают ей розы, которые она фотографирует, «тонкие, тонкие и красивые, цветущие, но слегка больные».

Альберто Варгас — художник, который сделал пин-ап трендом

Среди всех жанров современного изобразительного творчества пин-ап можно считать самым народным. Картины в плакатном стиле, с красивыми, нередко раздетыми девушками, не претендуют на звание высокого искусства, но при этом нравятся почти всем.

Но мало кто знает, что своей популярностью пин-ап во многом обязан Альберто Варгасу — художнику, которого сегодня считают классиком этого направления. (Осторожно! Обнаженная натура).

Хоакин Альберто Варгас-и-Чавес (исп. Joaquin Alberto Vargas y Chávez) родился 9 февраля 1896 года в Арекипе, Перу. Отец Хоакина — Макс Варгас, был известным в стране фотографом-портретистом, а на досуге снимал живописные горные пейзажи и немного рисовал.

Поэтому совсем неудивительно что юный Альберто с самых юных лет начал интересоваться живописью и фотографией. В 7 лет юный Варгас уже продавал местным газетам свои карикатуры, а в 10 ловко управлялся с отцовским фотооборудованием и сам делал отпечатки в домашней лаборатории.

Родители приветствовали увлечения сына и когда ему исполнилось 15 лет отправили его и младшего брата Макса учиться в Швейцарию. Макс посвятил себя изучению банковского дела, а Альберто, как и планировал, начал брать уроки фотомастерства. Глава семейства страстно желал, чтобы старший сын продолжил его дело и тот просто не мог разочаровать любимого отца.

Варгас за работой

Но Первая мировая война нарушила планы братьев и им пришлось возвращаться на родину, в Перу. Путь их лежал через Нью-Йорк, увидев который Альберто потерял голову. С этого момента жизнь Варгаса завертелась совсем не так, как хотела его семья, благодаря чему мы и знаем его как классика пин-апа.

Всего несколько дней понадобилось молодому фотографу, чтобы принять решение остаться в Америке и посвятить себя рисованию. Путь к успеху не был простым — первое время Альберто приходилось работать на киностудиях, рисуя декорации и афиши.

С тем периодом жизни и творчества художника связаны две самые известные его картины — портрет актрисы Олив Томас и афиша с полуобнаженной Зитой Йоган к кинокартине «Грех Норы Моран», вышедшей в 1933 году.

«Грех Норы Моран», 1933 год

Но настоящий успех пришел к Альберто Варгасу в 40-е годы. Художник рисовал для журнала Esquire тех самых знаменитых «девушек Варгаса», которых так любили американские военные.

Девушки, образы которых были навеяны журнальными иллюстрациями Альберто, появились на фюзеляжах боевых самолетов, рубках подводных лодок, башнях бронетехники. Вместе с другим мастером пин-апа, Джорджем Петти, Варгас стал самым востребованным среди американских военных и их союзников художником.

Варгас был востребован и его работы хорошо оплачивались, пока не начался конфликт между Esquire и Почтовой службой США. Ведомство требовало запретить публикацию фривольных изображений на обложках или перевести журнал в самую дорогую рассыльную категорию, что могло обернуться для издания банкротством.

Судебные тяжбы продолжались с 1943 по 1946 год и Esquire таки выиграл дело, оставшись доступным для подписчиков с любым доходом. К сожалению, Альберто Варгасу, из-за которого и разгорелся скандал, после череды судебных исков, в редакции журнала места не нашлось. У художника началась затяжная полоса неудач, сопровождавшаяся бедностью и периодами отчаянья.

Светлая полоса началась в 1960 году, когда Варгас начал работать в журнале Playboy у Хью Хефнера, с которым вместе трудился в 40-х в Esquire. Журнал не только охотно публиковал иллюстрации Альберто, но и подписывал их как «девушки Варгаса», способствуя еще большему росту популярности мастера.

Альберто Варгас стал известен и в 70−80х годах его выставки проходили во многих странах. Работы художника высоко ценятся на аукционах как при его жизни, так и после смерти в 1982 году.

В 2003 году на «Кристис», при распродаже архивов Playboy, картина Варгаса «Trick or Treat» 1967 года была продана за рекордную для работы в стиле пин-ап сумму 71 600 долларов.

Если вам кто-то скажет, что пин-ап сегодня не в тренде, покажите этому человеку иллюстрации тайваньского художника Pigo Lin, одним из вдохновителей которого был Альберто Варгас.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Читать еще:  Скульптуры из отходов от Valerie Buess
Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector