Пейзажи сельской местности не только. Barbara Applegate

Пейзажи сельской местности не только. Barbara Applegate

Пейзажи сельской местности не только. Barbara Applegate

Барбара Эпплгейт (Barbara Applegate) — американский художник. Родилась в 1954 году в городке Бакс Кантри, штат Пенсильвания. Самые ранние воспоминания об изобразительном искусстве у Эпплегэйт связаны с многочисленными посещениями студий художников, живущих и рисующих вдоль реки Делавэр, между Сентер-Бридж и Нью Хоуп (Новой Надеждой).

Под влиянием современных художников из Бакса Даниэль Гарбер, Эдварда У. Редфеилда и Уолтера Шофилда, Эпплгейт посвятила свои первые годы рисованию пейзажей сельской местности, раскинувшиеся вдоль реки Делавэр.

После окончания колледжа Дикинсон, Эпплгейт переехала в Брандвайн Валли и окунулась в богатый традициями мир реализма, прославивший, в своё время, художников Говарда Пайла и Вэйтса. Следующее десятилетие Барбара провела, рисуя картины акварелью, яичной темперой и маслом, рисуя спокойные сельские пейзажи и красивые подворья квакеров 18-го века.

К середине 1990 года разрастание пригородов, окружающих Филадельфию, едва не уничтожило спокойные пейзажи Пенсильвании. Глядя на них, к Эпплгейт пришло вдохновение и она провела несколько летних месяцев в сельской местности Мэна. Особое внимание Барбара уделяла тихим деревням с их деревянно-каркасными домами и огородами. В 1996 году Эпплгейт переехала в залив Penobscot на постоянное место жительства и теперь работает в собственной студии / галерее в живописной деревушке Бристол Миллс, на полуострове Пемакуид.

Барбара Эпплгейт много раз получала награды за свои акварельные и масляные картины — в том числе удостаивалась наград за заслуги от Национального Клуба Искусств, Нью-Йорк; общества Художники Никербокера, Нью-Йорк; Клуба Salmagundi, Нью-Йорк; Филадельфийского Акварельного Клуба, Акварельного Клуба Сан-Диего, а также была награждена Золотой медалью от профессиональной лиги Американских художников, Нью-Йорк.

Неполный список общественных и корпоративных коллекций в которых есть картины Барбары Эпплгейт, состоит из: галерей колледжей Колби, Дикинсона, Вильямса, Оберлина, университета Пенсильвании, компаний MBNA America, Proctor and Gamble Company, Viceroy and Mank, Ltd. и Aztec Printing. Барбара Эпплгейт представлена в галерее Bayview, Брансвик, Мэн Художественной галерее Highlands, Ламбервилль, Нью-Джерси; галерее J Todd, галерее Wellesley and Chatham.

Рисование.ру

Жюль Дюпре

Художник Жюль Дюпре — еще один выдающийся мастер «интимного пейзажа», когда природа словно отражает настроение и чувства мастера. Как и большинство барбизонцев, Дюпре считал, что все явления и создания природы — поля, реки, деревья, человек и животные — неотделимы друг от друга. Но, также как и у Теодора Руссо, фигуры людей (и прочих обитателей сельской местности) на его картинах играют скорее вспомогательную роль.

Жюль Дюпре. Картины художника

Жюль Дюпре. Рыбак под ивами

1865-1867 гг. Национальная галерея

В этой картине блестяще передано ощущение свежести влажного воздуха. Возможно, недавно прошел дождь, тучи еще не разошлись окончательно, а небольшой водоем переполнен водой. Но увлеченный рыболов, забравшийся в гущу камыша, знает: после дождя обычно самый замечательный клев!

Жюль Дюпре. Старый дуб

1845-1850 гг. Художественный музей Уолтерса, Балтимор

На полотне «Старый дуб» доминирует могучее дерево — композиционный и смысловой центр картины. Линии его кроны повторяют очертания облаков, что, по отзывам одного критика, делает дуб похожим на предводителя призрачной армии.

Жюль Дюпре. Яркий день

Ок. 1835-1840 г. Художественный музей Уолтерса, Балтимор

На многих картинах Дюпре представлены типично французские сельские пейзажи. Но большинство зрителей, откуда бы родом они ни были — из России, Германии, Италии, — отмечают: эти полотна неизменно вызывают ощущение чего-то очень родного и близкого. Ощущение от пейзажей Дюпре сходно с тем, которое испытывает человек, долгое время находившийся вдали от родины и, наконец, навестивший отчий дом — такой привычный и любимый.

Жюль Дюпре. В море

1870 г. Художественный музей Уолтерса, Балтимор

Большинство морских пейзажей написаны Дюпре в Кайё-сюр-Мер — местечке на севере Франции. Художник бывал там почти каждый год, начиная с 1868-го, и запечатлевал море много раз — в солнечную погоду, в шторм, во время тумана. Борющиеся с непогодой лодки особенно впечатляли его.

Жюль Дюпре. Лесной пейзаж

1889 г. Рейксмюсеум, Амстердам

Картина практически полностью «соткана» из разных оттенков зеленого цвета — то более теплых, то более холодных, создающих эффект многослойное™, объема. За представленной на первом плане освещенной солнцем опушкой просматривается вход в лесную чащу — прохладную, темную и загадочную. Но в любом случае картины Дюпре не оставляют ощущения печали и настороженности — мир и гармония в них на первом месте.

Жюль Дюпре. Старый дуб

1870 г. Национальная галерея искусства, Вашингтон

Еще одно из многочисленных изображений любимого барбизонцами дерева. В картине прослеживаются приемы, которые вскоре станут визитной карточкой импрессионистов: энергичные мазки, открытые цвета, явное стремление захватить и сохранить настроение момента. Полотна Дюпре редко отличались сложной композицией, но привлекали тонкостью передачи настроения и даже ощущений: не правда ли, с полотна словно дует теплый летний ветер?

Жюль Дюпре. Деревня ночью

1889 г. Рейксмюсеум, Амстердам

В этом произведении зрители иногда находят общие черты с картинами нашего знаменитого соотечественника Архипа Куинджи: тишина ночной деревни, волшебный лунный свет. Обоих художников отличало восторженное отношение к красоте природы и желание поделиться этой красотой.

Что такое пикториализм?

Knabenbildnis in Landschaft. Фото Гуго Эрфурта, 1906 г. © Hugo Erfurth / Galerie Priska Pasquer

Пикториализм (или пиктореализм — в специальной литературе можно встретить два варианта написания) представлял собой эстетическое течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. В работах фотографов-пикториалистов заметно влияние австрийского символизма, английского прерафаэлизма, немецкого югендштиля, французского ар-деко и особенно импрессионизма, поэтому пикториализм еще иногда называют фотоимпрессионизмом.

Пикториализм открыл для фотографии различные способы печати изображения, так называемые благородные техники (общее название пигментной и бромомасляной техник). Бромомасляный процесс (Bromoil) заключался в дополнительной обработке позитива, отпечатанного на бромосеребряной фотобумаге. Суть процесса состояла в отбеливании изображения и одновременном дублении фотоматериала биохроматами с последующим нанесением на задубленные участки масляной краски желаемого цвета.

O’Keeffe Hands and Thimble. Фото Альфреда Стиглица, 1919 г. © [Alfred Stieglitz / 2000 George Eastman House, Rochester, NY] (http://www.eastman.org)

С появлением нового метода фотографы смогли кисточкой накладывать светочувствительные соли серебра. Фотографии после такой обработки напоминали рисунки, сделанные углем или акварелью. Пигментная печать (chromogenic print) приближала фотоснимок к гравюре. Для получения цветных (пигментных) изображений применялась специальная пигментная бумага, политая желатиновым слоем, содержащим мелко растертый нерастворимый в воде краситель.

Пикториалисты использовали мягкорисующие объективы, дающие изображения пониженного контраста за счет уменьшения их резкости, и монокли, которые позволяли с большей свободой передавать в пейзажах воздушную дымку, морскую даль, придавать расплывчатость рисунку.

Читать еще:  Невероятный стрит-арт. Julien “Seth” Malland

Европейские фотографы-пикториалисты стремились поднять светопись до уровня высокого искусства. Деятельность многих известных светописцев была связана с фотографическими клубами. Английский фотограф Александр Кейгли (Alexander Keighley) был одним из основателей и самым известным участником фотоклуба «Звено» (The Linked Ring), учрежденного в Лондоне в 1892 году. Кейгли занимался светописью на протяжении многих лет и за это время создал выдающиеся образцы пикториальной фотографии. Он, как и многие пикториалисты, стремился создать некий идеализированный мир, и этим отчасти обусловлен выбор его сюжетов. Излюбленные мотивы Кейгли — романтические развалины древних храмов, пасторальные пейзажи сельской местности, лесные поляны, залитые потоками солнечного света.

Dance Study. Фото Франтишека Дртикола, Прага 1926 г. © František Drtikol

Venezia. Фото Драгомира Йозефа Ружички, 1920-1930-е гг. © Drahomír Josef Růžička / Galerie AmbrosianA

Непревзойденным мастером пикториальной фотографии во Франции был Робер Демаши (Robert Demachy). Демаши показал себя замечательным портретистом, живописное решение его фотографий тонко передает характер модели. В его работах стирается грань между фотографией и живописью: смелые, широкие мазки обрамляют фигуры людей, закручиваются вокруг них вихрем штрихов. Для создания подобных эффектов Демаши применял особую ретушь: выскабливал участки слишком плотных мест на негативе. Он также ввел в практику перенос масляных изображений с желатиновой бумаги на японскую, что придавало снимку характер графического произведения.

То, что не удалось в полной мере осуществить французским и английским пикториалистам, а именно — добиться признания фотографии как вида изобразительного искусства, сделали американские мастера светописи Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. В 1902 году Стиглиц создал группу Photo-Session. В это же время он начал издавать иллюстрированный журнал Camera Work, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею «291» на Пятой авеню в Нью-Йорке. Вместе с фотографиями на выставках экспонировались полотна А. Матисса, О. Ренуара, П. Сезанна, Э. Мане, П. Пикассо, Ж. Брака, Д. О’Кифф, скульптуры О. Родена и К. Бранкузи. Светопись заняла равноправное место среди изобразительных искусств не только в выставочном пространстве, но и в отношении критиков и публики.

Spring Showers. Фото Альфреда Стиглица, 1901 г. © [Alfred Stieglitz / 2000 George Eastman House, Rochester, NY] (http://www.eastman.org)

В воскресенье после полудня на Колинском острове. Фото Йозефа Судека, 1924-1926 г. © Josef Sudek / Anna Fárová

Несмотря на то что ранние снимки Стиглица выполнены в пикториальном стиле, он никогда не использовал средства художественной обработки снимков, которыми обычно пользовались пикториалисты. Только в некоторых случаях, как, например, при создании снимка Spring Showers, он пользовался мягкорисующей оптикой. Стиглиц не раз экспериментировал с различными фотографическими приемами. Например, при создании фотографии O’Keeffe Hands and Thimble он добился соляризации изображения (на границе между темным фоном и руками), максимально увеличив экспозицию.

Творчество Эдварда Штайхена (Edward Steichen) сложно отнести к какому-то определенному направлению. Широкий диапазон сюжетов (пейзаж, портрет, рекламная фотография…) и разнообразие техник ставят его работы в ряд лучших произведений, созданных не только в пикториальном стиле. Но ранние снимки Штайхена, несомненно, относятся к наследию пикториализма. Фотографию The Flatiron критики сравнивали с «Ноктюрнами» американского живописца Д. Уистлера. В фотографии Штайхена тот же нежный колорит растворяющегося в вечерних сумерках города, золотые огни фонарей, отраженные в блестящей от дождя мостовой…

Утренний трамвай. Фото Йозефа Судека, 1924 г. © Josef Sudek / Anna Fárová

К концу Второй мировой войны Стиглиц и Штайхен отошли от пикториализма и обратились к «чистой» фотографии. Друг Стиглица и один из основателей группы Photo-Session Клэренс Холланд Уайт (Clarence Holland White) продолжал создавать снимки в живописном стиле и после войны, когда пикториализм уже клонился к закату. В 1916 году вместе с Гертрудой Кэзибир (Gertrude Käsebier) он основал Американское общество фотографов-пикториалистов, которое, впрочем, не нашло большого числа сторонников среди современников. Постановочные кадры Уайта и Кэзибир словно принадлежали другой эпохе, традициям живописи XIX века.

Из представителей немецкого пикториализма стоит назвать фотографа-портретиста Гуго Эрфурта (Hugo Erfurth). На фотографии Knabenbildnis in Landschaft изображен юноша, стоящий на фоне сельского пейзажа. Эрфурт замечательно передает психологические черты модели, весь кадр как бы заражен энергией юности.

С пикториализмом связано начало творческого пути знаменитого чешского фотографа Франтишека Дртикола (František Drtikol). Дртикол обучался фотографическому ремеслу в Мюнхене — родине немецкого модерна, который оказал заметное влияние на его снимки. В творчестве мастера проявилась склонность к живописи, рисунку и графике. Поэтому с самого начала он использовал разнообразные пикториалистические «благородные» техники печати, подавлявшие многие характерные черты фотоизображения и подчеркивавшие возможность авторского вмешательства в конечный снимок.

Miss Mary and Lotte at the Hill Crest. Фото Генриха Кюна, 1910 г. © Heinrich Kühn / 2000–2007 The Metropolitan Museum of Art

The Dayspring from on High. Фото Александра Кейгли, 1890–1900-е гг. © Alexander Keighley / 2000–2007 The Metropolitan Museum of Art

Фотоимпрессионизм проявляется в ранних снимках классика чешской фотографии Йозефа Судека (Josef Sudek) «Утренний трамвай» и «Утренние виадукты». На первом снимке изображен трамвай, проезжающий через арку, уходящую за верхнюю кромку кадра. Поток света, напоминающий по форме треугольник, падает из арки на мостовую. Здесь впервые появляется излюбленный мотив Судека — диагонально падающий поток света. Позднее, отойдя от пикториализма с его размытостью форм, Судек будет фиксировать свет не единым потоком, а пучками световых лучей. Аналогичные снимки были у американского фотографа чешского происхождения Драгомира Йозефа Ружички (Drahomír Josef Růžička), с которых, возможно, и взял пример Й. Судек. Ружичка, ученик К. Х. Уайта, был одним из основоположников Американского общества фотографов-пикториалистов. Как и А. Стиглиц, он отвергал манипулированную печать и допускал лишь смягчение оптического рисунка объектива. На фотографии Ружички «Вокзал» свет, диагонально падающий из маленького (по сравнению с огромным пространством вокзального помещения) окна, световыми ступенями ложится на пол. Здесь доминирует интерес автора не к предметам, а к потоку света и тени как композиционным и, возможно, содержательным элементам.

Blessed Art Thou among Women. Фото Гертруды Кэзибир, 1899 г. © Gertrude Käsebier 2000–2007 The Metropolitan Museum of Art

Arabian Nude Study. Фото Франтишека Дртикола, Прага 1912 г. © František Drtikol

Пикториализм был эхом XIX века. В 1920-х годах живописный стиль уступил место более прогрессивным направлениям фотоавангарда. Фотографы, начинавшие как пикториалисты, во второй четверти XX века продолжали творческие поиски уже в других направлениях. Теперь их внимание сконцентрировалось на экспериментах с ракурсами и композицией.

Читать еще:  Польский фотограф. Anita Kulon

10 творений Писсарро, которые нужно знать

Камиль Писсарро родился в датской Вест-Индии (ныне Виргинские острова США) и переехал во Францию, когда ему было 12 лет. Писсарро, импрессионист и неоимпрессионист, известен своими полотнами, передающими все богатство изменения цвета. Невероятно талантливый и мудрый человек с доброй душой, он был наставником и отцом для многих художников, включая Ван Гога и Сезанна. Мы составили список его картин, которые обязательно нужно увидеть, начиная с ранних работ и заканчивая поздними произведениями.

1. Тропический пейзаж с сельскими домами и пальмами

В возрасте 21 год Писсарро покинул свой дом и переехал в Венесуэлу, чтобы полностью посвятить себя живописи. В течение нескольких лет он вместе со своим учителем Фрицем Мельбюем безостановочно рисовал все, что видел, включая дома, пейзажи, деревни и т. д. Одной из таких работ, созданных им в Южной Америке, является картина «Тропический пейзаж с сельскими домами и пальмами», написанная в 1853 году. , на которой изображена сельская местность с парой домов. Это одна из его самых ранних работ и хороший пример того, как Писсарро начинает чувствовать себя художником. Сегодня картина находится в коллекции Национальной художественной галерее в Каракасе.

Тропический пейзаж с сельскими домами и пальмами , 1853

2. Холм Жалле, Понтуаз

Изображение пасторального французского пейзажа, холм Жале, нарисованный в 1867 году, был показан в Салоне 1868 года. Именно эта картина закрепила за Писсарро звание новатора в живописи сельских пейзажей. На переднем плане зрители видят изогнутую дорожку, по которой идут две женщины; за ними деревня, усеянная домами. Вдохновленный такими художниками, как Коро, Курбе и Милле, Писсарро начал выезжать из Парижа, чтобы запечатлеть на холсте красоту сельской местности. И хотя многие художники того времени выезжали на плэнеры, чаще всего, они заканчивали свою работу в студии; однако данная картина полностью написана Писсарро на месте. Картина выставлена в музее Метрополитен в Нью-Йорке.

Холм Жалле, Понтуаз, 1867

3. Хрустальный дворец

Когда в 1870 году началась франко-прусская война, Писсарро и его семья переехали на окраину Лондона, в Норвуд. Находясь там, он написал большое количество пейзажей и архитектуры, включая Хрустальный дворец. Построенный в 1851 году для Гайд-парка и спроектированный Джозефом Пакстоном, Хрустальный дворец представлял собой красивое сооружение из стекла и железа, которое, к сожалению, было разрушено в 1936 году. Несмотря на то, что картина известна как «Хрустальный дворец», здание не является ее центральным объектом. Сегодня полотно находится в постоянной коллекции Чикагского института искусств.

Хрустальный дворец, 1871

«Иней» впервые был представлен на первой выставке импрессионистов в 1874 году. Отойдя от классических сюжетов Писсаро вдохновлялся обычной жизнью людей в сельской местности. В картине наблюдатель видит обычного крестьянина работающего в поле. Полотно находится в Музее Орсе в Париже.

Иней, 1873

5. Автопортрет

Хотя Писсарро в основном известен пейзажами и городскими видами, имеется у него и несколько портретов и, как в данном случае, автопортреты. Из четырех автопортретов, написанных Писсарро за всю жизнь, этот 1873 года является его первым подобным произведением. 43-летний художник смотрит в сторону и выглядит не по годам мудрым, поэтому, вероятно, признавая его невероятный талант, многие молодые художники обращались к нему за советами и советами на протяжении многих лет. Как и многие другие работы Писсарро, автопортрет хранится постоянной коллекции Музея Орсе.

Автопортрет, 1873

6. Красные крыши

Еще одно восхитительное полотно Писсарро, которое можно увидеть в Париже в Музее Орсе — «Красные крыши», картина, впервые показанная на выставке импрессионистов 1877 года. Писсарро был единственным художником, выставленным на всех восьми импрессионистских выставках. Через деревья с голыми ветвями выглядывают ряды беленных домов, увенчанных крышами разных оттенков оранжевого, красного и коричневого . За домами поля в зеленых и коричневых тонах, поддерживающих единый цветовой тон в работе; техника импасто позволяет свету танцевать на поверхности, придавая глубину живописи.

Красные крыши, 1877

7. Сенокос в Эраньи

Расположенный в музее Ван Гога в Амстердаме, «Сенокос в Эраньи» 1887 года показывает крестьян, собирающих сено на полях Эраньи, где в то время жил художник. Уникальность этого произведения в том, что оно выполнено с использованием техники, известной как пуантилизм, над которой Писсарро экспериментировал. Рисуя точки чистого цвета для формирования изображения и чередуя цвета, он создавал динамичные художественные работы в пастельных тонах.

Сенокос в Эраньи, 1887

8. Две молодые крестьянки

«Две молодые крестьянки» были написаны для выставки работ Писсарро, однако, продать их не удалось и Писсарро передал картину своей жене, Джули Веллей. Мы видим двух молодых крестьянок на переднем плане, отдыхающих от работы, с полями и деревьями, простирающимися позади них. Акцент явно делается на двух женщинах, одна из которых — девушка слева — племянница Джулии, Эжени Эструк. Несмолтря на то, что в этой картине, Писсарро несомненно продолжает эксперименты с пуантилизмом, этот прием не так явно выражен здесь. Мы видим четкие очертания образов, которые лишь заполнены отрывистыми мазками.

9. Бульвар Монмартр зимнем утром

Писсарро сделал серию картин, изображающих широкие бульвары Парижа, когда он вернулся в столицу, после нескольких лет в Эраньи. Нарисованные за несколько месяцев и в разное время дня, добавившие богатую серию работ к его и без того впечатляющему творчеству, эти произведения искусства дают возможность показать зрителям, городскую жизнь в то время, когда конные экипажи заполняли улицы и люди, неспешно прогуливались по тротуарам. Этот шедевр можно увидеть в музее Метрополитен в Нью-Йорке.

10. Пон-Нёф днём

Камиль Писсарро скончался в 1903 году и «Пон-Неф днем» — это одна из последних картин великого художника. С возрастом у Писсарро, к сожалению, появились проблемы со зрением, из-за чего в основном он работал в помещении; однако эта картина написана на открытом воздухе. Мастер запечатлел оживленное время на мосту Пон-Нёф с людьми, путешествующими между универмагами и домами. Его быстрый мазок блестяще уловил энергию шумной сцены. В настоящее время полотно экспонируется в Филадельфийском художественном музее.

Барбизонцы — предвестники новой живописи

Диаз де ла Пеньи «Лес в Фонтенбло»

«Только в природе можно найти красоту,
которая является великим объектом живописи;
там-то и надо ее искать и нигде более»
Ж. Д. Энгр

Читать еще:  Новый кубизм. Patrice Murciano

В шестидесяти километрах к юго-востоку от Парижа, вблизи Фонтенбло, бывшей загородной королевской резиденции, на опушке леса расположилась деревня Барбизон (Вагbizon).
По преданию она была когда-то основана промышлявшими в этих лесах разбойниками. Незамысловатые местные пейзажи ранее никогда не вдохновляли французских художников. Лишь в 30-60-х годах XIX века они стали осваивать Барбизон и его окрестности, приезжая сюда на этюды. «Первопроходцы» были очарованы первозданной красотой природы, не тронутой человеческой деятельностью.

Поворотным пунктом в истории Барбизона можно считать 1848 год, когда сюда переезжает на постоянное место жительства уже достаточно известный парижский художник Теодор Руссо (1812-1867). Он покупает здесь дом, двери которого были в любое время открыты для других приезжающих в Барбизон художников.
Вокруг Т. Руссо в итоге собралась группа талантливых пейзажистов, среди которых Жюль Дюпре, Диаз де ла Пенья, Констан Труайон, Шарль Франсуа Добиньи и другие.
Их стали называть «бородачами из Барбизона», поскольку все они носили бороды.
Руссо и его единомышленники хотели быть, по выражению самого Руссо, «художниками своей страны». Именно в Барбизоне в 1855 году Теодор Руссо создает одно из наиболее известных своих полотен «Дубы в Апремоне» (Лувр, Париж). На картине изображенное художником пространство широко распахнуто перед зрителем, хотя и не имеет большой глубины. Руссо использует так называемый «контражур»: зритель смотрит на дубы, видя их неосвещенную сторону и отбрасываемые ими тени на траве. Благодаря этому, деревья и их кроны самым замечательным образом отчетливо и ажурно выделяются на фоне прозрачного летнего неба. В результате создается наполненный чувством бесконечной радости залитый солнцем пейзаж.

Пейзажи, изображающие леса вокруг Фонтенбло, вообще стали наиболее популярным мотивом в творчестве барбизонцев. Вот картина одного из них, испанца по происхождению, Диаза де ла Пеньи «Лес в Фонтенбло» (1874, Музей в Реймсе). На ней среди роскошных дубов, чуть тронутых осенней желтизной, художник изобразил женщину-крестьянку, собирающую сухие ветки деревьев. Атмосфера картины — очень легкая и непринужденная — создает при помощи игры света впечатление вибрации воздуха.
В этой картине уже много новаторских приёмов, которые в недалеком будущем будут широко использовать в своих пейзажах художники-импрессионисты.
Постепенно влияние художников-барбизонцев возрастает. Отныне к пейзажу перестали относиться как к второстепенному и незначительному жанру. Их пейзажи научили публику воспринимать и ценить живые впечатления от природы. Близко к барбизонцам стоял и еще один обитатель этих мест, крупнейший французский художник Жан-Франсуа Милле (1814-1875), создатель бессмертных картин «Собирательницы колосьев» и «Анжелюс» («Вечерняя молитва»).
Кроме Барбизона, мастера этой школы работали и в других районах Франции, стремясь к изображению многообразных состояний природы, света и воздуха.
Барбизонцы придавали большое значение художественной одухотворённости пейзажа, связи природы с повседневной жизнью простых людей.
В противовес идеализации и условности «исторического пейзажа» академистов, а в некоторой степени и в противовес культу воображения художников-романтиков, Барбизонская школа утверждала эстетическую ценность реальной природы Франции — лесов и полей, рек и горных долин, городков и деревень.
Любой скромный мотив, по их мнению, был достоин кисти художника в его стремлении зафиксировать бесконечное разнообразие природы. Действительно, глядя на картины барбизонцев, переносишься в мир тихой сельской природы Франции, к её холмам и равнинам, к старым зарастающим прудам, к тенистым рощам.
Пейзажи барбизонцев глубоко личностны и убедительны, хотя в них часто бесполезно было бы искать передачи конкретного места и конкретного времени дня.
Они стремились увидеть природу по-новому, в её цельности и разнообразии, хотя
характерный для старых мастеров коричневый колорит всё ещё присутствует в их работах. Для создания своих картин барбизонцы обращались к показу дикой и сельской природы Франции, насыщая свои произведения глубоким чувством любви и почитания увиденного.
Правда, барбизонцы и их сторонники отнюдь не представляли собой целостной монолитной группы. Для многих живописцев уединение в Барбизоне было просто бегством от пугавшей их цивилизации с её механизацией и урбанизацией человеческой жизни.
Лишь находясь постоянно в контакте с природой и деревенским бытом, над которыми время как бы не властно, можно было, по их мнению, оставаться самими собой.

«Бородачи» считали, что итальянское искусство слишком подчинено религии и античной мифологии. Гораздо выше они ценили творчество «мастеров Севера» — нидерландских художников, от Питера Брейгеля Старшего до Якоба ван Рейсдаля, которые мастерски
представляли в своих картинах живую природу.
Ещё одним важным источником вдохновения для художников-барбизонцев являлась английская школа пейзажа во главе с Д. Констеблем.
Вслед за ней барбизонцы стали использовать в своих пейзажах акварель, считая эту технику наиболее подходящей для пленэрной живописи.
Подобно романтикам начала XIX века, барбизонцы боролись против не изжитых ещё традиций классицизма, призывали к искренности и правде в искусстве. Однако подчеркнуто субъективному восприятию романтиков «бородачи» противопоставляли строгую
объективность в передаче действительности, которая стала для них неисчерпаемым источником вдохновения, стремясь создавать «портреты природы».

Барбизонцы долгое время игнорировались жюри официального Салона.
Однако они стали сами организовывать выставки своих работ и успешно продавать их.
Барбизонская школа стала переходным этапом от романтизма к реализму и создала предпосылки для появления импрессионистического пейзажа. Благодаря барбизонцам появляется такое понятие, как работа на пленэре. До этого художники делали лишь зарисовки и этюды на натуре, картины же создавались в мастерской.
Творчество художников-барбизонцев имело большое значение в развитии западноевропейской, американской и российской пейзажной живописи.
Именно барбизонцы первыми обнаружили, что, нанося чистые цвета легкими мазками, они усиливают световую напряженность. Это был один из главных заветов, которым воспользуются в дальнейшем художники — импрессионисты. Учениками барбизонцев станут Камилль Писсарро и Поль Сезанн. Творчество Т. Руссо и Ж.-Ф. Милле повлияло на художественное становление Поля Гогена и Винсента Ван Гога.
Приехавший в Барбизон в 1860 году Альфред Сислей, увлек сюда Огюста Ренуара и Клода Моне. Здесь, в этом лесу, они нашли пленэр, о котором мечтали, хотя преследовали в своем творчестве другие цели, нежели барбизонцы, проложившие им дорогу.
В наши дни дома Теодора Руссо и Жана Франсуа Милле в Барбизоне стали музеями, а сама деревушка вошла в историю искусства, ведь отсюда вышла вся пейзажная живопись второй половины XIX века.
Как признание огромных заслуг скромных «бородачей из Барбизона» в истории искусства появился специальный термин — «Барбизонская школа живописи», а художников этой школы с полным основанием называют предвестниками новой европейской живописи.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector