Нидерландский художник. Louise Mourick

Нидерландский художник. Louise Mourick

Обман зрения и эффект иллюзорной реальности на полотнах голландского художника Кенне Грегуара

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Специалисты называют мастера последователем лучших традиций голландской школы живописи. Неординарным работам Kenne Gregoire присуща детализация быта. Филигранные композиционные приемы и высокохудожественное изображение различных текстур — фарфора, дерева, стекла, тканей.

Голландский живописец создает свои реалистические работы почти с фотографической точностью. Ну, и, казалось бы, что здесь удивительного? Лишь просмотрев галерею его работ, начинаешь понимать, что на них отсутствует та перспектива, которую привык видеть глаз человека. Каждый предмет на картинной плоскости существует как бы сам по себе. Тем не менее, благодаря невероятно красивому фоновому пространству, картины приобретают целостность.

Художник в своих работах мастерски использует особый вид перспективы, называемый «изометрическим», который и позволил ему найти свой собственный стиль и авторский почерк. Именно такая перспектива, используемая разработчиками в машиностроительном черчении для построения наглядного изображения деталей на чертеже, а также в компьютерных играх для трёхмерных объектов и панорам, в композиции построения картин дает возможность художнику создавать эффект иллюзорной реальности.

К слову сказать, название этой перспективы пришло из греческого языка и означает «равный размер», отражая тот факт, что в данной проекции масштабы по всем осям равны. В других видах перспектив это совершенно не так.

Технический прием художника -«взгляд сверху» позволяет зрителю «парить» над изображением и скрупулезно рассмотреть все изображенные предметы. Своей неординарной живописью Грегуар подчеркивает, что традиционная техника не всегда требует традиционного подхода.

Художник, выбирая натуру для своих произведений, всегда отдает предпочтение предметам » с историей», то есть с прошлым — со сколами, ржавчиной, вмятинами. Тем самым наполняя свои произведения эмоциональным смыслом.

Среди тематического разнообразия творчества живописца существует несколько жанров, к которым он постоянно возвращается. Это, прежде всего, натюрморты, выполненные в авторской манере, а также театральные сцены комедии дель арте, портреты лицедеев, участников маскарадов и клоунов. Так же он использует различные другие темы в той же технике: иллюзии, романтические пейзажи и натюрморты на коричневой бумаге.

Что же касается технических приемов, то в своих работах мастер часто прибегает к технике старых мастеров, которая широко была распространена еще в 16-17 столетии. Вначале художник создает подмалевок в технике гризайля, с последующим применением различных цветных глазурей. Так же он использует акриловые краски.

«Мне жизнь моя явилась как фантастичный сон»

На протяжении многих лет наряду с необычными натюрмортами Kenne Gregoire создает картины в стиле комедии дель арте (другое название – комедия масок, – импровизационный уличный театр итальянского Возрождения, возникший к середине 16 в. и, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр).

В этих работах можно увидеть одиночество, отчаяние и тоску, то есть настроение театральных актеров, которое резко контрастирует с их праздничной одеждой.

Несколько слов о художнике

Кенне Грегуар (настоящее имя – Жан Жоскен Грегуар) родился в 1951 году в городе Квелдаме в Голландии. В свое время художник с серебряной медалью окончил Государственную академию изящных искусств в Амстердаме. Практику по приглашению министерства культуры он проходил в Италии, что, разумеется, наложило в дальнейшем глубокий след на творчество мастера.

В настоящее время работы художника пользуются немалым спросом на арт-рынке и находятся в частных коллекциях по всему миру.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Луи Икар (фр. Louis Icart)

Луи Икар родился в Тулузе, Франция. С ранних лет Луи начал заниматься рисованием. Пойдя по стопам отца, изучал банковское дело, но позже увлекался модой и вскоре стал известен своими эскизами.

Свою карьеру Икар начал в студии, выпускающей открытки откровенного содержания. Сначала Луи делал копии, но вскоре и сам стал автором. Его работы стали появляться в журналах, поступали заказы на дизайн обложек для La Critique Théâtrale.

Во Франции того времени стали
весьма популярны гравюры с изображениями красивых женщин; зачинателями этой
моды стали Paul-César Helleu и Manuel Robbe.

Сочетание представлений о моде, очевидная любовь к прекрасным женщинам и понимание коммерческой успешности своих работ позволило Луи Икару стать одним из самых известных художников своего времени.

Творчество Икара достигло своего расцвета в период Ар Деко , и художник стал настоящим символом этой эпохи, работая при этом в своем собственном стиле, который опирался на искусство французских мастеров XVIII века, таких как Жан Ватто, Франсуа Буше и Жан Оноре Фрагонар.

В картинах Икара некоторые видят сходство с импрессионистами Дега и Моне,в его акварелях – с символистами Редоном и Густавом Моро. В действительности же, Икар жил вне рамок модных художественных течений своего времени и не был столь благожелателен к современному искусству.

Тем не менее, его парижские
сцены являются прекрасной документацией той жизни, которую он видел вокруг
себя, и они столь же популярны сегодня, как и раньше.

Читать еще:  Пастельная живопись. Barbara Berry

Женские портреты Икара очень чувственны, часто эротичны, и всегда несут в себе некий элемент юмора, который в его произведениях столь же важен, как и скрытая или явная сексуальность его героинь.

Художник встретил свою вторую жену Фанни в 1914 г — очаровательную 18-летнюю блондинку. Фанни стала натурщицей Луи и источником его артистического вдохновения на всю оставшуюся жизнь.

LOUIS ICART — ХУДОЖНИК ЭПОХИ МОДЕРНА

Луи Икар (фр. Louis Icart) — (1880-1950) — французский художник и иллюстратор. Изображал почти исключительно молодых и красивых женщин в различных антуражах, часто в окружении собак, кошек, лошадей, птиц. Его работы, написанные маслом, выполнены в стилистике позднего импрессионизма. Однако, большую часть творческого наследия Икара составляют акварели и графические работы, которые относятся к направлению Art Deco. Некая гламурность тем и сюжетов позволяет рассматривать Икара, как одного из явных зачинателей стиля Pi n Up .

Louis Icart (Луи Икар) родился в Тулузе, Франция. Жил на улице Traversière-de-la-balance в районе, где находились дома многих выдающихся писателей и художников, в том числе А. Тулуз-Лотрека. С ранних лет Луи начал заниматься рисованием. Пойдя по стопам отца, изучал банковское дело, но позже увлекся модой и вскоре стал известен своими эскизами. Свою карьеру Икар начал в студии, выпускающей открытки откровенного содержания. Сначала Луи делал копии, но вскоре и сам стал автором. Его работы стали появляться в журналах, поступали заказы на дизайн обложек для La Critique Théâtrale.

Во Франции того времени стали весьма популярны гравюры с изображениями красивых женщин; зачинателями этой моды стали Paul-César Helleu и Manuel Robbe. Сочетание представлений о моде, очевидная любовь к прекрасным женщинам и понимание коммерческой успешности своих работ позволило Луи Икару стать одним из самых известных художников своего времени.

Икар участвовал в Первой мировой войне (в качестве пилота), во время которой продолжал рисовать. Вернувшись с фронта, он сделал принты своих рисунков, которые пользовались большим спросом.

Творчество Икара достигло своего расцвета в период Ар Деко, и художник стал настоящим символом этой эпохи, работая при этом в своем собственном стиле, который опирался на искусство французских мастеров XVIII века, таких как Жан Ватто, Франсуа Буше и Жан Оноре Фрагонар. В картинах Икара некоторые видят сходство с импрессионистами Дега и Моне, в его акварелях – с символистами Редоном и Густавом Моро. В действительности же, Икар жил вне рамок модных художественных течений своего времени и не был столь благожелателен к современному искусству. Тем не менее, его парижские сцены являются прекрасной документацией той жизни, которую он видел вокруг себя, и они столь же популярны сегодня, как и раньше. Женские портреты Икара очень чувственны, часто эротичны, и всегда несут в себе некий элемент юмора, который в его произведениях столь же важен, как и скрытая или явная сексуальность его героинь.

Художник встретил свою вторую жену Фанни в 1914 — очаровательную 18-летнюю блондинку. Фанни стала натурщицей Луи и источником его артистического вдохновения на всю оставшуюся жизнь.

После вторжения немцев в 1940 Икар обратился к более серьезным сюжетам в своем творчестве. Им была создана серия работ, отображавшая ужасы оккупации. Эта серия была названа L’Exode (Бегство); Икар, как и многие его соотечественники, был вынужден бежать из Парижа.

В 1970-х интерес к творчеству Луи Икара возобновился, и его работы были извлечены из архивных хранилищ Парижской Академии Искусств. В настоящее время они весьма востребованы на ведущих мировых аукционах.

Густав Леонард де Йонге (Gustave Lеonard de Jonghe) — художник

4 февраля 1829 г. в г. Кортрейк, родился бельгийский живописец Густав Леонард де Йонге. Густав Йонге в юности проявил замечательные способности к игре на скрипке, и отец будущего художника известный пейзажист Жан-Батист де Йонге хотел чтобы сын стал музыкантом. Но, Gustave Jonghe увлекся живописью, и решился посвятить себя этому искусству.

Game Time

Отец Густава Йонге скончался, когда ему было 15 лет, и будущий художник начинает учиться у профессора Навеса в Брюсселе. Ему также оказывает постоянную поддержку знаменитый художник Луи Галле ( Louis Gallait). А также Густав получал поддержку от города — стипендию.

Idle Moments

Густав Йонге, пробовал свои силы, в историческом жанре, священной истории, в портрете, но вскоре стал создавать работы сцен из домашней жизни женщин и детей среднего сословия. Эти картины и принесли ему известность, особенно после того, как художник перебрался в Париж. Картины Густав Леонард де Йонге, писал со вкусом, они выразительны и грациозны.

Mother with her Young Daughter

Из них можно особенно выделить, такие картины, как «Сироты и их бабушка» (картина на Парижском салоне 1863 года получила золотую медаль), «Благочестие» (1864), «Игра в прятки», «Выздоравливающая», «Поздравление с днём рождения», «Дама перед зеркалом», «Урок музыки» и «Отдых по возвращении из церкви».

Читать еще:  Немецкий художник. Gerald Morton Miller

Густав Йонге, Gustave Jonghe (4 февраля 1829, Кортрейк, Бельгия — 28 января 1893, Антверпен)

Gedanken beim Verfassen des Briefes (Öl auf Holz)

Парижский салон — одна из самых престижных регулярных художественных выставок Франции, организованных парижской Академией изящных искусств. Такие выставки появились благодаря Людовику XIV (король Солнца), который повелел Королевской академии живописи и скульптуры проводить регулярные выставки членов академии. Первая такая выставка состоялась 23 апреля 1667 года. С того времени участие было для всех художников, желавших завоевать известность, почти что обязательным условием. Первое время выставки не имели постоянного помещения и с 1673 года устраивались под открытым небом у дворца Пале-Рояль или у дворца Ришелье. С 1699 года выставки стали проходить в Лувре, сначала в Большой галерее, а с 1725 по 1848 год — в так называемом Квадратном салоне (откуда и пошло название — Салон). Позже официальные Салоны устраивались во Дворце промышленности на Елисейских Полях, возведенном ко Всемирной выставке 1855 года. К Всемирной выставке 1900 года на этом месте возвели Гран-Пале, Большой дворец.

Якоб Йорданс в Пушкинском музее

В ГМИИ им. А.С. Пушкина открылась выставка «Русский Йорданс», объединившая почти все работы мастера, которые хранятся в российских музеях. Рассказываем, почему Йорданс считается одним из главных художников фламандской школы и как его работы попали в Россию.

Фламандская школа

История фламандской живописной школы тесно связана с политическими процессами XVI–XVII века, а точнее — с буржуазной революцией в Нидерландах. В этот период страна, которая стремительно разбогатела из-за выгодного географического положения, постепенно перестраивалась на капиталистический лад. Менялись экономические и общественные отношения. Законы католической Испании, господствующей на этой территории, вызывали все больше вопросов. В итоге провинции на севере страны, современные Нидерланды, получили независимость, а юг — современная Бельгия — остался под властью испанцев.

Именно на юге под влиянием католической церкви оформилась фламандская школа живописи. Здешние художники все еще были вынуждены брать заказы от светской и церковной знати — это повлияло на развитие искусства. Фламандцы стремились уравнивать в своих работах возвышенное и земное — сочетать религиозные и мифологические сюжеты с изображением грубого крестьянского быта и народной культуры. Эта особенность характерна для живописи практически всех виднейших представителей школы — Антониса Ван Дейка, Якоба Йорданса, Франса Снейдерса.

Голландское искусство развивалось несколько в ином русле. Художники отказались от религиозных сюжетов, писали скромные, выдержанные портреты, натюрморты и сцены из повседневной жизни. Фламандцы же предпочитали жанр парадного портрета, динамичную и монументальную живопись, посвященную богам и героям, а также несколько перегруженные натюрморты, которые демонстрировали богатство и изобилие.

Центром художественной культуры Фландрии в XVII веке стал Антверпен, а главным живописцем и наставником целого поколения художников — Питер Пауль Рубенс. Рубенс был одним из самых образованных людей своего времени: он знал семь языков, изучал античное искусство, коллекционировал древности и слыл величайшим гуманистом эпохи. Художник преклонялся перед красотой человека и природы, стремился «оживить» античный идеал и сделать его понятным современникам. Чувственные образы его полотен оказали влияние на всех художников, которые обучались в мастерской Рубенса, — в том числе и на Якоба Йорданса.

Следом за Рубенсом по значимости шел Антонис Ван Дейк — более сдержанный мастер. Он прославился благодаря виртуозным портретам аристократов. В мастерскую Рубенса Ван Дейк попал в совсем юном возрасте — художнику не было и 16 лет, однако его живописная техника отличалась зрелостью и мастерством. Рубенс всячески поощрял талант ученика и быстро сделал Ван Дейка своим первым помощником, хотя уже в этот период между ними разгоралось соперничество. Вскоре стало очевидно, что молодой художник практически не уступает в мастерстве старшему товарищу. В сравнении с монументальной декоративной живописью Рубенса работы Ван Дейка выглядели более утонченными, элегантными и возвышенными, но на родине ему не удалось превзойти своего учителя. Наиболее плодотворным и в личном, и в профессиональном плане для художника стал период работы в Англии, куда его пригласил король Карл I. Именно в это время Ван Дейк прославился своими аристократическими портретами. Когда в 1640 году Рубенс скончался, испанский король прислал Ван Дейку письмо — просил закончить картины учителя. Спустя год он и сам погиб от неизвестной болезни, а слава первого живописца Антверпена перешла к Якобу Йордансу.

«Блестящий, но вульгарный»

В истории фламандского искусства за Якобом Йордансом закрепилось почетное третье место — после Рубенса и Ван Дейка. Известный французский историк Соломон Рейнак в своих лекциях по истории искусства описывал его как художника «блестящего, но вульгарного»«иногда представляющего карикатуру на Рубенса, иногда равного ему в шумной и сияющей жизнерадостности». Часто прекрасное он доводил до границ безобразного, а созданные им образы поражали и в то же время отпугивали многих современников.

Читать еще:  Почти сюрреалистические сцены. Raphael Bouyer

Йорданс был старшим ребенком в семье зажиточных торговцев. О его детстве сохранилось не так много информации. Известно, что его первым учителем был фламандский живописец Адам ван Ноорт — раньше он же был одним из наставников Рубенса. Позже Йорданс женился на дочери Ван Ноорта и после этого практически не покидал родной Антверпен. Исследователи считают, что именно женитьба помешала художнику поехать в путешествие по Италии — с итальянским искусством он знакомился по работам, которые можно было увидеть во Фландрии. В тот период все начинающие живописцы обязательно уезжали за рубеж изучать работы старых мастеров, и отсутствие подобного опыта сказывалось на живописи Йорданса. Однако итальянское искусство все-таки повлияло на его манеру: художника увлекали произведения венецианцев и Караваджо, которых он копировал в процессе обучения.

В 22 года Йорданс написал знаменитый «Автопортрет с родителями, братьями и сестрами». Уже в этом раннем произведении фигуры едва умещаются в пространстве холста — эта особенность позже проявилась в зрелом творчестве художника. Позы и взгляды персонажей живые и естественные, а над их головами парят ангелы — так Йорданс изобразил умерших членов семьи. Благодаря этой работе Якоба Йорданса приняли в Гильдию святого Луки — объединение художников, которое поддерживало членов цеха. Позднее картину приобрели для коллекции Эрмитажа.

Йорданс работал в разных жанрах — писал сцены повседневной жизни, сюжеты из Библии и мифов, создавал гобелены и многое другое. Особенной популярностью пользовались его изображения пышных застолий. Визитной карточкой художника стали гигантские многофигурные полотна, полные барочной избыточности. Одновременно монументальные и камерные, они сочетали в себе энергичную манеру письма с народными сюжетами. Богатый колорит и любование жизнью во всех ее воплощениях, прекрасных и безобразных, — вот отличительные черты самых известных картин Йорданса. В сравнении с Рубенсом, для которого был важен декоративный элемент и грациозность, полотна художника выглядели чересчур простыми и грубыми. Но за это его и ценила публика.

Картины Йорданса были исполнены примитивной животной силы, ощущения довольства и изобилия и при этом совершенно лишены какой-либо мистики. Мифологические и библейские персонажи появлялись в произведениях художника как часть материального мира — как сатир, который заглянул на ужин к крестьянину на полотне «Сатир в гостях у крестьянина».

Переломным для художника стал 1655 год: он принял протестантизм и во многом пересмотрел свою манеру письма. Постепенно в работах начали доминировать более сдержанные темные цвета, а в общей интонации картин появились нравоучительные нотки. Наиболее показательна в этом плане картина «Бобовый король» — традиционная для Йорданса многофигурная композиция, которая изображала попойку крестьян, отмечающих праздник Богоявления. Картина демонстрировала в гипертрофированном виде народные гулянья и стала настолько популярной, что Йорданс повторил ее в разных вариациях не менее 10 раз. К сожалению, реплика полотна из собрания Эрмитажа не добралась до Москвы: перевозить работу опасно для ее сохранности.

Русский Йорданс

Практически все работы Йорданса, представленные на выставке в Пушкинском музее, попали в Россию в XVIII веке. Большую часть из них купила императрица Екатерина II, когда собирала коллекцию для своей будущей картинной галереи. И сегодня эрмитажное собрание фламандского искусства по праву считается самым крупным в России: здесь хранится более 500 картин.

Главную роль в формировании эрмитажной коллекции сыграли два человека — граф Генрих Брюль и сэр Роберт Уолпол. Коллекция Брюля состояла в основном из гравюр, рисунков и картин голландских, фламандских, итальянских и немецких художников. Особенно ценными были полотна Рембрандта, Рубенса, Ватто и Пуссена. Это собрание выкупили у наследников графа по приказу Екатерины II. Уолпол был первым премьер-министром Англии и увлеченно собирал произведения искусства. В XVII веке сложно было найти вторую столь же обширную коллекцию: она насчитывала более 400 полотен. Екатерине II выкупить собрание Уолпола предложил его внук Джордж. Русская императрица приобрела у него более 200 произведений. После Октябрьской революции 1917 года коллекция Эрмитажа пополнялась за счет произведений из конфискованных частных собраний. Так в музее оказался знаменитый «Бобовый король» — еще в XVIII веке его приобрел канцлер Александр Безбородко.

Часть полотен приехала на выставку из региональных музеев. Из Нижнего Новгорода прибыла картина «Христос и самаритянка». В начале XIX века полотно, которое ранее выставлялось в Эрмитаже, оказалось в частном собрании, а в Нижний попало после национализации в 1917 году. Из Пермской государственной художественной галереи прибыли две работы — «Павел и Варнава в Листре» и «Пир короля». Первая написана на основе сюжета из «Деяний Апостолов», вторая представляет собой реплику «Бобового короля». Также на выставке будет представлено полотно «Оплакивание Христа», которое Екатерина II передала в дар Александро-Невской лавре. Эта картина впервые покинула свое пристанище с 1794 года.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector