Нидерландский художник. Egmont Hartwig

Нидерландский художник. Egmont Hartwig

Кто такие «малые голландцы», и чем прославились их самые известные представители

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Немного истории

Появление голландской школы живописи в начале XVII века является одним из самых необычайных явлений в истории изобразительного искусства. Нидерланды к тому времени уже стали политическим образованием, но все еще страдали от последствий долгой и тяжелой войны против Испании. И все же успех маленькой республики в обретении независимости от могущественного противника привел к огромному чувству собственного достоинства.

Голландцы гордились своими достижениями, своей землей и намеревались создать форму правления, которая обеспечила бы прочную основу для будущего. Безусловно, они были горды и своим культурным наследием. Произведения голландских художников XVII века составили одну из ярчайших страниц мировой живописи. В течение XVII века в голландском искусстве было создано от 5 до 10 миллионов произведений искусства. И только 1% из них дошли до наших дней. Произведения искусства, от простых печатных изданий и копий до оригиналов, висели почти во всех голландских домах. Например, 2/3 картин были найдены в частных домах Делфта. Нидерланды производили бесчисленные шедевры в каждом жанре живописи. Особенно изумительны были работы «малых голландцев».

Почему «малые» голландцы?

Наверняка, первое, что приходит в голову, когда впервые услышал этот термин, это маленький рост этих самых голландцев. Однако, к росту и размерам представителей нации термин не имеет никакого отношения. Сами голландцы — абсолютно нормальные во всех отношениях. Хотя нет, они гениальные в своем таланте живописи! Им удалось создать маленькие картины с тончайшей нюансировкой и детализацией, а сцены на их полотнах олицетворяют бытовые сюжеты, содержат натюрморты или передают красоту пейзажа.

Таким образом, «малые голландцы» это три основных критерия:
1. Маленький размер (примерно 40х30).
2. Тщательная детализация (ткани, посуда, интерьер и пр.).
3. Принадлежность к трем жанрам: бытовой, натюрморт или пейзаж. А большее и не вместится.
Почему же создавались такие маленькие картины? Это обусловлено коммерческими причинами. Основной средний класс — бюргеры, ремесленники — жили в небольших комнатах, в которых монументальные картины вряд ли получится повесить. Работы «малых голландцев» предназначались не для дворцов или храмов, а для скромного интерьера обычного жилого дома и отличались особым интимно-камерным характером изображения. Да и ценник на маленькие картины был ниже, чем на большие. К «малым голландцам» прежде всего относят Яна Вермеера, Питера де Хоха, Герхарда Тербоха, Яна ван Гойена, Питера Класа и других мастеров.

1. Ян Вермеер (1632-1675)

Практически игнорируемый в свое время, в наши дни Ян Вермеер считается одним из наиболее ярких представителей «малых голландцев» и старых мастеров. Самая известная работа — «Девушка с жемчужной сережкой» — в которой взаимодействие света на различных тканях и удивительное отражение, сияющее на этой жемчужной сережке, делают ее одним из шедевров западного искусства. Вермеер использовал в своей технике камеру-обскуру, ставшую доступной в Нидерландах в середине XVII века.

Лучшие работы Вермеера включают изображения окон, и Вермеер использовал свой новый инструмент для передачи волшебной свето-тени. Неспроста его называют волшебником света. Что еще выделяет его на фоне коллег-малых голландцев? Удивительная любовь к желто-синей палитре. Кстати, Вермеер был одним из немногих, кто позволял себе использовать один из самых дорогих и редких пигментов — синий ультрамарин.

2. Питер де Хох (1629–1684)

Картины голландского художника Питера де Хоха ценятся прежде всего за особенное видение спокойствия и порядка жизни. Лучшие работы де Хоха были написаны во время его проживания в Делфте. Его мастерство в продуманном пространственном построении очень явно в работе «Игроки в карты» (1658). В ней прямоугольные формы архитектурных деталей и элементов обстановки образуют абстрактный узор, в котором фигуры складываются в удивительную гармонию и равновесие. Абсолютный порядок! Очень часто де Хоха сравнивают с Вермеером.

Были ли они знакомы (учитывая, что оба проживали в Делфте в одно время), какие у них были отношения и каково было их взаимное влияние — доподлинно неизвестно. Стиль де Хоха отличается от техники Вермеера тем, что его свет и цвета теплее, его пространственные конструкции более сложные, а его фигурам не хватает трехмерности Вермеера. Лицам, которые красит Де Хох, немного не хватает уверенности, внутреннего стержня, характерности. Они более слабые, словно дополняют композицию, а не определяют ее. Но все это, безусловно, не умаляет мастерства де Хоха в передаче гармонии жизни через свои полотна.

3. Герхард Терборх (1617 – 1681)

4. Питер Клас 1597-1661

Питер Клас — голландский художник, добившийся успеха в изображении поразительной простоты и атмосферности. Избегая многолюдных композиций и насыщенного маньеризма, он сосредоточился на монохромной теме (например, изображении простой трапезы, накрытой в углу стола). Натюрморты Класа — это большое разнообразие еды и напитков, курительных принадлежностей и музыкальных инструментов. Игра света на элементах натюрморта — бокал вина, нож, металлическая тарелка с рыбой или хлебом, ваза с ягодами — создает поразительный эффект при простых элементах и мягкой палитре. После 1640 года работы Питера Класа стали более декоративными и включали в себя роскошные натюрморты. Его сын, Николас Берхем, был известным пейзажистом. Инновационные композиции Класа и его уникальная способность объединять один и тот же набор предметов во множество оригинальных и убедительных аранжировок оказали влияние на художников и за пределами Голландии.

5. Ян ван Гойен (1596-1656)

Ян ван Гойен — художник и гравер, один из самых одаренных пейзажистов в Нидерландах в начале 17 века. Чтобы прокормить себя и свою семью ван Гойен работал аукционистом, оценщиком искусства и инвестором в недвижимость. Кроме того, художник спекулировал на луковицах тюльпанов, в то время экзотических и крайне популярных цветах, но понес серьезные потери, когда рынок тюльпанов рухнул в 1637 году. Кстати, именно тюльпаномания привела к развитию жанра цветочных натюрмортов. Пейзажи Яна ван Гойена очень детализированы, имеют сильный местный колорит и часто служат опорой для жанровых сцен. Впоследствии его композиции стали проще, а техника утонченнее. Стремление ван Гойена в передаче естественного света и едва заметных атмосферных явлений являются основными отличительными чертами пейзажей в сравнении с его современниками.

Читать еще:  Немецкий художник. Hilly Kessler

Таким образом, «малые» голландцы» смогли оставить свой бесценный след в живописи Золотого века Голландии и в целом в мировом искусстве. Маленький размер картин, тщательнейшая проработка деталей, гармоничные сцены — вот что выделяет группу «малых голландцев» среди современников.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

«Природная гармония есть в женщине-художнице. » Датская художница Bertha Wegmann (1847 – 1926)

Весенний букет с собачкой

Берта Вегманн родилась в Швейцарии, поэтому некоторые источники называют ее швейцарской художницей. В возрасте пяти лет, в 1853 году, ее родители переехали в Данию. Отец Берты, мануфактурщик-фабрикант, в юности сам хотел быть художником, поэтому, когда он обнаружил у своей дочери талант к живописи, он первым сам стал давать ей уроки рисования.

В 1860 году Берта стала учиться в Копенгагене, а через 7 лет продолжила обучение в Мюнхене. Вскоре после прибытия в Мюнхен, она познакомилась со шведской художницей Жанной Баук. Девушки подружились и стали жить вместе. Знаком их дружбы стало то, что Вегманн неоднократно писала портреты подруги.

В 1881 году Берта удостоилась права выставить свои работы в Парижском Салоне, где получила Почетное упоминание, что приравнивалось к официальному признанию художницы критиками и коллегами. В следующем году на выставке Салона Вегманн получила Малую золотую медаль за портрет своей сестры.

В 1883 году уже дома, в Дании, Вегманн стала первой женщиной, когда-либо избранной кандидатом в члены Академии художеств. В 1887 году Берта Вегманн стала членом Академии, а позднее в этом году она была избрана в Комитет Шарлоттенбурга, хотя до сих пор это было исключительной прерогативой мужчин-художников.

В 1892 году Берта Вегманн стала первой женщиной, получившей Золотую медаль за заслуги «Ingenio et Arti». Медаль «Ingenio et Arti» является личной наградой датского короля и присуждается видным датским и зарубежным ученым и художникам.

Портрет художницы Жанны Баук

Портрет Сесилии Триер

Женщина, шьющая в интерьере

Интерьер с пианино

Женщина в интерьере, освещённом солнцем

Натюрморт с берёзовыми ветками и цветами в вазе

Последнее приветствие осени

Сосновый лес в Тироле

Молодая мать с ребёнком в саду

Анна Зеекамп, сестра художницы

Женщина с книгой

Картина Жанны Баук. «Датская художница Берта Вегман пишет портрет»

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Живопись на доске: голландская картина XVII века как образец. Цикл «Оригинал. Копия. Подделка. Готовимся к выставке вместе»

Все материалы рубрики

Сегодня мы поговорим о стилистических и технологических особенностях голландской живописи XVII века, выполненной на деревянной основе.

Для большей наглядности сравним две картины, которые на протяжении многих десятилетий считались в музее практически равноценными. Они похожи жанром, материалом основы, размером. Одна из них сохранила традиционную атрибуцию, вторая сейчас отнесена к произведениям копийно-имитационного метода конца XVIII – XIX столетий.

Любая классическая картина XVI – XVIII веков имеет сложную структуру, каждый элемент которой – основа (холст, дерево, медь), подготовительные и живописные слои, покровный лак – соответствует технологии определенного времени, национальной школы, мастерской. Художник другой эпохи не может заглянуть «внутрь» картины, воспроизвести ее структуру. Копируя или подражая, он повторяет только то, что видит на поверхности. К тому же он обладает арсеналом современных ему художественных средств.

Картина «ЗА ШИТЬЕМ» является характерным примером живописи голландца Питера ван Норта (1602 – 1672), известного мастера тонального колорита. Мягкий свет из окна слева, выделяя основное, объединяет цвета в единую гамму. Наиболее насыщен светом центр композиции, где красные, белые, голубые пятна одежды и отрезы тканей сочно рисуются на фоне пола, стены, предметов, выдержанных в довольно скупой коричнево-зеленоватой гамме, но отмеченных необычным богатством светотеневых переходов.

Жанровая сценка в интерьере «Игра в карты» была записана в музейный инвентарь как работа голландского художника конца XVII века. Основанием для этого послужил целый ряд факторов: популярный у голландцев мотив, типичная для них коричневатая тональная гамма, а также самая любимая основа – дубовая доска. Картина вызывала интерес маститых советских искусствоведов, которые пытались найти ее автора. В середине XX века она приписывалась В.К. Дейстеру (1599–1635), затем другому мастеру аналогичных жанровых сценок – Я. Дюку (1600–1667). С именем Якоба Дюка «Игра в карты» опубликована в ряде солидных изданий. Однако в 1990-е годы, когда музей организовал технико-технологические исследования своей коллекции, было выявлено, что ее параметры не соответствуют голландской технологии. Предположительно картина является копией с Я. Дюка, для которого был характерен такой тип композиции, однако оригинал найти не удалось – либо он утрачен, либо картина является имитацией в стиле этого мастера.

Дубовая доска – самая популярная основа под живопись голландских мастеров. Они использовали только дубы особого вида, с ровными, без сучков, стволами, произраставшие на песчаных почвах Прибалтики. Для живописи подходила определенная часть ствола между сердцевиной и корой. Дубы специальным образом распиливались. Распиленные доски не менее 5 лет вымачивались в специальном соленом растворе. Они выстругивались и грунтовались, а затем шлифовались почти до зеркального состояния, Такие доски были очень тонкими и удивительно прочными, не поддавались временным и климатическим разрушениям, а также были совершенно «несъедобными» для жуков-точильщиков и прочих вредителей древесины. Движения древесных волокон при колебаниях температуры и влажности, которые могли привести к отслаиванию и разрушению живописи, задерживали фаски – широкие скосы по сторонам доски.

Изготовлением досок под живопись занимались специальные мастерские, имеющие лицензию, незаконная деятельность строго преследовалась. Так голландцы уже на самом первом, техническом этапе создания картины боролись за ее качество. Доски грунтовались (основный элемент состава – клей, иногда с различными добавками, чаще всего, мела), а затем, в процессе шлифовки, оставляли только очень тонкий слой грунта. Подготовленная основа обеспечивала, с одной стороны, хорошую сохранность картины, с другой, как увидим, была первым и главным элементом ее оптической структуры. Художник покупал уже готовую для живописи доску нужного размера.

Читать еще:  Привлекательные, загадочные, но никогда не вульгарные. Jeanne Lorioz

Важную информацию об особенностях деревянной основы дает съемка в рентгеновских лучах. Рентгенограмма с картины П. Ван Норта очень хорошо показывает качество деревянной основы. Видно, что древесина однородная, распиловка ствола и подготовка доски сделана согласно голландским параметрам. Направление древесных волокон, соответствует, как и положено, горизонтальному формату картины.

Посмотрим теперь на рентгенограмму копии с Я. Дюка. Направление волокон здесь также, в соответствии с форматом картины, горизонтальное. Однако дерево некачественное. Распиловка древесины нетрадиционная – в структуре доски видны развитые сердцевинные лучи. Это хорошо видно на рентгенограмме благодаря толстому слою грунта, в составе которого – задерживающие рентгеновские лучи свинцовые белила. Они «прошли» внутрь дерева и подчеркнули его структуру. Неровности доски пытались уменьшить толстым слоем грунта, но сердцевинные лучи все равно выходят на живописную поверхность.

Микроскопическое исследование картины выявило подготовительный рисунок, а также то, что художник в стадии подмалевка искал лучшее композиционное решение, менял расположение деталей и их цвет. Например, левый глаз швеи первоначально намечался ближе к переносице, а белый чепец планировался ниже. Белая накидка на плечах швеи в первоначальном варианте была красной. На первом плане вначале черной краской был намечен башмак, а внизу справа ранее находилось изображение скамейки. Подпись Норта нанесена краской, встречающейся в палитре картины.

Вернемся к копии с Я. Дюка. В ней оптическая система живописи не развита. Вместо тонких полукроющих лессировочных слоев, позволяющих передать плавность переходов одного цветового тона в другой, в теневых и полутеневых участках картины также, как на свету, используются свинцовые белила (но с добавлением черных, коричневых, синих пигментов). Химический анализ показал, что синий цвет юбки девушки образуется сочетанием свинцовых белил и полукроющего слоя, в составе которого – берлинская лазурь (химическая краска, изобретенная в XVIII столетии) и масляный лак. Природные, минеральные пигменты мелко растерты (фабричным, механическим способом), поэтому и краски кроющие, более непроницаемые для световых лучей, чем используемые голландскими мастерами XVII века.

Подведем итоги. Как видим, в картине П. Ван Норта «За шитьем» тональное единство является результатом сложного взаимодействия всех ее элементов. Автор работы «Игра в карты» конца XVIII–XIX века, приписываемой Я. Дюку, подражает голландцам, заимствуя чисто внешние приемы их живописи. И все-таки она тоже имеет художественно-историческую и музейную ценность. Такого рода работы показывают огромный интерес к голландской картине, как образцу, ориентиру в передаче сложных тональных отношений пространственно-воздушной среды. В XVIII веке появились фабричные красочные материалы, не позволяющие просвечивать нижним слоям картины. Они требовали совершенно новых методов и приемов работы. Автор «Игры в карты», как и многие современные ему европейские художники, ими еще не овладел. Для выполнения тех задач, которые решали «старые голландцы» он использует набор определенных навыков и умений, типичных для своего времени. Отсутствие фальшивой подписи говорит о том, что он не стремился выдать её за оригинал. Возможно, копируя голландских мастеров прошлого столетия, автор картины из Радищевского музея просто учился у них.

Такой копийно-имитационный метод особенно характерен для немецких художников конца XVIII – первой половины XIX века. Немцы, пытаясь понять секреты «старых голландцев», стали их лучшими реставраторами и исследователями. Именно в Германии был основан первый институт по изучению техники и технологии произведений изобразительного искусства (Институт Дёрнера, Мюнхен), в котором уже в 1930-е годы стали применяться физико-оптические и химические методы исследования.

7 главных работ Герхарда Рихтера с выставки в Еврейском музее

«Впервые работы Рихтера я увидел, когда был сокуратором галереи Тейт. Это был 1995 год, и к тому времени Рихтер уже получил свое признание — стал одним из главных художников мира. Я тогда подумал, до чего это выдающийся мастер — не из тех, кто продолжает традицию, но в корне меняет ее. С одной стороны, это удивительно сильный живописец, с другой — ему так много есть что сказать о нашем отношении с окружающим миром, реальности, эмоциях и даже музыке.

Меня очень интересовали две темы его работы: с одной стороны, развитие абстракции, с другой — фотографические картины Рихтера, которые всем известны. Герхард говорил, что реальность невозможно познать, но в нашей голове есть образ реальности, и это философское понятие в некотором смысле стало его путеводной звездой — он работал над этой темой всю жизнь. Мы живем в мире, где доминирует медиа: только подумайте, какими мы помним исторические события, например, 9/11. Многие из нас не видели этого, но помнят картинки из медиа — и наша связь с реальностью становится все более сложной и опосредованной».

Биркенау, 2014. Холст, масло

«Эти картины связаны с самым страшным эпизодом истории XX века. Рихтер смотрел на фотографии лагеря 1944 года — где люди бегут через леса, где происходят ужасные вещи, где мир как будто бы перевернулся. Он задал себе один вопрос: можно ли нарисовать картину по мотивам этих событий? Он взял эти фотографии и создал черно-белые фигуративные рисунки. Но потом понял, что они совершенно не передают смысла того кошмара, который случился. И нарисовал сверху абстрактную композицию. А потом сделал это снова и снова. И форма, которую теперь приняла картина, — это память о Биркенау. Я задал ему вопрос: почему ты сначала попытался нарисовать реалистическую картину? Он мне ответил: чтобы доказать самому себе, что это невозможно. Ни одна картина не может показать реальность Биркенау. Тогда я его спросил, что же означает тот результат, который получился? И он сказал: это беззвучная эмоция. Ни одна картина, ни одна фотография не покажет, что случилось. Это самое близкое из того, что можно сделать, чтобы помнить об этом».

Биркенау, 2015. 93 фрагмента книги «Биркенау». Бумага, цифровая печать

«Он разобрал свою картину на 93 фрагмента, перетасовал их и разложил в новом порядке. Новая композиция показывает то, как работает наша память с прошлым, — она делит его на фрагменты и раскладывает по-новому».

Биркенау, 2014. Фотография. 4 работы

«Не знаю, получится ли у вас понять сразу, но это на самом деле фотографии. Вам кажется, что вы смотрите на настоящие картины, но вы смотрите на самом деле на репродукцию. Зачем было делать это? Рихтер говорит, что есть историческое событие, и на него наслаивается наше восприятие, наша память — уровень за уровнем. В своих работах он двигался от фотографии и репрезентации к абстракции, шаг за шагом. А когда вы смотрите на картины Рихтера, которые он разобрал на части или сфотографировал, и размышляете о них, то заново переосмысливаете его работы — точно так же, как мы сегодня заново осмысливаем события, которые лежат в их основе».

Читать еще:  Поп-арт. Краткая информация о стиле искусства "поп арт"

Посещение музея, 2011. Цветная фотография, лак

«У Рихтера есть две любимые темы: картины, основанные на фотографиях, и абстрактные работы. Для большинства художников эти направления противоречат друг другу, ты как будто бы не можешь быть всем: либо ты фигуративный художник, либо абстрактный. А Рихтер знаменит тем, что ему удается совместить все и сразу. Он занимается образом — тем, что напоминает реальность, но ей не соответствует. А вот в этой работе он использует свои собственные фотографии, а надо сказать, что он постоянно фотографирует. Если вы присмотритесь повнимательнее, то увидите, как в этих работах под абстрактными пятнами краски скрывается фотография. Обычно фотографии и живопись художники используют отдельно, но здесь происходит что-то новое: они становятся чем-то единым и целым. А лично у меня от этих работ возникают собственные ассоциации: я вспоминаю тот момент, когда чистое ощущение цвета и формы вдруг приобретает значение — как будто мы смотрели на расплывчатые тона и не могли понять, что это. А потом вдруг что-то щелкает в голове, и образ принимает форму. И вы понимаете, что это, например, человек — или стул. В целом вся выставка — об этом моменте».

Аггада, 2006. Холст, масло

«Это, как мне кажется, самая прекрасная картина на выставке. Еще один реверанс месту, где все происходит, Еврейскому музею. Аггада — текст, который рассказывает историю еврейского народа, а именно про тот момент, когда евреи покинули Египет. Это случилось так давно, что мы даже не можем представить, как это было в действительности, но теперь у нас есть картина, которая рассказывает об этом. Я помню, как Рихтер однажды сказал мне удивительную вещь. Он атеист, но много думает о вещах, которые невозможно познать, — а что это такое на самом деле, как не вера. И вот он говорит мне, что нужно потерять Бога, чтобы обрести веру. А чтобы писать картины, нужно потерять для себя искусство».

Аладдин, 2010. Стекло, акрил

«Все свои знаменитые работы он пишет малярной кистью или валиком, создавая плотную живопись, уровень за уровнем: слои краски как следует проникают друг в друга. А недавно он поступил совершенно наоборот — предоставил краске полную свободу. Вместо масла он выбрал акрил, то есть ту краску, которую непросто удержать на месте, — и позволил ей жить своей жизнью на стекле. А потом зафиксировал результат — покрыл его сверху другим стеклом и тем самым остановил движение краски, как будто бы его заморозил. Он остановил момент и тем самым как будто бы создал фотографию: попытался действовать как камера — как машина, которая не делает суждений, не решает, что рисовать, а просто обладает удивительной способностью останавливать время, когда вы нажимаете на кнопку».

Эльба, 2012. Бумага, художественная печать

«Это самая ранняя работа из тех, что представлены здесь, — 1957 года. Рихтеру тогда было 15 лет. Он учился в художественной школе в Дрездене, чтобы получить традиционное образование в области живописи. И вот однажды он создал серию этих картин, часть из которых достаточно фигуративна, — видите маленькие человеческие фигурки, луну, ландшафт? Но чем дальше он над ними работает, тем более абстрактными они становятся. Мне кажется удивительным, что в самом начале своей карьеры он уже пытался понять то, чем занимался всю дальнейшую жизнь. Как будто бы он родился с этим размышлением о границе фигуративной живописи и абстракции.

XX век выдался в этом смысле очень скучным: художники либо копировали окружающий мир, либо создавали ему альтернативу, абстракцию. А он вобрал в себя все. А та работа, на которую вы смотрите сейчас, — одновременно и самая ранняя, и самая поздняя. Вы не смотрите на реальные рисунки, но на недавно оцифрованные работы. Это маленькая хитрость, с помощью которой, как я думаю, Рихтер хотел сказать, что вы никогда не смотрите на реальность».

Великие Голландские Художники

Голландия подарила нам огромное количество самых известных, самых величайших художников за всю историю искусства. Голландия и Фландрия XV — XVII вв. была настоящей плодородной почвой для живописцев. Сейчас мы знаем их как великих голландских художников, великих нидерландских и фламандских художников.

Их так много, что перечислять сложно даже в письменном варианте. Каждый уважающий себя музей считает честью приобретение для экспозиции полотна художников прошлого, выходцев из этих мест. Можно сказать, что они стали основоположниками многих жанров живописи, разработали особые техники изображения, пользуются которыми даже в наше время.

Нидерландская школа живописи являлась одной из сильнейших в Европе. Вот лишь некоторые имена, которые известны на весь мир и которые знают даже те, кто вовсе не интересуется мировой живописью: Иероним Босх, семейство Брейгелей, Ян Вермеер, Рембрандт, Питер де Хох, Хуго ван дер Гус, Паулюс Поттер, Брауэр Адриан, Ян ван Эйк и многие другие. Даже сложно себе представить, как бы выглядело искусство живописи, графики, если бы не было этого богатого художниками пласта в истории человечества.

Далее вас ждёт небольшая подборка картин великих голландских художников прошлого.

Великие Голландские Художники картины


Адриан ван Остаде. Торговка рыбой

Иероним Босх. Искушение святого Антония

Паулюс Поттер. Молодой бык

Питер де Хох. Дворик в Дельфте

Питер Клас. Натюрморт с крабом

Рембрандт. Ночной дозор

Франс Халс. Цыганка

Хуго ван дер Гус. Грехопадение

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector